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オーケストラ( / ˈ ɔːr k ɪ s t r ə /ⓘ ; OR -ki-strə) [ 1 ]は、クラシック音楽やジャズ、異なる楽器群を組み合わせた大規模な器楽アンサンブルです
ハープは現代のオーケストラ、特にロマン派時代の音楽の演奏では比較的頻繁に用いられています。ピアノ、チェンバロ、パイプオルガン、フリーベースアコーディオン、チェレスタなどの鍵盤楽器は、第5鍵盤セクションとして用いられることもあれば、ソロ楽器として単独で用いられることもあります。現代作品の演奏では、電子楽器やギターが用いられることもあります。[注1 ]
フルサイズの西洋オーケストラは、交響楽団またはフィルハーモニー管弦楽団（ギリシャ語のphil-「愛する」と「調和」に由来）。演奏される作品や会場の規模によって、演奏される音楽家の数は70人から100人以上まで変動する。室内オーケストラ（コンサートオーケストラ）は、50人以下の小規模なアンサンブルである。 [ 2 ]ヨハン・セバスチャン・バッハやゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルバロック音楽、あるいはハイドンやモーツァルト古典派レパートリーを専門とするオーケストラは、やヨハネス・ブラームスの 交響曲などのロマン派音楽レパートリーを演奏するオーケストラよりも小規模である傾向がある。典型的なオーケストラは18世紀から19世紀にかけて規模が拡大し、リヒャルト・ワーグナー後のグスタフ・マーラー。
オーケストラは通常、指揮者が手や腕の動きで演奏を指揮し、指揮棒と呼ばれる短い木の棒を使って演奏者が指揮を見やすくすることが多い。指揮者はオーケストラを統一し、テンポを設定し、アンサンブルの音色を形作る。[ 3 ]また、指揮者は公開コンサートの前にリハーサルを指揮してオーケストラを準備し、演奏する音楽の解釈について演奏者に指示を与える。
第一ヴァイオリンセクションのリーダー、一般にコンサートマスターと呼ばれる人物は、演奏者を率いる上で重要な役割を担っています。バロック音楽の時代（1600年～1750年）には、オーケストラはコンサートマスター、あるいはチェンバロやパイプオルガンで通奏低音を演奏する和音奏者によって率いられることが多く、この伝統は20世紀や21世紀の古楽アンサンブルの一部にも受け継がれています。
オーケストラは、交響曲、オペラやバレエの序曲、独奏楽器のための協奏曲、オペラ、バレエ、そして一部のミュージカル（例えば、ギルバート＆サリバンのオペレッタ）のためのオーケストラピットアンサンブルなど、幅広いレパートリーを演奏します。
アマチュアオーケストラには、小学校、中学校、大学の生徒で構成される青少年オーケストラと、特定の都市や地域のアマチュア音楽家で構成される地域オーケストラが含まれます。
オーケストラという用語は、古代ギリシャ劇場の舞台前のエリアでギリシャ合唱隊のために確保されていた場所を指すギリシャ語のὀρχήστρα（オーケストラ）に由来する。[ 4 ]
バロック時代には、オーケストラの規模や構成は標準化されていませんでした。ヨーロッパのさまざまな地域によって、規模、楽器編成、演奏スタイル、ひいてはオーケストラの音風景や音色に大きな違いがありました。バロック時代のオーケストラは、各パートに1人の奏者からなる小規模なオーケストラ（またはアンサンブル）から、各パートに多数の奏者からなる大規模なオーケストラまで様々でした。小規模なオーケストラの例としては、例えばバッハがケーテンで最大18人の奏者からなるアンサンブルを編成したオーケストラが挙げられます。大規模なバロック時代のオーケストラの例としては、ローマのコレッリのオーケストラが挙げられます。コレッリのオーケストラは、日常の演奏では35人から80人の奏者で構成され、特別な機会には150人にまで拡大されました。[ 5 ]
古典派時代には、オーケストラはより標準化され、小規模から中規模の弦楽器セクションと、オーボエ、フルート、ファゴット、ホルンをそれぞれ2本ずつ組み合わせた管楽器セクションが中心となり、場合によっては打楽器やクラリネット、トランペットがそれぞれ2本ずつ加えられるようになった。
18世紀後半に開拓され、19世紀前半に定着した、オーケストラにおけるいわゆる「標準的な編成」である管楽器と金管楽器の倍編成は、一般的にハイドンとモーツァルトに倣ってベートーヴェンが求めた編成に由来すると考えられている。ベートーヴェンの楽器編成は、ほぼ常にフルート、オーボエ、クラリネット、ファゴット、ホルン、トランペットのペア編成を含んでいた。例外は交響曲第4番、ヴァイオリン協奏曲、ピアノ協奏曲第4番で、それぞれフルート1本が指定されている。ベートーヴェンは、交響曲第3番、第5番、第6番、第9番において、この特定の音色の「パレット」の拡張を綿密に計算し、革新的な効果を生み出した。 「英雄」交響曲の3本目のホルンは、和声的な柔軟性をもたらすだけでなく、三重奏曲楽章における「合唱」金管楽器の効果ももたらす。ピッコロ、コントラファゴット、トロンボーンは、彼の交響曲第5番の勝利のフィナーレを盛り上げます。ピッコロと一対のトロンボーンは、田園交響曲としても知られる第6番で嵐と陽光の効果を生み出すのに役立ちます。第9番では、「英雄」と同様の理由で2組目のホルンが求められます（その後、4本のホルンが標準となりました）。ベートーヴェンがフィナーレでピッコロ、コントラファゴット、トロンボーン、調律されていない打楽器、さらに合唱と声楽ソリストを使用したことは、交響曲の音色の境界が拡張される可能性があることを示唆した最初の例です。彼の死後数十年間、交響曲の楽器編成は、ごくわずかな例外を除いて、ベートーヴェンの確立されたモデルに忠実でした。
1815年にシレジア出身のハインリヒ・シュテルツェルとフリードリヒ・ブリューメルによってピストンとロータリーバルブが発明されたことは、オーケストラに影響を与えた一連の革新の最初のものであった。これには、テオバルト・ベームによるフルートの近代的なキー機構の開発や、アドルフ・サックスによる木管楽器の革新、特にサクソフォンの発明などが含まれる。これらの進歩は、エクトル・ベルリオーズが楽器編成に関する画期的な本を執筆するきっかけとなり、それは楽器の音を音楽の表現要素として使用することに関する最初の体系的な論文となった。[ 6 ]
交響曲の実践における次の大きな拡大は、リヒャルト・ワーグナーが自身の音楽劇の伴奏のために設立したバイロイト管弦楽団からもたらされた。ワーグナーの舞台作品は、かつてないほどの規模と複雑さで作曲された。実際、『ラインの黄金』の楽譜では6台のハープが指定されている。このように、ワーグナーは、影響力のある著作『指揮について』で詳述したように、劇場管弦楽団の指揮者の役割がますます要求されるようになることを構想した。[ 7 ]これは管弦楽作曲に革命をもたらし、その後80年間の管弦楽演奏のスタイルを決定づけた。ワーグナーの理論は、テンポ、強弱、弦楽器の弓使い、管弦楽団の首席奏者の役割の重要性を再検討した。
20世紀初頭、交響楽団は以前よりも規模が大きく、資金も潤沢で、演奏者の訓練も行き届いていたため、作曲家はより大規模で野心的な作品を作曲できるようになった。グスタフ・マーラーの作品は特に革新的で、後期の交響曲、例えば巨大な交響曲第8番では、マーラーは大規模な編成を用いてオーケストラの規模の限界を押し広げた。後期ロマン派の時代には、オーケストラは巨大な弦楽器と金管楽器のセクション、そして拡大された打楽器群によって、最も壮大な形式の交響曲表現を支えることができた。録音時代の到来とともに、演奏水準は新たなレベルに引き上げられた。録音された交響曲は綿密に聴き取ることができ、生演奏では気づかないような音程やアンサンブルのわずかなミスさえも批評家には聞き取れるようになったからである。20世紀から21世紀にかけて録音技術が向上するにつれ、最終的には録音の小さなミスは音声編集やオーバーダビングによって「修正」できるようになった。年配の指揮者や作曲家の中には、音楽をできるだけ上手に「演奏する」ことが基準だった時代を覚えている人もいる。録音によって聴衆が広がったことと相まって、これは特定のスター指揮者やオーケストラの演奏水準の高さに再び注目が集まることにつながった。[ 8 ]
典型的な交響楽団は、木管楽器、金管楽器、打楽器、弦楽器という4つの楽器群から構成されます。ピアノ、アコーディオン、チェレスタなどの楽器は、鍵盤楽器セクションといった5番目のセクションにまとめられる場合もあれば、コンサートハープや電気楽器、電子楽器と同様に、独立したセクションとして編成される場合もあります。楽団の規模にもよりますが、各楽器群の標準的な楽器はほぼすべて揃っています。
オーケストラの歴史において、その楽器編成は時代とともに拡大し、古典派時代[ 9 ]とルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの古典派モデルへの影響[ 10 ]によって標準化されたとよく言われている。20世紀と21 世紀には、新しいレパートリーの要求によりオーケストラの楽器編成が拡大し、その結果、古典派モデルの楽器と新しく開発された電気楽器や電子楽器がさまざまな組み合わせで柔軟に使用されるようになった。20世紀半ばには、ドイツと米国で、交響楽団の楽器編成を1つの楽器のグループのみに限定しようとする試みが何度か行われた。この構成では、交響楽団は完全にフリーリードのクロマチックアコーディオンで構成され、正統的な西洋古典音楽の演奏中にオーケストラの音色と音域全体を再現するように改造された。[ 11 ] [ 12 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ] [ 16 ]
交響楽団とフィルハーモニー管弦楽団という用語は、ロンドン交響楽団とロンドン・フィルハーモニー管弦楽団のように、同じ地域に拠点を置く異なる楽団を区別するために使用されることがあります。[注2 ]交響楽団やフィルハーモニー管弦楽団は通常、80人以上の楽団員を擁し、場合によっては100人を超えることもありますが、特定の演奏会で実際に雇用される楽団員の数は、演奏される作品や会場の規模によって異なる場合があります。[ 2 ]
室内オーケストラは通常、小規模なアンサンブルです。大規模な室内オーケストラでは50人もの演奏家を擁することもありますが、もっと小規模なものもあります。コンサートオーケストラは別の呼び方で、BBCコンサートオーケストラやRTÉコンサートオーケストラなどがその例です。
オーケストラの主要楽器以外にも、時折さまざまな楽器が求められる。[ 17 ]これにはフリューゲルホルンやコルネットが含まれる。例えば、サクソフォンやクラシックギターは、19世紀から21世紀にかけての楽譜に登場する。モーリス・ラヴェルのモデスト・ムソルグスキーの「展覧会の絵」のオーケストラ編曲やセルゲイ・ラフマニノフの「交響的舞曲」など、一部の作品ではソロ楽器としてのみ登場するが、ラヴェルの「ボレロ」、セルゲイ・プロコフィエフの「ロメオとジュリエット」組曲 第1番と第2番、ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第 6番と第 9番、ウィリアム・ウォルトンの「ベルシャザールの饗宴」など、他の多くの作品ではオーケストラの一員としてサクソフォンが用いられている。ユーフォニアムは、後期ロマン派や20 世紀の作品のいくつかでフィーチャーされており、通常は「テナーチューバ」と記されたパートを演奏します。これには、グスターヴ・ホルストの「惑星」やリヒャルト・シュトラウスの「英雄の生涯」が含まれます。ホルン族の改良版であるワーグナーチューバは、リヒャルト・ワーグナーのサイクル「ニーベルングの指環」や、シュトラウス、イーゴリ・ストラヴィンスキー（「春の祭典」でフィーチャー）、ベーラ・バルトークなどの他のいくつかの作品に登場します。また、アントン・ブルックナーの交響曲第 7番ホ 長調でも特に重要な役割を果たしています。[ 18 ]コルネットは、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーのバレエ「白鳥の湖」、クロード・ドビュッシーの「海 」 、エクトル・ベルリオーズのいくつかの管弦楽曲に登場します。これらの楽器を演奏するメンバーが他の楽器も兼任する場合（例えば、トロンボーン奏者がユーフォニアムに持ち替えたり、ファゴット奏者が特定の箇所でコントラファゴットに持ち替えたりする場合）を除き、オーケストラは通常、通常のアンサンブルを補強するためにフリーランスの音楽家を雇います。
20 世紀のオーケストラは、それ以前のオーケストラよりもはるかに柔軟性があった。[ 17 ]ベートーヴェンやフェリックス・メンデルスゾーンの時代には、オーケストラはかなり標準的な楽器編成で、作曲家によって変更されることはごくまれだった。時代が進み、ロマン派時代にはベルリオーズやマーラーなどの作曲家によって受け入れられる変更に変化が見られ、一部の作曲家は複数のハープやウィンドマシンなどの音響効果を使用した。20世紀には、現代のオーケストラは一般的に、以下に挙げる現代的な楽器編成で標準化された。しかしながら、20世紀半ばから後半にかけて、現代クラシック音楽の発展に伴い、楽器編成は作曲家が自由に選択できるようになった（例えば、エレキギターなどの電気楽器、シンセサイザー、 オンド・マルトノ[ 19 ]、トラウトニウム[ 20 ]などの電子楽器、その他の非西洋楽器、あるいはオーケストラでは伝統的に使われていない楽器、例えばバンドネオン[ 21 ]、フリーベースアコーディオン[ 22 ] [ 23 ]、ハーモニカ[ 24 ] [ 25 ]、口琴[26] 、マンドラ[ 26 ] 、ウォーターパーカッション[ 27 ]などを加えることができるようになった）。
この歴史を踏まえると、オーケストラは、バロック時代、古典派時代、初期/中期ロマン派音楽時代、後期ロマン派時代、および現代/ポストモダンの複合時代という 5 つの時代に分けて分析することができます。最初の時代はバロック時代のオーケストラ ( J.S. バッハ、ヘンデル、ヴィヴァルディなど) で、演奏者の数は一般的に少なく、1 つ以上の和音を演奏する楽器、通奏低音グループ (チェンバロやパイプオルガン、およびベースラインを演奏するためのさまざまな低音楽器など) が重要な役割を果たしていました。2 番目の時代は典型的な古典派時代のオーケストラ (初期のベートーヴェン、モーツァルト、ハイドンなど) で、ロマン派音楽のオーケストラよりも演奏者の数が少なく、楽器編成がかなり標準化されていました。3 番目の時代は典型的な初期/中期ロマン派時代のオーケストラ (シューベルト、ベルリオーズ、シューマン、ブラームスなど) です。 4つ目は後期ロマン派／20世紀初頭のオーケストラ（例：ワーグナー、マーラー、ストラヴィンスキー）で、2010年代の現代オーケストラ（例：アダムズ、バーバー、アーロン・コープランド、グラス、ペンデレツキ）が一般的である。
楽器グループ間、そして各楽器グループ内には、一般的に認められた階層構造が存在します。どの楽器グループ（またはセクション）にも首席奏者がおり、通常はグループを率いてオーケストラのソロを演奏する責任を負っています。ヴァイオリンは第1ヴァイオリンと第2ヴァイオリンの2つのグループに分かれており、第2ヴァイオリンは第1ヴァイオリンよりも低い音域で演奏し、伴奏パートを演奏したり、第1ヴァイオリンが演奏するメロディーにハーモニーを付けたりします。首席第1ヴァイオリンはコンサートマスター（英国ではオーケストラの「リーダー」）と呼ばれ、弦楽器セクションのリーダーであるだけでなく、指揮者に次ぐオーケストラ全体のナンバー2とみなされています。コンサートマスターは、コンサート前のチューニングを指揮し、ヴァイオリンや弦楽器セクション全体の弓使いを決めるなど、オーケストラ運営の音楽的な側面を担当します。コンサートマスターは通常、指揮者の左側、聴衆に最も近い席に座ります。また、首席第2ヴァイオリン、首席ヴィオラ、首席チェロ、首席コントラバスもいます。
トロンボーンの首席奏者は低音金管楽器セクションのリーダーとみなされ、トランペットの首席奏者は一般的に金管楽器セクション全体のリーダーとみなされます。オーボエは（300年前の慣習により）オーケストラのチューニング音を提供することが多いですが、木管楽器セクションには通常、指定された首席奏者はいません（ただし、木管アンサンブルでは、フルートがリーダーとみなされることが多いです）。[ 28 ]その代わりに、各首席奏者は音楽的な意見の相違がある場合、他の奏者と対等に協議します。ほとんどのセクションには、副首席奏者（または共同首席奏者、準首席奏者）がおり、第一ヴァイオリンの場合は、首席奏者が不在の場合に代役を務めることに加えて、しばしばトゥッティのパートを演奏する副コンサートマスターがいます。
セクションの弦楽器奏者は、セクションの他の奏者とユニゾンで演奏しますが、分割されたパート（ divisi）の場合は例外で、音楽の上声部と下声部は、しばしば「外側」（聴衆に近い）と「内側」の座席に座る奏者に割り当てられます。弦楽器セクションでソロパートが求められる場合、セクションリーダーは必ずそのパートを演奏します。弦楽器セクションのセクションリーダー（またはプリンシパル）は、コンサートマスターが設定した弓使いに基づいて、弓使いを決定する責任も負います。場合によっては、弦楽器セクションのプリンシパルは、楽器の演奏上の要件（例えば、コントラバスセクション）に対応するために、コンサートマスターとは少し異なる弓使いを使用することがあります。弦楽器セクションのプリンシパルは、セクションが一緒に演奏できるように、通常は演奏開始前に弓を上げることで、セクションの演奏開始をリードします。トゥッティの管楽器奏者と金管楽器奏者は、通常、独自のソロではないパートを演奏します。セクションの打楽器奏者は、プリンシパル打楽器奏者によって割り当てられたパートを演奏します。
現代では、演奏者は通常指揮者によって指揮されるが、初期のオーケストラには指揮者はおらず、コンサートマスターや通奏低音を演奏するチェンバロ奏者がその役割を担っていた。現代のオーケストラの中には、特に小規模なオーケストラや、バロック以前の音楽を歴史的に正確な（いわゆる「時代考証に基づいた」）演奏を専門とするオーケストラでは、指揮者なしで演奏するところもある。
交響楽団で最も頻繁に演奏されるレパートリーは、西洋古典音楽またはオペラです。しかし、オーケストラはポピュラー音楽（例えば、コンサートでロックバンドやポップバンドの伴奏をするなど）や映画音楽で広く用いられ、テレビやビデオゲーム音楽でもますます頻繁に使われるようになっています。シンフォニックメタルというジャンルでもオーケストラは用いられます。「オーケストラ」という用語は、例えばビッグバンド音楽の演奏など、ジャズアンサンブルにも適用されることがあります。
2000年代には、プロのオーケストラの終身在職権を持つメンバーは、通常、アンサンブルのポジションを得るためにオーディションを受ける。演奏者は通常、協奏曲の一楽章、バッハのソロ楽章、オーディションポスターに掲載されているオーケストラ作品からの抜粋など、オーディション参加者が選んだ1つ以上のソロ曲を演奏する（参加者はポスターに載っている曲を事前に準備できる）。抜粋曲は通常、オーケストラ作品の中で最も技術的に難易度の高いパートやソロである。オーケストラのオーディションは通常、指揮者、コンサートマスター、オーディション参加者が応募するセクションの首席奏者、場合によっては他の首席奏者を含む審査員の前で行われる。
一次オーディションで最も有望な候補者は、二次または三次オーディションに招待され、指揮者と審査員が最適な候補者を比較検討します。演奏者はオーケストラの楽譜を初見で演奏するよう求められる場合があります。オーケストラによっては、オーディションプロセスの最終段階としてテストウィークが設けられ、演奏者はオーケストラと1週間または2週間演奏することで、指揮者と首席奏者が、その演奏者が実際の練習や演奏の場でうまく機能するかどうかを確認します。
雇用形態には様々な種類があります。最も人気が高いのは、オーケストラの終身雇用制の常勤職です。オーケストラは、1回のコンサートからシーズン全体、あるいはそれ以上の期間にわたる契約で演奏者を雇用することもあります。契約演奏者は、オーケストラが後期ロマン派時代の非常に大規模なオーケストラ作品を演奏する場合や、常勤メンバーが病気になった場合の代役として、個々のコンサートのために雇用されることがあります。1回のコンサートのために雇用されるプロの演奏家は、「サブ」と呼ばれることもあります。常勤メンバーが育児休暇や病気休暇を取得している期間、そのメンバーの代わりとして契約演奏者が雇用されることもあります。
歴史的に、主要なプロのオーケストラは、ほとんどまたは完全に男性で構成されてきました。プロのオーケストラで最初に採用された女性はハープ奏者でした。たとえば、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団は、1997年まで女性を常勤メンバーとして受け入れませんでした。これは、同等のオーケストラ（他のオーケストラは、2008年にグラモフォン誌で世界のトップ5にランクインしました）よりもはるかに遅いことです。[ 29 ]主要なオーケストラで最後に女性を常勤の地位に任命したのはベルリン・フィルハーモニー管弦楽団でした。[ 30 ] 1996年2月、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団の首席フルート奏者ディーター・フルーリーは、西ドイツ放送に対し、女性を受け入れることは「この組織が現在持っている感情的な一体感（emotionelle Geschlossenheit）を賭けることになる」と述べました。[ 31 ] 1996年4月、オーケストラの広報担当者は、産休による「予想される休暇の補償」が問題になるだろうと書いています。[ 32 ]
1997年、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団は、全米女性機構と国際女性音楽家連盟による「米国ツアー中の抗議に直面していた」。最終的に、「社会的に保守的なオーストリアでさえますます嘲笑されるようになった後、楽団員は 出発前日の1997年2月28日に臨時会を開き、アンナ・レルケスという女性をハープ奏者として受け入れることに同意した」[ 33 ] 。 2013年現在、楽団には6人の女性メンバーがおり、そのうちの1人であるヴァイオリニストのアルベナ・ダナイロヴァは、2008年に楽団のコンサートマスターの1人となり、同楽団でその地位に就いた最初の女性となった[ 34 ] 。 2012年には、女性は楽団員の6%を占めていた。VPO会長のクレメンス・ヘルスベルクは、VPOは現在、完全に選考されたブラインドオーディションを使用していると述べた[ 35 ]。
2013年にマザー・ジョーンズ誌の記事では、「多くの名門オーケストラにはかなりの数の女性メンバーがおり、ニューヨーク・フィルハーモニックのヴァイオリン・セクションでは女性が男性を上回っている。また、ナショナル交響楽団、デトロイト交響楽団、ミネソタ交響楽団など、いくつかの著名なアンサンブルは女性ヴァイオリニストが率いている」と述べられているが、主要オーケストラのコントラバス、金管楽器、打楽器セクションは「依然として圧倒的に男性が多い」としている。[ 36 ] 2014年のBBCの記事では、「審査員が性別や人種による偏見を持てないように、志望者がスクリーンの後ろで演奏する『ブラインド』オーディションの導入により、伝統的に男性が支配的だった交響楽団の男女比が徐々に変化している」と述べている。[ 37 ]
アマチュアオーケストラも数多く存在する。
オーケストラは、17 世紀の舞曲組曲、18 世紀のディヴェルティメントから20 世紀の映画音楽、21 世紀の交響曲まで、幅広いレパートリーを演奏します。オーケストラは交響曲と同義語となっています。交響曲は西洋古典音楽における長大な楽曲で、通常、対照的な調とテンポを提供する複数の楽章から構成されます。交響曲は楽譜に記譜され、すべての楽器パートが記載されています。指揮者は楽譜を使用してリハーサル前に交響曲を研究し、解釈 (テンポ、アーティキュレーション、フレージングなど) を決定し、リハーサルやコンサート中にアンサンブルを指揮しながら音楽を追跡します。オーケストラの演奏家は、自分の楽器の楽譜のみが記譜されたパート譜から演奏します。少数の交響曲には声楽パートも含まれています (例:ベートーヴェンの第 9 交響曲)。
オーケストラは序曲も演奏するが、この用語はもともとオペラの器楽による導入部を指す言葉であった。[ 38 ]初期ロマン派時代には、ベートーヴェンやメンデルスゾーンなどの作曲家が、フランツ・リストが劇的序曲として始まったいくつかの作品で考案した交響詩などのジャンルを予見する、独立した自己完結型の器楽による標題音楽作品を指すためにこの用語を使い始めた。これらは「当初は間違いなくプログラムの冒頭で演奏されることを意図していた」。[ 38 ] 1850年代には、コンサート序曲は交響詩に取って代わられ始めた。
オーケストラは協奏曲において、楽器奏者と共演することもあります。協奏曲では、オーケストラは独奏者（例えば、独奏ヴァイオリニストやピアニスト）の伴奏役を務め、独奏者が演奏していない時には、音楽的なテーマや間奏曲を演奏することもあります。オーケストラはオペラ、バレエ、一部のミュージカル、そして一部の合唱曲（ミサ曲などの宗教曲と世俗曲の両方）でも演奏します。オペラやバレエでは、オーケストラはそれぞれ歌手やダンサーの伴奏を務め、序曲や間奏曲ではオーケストラの旋律が主役となります。
バロック時代には、オーケストラは貴族の邸宅、オペラホール、教会など、さまざまな場所で演奏していました。裕福な貴族の中には、邸宅に常駐オーケストラを置き、自分たちや客人を楽しませていた者もいました。古典派時代になると、作曲家が一般大衆からの財政支援をますます求めるようになり、オーケストラのコンサートは公共のコンサートホールで開催されることが増え、音楽愛好家はチケットを購入してオーケストラの演奏を聴くことができるようになりました。古典派時代にも貴族によるオーケストラへの支援は続きましたが、これは公共のコンサートと並行して行われてい ました。20世紀と21世紀には、オーケストラは新たな支援者、すなわち政府を見つけました。北米とヨーロッパの多くのオーケストラは、国、地方自治体（例えば、米国の州政府）、または市町村政府から資金の一部を受け取っています。これらの政府補助金は、チケット販売、慈善寄付（オーケストラが慈善団体として登録されている場合）、その他の資金調達活動とともに、オーケストラの収入の一部となっています。録音技術、ラジオ放送、テレビ放送、インターネットを利用したコンサート動画のストリーミング配信やダウンロードなど、次々と登場する技術の発明により、オーケストラは新たな収入源を見出すことができた。
オーケストラ演奏における「口に出せない大きな話題」の一つに「フェイク」がある。これは、オーケストラ奏者が楽譜 に書かれている音符を実際に演奏していないにもかかわらず、非常に高い音や非常に速い音の非常に難しいパッセージで、楽譜に書かれているすべての音符を演奏しているという偽りの印象を与えるプロセスである。[ 39 ]『ストラッド』誌の記事によると、一流オーケストラの奏者でさえ、時折特定のパッセージをフェイクしているという。[ 39 ]奏者がフェイクをする理由の一つは、リハーサルが十分に行われていないことである。 [39 ]もう一つの要因は、20世紀と21世紀の現代作品の極めて難しい点である。一部のプロは、「フェイクは現代作品の10%からほぼ90%で必要」だと述べている。[ 39 ]インタビューを受けたプロの演奏家は、楽器に合わせてパートがうまく書かれていない場合はフェイクが許容されるかもしれないが、「練習していない」という理由だけでフェイクをすることは許容されないという点で意見が一致していた。[ 39 ]
古楽運動の到来とともに、演奏者が古い演奏法に関する論文の研究から派生した様式で作品の演奏に取り組む小規模なオーケストラが一般的になった。これには、啓蒙時代オーケストラ、サー・ロジャー・ノリントン指揮のロンドン・クラシカル・プレイヤーズ、クリストファー・ホグウッド指揮のアカデミー・オブ・エンシェント・ミュージックなどが含まれる。[ 40 ]
20世紀後半、アメリカでは オーケストラの資金調達と支援が危機に瀕した。交響楽団の規模と費用が、支援者層の規模に比べて大きすぎることが、組織の根幹を揺るがす問題となった。ホールを満員にできるオーケストラは少なくなり、長年続いてきた定期会員制度は時代遅れになりつつあった。多くの聴衆が、個々の公演ごとにチケットを購入するようになったためだ。オーケストラの基金、そしてアメリカのオーケストラの日常運営においてより重要な役割を担う寄付者は、投資ポートフォリオの縮小や収益率の低下に直面し、寄付者の拠出能力が低下した。さらに、寄付者が他の社会貢献活動により魅力を感じる傾向も見られた。政府からの資金援助は、ヨーロッパのオーケストラほどアメリカのオーケストラにとって重要ではないものの、その削減はアメリカのオーケストラにとっても大きな影響を与えている。最後に、録音業界自体の変化に伴う録音収入の急激な減少は、未だ終結していない変革期の始まりとなった。
連邦破産法第11章の適用を受けた米国のオーケストラには、フィラデルフィア管弦楽団（ 2011年4月）とルイビル管弦楽団（ 2010年12月）がある。連邦破産法第7章の適用を受け、活動を停止したオーケストラには、2006年のノースウェスト室内管弦楽団、2011年3月のホノルル管弦楽団 、 2011年4月のニューメキシコ交響楽団、 2011年6月のシラキュース交響楽団 がある。フロリダ州オーランドのオーケストラ・フェスティバルは、 2011年3月末に活動を停止した。
注目と批判を集めた財政難の原因の一つは、米国のオーケストラの音楽監督の高額な給与であり、[ 41 ]近年、著名な指揮者数名が減給を受け入れた。[ 42 ] [ 43 ] [ 44 ]マイケル・ティルソン・トーマスやエサ＝ペッカ・サロネンといった音楽管理者は、新しい音楽、それを提示する新しい方法、そしてコミュニティとの新たな関係が交響楽団を活性化できると主張した。アメリカの評論家グレッグ・サンドーは、オーケストラは音楽、演奏、コンサート体験、マーケティング、広報、コミュニティへの関与、プレゼンテーションへのアプローチを見直し、ポピュラー カルチャーに浸っている21世紀の聴衆の期待に沿うようにしなければならないと詳細に論じている。
現代の作曲家が、望む効果を得るために、様々なシンセサイザーを含む型破りな楽器を使用することは珍しくない。しかし、多くの作曲家は、より伝統的なオーケストラ編成の方が、音色や深みをより豊かに表現できると考えている。ジョン・アダムズのような作曲家は、オペラ『ニクソン・イン・チャイナ』のように、ロマン派規模のオーケストラをしばしば用いる。フィリップ・グラスなどはより自由な編成を用いるかもしれないが、それでも規模の限界を認識している。特にグラスは近年、『チェロとオーケストラのための協奏曲』や『ヴァイオリン協奏曲第 2番』などの作品で、伝統的なオーケストラ編成に回帰している。
資金不足に伴い、米国の一部のオーケストラは総人員数を削減し、演奏会に出演する奏者の数も減らしている。演奏会における人数削減は、通常、弦楽器セクションに限られている。これは、弦楽器セクションの人数は伝統的に柔軟であったためである（通常、複数の奏者が同じパートを演奏する）。
指揮とは、オーケストラや合唱コンサートなどの音楽演奏を指揮する技術である。指揮者の主な役割は、テンポを設定し、アンサンブルの各メンバーが正しく演奏を開始できるようにし、必要に応じてフレーズを「形作る」ことである。[ 3 ]指揮者は、自分の考えや解釈を伝えるために、主に手振りで演奏者とコミュニケーションを取り、通常は（必ずしもそうとは限らないが）指揮棒を使用し、関連する演奏者と目を合わせるなどの他のジェスチャーや合図を用いることもある。[ 45 ]指揮者の指示は、演奏前のリハーサルで演奏者に対して口頭で指示や提案を行うことで、ほぼ必ず補足または強化される。[ 45 ]
指揮者は通常、すべての楽器と声部の楽譜が記されたフルスコアを置くための大きな譜面台を備えた高い演台に立ちます。18 世紀半ば以降、ほとんどの指揮者は指揮中に楽器を演奏しませんが、クラシック音楽の歴史のそれ以前の時代には、楽器を演奏しながらアンサンブルを率いることは一般的でした。1600年代から 1750 年代のバロック音楽では、グループは通常チェンバロ奏者または第一ヴァイオリン奏者 (コンサートマスターを参照) によって率いられ、このアプローチは現代ではこの時代の音楽の音楽監督によって復活しています。ピアノやシンセサイザーを演奏しながら指揮することも、ミュージカルのオーケストラピットで行われることがあります。演奏中のコミュニケーションは通常非言語的です (これは厳密には芸術音楽の場合ですが、ジャズのビッグバンドや大規模なポップアンサンブルでは、「カウントイン」などの口頭指示が時折ある場合があります)。しかし、リハーサルでは、頻繁に中断されることで、指揮者は音楽の演奏方法や歌い方について口頭で指示を与えることができる。
指揮者は、指揮するオーケストラや合唱団のガイド役を務めます。演奏する作品を選び、楽譜を研究し、テンポ、アーティキュレーション、フレージング、セクションの繰り返しなどに関して調整を加えたり、解釈を練り上げ、演奏者にそのビジョンを伝えたりします。また、リハーサルのスケジュール調整[ 46 ] 、コンサートシーズンの計画、オーディションの聴取とメンバーの選抜、メディアでのアンサンブルの宣伝など、組織的な問題にも携わります。オーケストラ、合唱団、コンサートバンド、ビッグバンドなどの大規模な音楽アンサンブルは通常、指揮者によって率いられます。
バロック音楽の時代（1600年～1750年）には、ほとんどのオーケストラは、コンサートマスターと呼ばれる演奏家の一人、通常は首席ヴァイオリンの奏者によって指揮されていました。コンサートマスターは、弓をリズミカルに持ち上げることで曲のテンポをリードしました。また、バロック時代の器楽アンサンブル曲のほとんどの中心となる通奏低音パートを演奏する和音奏者の一人が指揮を執ることもありました。通常、これはチェンバロ奏者、パイプオルガン奏者、またはリュート奏者かテオルボ奏者でした。鍵盤楽器奏者は、頭を動かしたり、鍵盤から片手を離してより難しいテンポの変化をリードすることでアンサンブルをリードすることができました。リュート奏者やテオルボ奏者は、楽器のネックを上下に動かして曲のテンポを示したり、終止やエンディングでリタルダンドをリードしたりすることでリードしました。合唱と器楽アンサンブルを組み合わせた作品の中には、2人のリーダーが用いられる場合もあった。楽器奏者を率いるコンサートマスターと、歌手を率いる弦楽器奏者である。古典派音楽の時代（ 1720年頃～1800年頃）には、通奏低音を演奏するために弦楽器を用いる慣習は徐々に廃れ、1800年までには完全に消滅した。代わりに、アンサンブルは指揮者を用いてオーケストラのテンポや演奏スタイルを指導するようになり、コンサートマスターは、特に弦楽器奏者に対して、それぞれの弦楽器で可能な範囲でコンサートマスターの弓の運び方や演奏スタイルを模倣するなど、追加的な指導的役割を担うようになった。
1922年、革命後のソビエト連邦で指揮者なしのオーケストラの構想が復活した。交響楽団ペルシムファンスは指揮者なしで結成された。創設者たちは、楽団はすべての人々が平等である理想的なマルクス主義国家をモデルにすべきだと考えていたからである。そのため、楽団員は独裁的な指揮者の指揮を受ける必要はないと感じ、代わりにテンポや演奏スタイルを決定する委員会によって指導された。ソビエト連邦内では一定の成功を収めたものの、この構想の主な難点は演奏中のテンポ変更であった。委員会がテンポ変更の箇所について指示を出していたとしても、楽団内にテンポ変更を指導するリーダーがいなかったからである。楽団は10年間存続したが、スターリンの文化政策によって資金が打ち切られ、解散させられた。[ 47 ]
欧米諸国では、ニューヨークを拠点とするオルフェウス室内管弦楽団のように、指揮者なしのオーケストラで成功を収めている楽団もあるが、決定は楽団内のリーダーシップ（例えば、首席管楽器奏者や弦楽器奏者、特にコンサートマスター）に委ねられることが多い。一方、首席奏者（通常はヴァイオリニスト）が芸術監督を務め、リハーサルやコンサートを指揮してきた伝統に回帰した楽団もある。例としては、オーストラリア室内管弦楽団、アムステルダム・シンフォニエッタ＆キャンディダ・トンプソン、ニュー・センチュリー室内管弦楽団などが挙げられる。また、古楽運動の一環として、20世紀および21世紀のオーケストラの中には、バロック時代の慣習を復活させ、バロック作品では指揮者を指揮台に置かず、コンサートマスターや通奏低音奏者（例えば、チェンバロやオルガン）が楽団を率いるという スタイルを採用しているものもある。
オーケストラ作品の中には、幽玄で神秘的な効果を生み出すために、舞台裏のトランペットを使用したり、オーケストラの他の楽器を舞台裏や舞台後方に配置したりすることが指定されているものがあります。舞台裏の楽器奏者が正確なタイミングで演奏できるように、時には副指揮者が主指揮者をはっきりと見渡せる舞台裏に配置されます。例としては、グスターヴ・ホルストの「惑星」の「海王星」の終楽章が挙げられます。主指揮者が大編成のオーケストラを指揮し、副指揮者が主指揮者のテンポやジェスチャーを舞台裏の演奏者（または複数の演奏者）に伝達します。指揮者を2人使う場合の課題の1つは、2人目の指揮者が主指揮者と同期がずれたり、主指揮者のジェスチャーを誤って伝えたり（または誤解したり）して、舞台裏の楽器のタイミングがずれてしまう可能性があることです。 20世紀後半 から21 世紀初頭にかけて、一部のオーケストラでは、2人の指揮者を使う代わりに、首席指揮者に向けたビデオカメラと、舞台裏の演奏者の前に設置された閉回路テレビを使用するようになった。
ポリスタイリズムとポリテンポ[ 48 ]音楽の技法により、20世紀と21世紀の作曲家の中には、 複数のオーケストラやアンサンブルが同時に演奏する音楽を作曲する者もいる。こうした傾向は、各音楽家グループを別々の副指揮者が指揮するポリコンダクター音楽という現象を生み出した。通常、1人の主指揮者が副指揮者を指揮し、それによって全体の演奏を形作る。パーシー・グレインジャーの『ザ・ウォリアーズ』には、オーケストラの主指揮者、舞台裏の金管アンサンブルを指揮する副指揮者、打楽器とハープを指揮する三次指揮者の3人の指揮者が登場する。20世紀後半の管弦楽作品の一例として、カールハインツ・シュトックハウゼンの『グルッペン』がある。これは、聴衆の周囲に配置された3つのオーケストラのための作品である。このようにして、電気音響作品のように「音の塊」を空間化することができる。『グルッペン』は1958年にケルンで初演され、シュトックハウゼン、ブルーノ・マデルナ、ピエール・ブーレーズが指揮を務めた。1996年にはサイモン・ラトル、ジョン・ケアウェ、ダニエル・ハーディングによって演奏された。[ 49 ]
クラシック音楽の演奏における様式に関する論文
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