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オーケストラの音響効果向上とは、オーケストレーション技術、建築的な改変、あるいは電子技術を用いて、ミュージカル、バレエ、オペラ などのオーケストラの音色、複雑さ、あるいは音色を変化させる手法のことである。オーケストラの音響効果向上は、新たな音色を生み出すためだけでなく、既存のオーケストラ編成に新たな可能性を加えるためにも用いられる。
オーケストラピットに楽器を追加することは、より豊かで深みのあるサウンドを得るために長年用いられてきた手法です。1970年代以降、ミュージカルでは音響増幅システムを用いて楽器の音量が増幅されるようになりました。1980年代には、電子シンセサイザー、シーケンサー、録音済みの音楽トラックの導入が、当初は音楽家組合や演奏家から不安視されました。しかし、これらの技術は伝統的なオーケストラピットの楽器を完全に置き換えるのではなく、生演奏のバイオリン奏者、管楽器奏者、リズムセクションのメンバーと併用されることが多くなっています。
オーケストラの音色を補強するシステムは、録音済み、サンプリング済み、合成済み、またはシーケンス化された音を使用して、欠落している楽器の音をリアルにシミュレートし、シーケンサーファイルやコンピュータプログラムなどのスコア形式で複数の作品を保存し、テンポを変化させることができるべきである。
さらに、オーケストラの音響効果を高めるシステムには、歌い忘れや舞台上でのアクシデントに対応するため、リアルタイムで調整できる機能や、楽曲全体またはその一部を移調できる機能が必要です。また、指揮者が各楽器の音のミックスやレベルをリアルタイムで変更できる機能も必要です。
楽器を追加することは、オーケストラの演奏を向上させるための古くから用いられてきた手法です。最もシンプルな追加方法は、楽譜に既に存在する楽器の演奏者を追加することです。例えば、ミュージカルの指揮者は、より豊かで深みのある弦楽器の音色を得るために、バイオリンを追加することがあります。同様に、指揮者はリズムセクションの楽器、例えばハモンドオルガン、シンセサイザー、アコースティックギターなどの和音楽器を追加したり、ドラムセット用に作曲された楽曲であれば、パーカッショニストを追加したりすることができます。
楽器を追加するより複雑な方法として、楽譜に指定されていない楽器を追加する場合があり、その場合は編曲家またはオーケストレーターが各パートの楽譜を作成する必要があります。例えば、音楽監督がミュージカルのオーケストラピットにサックスとトランペットからなるブルース調のホーンセクションを追加したい場合、ジャズまたはブルースの編曲家がそのセクションに適した演奏法でパートを編曲しなければなりません。
オーケストラピットの音は、建築的な変更を加えることによっても調整できます。例えば、カーテンや豪華な布製の旗などを追加する建築的な変更は、ホール内の不要な残響を軽減するために用いられます。また、アクリルガラスのスクリーンを設置するなどの変更は、トランペット、シンバル、ドラムセット、エレキギターアンプなどの大きな楽器の音量を下げるために用いられます。
場合によっては、オーケストラの音色を強化するために建築的な変更が加えられる。コントラバスを中空の木製台座の上に設置することで、楽器の低音振動がよりよく共鳴するようにしたり、一部の楽器セクションの上に吊り天井を設置して、音を観客席に向けてより効果的に響かせたりする。また、音を「閉じ込める」役割を果たす、張り出したプロセニアムアーチや幕を取り除く場合もある。
しかし、古い音楽劇場の中には、歴史的建造物に指定されているため、恒久的な建築上の変更が難しい場合があります。そのため、舞台のアーチや木製パネルの撤去は不可能かもしれませんが、半永久的な追加設備（例えばアクリルガラス）の使用は許可される可能性があります。
1960年代以降、ミュージカル劇団は楽器にマイクを設置し、拡声器を通して増幅することでオーケストラの音を強化してきた。これにより音量は大きくなるものの、アンサンブルの響きや楽器の音色を正しく再現できない場合がある。高品質のマイクを使用し、熟練した音響エンジニアによるイコライジングを行わなければ、増幅されたオーケストラ楽器の音は不自然に聞こえる可能性がある。高品質のコンデンサーマイクを使用し、適切な位置に設置しなければ、バイオリンの音は「ザラザラ」として薄っぺらく聞こえ、ダブルリードの木管楽器の音は過度に鼻にかかったような音になることがある。
ミュージカルで標準的な拡声システムを使用する際の問題点の1つは、客席スピーカーとモニタースピーカーが観客の視界を遮り、舞台の見栄えを損なう可能性があることです。場合によっては、大型スピーカーを舞台装置や幕の後ろに隠すことでこの問題を解決できます。ミニマルな現代作品のように、舞台装置がほとんど、あるいは全くない作品では、音響エンジニアはよりスリムで高価な薄型スピーカーを選択することがあります。あるいは、スチールケーブルを使って舞台上のリギングにスピーカーをしっかりと固定し、「吊り下げる」方法を選択することもあります。
1980年代以降、一部のオペラカンパニーは、音響増強という微妙な音響補強システムを実験的に導入してきました。音響増強システムは、コンサートホールの音響をより均一にし、客席エリアの「デッドスポット」を防ぐのに役立ちます。音響増強システムは、「コンピューターに接続されたマイクロフォンアレイ」を使用し、コンピューターが音を処理して、コンサートホールに分散配置されたアンプとスピーカーアレイに送ります。コンピュータープロセッサは、ホールの自然な音響を増強し、「デッドスポット」を防ぐように設計されています。しかし、コンサートの観客がこれらのシステムの使用に気づくと、「純粋主義者は、特定のホールでの[クラシック]声[または]楽器の自然な音響は変更されるべきではないと主張する」ため、議論が巻き起こりました。[ 1 ]
予算削減策として、一部のミュージカル劇団はクリックトラックと呼ばれる録音済みの音楽トラックを使用している。これらの録音は温かみのある説得力のあるサウンドを提供できるものの、テンポが固定されているため、音楽監督は録音済みの音楽のテンポに合わせなければならない。
1990年代以降、録音済みの音楽トラックは、電子シーケンサーに置き換えられることが増えてきました。MIDI（Musical Instrument Digital Interface）規格を活用して複数のシンセサイザーパートを制御するように設計されたコンピュータプログラムは数多く存在します。これらのデバイスは、事実上「演奏」を保存し、それを再生することができます。シーケンサーは、オーケストラのリアルなシミュレーションが可能な強力なツールです。しかし、これらのデバイスは主にスタジオ環境での使用を想定して設計されています。
事前に録音されたサウンドトラックに数人の生演奏者が伴奏する方式を採用した最初のブロードウェイミュージカルは、2011年5月の『プリシラ、クイーン・オブ・ザ・デザート』でした。プロデューサーは、合成音でチープなサウンドを求めていたと述べています。[ 2 ]
シンセサイザーは、多くのミュージカル作品で、新しい現代的なシンセサイザー音色を作り出すため、あるいはサンプリング音や合成音を用いてオーケストラ楽器をシミュレートするために使用されています。最も一般的な解決策は、オーケストラの中に1人以上のシンセサイザー奏者を配置し、それぞれが複数のパートを担当することです。
オーケストラ楽器の代わりにシンセサイザー奏者を用いる方法は、録音済みの音楽を用いる方法よりも柔軟性が高い（シンセサイザー奏者は指揮者のテンポに合わせて演奏できる）ものの、かなり説得力のある音色を得るには、高品質のシンセサイザーとサンプル音源を使用する必要がある。安価なシンセサイザーでは、オーケストラ楽器の音はしばしば薄っぺらく、人工的な響きになってしまう。
高品質のデジタルサンプラーを使用しても、得られるサウンドには生演奏のオーケストラの複雑なニュアンスは含まれません。サンプリングまたは合成された金管楽器や木管楽器のサウンドから、より本格的なアーティキュレーションやニュアンスを得るには、ピアノスタイルのキーボードではなく、MIDIウィンドコントローラーを使用して演奏することができます。ウィンドコントローラーは、演奏者のアンブシュア、呼吸圧、その他の要素を感知し、その入力をシンセサイザーが伝統的な木管楽器や金管楽器に期待されるニュアンスに「変換」することができます。
その他の電子楽器としては、コンピュータ音楽システムで使用されるソフトウェアベースの楽器や、舞台上のパフォーマーの動きに反応する特注のMIDIコントローラーなどがある。後者の技術は、一部の実験的な現代舞踊団によってシンセサイザーと照明効果の両方を制御するために使用されており、舞台上のダンサーの動きに合わせて音と光が変化するようになっている。