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| エモ | |
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エモ （ˈ iː m oʊ /）は、感情的で告白的な歌詞が特徴の音楽ジャンルである。 1980年代半ばのワシントンD.C.のハードコアシーンからハードコアパンクやポストハードコアのスタイルとして登場し、エモーショナル・ハードコアまたはエモコアとして知られていた。ライツ・オブ・スプリングやエンブレイスなどのバンドがこのジャンルの先駆者となった。1990年代前半から半ばにかけて、エモは、サニーデイ・リアル・エステート、ジョーブレイカー、キャプテン・ジャズ、ジミー・イート・ワールドなどのオルタナティブロック、インディーロック、パンクロック、ポップパンクバンドに取り入れられ、再発明された。1990年代半ばまでに、ブレイド、プロミス・リング、ゲット・アップ・キッズが中西部のエモから登場し、いくつかの独立系レコードレーベルがこのジャンルに特化し始めた。一方、サンディエゴのバンド、ヘロインやアンティオック・アローが先駆けとなり、叫び声のようなボーカルを使ったより攻撃的なスタイルのエモであるスクリーモも登場した。スクリーモは、ホーソーン・ハイツ、シルバースタイン、ストーリー・オブ・ザ・イヤー、サーズデイ、ザ・ユーズド、アンダーオースなどのバンドとともに、2000年代に主流の成功を収めた。
サブカルチャーとして見られることも多いエモは、ファンとアーティストとの特定の関係や、ファッション、文化、行動の特定の側面も意味する。エモファッションには、スキニージーンズ、黒のアイライナー、バンド名が入ったタイトなTシャツ、スタッズベルト、前髪を長くした真っ黒なストレートヘアなどがある。2000年代前半から中頃にかけて、このような服装をするエモミュージックのファンは「エモキッズ」または「エモ」と呼ばれている。エモのサブカルチャーは、社会的疎外、感受性、人間嫌い、内向性、不安とステレオタイプ的に関連付けられていた。うつ病、自傷行為、自殺との関連が主張されていることと、2000年代前半の人気の高まりが相まって、エモに対する反発を引き起こし、マイ・ケミカル・ロマンスやパニック・アット・ザ・ディスコなどの一部のバンドは、エモを取り巻く社会的偏見と論争のために、エモというラベルを拒否した。
エモとそのサブジャンルであるエモポップは、ジミー・イート・ワールドやダッシュボード・コンフェッショナルの成功により2000年代初頭に主流文化に入り、多くのアーティストが大手レコード会社と契約を結んだ。マイ・ケミカル・ロマンス、AFI、フォール・アウト・ボーイ、レッド・ジャンプスーツ・アパラタスなどのバンドは、2000年代の残りの期間、このジャンルの人気を継続した。2010年代初頭までにエモの人気は衰え、一部のエモバンドはサウンドを変え、他のバンドは解散した。しかしながら、一方では主にアンダーグラウンドでエモが復活し、ワールド・イズ・ア・ビューティフル・プレイス・アンド・アイ・アム・ノー・ロンガー・アフレイド・トゥ・ダイやモダン・ベースボールなどのバンドは、1990年代のエモのサウンドと美学を取り入れた。2010年代後半には、エモ・ラップと呼ばれる融合ジャンルが主流となり、最も有名なアーティストにはリル・ピープ、XXXテンタシオン、ジュース・ワールドなどがいた。
特徴
エモはハードコアパンク[1] [2]から生まれ、ポストハードコアの一形態と考えられています。[3]それにもかかわらず、エモはオルタナティブロック[4] 、 インディーロック[5] 、パンクロック[6]、ポップパンク[ 7 ]のジャンルとしても考えられています。[8]エモは、パンクロック音楽の柔らかさと音量の両方を活用したギターダイナミクスを使用します。[9]エモの一部は、複雑なギターワーク、型破りな曲構成、極端なダイナミックシフトを使用するジャンルで、プログレッシブミュージックの特徴を活用しています。[1]
エモミュージックの焦点である歌詞は、典型的には感情的で、しばしば個人的または告白的であり、[9]失恋、[10]自己嫌悪、痛み、不安、自殺願望、愛、人間関係などのテーマを扱っている。[9] AllMusic [信頼できない情報源? ] は、エモの歌詞を「通常、自由連想詩または親密な告白」と表現した。[1]初期のエモバンドは、メロディーと感情的または内省的な歌詞を使用し、通常のハードコアパンクよりも構造化されていないハードコアパンクバンドであり、初期のエモバンドは通常のハードコアパンクの攻撃性、怒り、および詩-コーラス-詩の構造とは異なっていた。[11]
AllMusic によると、1990 年代のエモバンドのほとんどは「フガジ、サニーデイ・リアル・エステート、ウィーザーを組み合わせたもの」だそうです。[1] ニューヨークタイムズ紙はエモを「感情的なパンク、ポストハードコア、ポップパンク」と評しました。つまり、心をさらけ出し、音の攻撃を和らげるために少し優しさを試みているパンクです。セックス・ピストルズで歌うリッキー・ネルソンを想像してみてください。」[12]作家のマット・ディールはエモを「パンクの使命をより繊細に表現したもの」と呼びました。[10]メリアム・ウェブスターによると、エモは「パンクロックの影響を受け、内省的で感情を込めた歌詞が特徴のロック音楽のスタイル」です。[13]
歴史
先人たち
ビーチ・ボーイズの1966年のアルバム『ペット・サウンズ』は、最初のエモ・アルバムだと考えられることもある。音楽ライターのルーク・ブリットンによると、そのような主張はおそらく「皮肉を込めて」述べられており、「このジャンルの先駆者は」1980年代後半に登場したことは一般に認められている、と書いている。 [14]この10年間で、ワシントンDCでは多くのハードコア・パンクやポスト・ハードコアのバンドが結成された。ハードコア・パンクの実験的な派生であるポスト・ハードコアは、ポスト・パンクに触発された。 [15]初期のエモ・バンドに影響を与えたハードコア・パンク・バンドやポスト・ハードコア・バンドには、マイナー・スレット、 [16]ブラック・フラッグ、ハスカー・ドゥなどがある。 [17]
1984–1991: 起源
ポストハードコアのサブジャンルとして始まったエモは、[3] 1980年代のワシントンDCのハードコアパンク[1]シーンの一部であり、ワシントンDCのハードコアシーンの暴力的な部分とは異なるものであった。[11] [18] [19]マイナー・スレットのファンであるガイ・ピチオットは、ハードコアパンクの音楽スタイルを使用し、その音楽スタイルにメロディアスなギター、多様なリズム、個人的で感情的な歌詞を組み合わせ、1984年にライツ・オブ・スプリングを結成した。 [16]ノスタルジア、ロマンチックな苦味、詩的な絶望など、バンドのテーマの多くは、後のエモ音楽でおなじみの比喩となった。 [20]パフォーマンスは観客が涙を流すような公開感情の吐露であった。[21]マイナー・スレットのイアン・マッケイはライツ・オブ・スプリングのファンになり（彼らの唯一のアルバムをレコーディングし、ローディーを務めた）、自己探求と感情の解放という同様のテーマを探求したエモバンド、エンブレイスを結成した。 [ 22] 1985年の「レボリューション・サマー」でも同様のバンドが続いた。これはワシントンのシーンのメンバーが通常のハードコアパンクの特徴から脱却し、異なる特徴を持つハードコアパンクスタイルに挑戦した試みだった。[19]グレイ・マター、ビーフィーター、ファイアー・パーティー、ダグ・ナスティ、ソウルサイドなどのバンドがこの運動に関連していた。[22] [19]
「エモ」という言葉の起源は定かではないが、証拠から「エモ」という言葉は1980年代半ば、具体的には1985年に造られたことがわかる。『Nothing Feels Good: Punk Rock, Teenagers, and Emo』の著者アンディ・グリーンウォルドによると、 「『エモ』という言葉の起源は謎に包まれているが、1985年に初めて一般的に使われるようになった。マイナー・スレットがハードコアだとしたら、焦点を変えた『Rites of Spring』はエモーショナル・ハードコア、つまりエモコアだった」という。[22] 『Our Band Could Be Your Life 』の著者マイケル・アゼラッドも、この言葉の起源を1980年代半ばまでさかのぼり、「このスタイルはすぐに『エモコア』と呼ばれるようになり、関係者全員がこの用語を激しく嫌った」としている。[23]マッケイは、この用語の由来を1985年にまで遡らせ、 Thrasher誌の記事でEmbraceとワシントンDCの他のバンドが「エモコア」と呼ばれたことに由来する（マッケイはこれを「これまでの人生で聞いた中で最も馬鹿げた話」と呼んだ）。[24]他の説では、この用語はEmbraceのコンサートの観客の1人が侮辱としてこのバンドを「エモコア」と叫んだことに由来するとしている。[25] [26]他にも、マッケイが雑誌で自嘲的にこの用語を使ったときに作ったという説や、Rites of Springが発祥だという説もある。[26] 「エモコア」というラベルはDCのパンクシーンで急速に広まり、イアン・マッケイのDischord Recordsと関係のある多くのバンドと結び付けられた。[25]多くのバンドがこの用語を拒否したが、この用語は残った。ジェニー・トゥーミーは、「最初にその言葉を使ったのは、そのシーンの規模の大きさと熱狂ぶりに嫉妬した人たちだけだった。[Rites of Spring]はその言葉が生まれるずっと前から存在していたが、彼らはそれを嫌っていた。しかし、人々が音楽を『グランジ』と呼び始めたときのように、嫌いなのにその言葉を使うという奇妙な瞬間があった」と回想している。[27]ワシントンDCのエモシーンは数年しか続かず、1986年までにエモの主要バンドのほとんど（Rites of Spring、Embrace、Gray Matter、Beefeaterなど）が解散した。[28]しかし、そのアイデアと美学は、手作りの雑誌、ビニールレコード、噂のネットワークを通じて、国中に急速に広まった。[29]グリーンウォルドによると、ワシントンDCのシーンはエモのその後の化身への基礎を築いた。
80年代半ばにワシントンDCで起こったこと、つまり怒りから行動へ、外向的な怒りから内なる混乱へ、個人化された集団から個人の集団への変化は、多くの点で、その後20年間の国内パンクシーンの変容の試金石となった。イメージ、音楽の力、人々の反応、そしてバンドが消え去るのではなく燃え尽きていく様子、これらすべては、ライツ・オブ・スプリングの最初の数回の公演に端を発している。エモのルーツは、意図的ではなかったが、首都の50人ほどの人々によって築かれた。そして、ある意味では、エモはかつてほど素晴らしく、かつてほど純粋ではなかった。確かに、ワシントンのシーンは、「エモコア」がジャンルとしてコンセンサスのある定義を得た唯一の時期だった。[30]
1991–1994: 再発明
ワシントン DC のエモ運動が全米に広がると、地元のバンドがそのスタイルを真似し始めた。[31]エモは、ザ・スミスの宿命論、芝居がかった雰囲気、孤独感と、ハードコア・パンクの妥協のないドラマチックな世界観を組み合わせたものである。[31]バンドの数や場所の多様性にもかかわらず、1980 年代後半のエモコアの美学は、多かれ少なかれ同じままであった。「感情についての大げさな歌詞と、ドラマチックだが明らかにパンクな音楽が結びついたもの」。[31] 1990 年代前半から中頃にかけて、いくつかの新しいバンドがエモを再発明し、[32]インディー・ロックやポップ・パンクなどのジャンルのサブジャンルになることでエモを拡大した。[1]その代表格は、カルト的なファンを生み出し、エモを再定義し、主流に一歩近づけたJawbreakerとSunny Day Real Estate である。[32] 1991年にニルヴァーナの『ネヴァーマインド』が大ヒットし、アンダーグラウンドミュージックやサブカルチャーがアメリカで広く知られるようになった。新たな流通ネットワークが生まれ、ツアールートが確立され、地方やインディーズのアーティストが全国的な舞台に立つようになった。 [32]全国の若者がインディーズ音楽のファンになり、パンク文化が主流となった。[32]
1980年代後半から1990年代前半のサンフランシスコのパンク・ロック・シーンから登場し、ニューヨークで結成されたジョウブレイカーは、ポップ・パンクと感情的で個人的な歌詞を組み合わせた。[34] [35] [36]シンガー兼ギタリストのブレイク・シュワルツェンバッハは、日記からよく抜粋した個人的で身近な話題を歌詞に取り入れた。[34]しばしば難解で比喩につつまれた歌詞は、シュワルツェンバッハの懸念と関連しており、彼の言葉に苦々しさと苛立ちを与え、普遍的で聴衆を魅了するものとなった。[37]リスナーはシュワルツェンバッハの曲よりもシンガーに共感したため、シュワルツェンバッハはエモの最初のアイドルとなった。[37]ジョウブレイカーの1994年のアルバム「24 Hour Revenge Therapy」はファンに人気があり、1990年代半ばのエモの試金石となっている。 [38]ジョウブレイカーはゲフィンレコードと契約し、主流のバンドであるニルヴァーナやグリーンデイとツアーを行ったが、1995年のアルバム『Dear You』は主流のヒットには至らなかった。その後すぐにジョウブレイカーは解散し、シュワルツェンバッハはエモバンドのジェッツ・トゥ・ブラジルを結成した。[39]
サニー・デイ・リアル・エステートは、 1990年代初頭のグランジブームの絶頂期にシアトルで結成された。[40]バンドのデビューアルバム『ダイアリー』 （1994年）のリードトラック「セブン」のミュージックビデオがMTVで放送され、バンドはより注目を集めた。[41]同時期に登場した、エモとよく考えられているもう1つのバンドは、カリフォルニアのウィーザーである。[42]とはいえ、ウィーザーがエモであるかどうかは議論の余地がある。例えば、オルタナティブ・プレスは、エモというラベルはバンドに誤って適用されていると主張しており、[43]作家のアンディ・グリーンウォルドも、バンドはエモではないと述べている。[44]アリゾナのエモバンド、ジミー・イート・ワールドもこの時期に登場した。ミスター・T・エクスペリエンスやホレス・ピンカーなどのポップパンクバンドの影響を受け、[45]ジミー・イート・ワールドは1994年にセルフタイトルのデビューアルバムをリリースした。 [46]
1994年～1997年: アンダーグラウンドでの人気
1980年代初頭から主にアンダーグラウンドであったアメリカのパンクとインディーロックのムーブメントは、1990年代半ばに主流文化の一部となった。ニルヴァーナの成功により、大手レコード会社はインディーズバンドと契約し宣伝することでオルタナティブロックやその他のアンダーグラウンドミュージックの人気を活用した。[47] 1994年、ジョーブレイカーの24アワーリベンジセラピーとサニーデイリアルエステートのダイアリーがリリースされたのと同じ年に、パンクロックバンドのグリーンデイとオフスプリングがそれぞれダイヤモンドアルバムドゥーキー[48]とマルチプラチナアルバムスマッシュ[49]で主流に躍り出た。アンダーグラウンドミュージックが主流になった後、エモは後退し、次の数年間で全国的なサブカルチャーとして再編成された。[47]ジョウブレイカー、ドライヴ・ライク・ジェフ、フガジに触発された1990年代のエモは、ハードコア・パンクの要素を放棄し、パンクロックのDIY精神とよりスムーズな曲と感情的なボーカルを備えたインディーロックの要素を採用しました。[50]
1990年代のエモバンドの多くは、キャプテン・ジャズ、ブレイド、クリスティ・フロント・ドライブ、ミネラル、ジミー・イート・ワールド、ゲット・アップ・キッズ、プロミス・リングなど、米国中部で誕生した。[ 51]バンドの多くは独特のボーカルスタイルとギターメロディーを持っており、後にミッドウェスト・エモと呼ばれるようになった。[52]アンディ・グリーンウォルドによると、「この時期が、少年主導、眼鏡をかけ、敏感すぎる、頭脳明晰、チャイムのようなギター主導の大学音楽という、今日まで続くステレオタイプの多く、あるいはすべてを獲得した時期だった」という。[50]エモバンドのテキサス・イズ・ザ・リーズンは、東海岸での3年間の活動期間中に、インディーロックとエモのギャップを埋め、サニーデイ・リアル・エステートのメロディーとパンクな音楽性を融合させ、リスナーに直接語りかける歌声を披露した。[53]ニュージャージー州では、バンドのライフタイムがファンの地下室で公演を行った。[54]ライフタイムの1995年のアルバム、ジェイドツリーレコードからのHello Bastardsは、ハードコアパンクとエモを融合させ、愛の歌を好んで皮肉やアイロニーを避けました。[54]このアルバムは何万枚も売れ、[55]ライフタイムはニュージャージーとロングアイランドのエモバンド、ブランニュー、ミッドタウン、[56]ザ・ムービーライフ、マイ・ケミカル・ロマンス、[56]セイブズ・ザ・デイ、 [56 ] [57]センシズ・フェイル、[56]テイキング・バック・サンデー[55] [56]サーズデイに道を開いた。[56] [58]
プロミス・リングの音楽は、よりゆっくりとした、よりスムーズな、ポップ・パンク的なアプローチでリフを演奏し、それを歌手のデイヴィー・フォン・ボーレンのイメージ主義的な歌詞と融合させ、カエルのような歌声と舌足らずな発音で歌い、地下室やVFWホールでライブを行った。 [60]ジェイド・ツリーは1996年にデビューアルバム『30° Everywhere』をリリースし、何万枚も売れ、インディーズの基準では成功した。[61]グリーンウォルドはアルバムを「頭に綿菓子をぶつけられたような」と表現している。[62]カラテ、ヴァン・ペルト、ジャンヌ・ダルク、シャイネス・クリニックなどの他のバンドは、ポストロックやノイズロックの影響を受けたエモ音楽を演奏した。[63]彼らに共通する歌詞のテーマは「小さなシナリオに大きな疑問を当てはめる」ことだった。[63] 1990年代半ばのエモの礎となったのは、ウィーザーの1996年のアルバム『ピンカートン』である。[64]ウィーザーのデビューアルバム『ピンカートンは』が主流の成功を収めた後、『ピンカートンは』はより暗く、攻撃的なスタイルを見せた。[65] [66]フロントマンのリヴァース・クオモの曲は、乱雑で操作的なセックスと、有名人との付き合い方に対する不安に焦点を当てていた。[66]批評的にも商業的にも失敗し、[66] [67] ローリングストーン誌は、このアルバムをその年で3番目に悪いアルバムと呼んだ。[68]クオモは公の場から退き、[66]後にこのアルバムを「ひどい」「非常に痛い過ち」と呼んだ。[69]しかし、『ピンカートンは』は、オルタナティブロックを発見し、その告白的な歌詞と拒絶のテーマに共感した若者の間で永続的な人気を得た。 [59]口コミ、オンライン掲示板、ナップスターのおかげで、売上は着実に伸びた。[59]「誰も注目していなかったが」とグリーンウォルドは書いている。「おそらく誰も注目していなかったからだろうが、ピンカートンはこの10年間で最も重要なエモアルバムとなった。」[59] 2004年、MTVのジェームズ・モンゴメリーはウィーザーを「過去10年間で最も重要なバンド」と評した。[70] ピンカートンの成功は非常にゆっくりと成長し、2001年7月にRIAAからゴールド認定を受け、最終的には2016年9月にRIAAからプラチナ認定を受けた。[71]
1990年代半ばのエモはミネラルによって体現され、彼らの「The Power of Failing」（1997年）と「EndSerenading」（1998年）は、エモの比喩、すなわち陰気な音楽と、日常的な問題について真剣に歌う内気なナレーターの歌唱を要約している。[72]グリーンウォルドは「If I Could」を1990年代のエモの「究極の表現」と呼び、「この曲の短い概要 ― 彼女は美しい、私は弱く、愚かで、内気。私は一人だが、放っておくと驚くほど詩的になる ― は、エモの信奉者が賞賛し、その批判者が嫌悪したすべてのものを要約している」と書いている。[72]もう1つの重要なバンドはブレイドで、1998年のアルバム「 Frame and Canvas」とB面曲「Forever Got Shorter」はバンドとリスナーの境界を曖昧にし、グループは情熱と感情で観客を映し出し、ファンの声で歌った。[73]
1990年代半ばのエモには何千人もの若いファンがいたが、国民の意識には入らなかった。[75]いくつかのバンドは大手レコード会社と契約を結んだが、ほとんどはその機会を活かす前に解散した。[76]ジミー・イート・ワールドは1995年にキャピトル・レコードと契約し、アルバム「スタティック・プレヴァイルズ」でファンを獲得したが、まだ主流には入っていない。[77]プロミス・リングは当時最も商業的に成功したエモバンドで、1997年のアルバム「ナッシング・フィールズ・グッド」の売り上げは5桁半ばに達した。[75]グリーンウォルドはこのアルバムを「ポップとパンク、諦めと祝福、ガールフレンドの誘惑と友人、バンド仲間、そして旅の引き寄せが融合した、その世代のエモの頂点」と呼んでいる。[78] 1990年代半ばのエモは「プラスチックとメガバイトの代わりにビニールと紙で作られた最後のサブカルチャー」だった。[79]
1997年～2002年: 独立の成功
エモの人気は1990年代後半に高まり、主流の成功への基礎を築いた。ディープ・エルム・レコードは1997年から2007年にかけて、 11枚のコンピレーションアルバム『The Emo Diaries』シリーズをリリースした。[80]多くのバンドの未発表曲を重視したこのシリーズには、ジミー・イート・ワールド、Further Seems Forever、サミアム、ザ・ムービーライフが含まれていた。[80]ジミー・イート・ワールドの1999年のアルバム『Clarity』は、後のエモバンドの試金石となった。[81] 2003年、アンディ・グリーンウォルドは『Clarity』を「ここ10年で最も熱烈に愛されたロックンロールレコードの1つ」と呼んだ。[81]批評家から好評を博し、ドリュー・バリモアのコメディ映画『ネバー・ビーン・キス』で「Lucky Denver Mint」が宣伝されたにもかかわらず、『Clarity』は商業的には成功しなかった。[82]それにもかかわらず、アルバムは口コミで着実に人気を博し、最終的には7万枚以上を売り上げた。[83]ジミー・イート・ワールドは、ドリームワークス・レコードと契約する前に、次のアルバム「ブリード・アメリカン」（2001年）を自費で制作した。このアルバムは初週に3万枚を売り上げ、その後すぐにゴールドディスク、2002年にはプラチナディスクとなり、エモが主流となった。[84]ドライブスルー・レコードは、ミッドタウン、スターティング・ライン、ムービーライフ、サムシング・コーポレートなど、エモの特徴を持つポップパンクバンドを主に揃えた。[85]ドライブスルーはMCAレコードと提携したことで、エモの影響を受けたポップというブランドをより幅広い聴衆に届けることができた。[86]ドライブスルーの音楽に対するあからさまな大衆主義的、資本主義的なアプローチにより、バンドのアルバムやグッズはホットトピックなどの店で販売できた。[87]
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独立系レーベルのVagrant Records は、 1990 年代後半から 2000 年代前半にかけて成功したエモバンド数組と契約を結んだ。ゲット・アップ・キッズは、 Vagrant と契約する前から、デビューアルバム「Four Minute Mile (1997)」を 15,000 枚以上売り上げていた。レーベルは彼らを積極的に宣伝し、グリーン・デイやウィーザーのツアーの前座を務めさせた。[88] 1999 年のアルバム「Something to Write Home About」は、ビルボードの Top Heatseekersチャートで 31 位に達した。[89] Vagrant は、その後 2 年間で、アニバーサリー、レジィー・アンド・ザ・フル・エフェクト、ニュー・アムステルダムズ、アルカリン・トリオ、セイブズ・ザ・デイ、ダッシュボード・コンフェッショナル、ヘイ・メルセデス、ホット・ロッド・サーキットなど、他のエモ関連バンド数組と契約し、レコーディングを行った。[90]セイブズ・ザ・デイは東海岸でかなりの支持を集め、2枚目のアルバム『Through Being Cool』（1999年）を5万枚近く売り上げた後、[57]ヴァグラントと契約し『Stay What You Are』（2001年）をリリースした。『Stay What You Are』は初週に1万5千枚を売り上げ、[91]ビルボード200で100位に達し、 [92]米国で少なくとも12万枚を売り上げた。[93]ヴァグラントは2001年夏、マイクロソフトやコカコーラなどの企業の後援を得て、レーベルの全バンドによる全国ツアーを企画した。その大衆的なアプローチとインターネットをマーケティングツールとして活用したことで、国内で最も成功した独立系レーベルの1つとなり、「エモ」という言葉の普及に貢献した。[94]グリーンウォルドによれば、「他のどのイベントよりも、ヴェイグラント・アメリカがエモを大衆に定義づけた。それは主に、ツアーに出てエモを大衆に届ける勇気があったからだ。」[91]
2002年～2010年: 主流の成功
エモは2002年の夏に主流メディアに登場した。[95]この時期、エモミュージックのファンの多くは、前髪を高く切り、黒く染めたショートヘア、太い黒縁の眼鏡、古着屋で買った服という外見をしていた。このファッションはその後、エモのアイデンティティの大きな部分を占めるようになった。[97]ジミー・イート・ワールドのアルバム『Bleed American』は、「 The Middle 」の影響でプラチナディスクとなり、ビルボードの オルタナティブ・ソング・チャートで1位になった。[95] [96] [98]ジミー・イート・ワールドが達成した主流の成功は、2000年代の残りの期間に登場するエモポップミュージックへの道を開き、[99]エモポップは2000年代のエモミュージックの非常に一般的なスタイルになった。[100]ダッシュボード・コンフェッショナルというバンドが主流に躍り出た。ダッシュボード・コンフェッショナルは、ギタリスト兼リードボーカルのクリス・カラバによって結成され、アコースティック曲を時々作ることで知られている。[ 101]ダッシュボード・コンフェッショナルは元々サイドプロジェクトであり、カラバはエモバンドFurther Seems Foreverのメンバーでもあった。[101]また、1995年にカラバが結成を支援したパンクロックバンド Vacant Andysのメンバーでもあった。 [102] ダッシュボード・コンフェッショナルのアルバム『The Places You Have Come to Fear the Most』は、インディペンデントアルバムチャートで5位に達した。[103]ダッシュボード・コンフェッショナルは、プラチナアルバムを売り上げていないアーティストとしては初めて、MTV Unpluggedのエピソードを録音した。[95] 2002年にリリースされたライブアルバムと長編ビデオは、2003年5月22日にRIAAからプラチナ認定を受け、インディペンデントアルバムチャートで1位を獲得し、2007年10月19日現在で316,000枚を売り上げた。[103] [101] [104]ダッシュボード・コンフェッショナルが主流の成功を収めたことで、カラバは雑誌「スピン」の表紙を飾り、ジム・デロガティスによると「モビーがテクノの代表的提唱者とみなされたり、カート・コバーンが不本意ながらグランジの皇太子になったりしたのと同じように、カラバは『エモの顔』になった」という。 [105]ダッシュボード・コンフェッショナルのスタジオアルバムのうち3枚、The Places You Have Come to Fear the Most（2001年）、A Mark, a Mission, a Brand, a Scar（2003年）、Dusk and Summer（2006年）は、2000年代半ばにRIAAによってゴールド認定されました。[104] 2007年10月19日現在、『The Places You Have Come to Fear the Most』は599,000枚を売り上げた。[106] 2007年10月19日現在、『Dusk and Summer』と『A Mark, a Mission, a Brand, a Scar』はそれぞれ米国で512,000枚と901,000枚を売り上げている。[106] 2007年10月19日現在、ダッシュボード・コンフェッショナルの2000年のデビューアルバム『The Swiss Army Romance』は338,000枚を売り上げている。[106] 2003年8月10日、ニューヨークタイムズは「アルカリン・トリオの3コードの哀愁からブライト・アイズのフォーク調の怒号、ブラン・ニューの博学なポップパンクからサーズデイのエントロピー的なアンセムまで、最もエキサイティングなロックミュージックの多くが」エモジャンルから生まれていると報じた。[107]
セイヴズ・ザ・デイはグリーン・デイ、ブリンク182、ウィーザーとツアーを行い、マディソン・スクエア・ガーデンなどの大規模なアリーナで演奏した。[108] セイヴズ・ザ・デイはレイト・ナイト・ウィズ・コナン・オブライエンに出演し、オルタナティブ・プレスの表紙を飾り、MTV2で「アット・ユア・フューネラル」と「フリーキッシュ」のミュージック・ビデオがローテーションで放送された。[91] [109]テイキング・バック・サンデーは2002年にビクトリー・レコードからデビュー・アルバム『テル・オール・ユア・フレンズ』をリリースした。このアルバムでは「キュート・ウィズアウト・ザ・'E' (Cut from the Team)」や「ユーアー・ソー・ラスト・サマー」などのシングル曲でバンドはエモ界での成功を味わった。『テル・オール・ユア・フレンズ』は2005年にRIAAからゴールド認定を受け[110]、エモで最も影響力のあるアルバムの1つと見なされている。 2009年5月8日現在、『Tell All Your Friends』は79万枚を売り上げた。[111] Vagrant Recordsに関する記事がTime誌やNewsweek誌に掲載され、[112]「エモ」という言葉は非主流のポップミュージックの総称となった。[113]
この成功を受けて、多くのエモバンドが大手レコード会社と契約し、このジャンルは市場性のあるものとなった。[114]ドリームワークス・レコードのシニアA&R代表ルーク・ウッドによると、「業界はエモを新しいラップロック、または新しいグランジと本当に見ています。誰も作られている音楽を聴いていないと思います。彼らは、小売店でのサウンドの人気をどう利用しようかと考えています。」[115]エモの非政治的な性質、キャッチーな音楽、わかりやすいテーマは、若い主流の聴衆に広くアピールしました。この時期に登場したり主流に躍り出たエモバンドは、古いエモ音楽のファンの多くに拒否されました。[100]エモが主流であり続けるにつれて、エモバンドが黒髪でアイライナーを引くのは非常に一般的になりました。[100]テイキング・バック・サンデーはその後数年間も成功を続け、2004年のアルバム『Where You Want To Be』はビルボード200で3位に達し、2005年7月にRIAAからゴールド認定を受けた。[116]ニールセン・サウンドスキャンによると、2006年2月17日の時点で、アルバムは米国で70万枚以上を売り上げた。[117]バンドの2006年のアルバム『Louder Now 』はビルボード200で2位に達し、発売日から2か月弱でRIAAからゴールド認定を受け、[118] 2009年5月8日の時点で674,000枚を売り上げた。[111]
よりダークで攻撃的なスタイルのエモも人気が出てきていた。ニュージャージー州を拠点とするサーズデイは、 2001年のアルバム『Full Collapse 』がビルボード200で178位に達した後、アイランド・デフ・ジャムと数百万ドルの複数アルバム契約を結んだ。 [119]彼らの音楽はより政治的でポップなフックやアンセムに欠けており、代わりにザ・スミス、ジョイ・ディヴィジョン、ザ・キュアーに影響されていた。しかし、バンドの親しみやすさ、地下室でのショーのルーツ、セイヴズ・ザ・デイとのツアーにより、彼らはエモ・ムーブメントの一部となった。[120]サーズデイの2003年のアルバム『War All the Time 』は、ビルボード200で7位に達した。[121] MTVで頻繁に取り上げられる4つのバンド、ホーソーン・ハイツ、ストーリー・オブ・ザ・イヤー、アンダーオース、アレクシソンファイアがスクリーモを普及させた。[122]他のスクリーモバンドにはシルバースタイン[123]、センシズ・フェイル[124] [125]、ヴェンデッタ・レッド[122]などがある。[122]アンダーオースのアルバム『They're Only Chasing Safety』（2004年）[126]と『Define the Great Line』（2006年）[127]は両方ともRIAAによりゴールド認定された。ジ・ユーズのセルフタイトルアルバム（2002年）は2003年7月21日にRIAAによりゴールド認定された。 [128]ジ・ユーズのセルフタイトルアルバムは2009年8月22日現在、841,000枚を売り上げている。[129]ユーズドのアルバム『イン・ラヴ・アンド・デス』（2004年）は、2005年3月21日にRIAAによりゴールド認定を受けた。 [130]ニールセン・サウンドスキャンによると、2007年1月2日現在、イン・ラヴ・アンド・デスは米国で689,000枚を売り上げた。 [131]アレクシソンファイアのアルバム4枚がカナダでゴールドまたはプラチナ認定を受けた。[132] [133] [134] [135]
エモポップは、ポップに影響を受けたフックを持つポップパンク志向のエモのサブジャンルであり、2000年代半ばから後半にかけてエモの主流のスタイルとなり、これらのバンドの多くはFueled by Ramen Recordsと契約し、いくつかはゴス風の外観を採用した。 [99]マイ・ケミカル・ロマンスは、2004年のアルバムThree Cheers for Sweet Revengeで主流に躍り出た。マイ・ケミカル・ロマンスは、ゴスの影響を受けたエモな外観とコンセプトアルバムやロックオペラの創作で知られている。[136] [137] Three Cheers for Sweet Revengeは、 2005年にRIAAによってプラチナ認定された。[138]バンドの成功は3枚目のアルバムThe Black Paradeでも続き、発売初週に24万枚を売り上げ[139]、1年も経たないうちにRIAAによってプラチナ認定された。[140]フォール・アウト・ボーイのアルバム『From Under the Cork Tree』は、米国で270万枚を売り上げた。[141]バンドのアルバム『Infinity on High 』はビルボード200で1位になり、発売初週に26万枚を売り上げ[142]、米国で140万枚を売り上げた。[141]フォール・アウト・ボーイの複数の曲がビルボードホット100のトップ10にランクインした。 [143]パニック！アットザディスコのアルバム『 A Fever You Can't Sweat Out』は、RIAAからダブルプラチナに認定され[144]、シングル「I Write Sins Not Tragedies」はビルボードホット100で7位に達した。 [145]パニック！アット・ザ・ディスコはエモとエレクトロニクスを融合させたことで知られており[146]、アルバム「A Fever You Can't Sweat Out 」はダンスパンク[148]とバロックポップの要素を取り入れたエモアルバム[147]である。[149]レッド・ジャンプスーツ・アパラタスの「Face Down」はビルボードホット100で24位に達し[150]、アルバム「Don't You Fake It」は米国で85万2000枚を売り上げた。[151] AFIのアルバム「Sing the Sorrow」と「Decemberunderground」はどちらもRIAAからプラチナ認定を受け、[152] [153]、「Decemberunderground」はビルボードホット100で1位に達した。 200. [154]パラモアの2007年のアルバムRiot!はRIAAによってダブルプラチナに認定され[155] 、2000年代後半には「 Misery Business」、「Decode」、「Crushcrushcrush」、「That's What You Get」、「Ignorance」など、パラモアの曲がいくつかビルボードホット100に登場しました。 [156]
2010年～現在: 衰退とエモの復活
2010年までに、エモの人気は衰え始めた。多くのバンドが人気を失ったり、エモのルーツから離れたりした。[157] マイ・ケミカル・ロマンスのアルバム『Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys』は、伝統的なポップパンクスタイルだった。 [158] パラモアとフォール・アウト・ボーイは、2013年のアルバム『 Paramore』と『Save Rock and Roll 』でエモのジャンルを放棄した。[159] [160] [161]パラモアは、ニューウェーブの影響を受けたスタイルに移行した。[162] パニック・アット・ザ・ディスコは、エモポップのルーツから離れ、 『Too Weird to Live, Too Rare to Die!』でシンセポップスタイルに移行した。[163]多くのバンド（マイ・ケミカル・ロマンス、[164]アレクシソンファイア、[165]サーズデイなど）[166]が解散し、このジャンルの存続可能性に対する懸念が高まった。[167]
2010年代後半には、主にアンダーグラウンドでエモのリバイバルが起こり、[168] [169] [170] 1990年代のエモのサウンドと美学を引き継いだ。このムーブメントに関連するアーティストには、Modern Baseball、[171] the World Is a Beautiful Place & I Am No Longer Afraid to Die、[168] [170] [172] A Great Big Pile of Leaves、[168] Pianos Become the Teeth、[170] Empire! Empire! (I Was a Lonely Estate)、[168] Touché Amoré、[168] [172] Into It. Over It. 、[168] [172] and the Hotelierなどがいる。[173] 2010年代のエモバンドの多くは1990年代のエモのサウンドと美学を参考にしていますが、ハードコアパンクの要素はTitle Fight [174]やSmall Brown Bike [175]などの2010年代のエモバンドによって一貫して使用されています。
2020年代には、エモが2010年代の主流の音楽に与えた影響と、ジャンル自体の復活がメディアで取り上げられた。[176] [177] BBCは2018年に「ギターベースのバンドを超えて、エモの影響はスタイルと歌詞の内容の両方で現代音楽の多くに見られる」と述べ、「メンタルヘルスの問題に取り組むことは、ポップミュージックでますます一般的になっている」と述べた。[14]
サブジャンルと融合ジャンル
サブジャンル
スクリーモ
「スクリーモ」という用語は、1991年にサンディエゴで発展したエモの攻撃的な派生ジャンルに最初に使われ、短い曲に「痙攣的な激しさを意図的に実験的な不協和音とダイナミクスに融合」させたものだった。[178]スクリーモは、ハードコアパンクの影響を受けたエモの不協和音形式で、[122]典型的なロックの楽器編成を持ち、短い曲、混沌とした演奏、叫ぶようなボーカルで知られる。
このジャンルは「一般的に、包括的なパンク・リバイバル・シーンの攻撃的な側面に基づいています。」[122]それは、シェ・カフェ[180]で、ヘロイン、アンティオキア・アロー[ 181]、エンジェル・ヘア、モヒンダー、スウィング・キッズ、ポートレイト・オブ・パスト[182]などのグループによって始まりました。彼らは、ワシントンD.C.のポスト・ハードコア（特にフガジとネイション・オブ・ユリシーズ）、[178]ストレート・エッジ、シカゴのグループアーティクルズ・オブ・フェイス、ハードコア・パンク・バンドのディー・クロイツェン[183] 、バウハウスのようなポスト・パンクやゴシック・ロックのバンドの影響を受けました。[178]アイ・ヘイト・マイセルフは、作家マット・ウォーカーによって「スクリーモジャンルの礎」と評されるバンドである。 [184]「音楽的には、アイ・ヘイト・マイセルフは非常にゆっくりとした慎重さを頼りにしており、静かで瞑想的な部分と、ジム・マーバーガーの津波のような叫び声によって駆動される騒々しく重い部分との鮮明なコントラストがある。」[185]他の初期のスクリーモバンドには、Pg. 99、Saetia、Orchidなどがある。[186]
1990年代後半から2000年代初頭にかけてアメリカで結成され、2000年代を通じて活動を続けたザ・ユーズド、サーズデイ、スリース、ホーソーン・ハイツは、スクリーモの普及に貢献した。 [122] Refusedやアット・ザ・ドライブインなどのポストハードコアバンドがこれらのバンドの道を開いた。[122]シルバースタイン[187]やアレクシソンファイア[188]などのカナダのエモシーンのスクリーモバンドもこの時期に登場した。2000年代半ばまでにスクリーモシーンが飽和状態になったため、多くのバンドがこのジャンルの枠を超え、より実験的な要素を取り入れるようになった。スクリーモ以外のバンドは、このジャンルの特徴的な喉から出る声のスタイルを使った。[122]この時期のスクリーモバンドの中には、ポップパンクやヘビーメタルなどのジャンルに影響を受けたものもあった。[122]
アイオワ・ステート・デイリーのジェフ・ミッチェルは「スクリーモのサウンドがどのようなものかという定義は定まっていないが、かつては耳をつんざくほど大きな音で揺れていたのに、突然静かになりメロディアスなギターの音に変わるというテーマは、このジャンルによく見られるものだ」と書いている。[189]
サス
サス（別名サッシー・スクリーモ、サススコア、ホワイトベルト・ハードコア、[190]ホワイトベルト、サスグラインド、ダンシー・スクリーモ）[191]は、1990年代後半から2000年代前半のスクリーモシーンから生まれたスタイルである。[192]このジャンルには、ポストパンク、ニューウェーブ、ディスコ、エレクトロニック、ダンスパンク、[192] グラインドコア、ノイズロック、メタルコア、マスコア、ビートダウン・ハードコアの要素が取り入れられている。このジャンルは、あからさまに派手なマナー、エロティックな歌詞、シンセサイザー、ダンスビート、舌足らずなボーカルスタイルが取り入れられているのが特徴である。[193]サスバンドには、ブラッド・ブラザーズ、アン・アルバトロス、ナンバー・トゥエルブ・ルックス・ライク・ユー、エッフェル塔爆破計画、ドーターズの初期の音楽、オーキッドの後期の音楽[194] [195]、シーユー・スペース・カウボーイなどがある。[196]
フュージョンジャンル
エモポップ
エモポップ（またはエモポップパンク）は、ポップミュージックの影響、より簡潔な曲、フック満載のコーラスで知られるエモのサブジャンルです。[99] AllMusicは、エモポップを「若々しい不安」と「洗練された制作」および主流の魅力を融合し、「高音のメロディー、リズミカルなギター、思春期、人間関係、失恋に関する歌詞」を使用していると説明しています。[99] ガーディアン紙は、エモポップを「甘ったるいボーイバンドポップ」とエモの交差点と表現しました。[197]
エモポップは1990年代に発展した。JawbreakerやSamiamのようなバンドは、エモポップパンクスタイルを考案したことで知られている。[198] CMJ New Music MonthlyのNicole Keiperによると、Sense FieldのBuilding（1996）は、バンドを「Get Up KidsやJejuneのようなバンドと同じエモポップ陣営に押し上げた」という。[199] 2000年代初頭にエモが商業的に成功すると、ジミー・イート・ワールドの2001年のアルバムBleed Americanとそのシングル「The Middle」の成功により、エモポップが人気を博した。[99]ジミー・イート・ワールド、[99]ゲット・アップ・キッズ[200]プロミス・リング[201]も初期のエモポップバンドである。ジミー・イート・ワールドのアルバムClarity [202]のエモポップスタイルは、後のエモに影響を与えた。[203]エモバンドBraidの1998年のアルバムFrame & Canvasは、 AllMusicのBlake Butlerによってエモポップと評され、Braidのアルバムに5つ星のうち4つを与え、「Frame & CanvasはBraidの最高傑作の1つである」と書いた。[204]エモポップは1990年代後半に成功し、2000年代初頭に人気が高まった。ゲット・アップ・キッズは、デビューアルバムFour Minute Mile （1997年）を15,000枚以上売り上げた後、Vagrant Recordsと契約した。レーベルは彼らを宣伝し、グリーン・デイやウィーザーの前座としてツアーに送り込んだ。[88] 1999年のアルバムSomething to Write Home Aboutは、ビルボードのTop Heatseekersチャートで31位に達した。[89]ニールセン・サウンドスキャンによると、2002年5月2日現在、『サムシング・トゥ・ライト・ホーム・アバウト』はアメリカで134,000枚を売り上げた。
エモポップが結集するにつれ、Fueled by Ramenレーベルがこのムーブメントの中心となり、フォール・アウト・ボーイ、パニック！アット・ザ・ディスコ、パラモア（いずれも成功していた）と契約した。[99] 2つの地域シーンが生まれた。フロリダのシーンはFueled by Ramenによって生み出され、中西部のエモポップはピート・ウェンツによって促進され、彼の率いるフォール・アウト・ボーイは2000年代半ばにこのスタイルの最前線に躍り出た。[99] [205] [206] キャッシュ・キャッシュはTake It to the Floor （2008年）をリリースした。オールミュージックによると、このアルバムは「空虚で、きらびやかで、中身のない エモポップの決定版」かもしれない。 [207]ポストパンクやハードコアの影響を直接受けたバンドが演奏する、喉から引き裂かれるような激しい感情の表現から、70年代のクインシーの古いエピソードに出てくる「パンク」と同じくらい本物に見える子供たちが演奏するショッピングモール向きの蛍光色のポップへのエモの変遷は、ほぼ完了した」。 [207]ユー・ミー・アット・シックスは2008年にデビューアルバム「テイク・オフ・ユア・カラーズ」をリリースしたが、オールミュージックのジョン・オブライエンはこれを「『エモポップ初心者のための』ハンドブックに逐語的に従っている」と評した。[208]このアルバムはイギリスでゴールドディスクに認定された。[209]
エモラップ
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エモラップは、エモミュージックとヒップホップミュージックを組み合わせたジャンルで、2010年代半ばから後半にかけて始まりました。[211]エモヒップホップの著名なアーティストには、リル・ピープ、[212] XXXテンタシオン、[211]ナッシング・ノーホエアなどがいます。[213] [214] 2010年代半ばから後半にかけて、エモラップは主流になりました。亡くなったラッパーのXXXテンタシオンの曲「Sad! 」は、2018年6月30日にビルボードホット100で1位に達しました。 [215] リル・ウージー・ヴァートの曲「XO Tour Llif3 」は、ビルボードホット100で7位に達し、 [216]この曲はRIAAから6倍プラチナに認定されました。[217]
ファッションとサブカルチャー
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エモが単なる音楽スタイルではなくサブカルチャーとして始まったのは、1990年代半ばのサンディエゴのスクリーモシーンに遡る。ヘロイン、アンティオック・アロー、スウィング・キッズなどのシーンのバンドや、このシーンの参加者は、黒く染めた髪にまっすぐな前髪をしているため、 「スポック・ロック」と呼ばれることが多かった。 [190]スウィング・キッズのボーカリスト、ジャスティン・ピアソンは、まっすぐな前髪の横に後頭部から突き出た不揃いのスパイクヘアをしており、これがエモヘアカットの原型となった。[190]この時期のエモファッションはすっきりとしていて、オタクっぽい傾向があり、[218] 1950年代のミュージシャン、バディ・ホリーを彷彿とさせる太い縁の眼鏡、ボタンダウンシャツ、Tシャツ、セーターベスト、タイトなジーンズ、コンバースシューズ、カーディガンなどの服装が一般的だった。[9]
2000年代半ばから後半にかけてのエモファッションには、スキニージーンズ、タイトなTシャツ（通常は半袖で、エモバンドの名前が入っていることが多い）、スタッズベルト、コンバースのスニーカー、ヴァンズ、黒いリストバンドが含まれていた。[219] [220]太い角縁の眼鏡はある程度流行し続け、[219]アイライナーと黒い爪は2000年代半ばに一般的になった。[221] [222]エモファッションの最もよく知られている側面は、そのヘアスタイルである。平らでまっすぐな、通常は真っ黒な髪に長い前髪が顔の大部分を覆っており、[220]流行と呼ばれている。[220]エモがサブカルチャーになると、エモファッションを着てその音楽に共感する人々は「エモキッズ」または「エモ」として知られるようになった。[220]
論争と反発
ステレオタイプ
エモは、感情、感受性、内気さ、内向性、不安といったステレオタイプと結び付けられてきた。[12] [223] [224]さらに物議を醸したのは、このジャンルを取り巻くステレオタイプには、うつ病、自傷行為、自殺などがあり、[220] [225]英国のタブロイド紙デイリー・メールがエモファンを「カルト」として描写したことで、それが煽られたことである。[226]エモとゴスは、「エモは自分自身を憎み、ゴスはすべての人を憎む」というステレオタイプによって区別されることが多かった。[227] 2020年、インディペンデント紙は、このようなステレオタイプについて、「エモは、コミュニティと自己表現の手段を提供してくれるサブカルチャーに居場所を見つけたティーンエイジャーの破壊的な行動として特に取り上げられた」と書いている。[176]
自殺と自傷行為
2008年、イギリスのティーンエイジャー、ハンナ・ボンドが首つり自殺した事件で、検死官と母親のヘザー・ボンドはエモミュージックが原因だとし、音楽とファンダムが自殺を美化していると示唆した。彼らは、ハンナがマイ・ケミカル・ロマンスに夢中になっていたことが彼女の死と関係があると示唆した。検死官は、ハンナがインターネットの「エモ・カルト」の一員であり、血まみれの手首をしたエモガールの画像が彼女のBeboページに掲載されていたと述べた。[228]ハンナは両親に、自傷行為は「エモの入会儀式」だと語ったと伝えられている。[228]ヘザー・ボンドはエモ文化を批判し、「ピンクのテディベアが首を吊っている『エモ』ウェブサイトがある」と述べた。[228]検死官の発言はデイリー・メール紙の連載記事で取り上げられた。[226] NMEで報道された後、エモミュージックのファンは同誌に連絡を取り、同誌が自傷行為や自殺を助長しているとは否定した。[229]マイ・ケミカル・ロマンスはオンラインで反応した。「私たちは最近、ハンナ・ボンドの自殺と悲劇的な死を知りました。悲しみのこの時期に、彼女の家族にお悔やみを申し上げます。私たちの心と思いは彼らと共にあります」。[230]バンドはまた、「これまでも、そしてこれからも、声高に暴力や自殺に反対してきた」と投稿した。[230]
ガーディアン紙は後に、この疑惑の関連性と2000年代のエモに対する反発を「道徳的パニック」と表現し、 [231]ケラング誌はこれをジューダス・プリーストとオジー・オズボーンを巻き込んだ歴史的な論争に例え、このサブカルチャーを不当に悪者扱いし、若者のメンタルヘルスの問題を十分に調査していないと批判した。 [226]
反発
エモは2000年代に大きな反発を受けた。ワープド・ツアーの創設者ケヴィン・ライマンは、ツアーに参加したバンドからエモ・グループに対する「本当の反発」があったと述べたが、彼はその敵意を「幼稚な」ものとして否定した。[232]反発は激化し、2008年には反エモ・グループがメキシコシティ、ケレタロ、ティファナで十代の若者を襲撃した。 [233] [234]ロシアの下院では、エモのウェブサイトを規制し、学校や政府の建物でエモの服装を禁止する法案が提案され、このサブカルチャーは反社会的行動、うつ病、社会的引きこもり、自殺を促進する「危険な十代の流行」とみなされた。[235] [236] BBCは、2012年3月にイラクのシーア派民兵がイラクの若いエモ58人を射殺または殴り殺したと報じた。 [237]メタルヘッドやパンクの中には、エモを嫌い、エモのサブカルチャーを批判する者もいた。[238]
用語
「エモ」という言葉は、アーティスト、批評家、ファンの間で論争の的となっている。この言葉は曖昧に定義されており[239]、感情を表現するあらゆる音楽を説明するために使われることもある[177] 。エモとその関連サブカルチャーが主流となったことで、この言葉は他のジャンルと混同されるようになった[240] 。
エモとラベル付けされた多くのバンドは、エモのラベルを拒否した。クリス・ペインの著書『Where Are Your Boys Tonight?』 (2023年)の中で、ベイサイドのボーカリスト、アンソニー・ラネリは、エモは2000年代に主流のヒットとなった頃に「汚い言葉」になったと考えていると述べている。彼は、この軽蔑的な言葉の使用は、ヒップスターたちが、当時の人気インディーロックグループ、特にザ・ストロークスほどクールではないと彼らが見なしたロックアーティストを侮辱するためにこの言葉を採用したことに由来すると説明している。[241]マイ・ケミカル・ロマンスの歌手、ジェラルド・ウェイは2007年にエモは「クソの山」だと述べた。
「僕たちはエモだとみなされてひとまとめにされるバンドがあると思うし、それがデフォルトで僕たちをエモにし始めているんだ。僕に言えるのは、実際にレコードを聴いて、レコードを並べて聴いてみれば、実際には類似点がないことがわかるということだけだ。」[242]
パニック！アットザディスコのブレンドン・ユーリーは「無知だよ！ステレオタイプ的には、弱くて関係がうまくいっていない男たちが、どれだけ悲しいかを書いている。でも、私たちの曲を聴けば、そんなトーンの曲は一つもない」とコメントした。 [243] テイキング・バック・サンデーのアダム・ラザーラは、自分のバンドをエモではなくロックンロールだと常に考えていたと語った。 [244]ゲット・アップ・キッズのギタリスト、ジム・サプティックは、2000年代の主流のバンドと1990年代のエモバンドの違いについて、「私たちが出身のパンクシーンと今のパンクシーンは完全に違う。今はグラムロックみたいだ。今年、バンブーズルフェスティバルで演奏したけど、すごく場違いな感じがした…。これが私たちが作り上げた世界なら、謝るよ」と語った。[245] AFIのボーカリスト、デイビー・ハヴォックは、エモを「とても奇妙で意味のない言葉」と表現した。[246]初期のエモミュージシャンもこのレッテルを拒否している。ライツ・オブ・スプリングのボーカリスト、ガイ・ピチョットは、エモというレッテルは「愚か」だと考えており、ライツ・オブ・スプリングは常にパンクロックバンドだと考えている。「私がそれをとても愚かだと思う理由は、バッド・ブレインズが感情的ではなかったとか？彼らはロボットか何かだったとか？私には全く意味が分からない」。[247]サニー・デイ・リアル・エステートのメンバーは、自分たちは単なるロックバンドだと考えていると述べ、初期の頃は「エモコア」という言葉は侮辱だったと語った。「エモコアやロックなどという言葉を使う人を軽蔑するつもりはないが、当時、エモコアはバンドに投げつけられる最悪の侮辱だった」。[248]
「モール・エモ」という用語は、パラモア、ホーソーン・ハイツ、マイ・ケミカル・ロマンス、パニック・アット・ザ・ディスコ、フォール・アウト・ボーイなどの主流バンドを、それらの前身や後継の商業的に成功していないバンドと区別するために使用されてきた。[249] [250] [251]「モール・エモ」という用語は、エモが主流になった当時、多くのエモファンがエモの変化を好まなかった2002年頃にまで遡る。[97]
『エモのアンソロジー』の編集者であるトム・マレンは、このジャンルの主流の認識に応えて、このジャンルの歴史に関する情報を伝える目的で、2007年にウェブサイト「Washed Up Emo」を立ち上げた。[252]彼はその後、2014年にウェブサイト「Is This Band Emo?」を立ち上げ、さまざまなバンドがこのジャンルに分類されるかどうかをユーモラスな返答とともに説明している。[253] [254]
参照
参考文献
引用
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私たちのシーンは、正直と勇気と地下室とつながりがすべてでした。そしてそのシーンは、ドラッグと、グラムロックのリバイバルのようなものでした。彼らはロックスターのようでした。彼らは破れた服を着て、私たちがやっていることを売りにしていました。しかし、彼らはそれを生きていなかったのです。それが「エモ」という汚い言葉がヒップスターから来ている理由だと思います。ストロークスほどクールではないからです。でも、ストロークスほどクールなものはありません。私の言いたいことはわかりますか？ストロークスは、最もクールなバンドです。彼らはクールに売っています。今日まで、多くの人がそのエモというレッテルをはねつけようとしています。それは、2000年代初頭のヒップスターがそれをクールではないと考えていたからです。
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外部リンク
ウィキメディア・コモンズのエモに関連するメディア- Wondering Soundのアルバムごとのエモタイムライン