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トッド・ハリー・ラングレン（1948年6月22日生まれ）は、ソロアーティストとして、またバンドNazzやUtopiaのメンバーとして、多様なスタイルを演奏してきたアメリカのミュージシャン、シンガー、ソングライター、レコードプロデューサーである。彼は、洗練された、しばしば型破りな音楽、時折豪華なステージショー、そして後年のインタラクティブアートの実験で知られている。彼はまた、ミュージックビデオを制作し、 1990年代後半にインターネットを音楽配信の手段として利用するなど、さまざまなコンピュータ技術をいち早く採用し推進した。 [ 2 ]
ペンシルベニア州アッパーダービー出身のラントグレンは、1960年代半ばにプロとしてのキャリアをスタートさせ、1967年にサイケデリックバンドNazzを結成した。2年後、ソロ活動に専念するためNazzを脱退し、すぐに「We Gotta Get You a Woman 」（1970年）で初の全米トップ40ヒットを記録した。彼の最も有名な曲には、クラシックロックラジオ局で頻繁にオンエアされるSomething/Anything?（1972年）の「 Hello It's Me」と「I Saw the Light」 、1978年の「 Can We Still Be Friends 」、そして多くのスポーツアリーナ、コマーシャル、映画の予告編で使用されている1983年のシングル「Bang the Drum All Day 」などがある。あまり知られていないが、「 Couldn't I Just Tell You 」（1972年）はパワーポップジャンルの多くのアーティストに影響を与えた。 [ 3 ] 1973年のアルバム「A Wizard, a True Star」は、後の世代のベッドルームミュージシャンに影響を与え続けている。[ 4 ]
ラントグレンは、電子音楽、プログレッシブ・ロック、ミュージック・ビデオ、コンピュータ・ソフトウェア、インターネット音楽配信の分野における先駆者とみなされている。 [ 5 ]彼は1978年に初のインタラクティブ・テレビ・コンサートを企画し、1980年に初のカラー・グラフィック・タブレットを設計し、1993年に初のインタラクティブ・アルバム『 No World Order』を制作した。 [ 2 ] [ 6 ] さらに、彼はアーティストとプロデューサーの両方で著名な最初のアーティストの1人だった。[ 4 ]彼の注目すべきプロデュース作品には、バッドフィンガーの『Straight Up』（1971年）、グランド・ファンク・レイルロードの『We're an American Band 』 （1973年）、ニューヨーク・ドールズの『New York Dolls』（1973年）、ミート・ローフの『Bat Out of Hell』（1977年）、XTCの『Skylarking』 （1986年）などがある。彼は2021年にロックンロール・ホール・オブ・フェイムに殿堂入りした。
トッド・ハリー・ラングレン[ 7 ]は、1948年6月22日[ 7 ]にフィラデルフィア[ 8 ] [ 2 ]で、ルース（旧姓フレック、1922年4月29日 - 2016年4月6日）とハリー・W・ラングレン（1917年 - 1996年）の息子として生まれた。父親はスウェーデン系、母親はオーストリア系とドイツ系の血を引いていた。ラングレンは、隣接するペンシルベニア州アッパー・ダービー・タウンシップ[ 9 ]で育ち、ほとんど助けを借りずにギターの弾き方を独学で学んだ[ 10 ] 。子供の頃、ラングレンは両親の小さなレコードコレクションに魅了された。それはショーの曲や交響曲で構成されており、特にギルバートとサリバンのオペレッタに惹かれた。[ 11 ]その後、彼はビートルズ、ローリング・ストーンズ、ベンチャーズ、ヤードバーズの音楽、そしてギャンブル＆ハフ、デルフォニックス、オージェイズのフィラデルフィア・ソウルに夢中になった。[ 12 ] 17歳の時、彼は当時親友でルームメイトだったランディ・リードとリードの弟と共に、最初のバンド、マネーを結成した。[ 12 ]
1966年にアッパー・ダービー高校を卒業後、ラングレンはフィラデルフィアに移り、ポール・バターフィールド・ブルース・バンドのようなブルース・ロック・グループ、ウッディーズ・トラック・ストップでキャリアをスタートさせた。[ 13 ]ラングレンは8ヶ月間バンドに在籍し、その間にバンドはフィラデルフィアで最も人気のあるグループとなった。[ 14 ]彼とベーシストのカーソン・ヴァン・オステンは、同名のファースト・アルバム[ 13 ]をリリースする前に脱退し、 1967年にロック・バンド、ナズを結成した。その頃には、ラングレンはブルースへの興味を失い、ビートルズやザ・フーの新しいレコードのようなスタイルのオリジナル曲でレコーディング・キャリアを追求したいと考えていた。[ 10 ]ナズのメンバーとして、彼はソングライターおよびボーカル・アレンジャーとしての技術を習得し、ビートルズの芸術性に匹敵することを決意した。[ 15 ] [注1 ]
1968年、4枚のデモディスクを録音した後、ナズはアトランティック・レコードの子会社であるスクリーン・ジェムズ・コロンビア（SGC）と契約した。彼らはロサンゼルスに飛び、IDサウンド・スタジオでファースト・アルバムを制作した。[ 17 ]ラングレンはそれまで制作経験がなく、プロデューサーのビル・トラウトが「1、2日でミックスをあっという間に仕上げてしまった」ことを覚えている。「それで私は『彼はもう行ってしまったのだから、自分たちが望むようにミックスし直そうじゃないか』と思った。エンジニアは私たちがミキシングボードでいじり始めることを気にしなかった。ほとんど試行錯誤だった」[ 18 ]彼はバリスピードやフランジングなどのテクニックを用いて実験的なアプローチでレコーディングを行い、正式な訓練を受けていないにもかかわらず、弦楽器や管楽器のアレンジの楽譜を作成した。[ 19 ]編曲家のヴァン・ダイク・パークスとの関わりでラングレンにスカウトされたエンジニアのジェームズ・ロウは、ラングレンがナズの事実上のリーダーになったと信じており、プロデューサーとしてのクレジットが不当に自分に与えられなかったと考えていた。[ 20 ]
ナズは、1968年7月にリリースしたデビューシングル「Open My Eyes」とB面の「Hello It's Me」でささやかな注目を集めた。どちらの曲もラングレンの作詞作曲である。その後、彼らは3枚のアルバムをリリースした。Nazz （1968年10月）、Nazz Nazz（1969年4月）、Nazz III（1971年）。[ 21 ] 1968年3月、ニューヨークのシンガーソングライター、ローラ・ニーロは2枚目のアルバム『Eli and the Thirteenth Confession』をリリースした。[ 22 ]ラングレンはこのレコードを聴いて、「すべてのメジャーセブンスコードと増七和音およびサスペンデッドコードのバリエーション」に衝撃を受け、特にピアノで作曲するようになってからは、すぐに彼の作曲に影響を与えた。[ 23 ]彼は次のように詳しく説明した。
彼女の影響を受けたのは、ジェリー・ラゴヴォイやマン＆ワイル、キャロル・キングといった、より洗練されたR&Bだったことは間違いありません。…そして彼女は、非常に独創的でジャズの影響を受けた独自の視点も持っていました。その独自の視点こそが、彼女を影響力のある存在にしたのです。彼女が使ったコードの多くは、他の人から得たものです。しかし、彼女の作曲の要素を超えて、私がいつも思うに、本当に彼女の音楽を魅力的にしていたのは、彼女自身の曲を演奏する方法でした。…私は『Eli and the Thirteenth Confession』の直後に彼女に会いました。実は、彼女に夢中だったので、この音楽をすべてプロデュースした人物に会いたくて、面会をセッティングしたのです。…初めて会った後、彼女は私にバンドリーダーにならないかと尋ねました。しかし、ナズはちょうどレコード契約を結んだばかりで、とても魅力的ではあったものの、バンドを辞めることはできませんでした。[ 16 ]
バンドの他のメンバーは彼の変化する好みに順応するのに苦労し、共同生活の結果として、ファーストアルバムとセカンドアルバムのレコーディングの間にバンドメンバー全員の間で緊張が高まり始めていた。[ 17 ]ナズのセカンドアルバムのレコーディング中、以前は控えめだったラングレンがプロデューサーとしてセッションを完全にコントロールするようになったため、他のメンバーは反発し、緊張はさらに高まった。[ 17 ] [ 24 ]ナズ・ナズがリリースされる頃には、ラングレンとヴァン・オステンは両方ともナズを脱退していたため、トラックの選択は彼らの意見なしで行われた。[ 17 ]ナズ・ナズのセッションの残りのトラックを含むナズIIIも同様に、ラングレンの関与なしでリリースされた。[ 24 ]
ナズを脱退した後、21歳のラングレンは一時的にコンピュータープログラマーとして働くことを考えたが、その後、プロデューサーこそが自分の天職だと決意した。彼は1969年の夏にニューヨークに移り、グリニッジ・ヴィレッジのクラブ、特にスティーブ・ポールのシーンに出入りし、マンハッタンの多くのミュージシャンやファッションデザイナーと出会った。[ 19 ]ナズのマネージャー、ジョン・カーランドの元アシスタントだったマイケル・フリードマンは、アルバート・グロスマンの下でスタッフエンジニア兼プロデューサーとして働くことをラングレンに申し出、ラングレンはそれを受け入れた。フォークロック・アクトのマネジメントで知られるグロスマンは、同名のテープ会社との合弁事業であるアンペックス・レコードを設立したばかりで、ウッドストック近郊にベアーズビル・スタジオを建設した。ベアーズビルはすぐに独自のレコードレーベルとなった。[ 25 ]グロスマンはラングレンに「世界で最も高給取りのプロデューサー」になると約束し、それは後に実現した。[ 26 ]
ラングレンは、当初は「イアン＆シルビア、ジェームス・コットン、アルバートのレーベルに所属する他のアーティストなど、アップグレードが必要な様々な古いフォークアーティスト」を担当していたと語った。 [ 27 ]グレート・スペックルド・バードの1969年の同名アルバムをプロデュースした直後、ベアーズヴィルのハウスエンジニアに昇格した。[ 27 ]ザ・バンドのロビー・ロバートソンとレヴォン・ヘルムと共に、ジェシー・ウィンチェスターの1970年のデビューアルバムを録音するためにカナダへ渡った。その直後、「ザ・バンドからステージ・フライトのセッションのエンジニアを頼まれた。ジェシー・ウィンチェスターは、そのリハーサルのようなものだったと思う。なぜなら、私はすぐに音をつかむことができたし、彼らはそれを気に入ってくれたからだ」と語った。[ 28 ] 1970年8月にリリースされたステージ・フライトは、ビルボード200で5位にランクインし、ザ・バンドにとって当時最高のチャート成績となった。[ 29 ]ラングレンはベアーズビルの「天才少年」と呼ばれた。[ 30 ]
バンドでの彼の仕事に続いて、ウィンチェスターの2枚目のアルバム（その後2年間お蔵入りになった）と、ジェームス・コットン・ブルース・バンドのアルバム『Taking Care of Business』 （1970年）が制作された。このプロジェクトでラングレンはコットンのキーボード奏者マーク・“ムーギー”・クリングマンと出会い、クリングマンはラングレンをキーボード奏者のラルフ・シュケットに紹介した。この2人はその後数年間、ラングレンと幅広く仕事をした。ラングレンはジャニス・ジョプリンの3枚目にして最終的に最後のアルバムとなる『Pearl』（1971年）をプロデュースする予定だったが、2人のアーティストがうまくいかなかったため計画は頓挫した。[ 31 ]
ラングレンは、演奏家として復帰することはもうないと思っていた時期を経て、グロスマンに、後に彼のデビューソロアルバムとなる『Runt』のアイデアを持ちかけた。どんなプロジェクトに対しても「自分が作りたいレコードを作って、あとはレーベルがプロモーションの方法を見つけてくれることを願う」というのが彼の基本的な姿勢だったが、グロスマンの損失を最小限に抑えるようラングレンは配慮した。「『Runt』の制作費の前払い金は実際にはもらっていません。スタジオ費用を支払うためのレコーディング予算を頼んだだけです。…銀行にいくらお金が入っているのかさえ知りませんでした。現金が必要な時は、会計士のところに行って、数百ドルか数千ドルをもらっていました。」[ 32 ]
1970 年半ばにリリースされたRunt は、本格的なソロ キャリアを始めることへの不安から、当初は Rundgren 名義ではなく、「Runt」という名前でリリースされた。[ 33 ]このアルバムは明るいサウンドで、Laura Nyro に影響を受けた曲が収録されている。[ 34 ] 19 歳のベーシスト、Tony Fox Salesと、その弟で 16 歳のドラムのHunt Salesと共にレコーディングされた。 [ 35 ] Nazz のエンジニア、James Lowe がセッションに復帰し、Rundgren は「グループを率いる能力がさらに高まったようだ。今改めて聴いてみると、特に若い男にしては非常に洗練された作品だ」と回想している。[ 36 ]リード シングル「We Gotta Get You a Woman 」はBillboardチャートで 20 位にランクインした。[ 37 ]次の LP の準備として、後にSparksとなるバンドのデビュー アルバムHalfnelson をプロデュースした。[ 38 ]メンバーのロンとラッセル・マエルは後に、スパークスのキャリアをスタートさせたのはラングレンだと述べている。[ 39 ]
ラントグレンの業界での評価は『ラント』の成功により大幅に高まり、人生で初めて娯楽用ドラッグを使い始めた。最初はマリファナだけだった。彼は、ドラッグによって「時間と空間と秩序に対する全く異なる感覚」が生まれ、それがセカンドアルバム『ラント』の作曲に影響を与えたと語った。『トッド・ラングレンのバラード』[ 40 ]収録曲は主にピアノバラードで、依然としてニーロのテンプレートをベースとしていたが、ラントグレンは音楽と題材の選択を洗練させ、影響を受けたアーティストと差別化するために、より意識的な努力をした。[ 41 ] 1971年5月にリリースされた『トッド・ラングレンのバラード』からは、「Be Nice to Me」と「A Long Time, a Long Way to Go」の2枚のシングルがリリースされたが、どちらも「We Gotta Get You a Woman」ほどの成功は収められなかった。『バラード』の最初の評価は賛否両論だったが、このアルバムは同時代の最も偉大なシンガーソングライター・アルバムの1つとして評価されるようになった。[ 42 ]
1971年後半、ラングレンはバッドフィンガーの3枚目のアルバム『ストレート・アップ』を完成させるために雇われた。このプロジェクトは、ジョージ・ハリスンがロンドンでバングラデシュ・コンサートを企画するために放棄していたものだった。 [ 43 ]アルバムはヒットし、2枚のシングルも同様に成功したが、ラングレンは最初のシングル（「デイ・アフター・デイ」）のクレジットを受け取っておらず、そのためこのシングルの制作印税を受け取っていない。[ 44 ]ラングレンは、この曲は「（ハリスンが）やったこととはあまり似ていない」と述べ、ハリスンへのクレジットは「意図的なものだったかもしれないし、そうでないかもしれないが、ビートルズの一般的な傲慢さの副産物だったのかもしれない」と推測した。[ 45 ] [注2 ]『ストレート・アップ』のセッションは9月に2週間続き、その後ラングレンはロサンゼルスに戻り、当初は1枚のLPとして計画されていた3枚目のソロアルバムの制作に取り掛かった。[ 44 ]
『Ballad』と同様に、新しい楽曲の多くはマリファナの影響下で書かれたり、構想されたりした。しかし、この頃にはリタリンも試用し始めていた。彼はこう回想している。「作曲のプロセスがほとんど第二の天性になっていました。定型的に、ほとんど考えずに、反射的に、約20分で曲を書き上げていました。」[ 46 ]リタリンの使用は、3週間の締め切りに間に合わせるために1日に最大12時間作業する中で、プロセスに集中するのにも役立った。ペースを維持するために、彼は8トラックレコーダー、ミキサー、シンセサイザーをリビングルームに設置し、スタジオを出た後も録音を続けられるようにした。[ 46 ]ラングレンは、キャリアで初めて、ベース、ドラム、ボーカルを含むすべてのパートを自分で録音した。[ 47 ]こうして「アルバム1枚半」ほどが完成した。その後、彼はプロジェクトをダブルLPに拡大することを決定し、スタジオでミュージシャンたちとライブで最後の数曲を急いで録音した。[ 48 ]
「トッド・ラングレン」名義で正式にリリースされた最初のアルバム「 Something/Anything? 」は、ベアーズヴィルがワーナー・ブラザーズ・レコードと長期配給契約を結んだ直後の1972年2月にリリースされた。 [ 49 ]このアルバムには、彼の最も有名な曲となる多くの曲が収録されている。ストレートなポップソングの中に、長尺のジャムセッションやスタジオでの雑談も含まれており、例えば「Intro」という語りのトラックでは、リスナーにレコーディングの欠陥について教え、 「Sounds of the Studio」という卵探しゲームのようなことをしている。 [ 4 ]雑誌の広告には、笑顔のラングレンが読者に「私を無視してみろ」と挑発している姿が描かれていた。 [ 50 ]このアルバムはビルボード200で最高29位を記録し[ 51 ] 、3年でゴールド認定された。 [ 52 ] リードシングル「 I Saw the Light 」はビルボードホット100で16位にランクインした。 [ 53 ] 1973年後半にリリースされた「Hello It's Me」は5位に達した。 [ 53 ]
音楽評論家のコリン・ラーキンによれば、『Something/Anything?』はその後「70年代初頭の画期的なリリースの一つとして正当に評価されている」とのことである。[ 54 ]「Couldn't I Just Tell You」はパワーポップのジャンルのアーティストに影響を与えた。音楽ジャーナリストのポール・レスターはこの録音を「圧縮のマスタークラス」と呼び、ラングレンは「パワーポップの不朽の地位を主張し、すべてを始動させた」と述べている。[ 55 ]ミュージシャンのスコット・ミラーの2010年の著書『Music: What Happened?』では、この曲を「おそらく史上最高のパワーポップ録音」と呼び、歌詞は「どういうわけか絶望的でありながら同時に軽快」で、ギターソロは「本当に驚くべき器用さと抑揚」を持っていると評している。[ 56 ] 2003年、『Something/Anything?』はローリングストーン誌の「史上最高のアルバム500枚」リストで173位にランクインした。[ 57 ]
その後のアルバム、A Wizard, a True Starやスピンオフ グループのUtopiaから始まる作品では、ストレートな 3 分間のポップから劇的に変化した。[ 58 ] Something/Anything?の成功後、ラングレンは自分がますます「男性版キャロル・キング」と呼ばれるようになったことに不快感を覚えた。「キャロル・キングには敬意を表するが」と彼は言った。「それは私が自分の音楽的遺産として作りたかったものではなかった」[ 59 ]ニューヨークに戻り、さまざまな幻覚剤を試していた彼は、 Something/Anything?の作曲は大部分が定型的で怠惰から生まれたものだと考え始め、「より折衷的でより実験的な」次のアルバムを作ろうとした。[ 60 ] [注 3 ]彼の音楽の好みは、フランク・ザッパ、イエス、マハヴィシュヌ・オーケストラのプログレッシブ・ロックにも傾き始めた。[ 61 ] 2017年、バークリー音楽大学の卒業式でスピーチをした際、彼はこのレコードについて次のように述べている。
…商業的な成功を収めた後の私の独裁行為。 …私はレコード制作のルールをすべて捨て去り、他人のためにそれを整理しようとせずに、頭の中の混沌をレコードに刻み込もうと決めた。その結果、当時の聴衆の約半分を完全に失った。 …これがその後の私の人生のモデルとなった。[ 62 ]
『ウィザード』のサウンドと構成は、ラントグレンの幻覚体験に大きく影響を受けている。[ 63 ]幻覚に触発された「飛行計画」として構想され、すべてのトラックがシームレスにつながり、「混沌とした」雰囲気で始まり、お気に入りのソウルソングのメドレーで終わる。[ 64 ]彼はこう語っている。「ドラッグを使うと、自分の思考プロセスをある特定の方法で突然抽象化することができ、それをレコードにできるかどうか試してみたかった。多くの人がそれをサイケデリックなトリップのダイナミクスだと認識した。それはまるで頭で絵を描いているようなものだった。」[ 26 ]ラントグレンとムーギー・クリングマンは、 『ウィザード』のセッションに対応するために、プロのレコーディングスタジオ、シークレット・サウンドを設立した。スタジオはラントグレンの仕様に合わせて設計され、時間当たりのスタジオ料金を気にすることなく自由にサウンド実験に没頭できるように作られたが、彼はアルバムは「スタジオが完成していなかったため、少し急いで作られた」と感じていると主張した。[ 63 ]このアルバムに影響を与えた他の要素には、ミュージカル、ジャズ、ファンクなどがある。[ 65 ]
『A Wizard, a True Star』は1973年3月にリリースされた。[ 66 ]ラングレンの意向により、アルバムからはシングルはリリースされなかった。彼は、収録曲がLPの文脈の中で聴かれることを望んでいたからである。[ 67 ]リリースは、「Hello It's Me」シングルの成功と同時期であり、この曲によってラングレンはバラード歌手としての名声を得たが、これは『Wizard』の内容とは著しく対照的であった。[ 66 ] [ 68 ]アルバムに対する批評家の評価は賛否両論であったが、[ 66 ]『Wizard』はその後数十年にわたってミュージシャンに大きな影響を与えた。[ 62 ] 2003年、音楽ジャーナリストのバーニー・ホスキンズはこのレコードを「史上最高のアルバム…感情とジャンルの変容のめまいがするほど陶酔的なジェットコースターのような作品であり、21世紀に作られているどんな最先端のエレクトロポップよりも勇敢に未来的なサウンドを奏でている」と評した。[ 69 ] 2018年にPitchforkのサム・ソドムスキーは、ウィザードの「指紋」は「今日に至るまでベッドルーム・オーターに明白に残っている」と書いた。 [ 4 ]
アルバム発売後の数週間で、ラングレンはグランド・ファンク・レイルロードの『ウィー・アー・アン・アメリカン・バンド』とニューヨーク・ドールズのセルフタイトルのデビュー・アルバムをプロデュースした。これらはその年最も重要なLPの2枚目だった。前者のアルバムは全米チャートで2位を獲得し、後者はパンク・ロックの先駆けとなったが、ラングレンは「パンク・プロデューサー」として知られることはなかった。[ 70 ]ラングレンはまた、後にユートピア・マークIとして知られることになるバンドと共に、技術的に野心的なステージ・ショーを準備した。このバンドは、ベーシストのトニー・セールス、ドラマーのハント・セールス、キーボーディストのデイヴ・メイソン、シンセサイザー・スペシャリストのジャン＝イヴ・“M.フロッグ”・ラバットで構成されていた。ツアーは4月に始まったが、わずか数週間で中止となった。[ 71 ]
ラングレンは制作業務を終えると、ユートピアの改良版の構想を練り始めたが、まずシークレット・サウンドに戻り、幻覚体験を基にした素材を多く用いた、シンセサイザーを多用した2枚組アルバム『トッド』を録音した。 [ 72 ]この頃、彼は宗教や精神性にも強い関心を抱き、ブラヴァツキー夫人、ルドルフ・シュタイナー、ジッドゥ・クリシュナムルティなどの著者の本を読んでいた。[ 73 ]当初1973年12月にリリース予定だった『トッド』は、 1973年のオイルショックによるレコード不足のため、翌年2月に延期された。[ 74 ]
『トッド』の制作中、ラングレンはセッションミュージシャンのケビン・エルマン（ドラム）とジョン・シーグラー（ベース）の「フュージョンジャズの感性」に注目した。ラングレンは、クリングマンとキーボーディストのラルフ・シュケットと共に、彼らをユートピアの新しい編成に選んだ。このラインナップは、 1973年8月25日にセントラルパークで最初のショーを行い、ブレッカー・ブラザーズとホール＆オーツと共演した。[ 75 ] [ nb 4 ]ユートピアは11月と12月を通してさらに多くのショーを行い、ラングレンが事前に録音されたトラックに合わせてピアノを演奏するソロオープニングセットの後、 『サムシング/エニシング?』と『ウィザード』からの曲を演奏した。[ 76 ] 12月7日、ラントグレンは「ザ・ミッドナイト・スペシャル」に一人で出演し、「ハロー・イッツ・ミー」を演奏したが、その際、バンドメンバーやベアーズビルの重役ポール・フィシュキンを困惑させるほど派手なグラム衣装を着ていた。フィシュキンはラントグレンのことを「まるで女装女王みたいだった」と回想している。[ 74 ]
もし私がたった1分間でも完全な悟りを得られるなら、たとえ私のキャリアがすべて台無しになっても構わない。存在、死、あらゆることに対する答えがあると分かるだろうから。
ユートピアは1974年3月から4月にかけて初の成功を収めたツアーに乗り出し、その後ラングレンはハロー・ピープルの『ハンサム・デビルズ』とホール＆オーツの『ウォー・ベイビーズ』をプロデュースした。[ 52 ]バンドのデビュー・レコードは、トッド・ラングレンの『ユートピア』（1974年11月）というタイトルのLPだった。これはラングレンがプログレッシブ・ロックのジャンルに本格的に挑戦した最初の作品となった。ユートピアは1975年から1985年の間にさらに数枚のアルバムをリリースした。徐々にロックポップサウンドへと方向転換していったものの、アルバムチャートで最高位を記録したのはトッド・ラングレンのユートピアで34位だった。[ 78 ]キーボーディストのロジャー・パウエルは、ベアーズヴィルではユートピアが「消えてなくなってくれればよかったのに」と思っていたが、「トッドの契約では一定年数にわたって一定数のアルバムを出すことになっていたので、彼はアルバムを1枚おきにソロアルバムにして、次のアルバムをユートピアのアルバムにすることに決めた」と回想している。[ 79 ]
『A Wizard, a True Star』には、元ビートルズのジョン・レノンを標的とした曲「Rock N Roll Pussy」が収録されている。[ 80 ] 1974年、ラングレンは『Melody Maker』誌2月号に掲載されたコメントを巡って、レノンとちょっとした確執に巻き込まれた。[ 81 ]その記事の中で、ラングレンはレノンがハリウッドのトルバドールでウェイトレスを殴ったと非難し、革命を布教し「アホのように振る舞う」レノンを「クソバカ」と呼んだ。[ 82 ] 9月、同誌はレノンの反論を掲載し、その中でレノンは非難を否定し、ラングレンのことを「クソ野郎ラングリーン」と呼んだ。「私は革命家だと主張したことは一度もない。だが、私は好きなことを何でも歌う権利がある！そうだろ？」[ 83 ]後にラングレンはこう言った。「ジョンと私は自分たちが利用されていることに気づき、ある日彼から電話がかかってきて、私たちは『もうこの話はやめよう』と言ったんです。」[ 81 ]
『Initiation』 （1975年）では、シンセサイザーを使った実験的な試みがさらに進み、マハヴィシュヌ・オーケストラやフランク・ザッパといった同時代のアーティストによる前衛的なジャズ・フュージョンの影響が音楽的に表れていた。今回もオリジナルLP盤では、ラングレンはメディアの物理的な限界に挑戦し、片面全体を使った組曲「A Treatise on Cosmic Fire」は35分を超える長さだった。 [ 84 ] [ 85 ]
1976年5月にリリースされた『Faithful』は、ラングレンのプロミュージシャンとしての10周年を祝う作品となった。アルバムには、オリジナル曲の片面と、ヤードバーズの「Happenings Ten Years Time Ago」、ビーチ・ボーイズの「Good Vibrations」、レノン作詞作曲のビートルズの2曲など、1966年の名曲のカバーが収録されている。カバー曲のアレンジは、オリジナルにできるだけ近いサウンドになるように意図されており、ラングレンのオリジナル曲は、1960年代の影響を反映して書かれた。彼は「The Verb 'To Love'」という曲を、表面的なラブソングを書くのをやめて「他のあらゆる種類の題材を探し求めて書く」という意識的な決断をしたきっかけとして挙げている。[ 86 ]『Faithful』は売上やプロモーションが振るわなかったにもかかわらず、リードシングル「Good Vibrations」はアメリカのラジオで定期的にオンエアされた。[ 87 ]
『Faithful』の完成後、ラングレンはイラン、アフガニスタン、インド、ネパール、スリランカ、バリ、タイ、日本、ハワイを訪れ、東洋の精神修養に2か月を費やした。[ 88 ]また、ウッドストックのすぐ外にあるニューヨーク州レイクヒルにユートピア・サウンド・スタジオを開設し、近くに家を購入し、スタジオを利用するアーティストの宿泊施設として引き継ぐために隣接する土地も購入した。[ 87 ]ミンク・ホロー・ロードにあるレイクヒルの複合施設は、その後6年間ラングレンの拠点となった。[ 89 ]次のソロ作品までの間、彼はユートピアで3枚のアルバムを録音した。最初のアルバム『Disco Jets』は、 2001年まで未発表のままだった、インストゥルメンタル・ディスコ・トラックのユーモラスなコレクションだった。 『Ra』（1977年2月）はエジプト神話を題材にしたコンセプト・アルバムで、巨大なピラミッドとスフィンクスの頭部をあしらった豪華なステージセットを使った大規模なツアーの序章となった。[ 90 ] ツアー直後に録音された『Oops! Wrong Planet』 （1977年9月） [ 91 ]は、グループがよりポップ志向の方向へ進む始まりを告げるものだった。[ 92 ]
1977年後半までに、ラングレンは当時の恋人ベベ・ビュエルと幼い娘リヴ・タイラーとの別居の真っ只中にいた。[ 93 ]ラングレンは、ニューヨーク市の自宅を出てミンク・ホロウに引きこもった時のことを回想している。「ベベとはどんな意味でも同居したくないと気づいた後…常にすべてから遠ざかり、いつも異端者であることの幸運な副産物は…自己分析のための時間がたっぷりあることだ」[ 94 ]。彼は次のソロ・アルバムの曲を、ベース、ドラム、ボーカルを除いて最小限のアレンジでピアノ演奏するつもりだった。その意味で、作曲プロセスは「かなり従来通り」に見えると彼は述べた。[ 95 ]
『Hermit of Mink Hollow』は1978年5月にリリースされた。 [ 96 ]『Something/Anything?』以来、最も親しみやすい作品として広く認識されており、 『A Wizard, a True Star 』以来のラングレンの作品のほとんどよりも多くの注目を集め、ラジオでオンエアされた。 [ 97 ]『Utopia』以来のプログレ作品の連続の後、「原点回帰」として称賛された。 [ 98 ]アメリカでは、このLPは最高36位を記録し、シングル「 Can We Still Be Friends」は29位に達した。この曲は、ロバート・パーマー、ロッド・スチュワート、コリン・ブランストーン、マンディ・ムーアによるバージョンがあり、ラングレンの最もカバーされた曲となった。 [ 99 ]作品を宣伝するために、ラングレンはニューヨークのボトムラインやロサンゼルスのロキシーなどの小規模な会場で演奏するアメリカツアーを行った、彼のソロ作品とユートピアの楽曲をミックスしたダブルライブアルバム『 Back to the Bars 』が制作され、ユートピア[ 96 ] 、スペンサー・デイヴィス、ダリル・ホール＆ジョン・オーツ、スティーヴィー・ニックス[ 100 ]などのバックミュージシャンと共に演奏された。
1980年、ユートピアはビートルズのパロディ・アルバム『Deface the Music』を録音した。このアルバムには、レノンを標的にしたと解釈された別の曲「Everybody Else Is Wrong」が収録されている。[ 101 ]同年後半、レノンは、宗教に関するレノンの発言に激怒した、ラングレンの熱狂的なファンであるマーク・デイヴィッド・チャップマンによって殺害された。逮捕されたチャップマンは、ハーミット・オブ・ミンク・ホロウの宣伝用Tシャツを着ており、ホテルの部屋に『Runt. The Ballad of Todd Rundgren』のコピーを残していた。ラングレンは「事件からずっと後になって」その関連性に気付かなかった。[ 81 ]メロディ・メーカー誌での確執について尋ねられたチャップマンは、事件から何年も経ってから初めて、ミュージシャンたちのメディアでのやり取りに気づいたと述べた。[ 102 ]
1981年には、アルバム全体にわたるコンセプト作品『Healing』が発表された。[ 54 ]彼の楽曲「Time Heals」のミュージックビデオは、 MTVで最初に放映されたビデオの一つであり、 RCAのために制作した、グスタフ・ホルストの「惑星」を伴奏とするビデオは、RCAのビデオディスクプレーヤーのデモとして使用された。ラングレンのコンピュータグラフィックスの経験は1981年に遡り、彼は最初のコンピュータペイントプログラムの1つである「Utopia Graphics System」を開発した。これはAppleのデジタイザータブレットを備えたApple II上で動作した。[ 103 ]彼はまた、コンピュータスクリーンセーバーシステムFlowfazerの共同開発者でもある。[ 104 ]
1980年8月13日、覆面をした4人の男がラングレンのミンク・ホローの自宅に押し入り、ラングレンと妊娠中の恋人を縛り上げた。[ 105 ]
ニューウェーブの影響を受けた『The Ever Popular Tortured Artist Effect』 （1982年）には、スモール・フェイセスのヒット曲「Tin Soldier 」のカバーが収録されている。アルバムからのシングル「Bang the Drum All Day」は、マイナーヒットとなった。その後、より有名になり、グリーンベイ・パッカーズをはじめとするいくつかのプロスポーツチームの非公式テーマとして採用された。ロサンゼルスのKLOSのディスクジョッキー、ジェノ・ミケリーニは、金曜の午後に週末の非公式なキックオフとして「Bang the Drum All Day」を使用していた。「Bang the Drum All Day」は、カーニバル・クルーズのテレビCMキャンペーンでも使用された。現在では、ラングレンの最も人気のある曲の1つと考えられている。[ 106 ]『Tortured Artist』は、ラングレンのベアーズビル・レコードでの活動の終わりを告げるものとなった。[ 107 ]
ラングレンはワーナー・ブラザーズ・レコードと契約し、次のアルバム『アカペラ』（1985年）をリリースした。このアルバムはラングレンの多重録音された声を使用し、プログラムされたボーカルサンプルのみで構成されたアレンジメントが伴奏として用いられた。[ 108 ]ラングレンは1986年に人気子供向けテレビ番組『ピーウィーのプレイハウス』の4エピソードの音楽を担当した。 [ 109 ]
『Nearly Human』（1989年）と『2nd Wind』（1991年）はどちらもライブ録音で、前者はスタジオで、後者は劇場で観客の前で録音され、観客には静かにするように指示されていた。 [ 110 ] [ 111 ]これらのアルバムの各曲は、後からオーバーダビングすることなく、完全なワンテイクで録音された。両アルバムは、部分的には彼のフィラデルフィア・ソウルのルーツへの回帰を。『2nd Wind』には、ラングレンのミュージカル『 Up Against It』からの抜粋もいくつか含まれており、これはイギリスの劇作家ジョー・オートンが、映画『Help ! 』 （1965年）の製作されなかった続編のためにビートルズに提供した脚本（当初のタイトルは「Prick Up Your Ears」）を基にしている。 [ 111 ]
ラングレンはニューテック・ビデオトースターをいち早く採用し、それを使っていくつかのビデオを制作した。最初の作品はセカンド・ウィンドの「チェンジ・マイセルフ」で、トースターのデモリールとして広く配布された。その後、彼はトースターを使って3Dアニメーションを制作する会社を設立した。この会社の最初のデモ「神学」（ユートピアの元バンドメイト、ロジャー・パウエルの音楽をフィーチャーした、時代を超えた宗教建築についての作品）もトースターユーザーの間で広く流通した。[ 112 ]
1989年、ラングレンはブラスと3人のバックシンガー（そのうちの1人、ミシェル・グレイとラングレンは結婚した）を含むニアリー・ヒューマン—セカンド・ウィンド・バンドと共にツアーに出た。 [ 113 ]また、1992年にはリンゴ・スターの2番目のオールスター・バンドともツアーを行った。[ 114 ] 1992年の短い日本ツアーでは、ラングレン/パウエル/サルトン/ウィルコックスというラインナップが再結成され、ライノ・レコードから『Redux '92: Live in Japan』がリリースされた。[ 115 ]
90年代が始まると、ラングレンはロックプロデューサーやレコーディングアーティストのあるべき姿という従来の概念からすでに離れ始めていた。ラングレンは自身や他のアーティストのレコード制作を続けながらも、彼がその後20年間で採用、あるいは開拓した革新的で個性的な技術やビジネスモデルの多くは、将来のアーティストに大きな影響を与え、レコードプロデューサー、大手スタジオ、さらにはレコードレーベルさえも不要にするほどだった。
1990年代半ば、ラングレンはTR-i（「トッド・ラングレン・インタラクティブ」）という偽名で2枚のアルバムをレコーディングした。その1枚目、1993年の『ノー・ワールド・オーダー』は、リスナーの好みに合わせてさまざまな組み合わせができる、数百秒の音楽スニペットで構成されていた。当初はフィリップスのCD-iプラットフォーム向けに開発された『ノー・ワールド・オーダー』は、テンポ、ムード、その他のパラメーターをインタラクティブにコントロールできるほか、ラングレン自身、ボブ・クリアマウンテン、ドン・ワズ、ジェリー・ハリソンによるプリセットミックスも収録されていた。このディスクはPCとMacintosh向けにもリリースされ、標準オーディオCDでは連続ミックスディスク『ノー・ワールド・オーダー』と、後にソング中心の『ノー・ワールド・オーダー・ライト』の2バージョンが発売された。音楽自体はラングレンのこれまでの作品とは大きく異なり、ダンス／テクノの雰囲気があり、ラングレン自身によるラップも多用されている。続編の『The Individualist』（1995年）では、視聴したり、場合によってはプレイしたりできるインタラクティブなビデオコンテンツが特徴でした。これはシンプルなビデオゲームで、音楽は『No World Order』よりもロック色が強かった。
1994年、ラントグレンはコメディ映画『ダム・アンド・ダンバー』の映画音楽を作曲し、サウンドトラックに「 Can We Still Be Friends? 」という曲を提供した。 [ 117 ] [ 118 ]
ラングレンは、自身の名義でレコーディング活動を再開し、1997年にボサノヴァ風にアレンジした旧作を収録したアルバム『 With a Twist...』をリリースした。1年以上かけて加入者に少しずつ配信されたPatroNetでの作品は、2000年に『One Long Year』としてリリースされた。2004年には、 「真実の欠如」をテーマにしたコンセプトアルバム『Liars』をリリース。このアルバムには、彼の旧作と新作のサウンドが融合している。
インターネットが広く普及するにつれ、ラントグレンは長年のマネージャーであるエリック・ガードナーとアップルのデジタル音楽担当重役ケリー・リチャーズと共にPatroNetを立ち上げた。これは、ファン（パトロン）が購読料を支払うことで、制作途中の作品や未発表の新曲にアクセスできるサービスで、レコード会社を介さずに直接配信する仕組みだった。PatroNetで最初に配信された楽曲は、後にアルバム『One Long Year』（2000年）としてリリースされた。それ以来、ラントグレンは大手レコード会社との関係を断ち、自身のウェブサイトを通じて購読者に直接新曲を提供し続けているが、インディーズレーベルからもCDのレコーディングとリリースを続けている。2022年現在、PatroNet.comのウェブサイトは利用できない状態である。
9月11日の同時多発テロの後、ラントグレンはダグラス・スローン監督の映画『A Face to a Name』の音楽を作曲した。この映画は、テロ攻撃後にベルビュー病院の「祈りの壁」に展示された行方不明のニューヨーカーたちの多数の写真を描いている。この映画は2002年のウッドストック映画祭で特別上映された。[ 119 ]
2005年後半、ボストンを拠点とするバンド、ザ・カーズは、ベーシストのベンジャミン・オーの死去と、元リードシンガーのリック・オケイセックの消極的な態度にもかかわらず、再結成を計画していた。その後、トッド・ラングレンがエリオット・イーストンとグレッグ・ホークスと共に、新たなカーズのラインナップの可能性を探るリハーサルに参加したという噂が流れた。当初の憶測では、ブロンディのクレム・バークとエヴァークリアのアート・アレクサキスが加わり、新カーズが完成するのではないかとされていた。最終的に、このグループは、ラングレン時代のベーシスト、カシム・サルトンと、ラングレンがプロデュースしたXTCのアルバム『スカイラーキング』（1986年）に参加し、ラングレンとレコーディングやツアーを行った経験を持つザ・チューブスのスタジオドラマー、プレーリー・プリンスを加えてラインナップを完成させた。
2006 年初頭、新ラインナップは業界関係者向けに数回のプライベート ショーを行い、ジェイ・レノ司会の「ザ・トゥナイト・ショー」で生演奏し、その他のメディア出演を行った後、再結成したブロンディとの 2006 年夏のツアーを開始した。ラングレンはこのプロジェクトを「生活費を稼ぎ、より多くの観客の前で演奏し、知り合いで好きなミュージシャンと仕事をし、理想的には 1 年間楽しむ機会」と表現した。[ 120 ]ニュー・カーズの最初のシングル「Not Tonight」は 2006 年 3 月 20 日にリリースされた。ライブ アルバム/ベスト ヒット集「The New Cars: It's Alive」は 2006 年 6 月にリリースされた。このアルバムには、ライブで録音されたカーズのクラシック ソング (およびラングレンのヒット 2 曲) と、3 曲の新スタジオ トラック (「Not Tonight」、「Warm」、「More」) が含まれている。
2011年4月、トッド・ラングレンの『ジョンソン』がリリースされた。これは、1年以上前に録音されたロバート・ジョンソンのカバー曲集である。同じく2011年には、カバー・アルバム『(re)Production』がリリースされ、ラングレンはグランド・ファンク・レイルロードの「ウォーク・ライク・ア・マン」やXTCの「ディア・ゴッド」など、以前他のアーティストのためにプロデュースした楽曲を演奏している。
2017年、ラントグレンはトレント・レズナー、ロビン、ダリル・ホール、ジョー・ウォルシュ、ドナルド・フェイゲンとのコラボレーションを収録した『ホワイト・ナイト』をリリースした。[ 121 ]
2018 年 12 月、クレオパトラ プレスは、彼自身が執筆した回顧録『個人主義者: 脱線、夢、論文』を出版した。この本は 181 章からなり、各章は 1 ページ、各章は 3 つの段落で構成されている。彼は「これをやらなければ、誰かがやってしまうことに気づいた。いつか自分ではできなくなるかもしれないというところまで来ていて、そうなったら誰かがやってくれるだろうが、その結果に満足できないだろう」と語った。[ 122 ] この本の内容は、彼が執筆を始めたのと同じ 1998 年の 50 歳の誕生日で終わっている。それ以来、彼は「私の人生ははるかに退屈になった... 以前ほどレコード制作をしていないので、それらのプロジェクトに伴う面白い話はもう存在しない」と語った。[ 122 ] 2019年10月21日、彼は議会図書館に立ち寄り、盲人のファンであり、国立盲人図書館サービス利用者でもある盲人が作成した点字版にサインをした。[ 123 ]
ラントグレンは2019年後半に、ミッキー・ドレンツ、ジェイソン・シェフ、クリストファー・クロス、バッドフィンガーのジョーイ・モランドと共に、ビートルズの1968年のセルフタイトルアルバムを記念した「It Was Fifty Years Ago Today – A Tribute to the Beatles' White Album」ツアーを行った。[ 124 ]
ラングレンは2020年にウィーザーのフロントマン、リヴァース・クオモとコラボレーションし、シングル「Down with the Ship」をリリースした。 [ 125 ] 12月には、オランダのコメディアン、ユープ・ファン・ト・ヘックが1978年に発表した楽曲「 Flappie 」の英語訳をリリースした。[ 126 ]同年4月には、デビューアルバムをプロデュースしてから50年ぶりにスパークスと再会し、シングル「Your Fandango」をリリースした。[ 127 ] 2022年9月には、アルバム「Space Force」をリリースした。[ 128 ]
彼は、ヒップホップ・スーパーデュオ¥$のアルバム『Vultures 2』（2024年8月3日発売）に収録されている楽曲「My Soul」で、サンデー・サービス・クワイアと共にボーカルを追加した。
AllMusicに寄稿した音楽評論家のスティーブン・トーマス・アールワインは、ラングレンを次のように評価している。
トッド・ラングレンの最も有名な曲、キャロル・キングのパロディ「I Saw the Light」、バラード「Hello, It's Me」と「Can We Still Be Friends」、そしておどけたノベルティ「Bang on the Drum All Day」は、彼が才能あるポップ・アーティストであることを示唆しているが、ラングレンの本質はロックンロールの異端児である。1972年の傑作「Something/Anything? 」で成功を収めた後、ラングレンはスターダムを捨て、それとともに従来のポップ・ミュージックからも離れた。彼は未知の音楽領域へと進み始め、エレクトロニック・ミュージックやプログレッシブ・ロックだけでなく、ミュージック・ビデオ、コンピュータ・ソフトウェア、インターネット音楽配信においても先駆者となった。[ 5 ]
1972年から1978年にかけてソロアーティストとして活動したラングレンは、ビルボードホット100で全米トップ40シングルを4曲獲得し、そのうち「Hello, It's Me」はトップ10ヒットとなった[ 53 ]。また、ビルボード200で全米トップ40アルバムを3枚獲得した[ 51 ]。彼はアーティストとしてもプロデューサーとしても著名な最初のアーティストの1人であり[ 4 ] 、パワーポップ、ローファイ、オーバーダビング、実験音楽の分野でも影響力があった[ 129 ]。ラングレンは折衷的なスタイルで演奏したため、彼のシングルはしばしば、それが由来するLPの他のトラックとは対照的であり、彼の大衆的な人気を制限した。[ 5 ]デジタル技術を早期に取り入れたことについて、彼は「デジタル録音を始めたのは私が最初ではなかった。とても高価だったからだ。しかし、技術が手頃な価格になったとき、私はデジタルに移行した」と語った。[ 130 ]ラングレンは、すでに「制作で莫大な収入」を得ていたため、商業的な期待に応えるためにサウンドを調整することは、アーティストにとって稀な贅沢であったため、問題になったことは一度もなかったと語った。[ 131 ]
もし音楽のキャリアを積んでいなかったら、おそらく大学に進学してコンピュータープログラマーになっていただろう。
ラングレンは、プロデューサー兼アーティストのブライアン・ウィルソンやブライアン・イーノと比較されることがある。[ 133 ]伝記作家のポール・マイヤーズは、レコーディングスタジオをラングレンの「究極の楽器」と評している。[ 10 ]ラングレンは、自身のレコードに関しては「プロデューサーとして」考えるのではなく、スタジオを「パフォーマンスの創造を支援する」ために使用していると認めている。[ 134 ]彼のレコーディングプロセスは、マルチトラック録音の革新者であるレス・ポールや、ビートルズやビーチ・ボーイズのスタジオ実験と同じ伝統を受け継いでいる。[ 135 ]
伝記作家のマイヤーズによれば、ラングレン自身は「プリンスのような自己完結型の天才の世代」に影響を与えたという。「皮肉なことに、彼の革新のいくつかは、レコーディング・アーティストを解放し、レコード・プロデューサーの価値や必要性を低下させることになった」[ 136 ] [ nb 5 ] 。ラングレンの影響は、ホール＆オーツ、ビョーク、ダフト・パンクにも挙げられている。[ 131 ] [ 129 ]スレート誌のライター、マーク・ワインガルテンは、ビョークの「全編ボーカル」の実験作『メドゥーラ』 （2004年）の先例として『アカペラ』 （1985年）を挙げ、総じて「この2人のアーティストは、ファンが思うよりも多くの共通点を持っている」と述べている。[ 137 ]
ラングレンの他のアーティストのためのプロデュース作品は、ほとんどが単発のものでした。例外は、グランド・ファンク・レイルロード、ニューヨーク・ドールズ、ザ・チューブス、ハロー・ピープル、そしてザ・パースート・オブ・ハピネスです。[ 136 ]彼は自分の典型的な役割を「ソングクラフトの扇動者」と表現しました。アーティストの曲が未完成の場合、彼はそれを完成させ、作詞作曲者としてのクレジットを拒否しました。[ 138 ]彼の協力者の中には、彼を「天才」と評する一方で、「皮肉屋」で「よそよそしい」とも評する人もいます。[ 139 ] [注6 ]彼の最も悪名高いプロデュースは、セッション中に生じた創造的な緊張と意見の相違で知られる、XTCの1986年のアルバム『スカイラーキング』です。 [ 142 ]このアルバムは、ラングレンのプロデュースキャリアとXTCのキャリアの両方の頂点と見なされることがあります。[ 143 ]彼は、制作をめぐる混乱にもかかわらず、このレコードは「最終的には…まるで僕たちが制作を楽しんでいたように聞こえる。そして、時には本当に楽しんでいた」とコメントした。 [ 144 ] 3人全員が完成品に賞賛を表明した。[ 142 ]
1970年代半ばから後半にかけて、ラントグレンは、クリームのエリック・クラプトンが使用していた、人目を引くサイケデリックなギブソンSG（「サニー」または「ザ・フール」などとも呼ばれる）を頻繁に演奏していた。クラプトンは1968年頃にこのギターの使用をやめた後、ジョージ・ハリスンに譲り、ハリスンはそれをイギリスの歌手ジャッキー・ロマックスに「貸し出した」。1972年、レコーディングセッションで出会ったロマックスは、買い戻しオプション付きで500ドルでラングレンにギターを売却したが、買い戻しオプションは行使されなかった。[ 146 ]ラングレンはユートピア初期の頃にこのギターを頻繁に演奏したが、1970年代半ばから後半にかけて一時的に演奏を休止した。その間、彼はギターを修復し、塗装を保護するためにラッカー仕上げを施し、チューニングを安定させるためにテールピースとブリッジを交換した。1980年の「Deface the Music」ツアーで再びこのギターをツアーに持ち出し、1980年代を通して断続的に使用し、1993年に完全に引退させ、最終的に1999年にオークションに出品した。現在は、1988年に日本のファンから贈られたレプリカを使用している。[ 147 ]
ラントグレンは1972年にモデルのベベ・ビュエルと交際を始めた。二人の関係が一時的に途絶えた時期に、ビュエルはエアロスミスのリードボーカル、スティーヴン・タイラーと短期間交際し、予期せぬ妊娠に至った。ビュエルは1977年7月1日にリヴ・タイラーを出産した。ビュエルは当初、ラントグレンが実の父親だと主張し、子供にリヴ・ラントグレンと名付けた。リヴの誕生後まもなく、ラントグレンとビュエルは恋愛関係を解消したが、ラントグレンはリヴへの愛情を持ち続けた。リヴは11歳の時に、実の父親がスティーヴン・タイラーであることを知った。[ 148 ] [ 149 ] [ 150 ]
リヴ・タイラーによると、「トッドは私が生まれた時に、私には父親が必要だと基本的に決めて、出生証明書に署名した。彼は私が彼の子ではない可能性もあることを知っていたが…」ブエルがラングレンがリヴの父親だと主張した理由は、リヴが生まれた当時、タイラーが薬物中毒に陥っていたからだという。[ 151 ]
タイラーはラングレンと親密な関係を保っている。[ 152 ]「彼には本当に感謝しているし、とても愛している。ほら、彼が私を抱きしめてくれると、まるでパパみたい。それに彼はとても守ってくれて、強いの。」[ 153 ]
ラングレンはカレン・ダービンと長年交際し、彼女との間にレックス（1980年生まれ）とランディ（1985年生まれ）という2人の息子をもうけた。レックスはマイナーリーグの野球選手（内野手）として9シーズンプレーした。[ 154 ]ダービンは以前ブルース・スプリングスティーンと交際していた。[ 155 ]
ラングレンは1998年にミシェル・グレイと結婚した。グレイは1985年にユートピアがチューブスの前座を務めた際、チューブスのダンサーだった。その後まもなく、彼女はバックシンガーとしてラングレンのツアーに参加し、同年後半にはアカペラツアーにも参加した。また、アルバム『ニアリー・ヒューマン』（1989年）のツアーでも歌い、そのことがきっかけで「世界で最も危険なバックシンガー」の一人として『レイト・ナイト・ウィズ・デイヴィッド・レターマン』に何度も出演することになった。 [ 156 ]二人の間には、レボップという名の息子[ 157 ]と、ケオニという名の養子がいる。[ 157 ] [ 158 ]
ポール・マイヤーズは、2010年に出版したトッド・ラングレンに関する著書『A Wizard, a True Star: Todd Rundgren in the Studio』の中で、ラングレン自身が注意欠陥障害だと診断していたと報告している。[ 159 ]
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