交響曲

交響曲は、西洋クラシック音楽における大掛かりな楽曲であり、ほとんどの場合はオーケストラで演奏される。この用語は古代ギリシャ時代にその語源を持ち、さまざまな意味を持っていたが、18世紀後半までには今日一般的な意味、つまり、第1楽章がソナタ形式であり、通常は4つのセクションまたは楽章で構成される作品、という意味を帯びるようになった。交響曲はほとんどの場合、弦楽器セクション（ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス）、金管楽器、木管楽器、打楽器で構成されるオーケストラ用に作曲され、演奏者は合計で約30人から100人である。交響曲は、すべての楽器パートを含む楽譜に記譜される。オーケストラの演奏者は、自分の楽器の記譜された音楽のみを含むパートから演奏する。交響曲の中には、声楽パートを含むものもある（例：ベートーヴェンの交響曲第9番、マーラーの交響曲第2番）。

交響曲（シンフォニー）という言葉は、ギリシャ語のσυμφωνία（symphōnía ）に由来しており、「音の一致や調和」、「声楽や器楽の合奏」を意味し、σύμφωνος（sýmphōnos）「調和のとれた」から来ています。^[1]この言葉は、最終的に音楽形式を指す現在の意味に落ち着くまで、さまざまな異なる概念を指していました。

後期ギリシャおよび中世の理論では、この語は協和音を表すのに使われ、不協和音を表すδιαφωνία ( diaphōnía )とは対照的であった。 ^[2]中世以降、ラテン語のsymphonia はさまざまな楽器、特に同時に複数の音を出すことができる楽器を表すために使われた。^[2] セビリアのイシドールスは、2面ドラムの名称として symphonia という語を初めて使用した。^[3]また、 1155年頃から1377年頃まで、フランス語のsymphonie はオルガンまたはハーディガーディの名称であった。後期中世イングランドでは、symphony はこれら両方の意味で使われたが、16世紀までにはdulcimerと同一視された。ドイツ語では、Symphonie は16世紀後半から18世紀にかけてスピネットとヴァージナルの総称であった。 ^[4]

「共に響く」という意味で、この言葉は、それぞれ 1597 年と 1615 年に出版されたジョヴァンニ・ガブリエーリの『Sacrae symphoniae』と『Symphoniae sacrae, liber secundus 』など、16 世紀と 17 世紀の作曲家によるいくつかの作品のタイトルに登場し始めています。 ;アドリアーノ・バンキエーリの教会交響曲、アリア・フランスのデッテ・カンツォーニ、ペル・ソナーレ、エ・カンターレ、Op. 16、1607年出版。ロドヴィコ・グロッシ・ダ・ヴィアダーナの音楽交響曲Op. 18、1610年出版。そしてハインリヒ・シュッツの『Symphoniae sacrae』 Op. 6、およびSymphoniarum sacrarum secunda pars、Op. 1629年と1647年にそれぞれ出版された第10集。純粋に器楽と世俗音楽のみを収録したヴィアダナのコレクションを除いて、これらはすべて宗教的な声楽作品のコレクションであり、一部は器楽伴奏付きであった。^{[5] [6]}

17 世紀、バロック時代の大半において、交響曲とシンフォニアという用語は、オペラ、ソナタ、協奏曲で使用される器楽作品を含む、さまざまな楽曲に使用されていました。これらは通常、より大きな作品の一部です。オペラシンフォニア、またはイタリア序曲は、18 世紀までに、速い、遅い、速い、舞踏的な 3 つの対照的な楽章の標準的な構造になりました。この形式は、しばしば管弦楽交響曲の直接の先駆けと見なされます。「序曲」、「交響曲」、「シンフォニア」という用語は、18 世紀の大半において、広く互換性があるとみなされていました。^[6]

17 世紀には、大編成の楽器アンサンブル用に作曲された楽曲では、19 世紀から現在に至るまでの慣例のように、どの楽器がどのパートを演奏するかが厳密に指定されていませんでした。17 世紀の作曲家は、楽曲を書いたとき、その作品が利用可能なあらゆるミュージシャンのグループによって演奏されることを想定していました。一例を挙げると、19 世紀の作品のベースラインはチェロ、コントラバス、その他の特定の楽器用に作曲されていますが、17 世紀の作品では、シンフォニアの通奏低音パートではどの楽器がそのパートを演奏するかは指定されません。その作品は、チェロ 1 本とチェンバロ1 台という小規模な通奏低音グループで演奏されることもあり得ます。しかし、演奏にもっと大きな予算が使えて、より大きな音が必要だった場合、通奏低音グループには、複数の和音演奏楽器（チェンバロ、リュートなど）と、チェロ、コントラバス、バス・ヴァイオリン、さらには初期の低音管楽器 であるセルパントなどのさまざまな低音楽器が含まれることもありました。

ラルー、ボンズ、ウォルシュ、ウィルソンは、ニュー グローブ音楽・音楽家辞典第 2 版で、 「交響曲は 18 世紀に並外れた熱意をもって培われた」と書いています。^[7]交響曲は、教会の礼拝を含む公共生活の多くの分野で役割を果たしましたが、^[8]交響曲の演奏を特に強く支持したのは貴族でした。ヨーロッパで交響曲の作曲におそらく最も重要な場所であったウィーンでは、「文字通り何百もの貴族が音楽団体を支援し、通常はウィーンと祖先の領地 [帝国の他の場所] を行き来していました」。^[9]当時のオーケストラの通常の規模は非常に小さかったため、これらの宮廷団体の多くは交響曲を演奏することができました。 1757年にモルツィン家の音楽監督として最初の仕事に就いた若きヨーゼフ・ハイドンは、モルツィン家がウィーンにいた頃は、自身のオーケストラが、多くの貴族が自らのアンサンブルでコンサートを主催するなど、活発で競争の激しい音楽シーンの一部に過ぎないことに気付いた。^[10]

ラルー、ボンズ、ウォルシュ、ウィルソンの論文は、18世紀を通じて交響楽団が徐々に拡大していった過程をたどっている。^[11]当初、交響曲は弦楽交響曲で、第1ヴァイオリン、第2ヴァイオリン、ビオラ、ベースの4パートのみで書かれていた（ベースラインはチェロ、1オクターブ下のコントラバス、そしておそらくファゴットが担当した）。初期の交響曲奏者はビオラパートを省き、3パートの交響曲を作ったこともあった。ファゴットとハープシコードなどの和音楽器を組み合わせた通奏低音パートも可能だった。^[11]

このシンプルなアンサンブルに最初に加わったのは、ホルン2本、時にはオーボエ2本、そしてホルンとオーボエの両方でした。世紀を経るにつれて、クラシックオーケストラには他の楽器も加わりました。フルート（オーボエの代わりになることもあります）、ファゴット、クラリネット、トランペット、ティンパニの個別パートです。これらの追加楽器のうちどれが登場するかについては、作品によってスコアリングが異なりました。世紀末に最大規模の交響曲のために配備された本格的なクラシックオーケストラは、上記の標準的な弦楽アンサンブル、木管楽器（フルート、オーボエ、クラリネット、ファゴット）、ホルン2本、ティンパニで構成されています。鍵盤通奏低音楽器（チェンバロまたはピアノ）はオプションとして残されていました。

オペラハウスで序曲や幕間曲としてよく使われる「イタリア」スタイルの交響曲は、速い楽章、緩やかな楽章、そしてもう一つの速い楽章という標準的な3楽章形式になった。18世紀には、次の段落で説明するような4楽章の交響曲を書くのが習慣となった^{[12] 。3楽章の交響曲は徐々に廃れていった。}ハイドンの最初の30曲の交響曲の約半分は3楽章である^[13] 。若きモーツァルトにとっては、おそらく友人のヨハン・クリスティアン・バッハの影響で、3楽章の交響曲が標準だった。^[14] 3楽章の古典的交響曲の傑出した後期例は、1786年のモーツァルトのプラハ交響曲である。

この進化から生まれた4楽章形式は以下のとおりです。^{[15] [16]}

このレイアウトのバリエーションとしては、中間楽章の順序を変えたり、第1楽章にゆっくりとした導入部を加えたりすることが一般的でした。ハイドン、モーツァルト、および同時代の作曲家たちは、4楽章形式の使用をオーケストラや四重奏などの多楽器室内楽に限定しましたが、ベートーヴェンのソロソナタは3楽章と同じくらい4楽章で書かれることが多かったです。^[17]

初期の交響曲の作曲はミラノ、ウィーン、マンハイムが中心であった。ミラノ楽派はジョヴァンニ・バッティスタ・サンマルティーニを中心とし、アントニオ・ブリオスキ、フェルディナンド・ガリンベルティ、ジョヴァンニ・バッティスタ・ランプニャーニらがいた。ウィーンにおけるこの形式の初期の代表者としてはゲオルク・クリストフ・ヴァーゲンザイル、ヴェンツェル・ライムント・ビルク、ゲオルク・マティアス・モンがおり、後代のウィーンの重要な交響曲作曲家にはヨハン・バプティスト・ヴァンハル、カール・ディッタース・フォン・ディッタースドルフ、レオポルト・ホフマンがいた。マンハイム楽派にはヨハン・シュターミッツがいた。^[18]

18世紀後半の最も重要な交響曲作曲家は、36年間で少なくとも106曲の交響曲を書いたハイドン^[19]と、24年間で少なくとも47曲の交響曲を書いたモーツァルト^[20]である。

ベートーヴェンの交響曲第5番

第一楽章: アレグロ・コン・ブリオ

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第2楽章: アンダンテ・コン・モト

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第3楽章: スケルツォ。アレグロ

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第4楽章: アレグロ

スキッドモア大学オーケストラによる演奏

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19世紀初頭、ベートーヴェンは交響曲を、大量生産される日常的なジャンルから、作曲家がわずか数曲で音楽の最高の可能性に到達しようと努める至高の形式へと高めた。^[21]ベートーヴェンは、モデルとなったモーツァルトとハイドンを直接模倣した2つの作品から始め、その後、ジャンルの範囲と野心を広げた第3交響曲（「英雄」）を皮切りに、さらに7つの交響曲を作曲した。交響曲第5番は、おそらくこれまでに書かれた交響曲の中で最も有名なものである。感情的に嵐のようなハ短調の冒頭楽章から勝利を収めた長調の終楽章への移行は、ブラームス^[22]やマーラーなどの後の交響曲作曲家に採用されたモデルとなった。^[要出典]交響曲第6番は、鳥の鳴き声や嵐の楽器模倣を特徴とする標題作品であり、型破りなことに第5楽章がある（交響曲は通常、最大でも4楽章である）。交響曲第9番には最後の楽章に独唱と合唱のパートが含まれており、合唱交響曲となっている。^[23]

シューベルトの交響曲のうち、2曲はレパートリーの中心であり、頻繁に演奏される。第8交響曲（1822年）のうち、シューベルトは最初の2楽章のみを完成させた。この非常にロマンティックな作品は、通常「未完成」というあだ名で呼ばれている。シューベルトが最後に完成させた交響曲である第9交響曲（1826年）は、古典派の様式で書かれた大作である。^[24]

初期ロマン派の作曲家のうち、フェリックス・メンデルスゾーン（5つの交響曲と13の弦楽交響曲）とロベルト・シューマン（4つの交響曲）は、独自の音楽言語を用いながらも、古典派のスタイルの交響曲を書き続けた。対照的に、ベルリオーズは、劇的交響曲『ロメオとジ​​ュリエット』、ヴィオラ交響曲『イタリアのハロルド』、独創性の高い『幻想交響曲』など、標題作品を好んだ。後者も標題作品で、行進曲とワルツの両方があり、通常の4楽章ではなく5楽章となっている。4番目で最後の交響曲である『葬送と凱旋の大交響曲』（当初の題名は『軍事交響曲』）は、1840年に200人編成の 軍楽隊が野外で演奏するために作曲されたもので、バンド交響曲の初期の例である。ベルリオーズは後に、任意の弦楽パートと合唱の終楽章を加えた。^[25] 1851年、リヒャルト・ワーグナーは、ベートーヴェン以降の交響曲はどれもエピローグに過ぎず、実質的に新しいものは何もない、と宣言した。実際、シューマンの最後の交響曲である1850年の「ライン」の後、20年間、大規模な器楽音楽の主流として、リストの 交響詩が交響曲に取って代わったように見えた。しかし、リストはこの時期に「ファウスト」と「ダンテ」という2つの標題合唱交響曲も作曲している。交響曲は、他の点では影を潜めていたものの、1870年代から1880年代にかけての「第二の時代」に、ブルックナー、ブラームス、チャイコフスキー、サン＝サーンス、ボロディン、ドヴォルザーク、フランクの交響曲とともに再び登場した。これらの作品は、ベルリオーズやリストのプログラム的要素をほとんど避け、少なくとも1世紀にわたってコンサートのレパートリーを独占した。^[21]

19世紀を通じて、作曲家たちは交響楽団の規模を拡大し続けた。世紀の初めごろには、本格的なオーケストラは弦楽器セクションに加えて、フルート、オーボエ、クラリネット、ファゴット、ホルン、トランペット、そして最後にティンパニのセットから構成されるようになった。[ ^26]これは、たとえばベートーヴェンの交響曲第1、2、4、7、8番で使用されている楽譜である。以前は教会音楽や劇場音楽に限定されていたトロンボーンが、特にベートーヴェンの交響曲第5、6、9番で交響楽団に加えられるようになった。バスドラム、トライアングル、シンバル（時にはピッコロも）の組み合わせは、18世紀の作曲家がいわゆる「トルコ音楽」で色彩効果として用いたが、19世紀後半にはジャンルの暗示なしにますます使われるようになった。^[26]マーラーの時代（下記参照）には、作曲家が「オーケストラ楽器の真の集大成」のためにスコア化された交響曲を書くことが可能になった。^[26]楽器の種類が増えることに加えて、19世紀の交響曲は弦楽器奏者と管楽器パートが徐々に増え、オーケストラの数はコンサートホールの規模と同様に大幅に増加した。^[26]

19 世紀末にグスタフ・マーラーは、長くて大規模な交響曲を書き始め、20 世紀初頭まで作曲を続けました。1896年に完成した第 3 交響曲は、ほとんどの演奏で約 100 分の長さがあり、定期的に演奏される交響曲の中で最も長いものの 1 つです。第8 交響曲は 1906 年に作曲され、演奏に多数の声部が必要であることから「千人の交響曲」というニックネームが付けられています。

20世紀には、作曲家が交響曲と名付けた作品のスタイルと内容がさらに多様化した。^[27]ドミトリ・ショスタコーヴィチ、セルゲイ・ラフマニノフ、カール・ニールセンなど一部の作曲家は伝統的な4楽章形式で作曲を続けたが、他の作曲家は異なるアプローチをとった。ジャン・シベリウスの最後の交響曲第7番は1楽章、リヒャルト・シュトラウスのアルプス交響曲は1楽章だが22の部分に分かれており、山での11時間のハイキングを詳細に描いている。アラン・ホヴァネスの交響曲第9番「聖ヴァルタン」 （元々は作品80で、1949年から1950年に作曲され、作品180に変更された）は24楽章である。^[28]

伝統的な4楽章の交響曲を単一の包括的な形式概念に統合することへの関心は、19世紀後半に現れた。これは「2次元交響曲形式」と呼ばれ、アルノルド・シェーンベルクの室内交響曲第1番作品9（1909年）で重要な転換点を迎え、1920年代にはクルト・ヴァイルの第1交響曲（1921年）、マックス・バッティングの室内交響曲作品25（1923年）、パウル・デッサウの1926年の交響曲など、他の著名な単一楽章のドイツ交響曲が続いた。^[29]

この実験と並行して、20世紀の他の交響曲は、形式や音楽スタイルの面で、意図的に18世紀のジャンルの起源を呼び起こそうとしており、その顕著な例としては、セルゲイ・プロコフィエフの1916年から1917年の交響曲第1番「古典」や、イーゴリ・ストラヴィンスキーの1938年から1940年の交響曲ハ長調が挙げられる。^[30]

しかし、一定の傾向は残っていた。作品を「交響曲」と名付けることは、ある程度の洗練さと目的の真剣さを暗示していた。シンフォニエッタという言葉は、セルゲイ・プロコフィエフの管弦楽のためのシンフォニエッタのように、交響曲よりも短く、目的が控えめで、「軽い」作品を指すために使われるようになった。^{[31] [32]}

19世紀前半には、エドワード・エルガー、グスタフ・マーラー、ジャン・シベリウス、カール・ニールセン、イーゴリ・ストラヴィンスキー、ボフスラフ・マルティヌー、ロジャー・セッションズ、セルゲイ・プロコフィエフ、ルード・ランゴー、ドミトリー・ショスタコーヴィチなどの作曲家が、「範囲、豊かさ、独創性、表現の緊迫感において並外れた」交響曲を作曲した。^[33]交響曲の重要性を測る一つの基準は、それが作曲された時代に特有の時間形式の概念をどの程度反映しているかである。 20世紀を通じてこの基準を満たす作曲家は、ジャン・シベリウス、イーゴリ・ストラヴィンスキー、ルチアーノ・ベリオ（交響曲、 1968-69年）、エリオット・カーター（3つのオーケストラによる交響曲、1976年）、ペレ・グドムンセン＝ホルムグリーン（交響曲/アンティフォニー、1980年）の5人である。^[34]

20世紀半ばから21世紀にかけて、交響曲への関心が再燃し、多くのポストモダニスト作曲家が交響曲のカノンに大幅な作品を加えた。特にイギリスでは、ピーター・マクスウェル・デイヴィス(10)、^[35] ロビン・ホロウェイ(1)、^[36] デイヴィッド・マシューズ(9)、^[37] ジェイムズ・マクミラン(5)、^[38] ピーター・シーボーン(6)、^[39]フィリップ・ソーヤーズ(6) などがその例である。^[40]イギリスの作曲家デレク・ブルジョワは、ハイドンの交響曲の数を超え、116曲の交響曲を作曲した。^[41]現在までに最も多くの交響曲を作曲したのは、フィンランドの作曲家 レイフ・セーゲルスタムで、その作品リストには371曲の交響曲が含まれている。^[42]

エクトル・ベルリオーズはもともと軍楽隊のための大交響曲「凱旋大交響曲」を1840 年に作曲しました。アントン・ライシャは4 楽章からなる「記念」交響曲 (「音楽のための音楽」としても知られています) を作曲していました。 ) 大規模な吹奏楽アンサンブルでもそれ以前の1815年には、ルイ16世とマリー・アントワネットの再埋葬に関連した儀式のために行われた^{[43] [より良い出典が必要]}

こうした初期の努力の後、20世紀になるまで、吹奏楽のための交響曲はほとんど書かれなかったが、20世紀には、過去の数世紀よりも多くの交響曲がコンサートバンドのために書かれた。1932年にはすでに例が存在するが、そのような重要な最初の交響曲は、1939年に作曲されたニコライ・ミャスコフスキーの交響曲第19番作品46である。 [ ^44]その他の例としては、1951年に作曲されたパウル・ヒンデミットの吹奏楽のための交響曲変ロ長調、1952年に作曲されたモートン・グールドの交響曲第4番「ウェストポイント」、1956年に作曲されたヴィンセント・ペルシケッティの交響曲第6番作品69、1958年に作曲されたヴィットーリオ・ジャンニーニの交響曲第3番、1959年に作曲されたアラン・ホヴァネスの交響曲第4番作品30などがある。 1958年、1959年、1961年、1972年に作曲された、それぞれ165番第7曲「ナンガ・パルヴァト」作品175番、第14曲「アララト」作品194番、第23曲「アニ」作品249; ^{[45] 1972年に作曲された、} ジョン・バーンズ・チャンスの交響曲第2番; 1979年、1988年、1992年、1994年に作曲された、それぞれアルフレッド・リードの交響曲第2、第3、第4、第5;デイヴィッド・マスランカの番号付き交響曲10曲のうち8曲; ^[46] ジュリー・ジルーのこれまでの交響曲5曲（ただし、現在6曲目に取り組んでいる^[47]）;ヨハン・デ・メイの交響曲第1番『指輪物語』 (1988年作曲)と交響曲第2番『ビッグアップル』(1993年作曲)、伊藤康英の3つの場面による交響曲『人生』(1998年作曲、吹奏楽のための3番目の交響曲)、ジョン・コリリアーノの交響曲第3番『サーカス・マキシマス』 (2004年作曲)。2014年と2015年に作曲されたデニス・ルヴァイヤンのパチャママ交響曲^[48]と、アメリカ海兵隊バンド（「プレジデンツ・オウン」）によって初演され、全米バンド協会のウィリアム・D・レヴェリ賞（2017年）^[49]とアメリカバンドマスター協会のスーザ/オストワルド賞（2018年）^[50]の両方を受賞したジェームズ・M・スティーブンソンの交響曲第2番。

英語の一部では、「交響曲」という単語は、これらの作品を演奏することが多いオーケストラ、つまり大規模なアンサンブルを指すのにも使われる。「交響曲」という単語は、ロンドン交響楽団、ボストン交響楽団、セントルイス交響楽団、ヒューストン交響楽団、マイアミのニューワールド交響楽団など、多くのオーケストラの名前に登場している。オーケストラによっては、「（都市名）交響楽団」が正式名称の短縮形となることがある。例えば、OEDはバンクーバー交響楽団の短縮形の可能性があるとして「バンクーバー交響楽団」を挙げている。^{[51] [52]さらに、一般的な用法では、交響曲の演奏を聴きに出かけると言うことがあるが、これはオーケストラを指しており、プログラムの作品を指しているわけではない。これらの用法は}イギリス英語では一般的ではない。

• 合唱交響曲
• 第九の呪い
• 交響曲作曲家一覧
• オルガン交響曲
• ピアノ交響曲
• コンサートバンドのための交響曲

ウィキメディア・コモンズには交響曲に関連するメディアがあります。

• 「交響曲」 ブリタニカ百科事典第26巻（第11版）。1911年。290～291頁。
• ガン、カイル。「交響曲年表 1730-2005」。2015年8月4日時点のオリジナルよりアーカイブ。1800年から2005年までに作曲された主要な交響曲のリスト。18世紀、19世紀、20世紀、21世紀の交響曲の作曲家によるものです。
• 交響曲 – インタラクティブ ガイド
• Thanh-Tâm Lê 編纂の「主に 1800 年以降に活動した交響曲奏者のリスト: A から D」。 「EからJ」。 「KからO」。 「PからZまで」。