ステージ・フライト（アルバム）

舞台恐怖症
スタジオアルバム​ バンド
リリース	1970年8月17日
記録済み	1970年5月～6月
スタジオ	ウッドストック プレイハウスウッドストック、ニューヨーク
ジャンル	ルーツロック
長さ	35 : 41
ラベル	国会議事堂
プロデューサー	バンド
バンドの年表
ザ・バンド (1969) 舞台恐怖症 （1970） カフーツ （1971）
ステージ・フライトのシングル
「ステージ・フライト」/「スリーピング」 リリース: 1970年8月 「タイム・トゥ・キル」/「ザ・シェイプ・アイム・イン」 リリース: 1970年10月

『ステージ・フライト』は、カナダ系アメリカ人のロックバンド、ザ・バンドの3枚目のスタジオアルバムで、1970年8月17日にキャピトル・レコードからリリースされた。このアルバムには、バンドの最も有名な2曲、「ザ・シェイプ・アイム・イン」と「ステージ・フライト」が収録されており、どちらも素晴らしいリードボーカルパフォーマンス（それぞれリチャード・マニュエルとリック・ダンコ）を披露し、バンドのライブショーの定番となった。

『ステージ・フライト』は矛盾したアルバムで、明るい音楽と幻滅した歌詞を組み合わせ、平和、逃避、軽薄さといったテーマを探求しながら、憂鬱、不安、疲労の暗い影を浮かび上がらせた。^[1]ライターのロス・ジョンソンは、このアルバムを「意図せず告白的になった、明るい響きのアルバム...グループの歴史における意気消沈した時期を元気よく駆け抜けたアルバム」と評した。^[2]その結果、広く賞賛された前作と比べて、やや賛否両論の評価を受けたが、それは主に前作からの逸脱や、おそらくは期待を裏切ったことによる。^{[3] [4] [5] [6]}批評家たちは概して、このアルバムの音楽がしっかりしていることに同意した。彼らは、ガース・ハドソンの多様なテクスチャーの織り成す音、ロビー・ロバートソンの鋭いギターワーク、ダンコとリヴォン・ヘルムのリズムセクションのファンキーさといった側面を称賛したが、アルバムの不安なトーンや全体的なまとまりについては意見が分かれた。後年、再発やリマスター版がリリースされた際、多くの批評家がこのアルバムを「最初の2枚と比べてもクオリティが落ちていない」^[7]、「バンドが今も最高の状態で活動している証拠」と再評価した^{[8] 。}

グループの以前の作品よりもロックアルバムに近い『ステージ フライト』は、より落ち着いた現代的な焦点を持ち、最初の 2 枚のアルバムの中心であったボーカル ハーモニーの融合は少なくなりました。しかし、楽器を持ち替える伝統は継続され、各ミュージシャンが少なくとも 2 つの異なる楽器でパートをこなしました。このアルバムには、ピアニストのリチャード マニュエルが作曲した最後の曲が 2 曲収録されています。どちらもロバートソンとの共作で、ロバートソンは 1976 年にグループがツアーを中止するまで、グループの主要なソングライターであり続けました。

『ステージ・フライト』はビルボードアルバムチャートで最高5位を記録し、それぞれ30位と9位に達したグループの最初の2枚のアルバムを上回った。このアルバムは『ザ・バンド』と『ロック・オブ・エイジズ』とともにゴールド認定（50万枚以上の売上）を受けたグループの3枚のアルバムのうちの1枚であった。^[9]

『ステージ・フライト』は新進気鋭のトッド・ラングレンがエンジニアを務め、バンド自身によって初めてプロデュースされた。ジャケットにはボブ・ケイトがデザインした半抽象的な夕焼けがノーマン・シーフの初メジャーライブで撮影した写真のポスターで包まれている。^[10]

当初、ロバートソンはザ・バンドとは対照的に、あまり真面目でない「おふざけ」や「楽しい」アルバムを作るつもりだったと語っている。^[1]バンドの計画は、彼らの本拠地であるニューヨーク州ウッドストックのウッドストック・プレイハウスでライブ録音することだった。結局、市議会はウッドストック・ミュージック＆アート・フェアのような殺到を恐れてこの案を拒否し、バンドはオフシーズンの劇場を間に合わせのスタジオとして使うことになった。「ストロベリー・ワイン」、「タイム・トゥ・キル」、「ジャスト・アナザー・ホイッスル・ストップ」などの明るく率直なロック、よりファンキーな「ザ・WS・ウォルコット・メディスン・ショー」、そしてロバートソンのより目立つギター演奏は、アルバムが初期の楽しい意図をいくらか保持していることを示唆している。しかし、ロバートソンは次第に曲が暗い方向に向いていることに気付いた。「このアルバム『ステージ・フライト』が床に染み出し始めた。私は、書かずにはいられない曲を書いている自分に気づいた。」^[1]「The Shape I'm In」と「Stage Fright」は放蕩とパニックに取り組み、「The Rumor」と「Daniel and the Sacred Harp」は噂話の悪意と名声と富を追い求めるあまりに魂を失うことを歌っている。^[8]マニュエルの夢のような「Sleeping」は至福と現実から逃れたいという切実な思いの間の居心地の悪い線を歩いている。^[1]純粋にポジティブな曲として唯一残っているのは、ロバートソンの娘の誕生を祝って書かれた繊細な子守唄「All La Glory」で、ヘルムの最も優しく感情的な歌声に支えられている。^[1]しかし、この曲でもロバートソンは孤独なイメージを使っており、「監獄の壁のように高い」と感じていると述べている。^[11]

2010年のインタビューで、ロバートソンはレコーディングの雰囲気は緊張したものだったと述べ、劇場での難しい音響状況、ラングレンという見慣れない存在、そして「気を散らすものや大量のドラッグ実験」にグループが対処していたと述べている。^{[12]アルバム『} This Wheel's on Fire』ではヘルムも同意し、セッション中に「暗い雰囲気が漂っていた」と述べている。^[13]ヘルムはまた、このレコードにはもっと時間をかければ良かったと考えており、「初めて自分たちの基準でカットしなかった...音楽とともに生きていく日々は終わった」と述べている。 ^[13]

2つの異なるミックスがイギリスのロンドンで準備された。1つはトライデント・スタジオのラングレンが、もう1つはアイランド・スタジオのグリン・ジョンズが担当した。一部の報道によると、ジョンズのミックスはオリジナルのLPリリースと、その後キャピトルから再発されたほぼすべての作品（2000年の拡張リマスターを含む）に採用され、ラングレンのトライデント・ミックスは最終的にキャピトルの最初のCDリリースと、1994年のDCCコンパクト・クラシックス・レーベルによる24kゴールドCD再発に使用されたという^{。 [14]}しかし、これについてはかなりの異論がある。Relix誌のインタビューで、ラングレンは、メンバーの一部が彼のトライデント・ミックスとジョンズのアイランド・ミックスに不満を示したため、ニューヨークでバンドと共に3セット目のミックスを設計しなければならなかったと語った。しかし、ラングレンは、アルバムのリリースに最終的にどのミックスが使用されたかは分からないと認めた。^[15]ジョンズは回想録『サウンド・マン』の中で、バンドの立ち会いなしでそれぞれが独自にミックスを行なったこと、誰のミックスがどれだけ使われたのかをジョンズは知らなかったことを記し、ラングレンの記憶を裏付けているようだ。^[16]不正確な資料によってさらに混乱が生じており、ジョンズが両方のミックスのエンジニアとして誤って記載されているが、ラングレンがどちらのスタジオでも仕事をしたという形跡はない。ラングレンとトライデントのエンジニアであるケン・スコットはそれぞれ独立して、ラングレンがトライデントでアルバムをミックスしたと述べており、ジョンズ自身もロンドンでラングレンが自分のスタジオとは別のスタジオでミックスしていたことを確認している。^[17]

ロバートソンがアルバム50周年を記念した再発盤を制作した際、彼はボブ・クリアマウンテンと共に新たなミックスを監修した。これはミュージック・フロム・ビッグ・ピンクやザ・バンドの50周年を記念した以前のデラックス・セットで行ったのと同じである。以前の記念ミックスは5.1サラウンドサウンドや高解像度デジタル再生などの新しいフォーマットの実験として意図されていたが、ステージ・フライトの新しいミックスはロバートソン自身のオリジナルLPミックスへの不満に対処したもので、2013年のアカデミー・ショウの再発盤がロック・オブ・エイジズのライブ・アルバムのオリジナル・ミックスへの不満に対処したのと同じである。さらにロバートソンは、オリジナルのLPのシーケンスが社内の駆け引きによって妥協されたと主張して、ステージ・フライトのシーケンスを変更した。 ^{[18] [19]}

リリース後、批評家たちは概してステージ・フライトの音楽を賞賛した。しかし、不安や弱さをテーマにしていること、アメリカーナの人物描写が少ないこと、共同体的な雰囲気が薄いことなど、最初の2枚のアルバムとの違いを指摘する人もいた。そして、何かが欠けていると指摘した。ローリング・ストーン誌の評論家ジョン・バークスは、グループの「精密なチームワーク」を称賛したが、歌詞が音楽やボーカルとあまり結びついていないと感じ、アルバムには「栄光」が欠けていると書いた。 ^[3]批評家のロバート・クリストガウは、「明るく勇敢な」曲調が言葉に釣り合っていないと考えた。彼は「これらの曲のほとんどは印象に残るが、決して引き込まれず、彼らのあらゆる方向への力を要約するかもしれない音楽的・言葉的なフレーズを決して放棄しない」と結論付けた。 ^[5] ビルボード誌のエド・オクスは、このアルバムを「率直で告白的で、本当に滑稽で穏やかな風刺」と評したが、「音楽とメッセージの関係が明らかにずれている」と指摘した。^[30]

作家ニール・ミンターンによると、グレイル・マーカスの『ミステリー・トレイン』（1975年）の解釈は極めて重要で、その後の評価に浸透したという。^[7]マーカスはそれを「疑念、罪悪感、幻滅感、偽りの楽観主義のアルバム。過去はもはや役に立たず、曲は現在に囚われているようで、個人的かつ社会的な絶望の寄せ集めだった。音楽は依然として特別だったが、あらゆる意味で、力を与えていた統一性が失われていた。今では、実際には分解できない音楽を聴く代わりに、満足感を得るために部分ごとに拾い集めることになる」と呼んだ。^[4]

しかし、後の評論家たちは、1970年代半ばの批評の一部は、Stage Fright以降のグループの作品の衰退が影響しているのではないかと疑問を呈した。Q誌で、ロック評論家のジョン・ボールディは、「The Rumor」と「Daniel and the Sacred Harp」のトレードマークであるボーカルの掛け合い、バラードの「All La Glory」と「Sleeping」、そして「The Shape I'm In」をキャリアのハイライトとして称賛した。彼は、Stage Frightが「彼らの最高傑作かもしれない」と示唆した。^[7] AllMusicの評論家ウィリアム・ルールマンは、アルバムの緻密なアレンジと楽器演奏を称賛し、その「赤裸々な告白」の質を指摘して、「確かに彼らの以前の作品とは違っていたが、だからといって説得力が劣るわけではない」と書いた。^[8]ライターのポール・ケイシーは、Stage Frightを「心のこもった」、「崇高な」、「最も個人的で、架空の歴史美学に最も魅了されていない」バンドのアルバムと評した。彼は、このアルバムは「いくつかの重要な点で以前の2つのアルバムを上回っている」と結論付け、「明らかになり始めていた問題に関する解説ではあるが、妥協はしていない」と述べた。^[31]

ディスク1
オリジナルアルバム 2020リミックス

ボーナストラック

カルガリー ホテル ルーム レコーディングス、1970 年

ディスク 2
ロイヤル アルバート ホールでのライブ、1971 年 6 月

バンド

• リック・ダンコ– ベースギター、フィドル、コントラバス、ボーカル
• レヴォン・ヘルム– ドラム、ギター、パーカッション、ボーカル
• ガース・ハドソン– オルガン、エレクトリックピアノ、アコーディオン、テナーサックス
• リチャード・マニュエル– ピアノ、オルガン、ドラム、クラビネット、ボーカル
• ロビー・ロバートソン– ギター、オートハープ

追加人員

• トッド・ラングレン–ミキシングおよびレコーディングエンジニア
• グリン・ジョンズ– ミキシングエンジニア
• ジョン・サイモン– 「The WS Walcott Medicine Show」のバリトンサックス