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ファッションとは、さまざまな文化的美意識に基づいた衣服、履物、アクセサリー、化粧品、宝飾品の創造、そしてそれらを組み合わせて作り出す服装（スタイルやトレンド）を指し、社会的地位、自己表現、集団への帰属意識を示すものとして用いられます。多面的な概念であるファッションは、産業、デザイン、美意識、そしてトレンドを包括的に表します。
ファッションという言葉は、ラテン語のfacere（作る）に由来し、特定の文化的美意識、パターン、モチーフ、形、カットで装飾された服の製造、組み合わせ、着用を指し、人々が自分のグループへの帰属意識、価値観、意味、信念、生活様式を示すことを可能にする。低価格でグローバルに展開される商品や衣料品の大量生産の増加に伴い、ファッションの環境への影響を減らし、持続可能性を向上させることは、政治家、ブランド、消費者の間で喫緊の課題となっている。[ 1 ] [ 2 ]
現在、世界のファッションの中心地トップ3はニューヨーク市（マンハッタン）、パリ、ミラノであると認識されており、いずれも最も重要なファッション企業の本社所在地であり、世界のファッションに大きな影響を与えていることで知られています。マンハッタンのメトロポリタン美術館で毎年開催されるメットガラは、ファッションの力、富、影響力を世界最高峰で示すイベントとして広く認識されています。ファッション界の一部では、東京、ロンドン、ロサンゼルスも第2位のファッションの中心地とみなされています。これらの都市ではファッションウィークが開催され、デザイナーが新しい服のコレクションを観客に披露します。ある研究では、マンハッタンのガーメント地区に近いことがアメリカのファッションエコシステムに参加する上で重要であることが示されました。[ 3 ]しかし、ファッションはオンラインにも大きく移行しており、ファッションの中心地としての都市の地理的な象徴化は、依然として中心的な重要性はあるものの、人工知能 の出現によりその重要性は低下しています。オートクチュールは現在、既製服コレクションや香水の販売と並行して、同じブランド名で広く展開されている。
「流行」を意味するフランス語のmode は1482 年まで遡るが、英語で「流行している」という意味の mode は 16 世紀になってから登場した。mode より前に、スタイルや魅力の概念に関連する他の言葉も存在する。12 世紀と 13 世紀の古フランス語では、美しさを高め、洗練さを誇示するという貴族の好みの文脈で、エレガンスの概念が現れ始め、身だしなみや服装のスタイルや技巧によって他人に自分をより魅力的に見せるという考えであるcointerie は、13 世紀のギヨーム・ド・ロリスの詩に登場し、「立派な服と立派なアクセサリーは男を大いに向上させる」と男性に助言している。[ 4 ]
ファッション研究者のスーザン・B・カイザーは、誰もが他人の前で「外見を強制される」と述べている。[ 5 ]誰もが服装によって評価され、その評価には色、素材、シルエット、そして衣服が身体にどのように見えるかといった点が含まれる。スタイルや素材が同じ衣服でも、着用者の体型や、衣服が洗濯、折り畳み、修繕されているか、新品かによって見え方が異なる。
ファッションはさまざまな方法で定義され、その適用は時に不明瞭になることがあります。「今シーズンの新しいファッション」のように、ファッションという言葉は差異を意味する一方で、「1960年代のファッション」のように、一般的な均一性を意味することもあります。ファッションは最新のトレンドを示すこともありますが、しばしば過去の時代のファッションを参照し、異なる時代のファッションが再登場することもあります。ファッションハウスやオートクチュリエなど、比較的閉鎖的で尊敬され、しばしば裕福な美的エリートが、独自のスタイルを定義する一方で、この「スタイル」は、エリートとはみなされないサブカルチャーや社会集団からインスピレーションを得てデザインされることが多く、そのため、彼ら自身はファッションの区別をつけることができません。
トレンドは、しばしば独特な美的表現を意味し、多くの場合、1シーズンよりも短く、視覚的な極端さによって識別されるのに対し、ファッションは、伝統的にファッションシーズンやコレクションと結びついた、業界に支えられた独特な表現である。[ 6 ]スタイルは、多くのシーズンにわたって続く表現であり、文化運動や社会的指標、シンボル、階級、文化（バロックやロココなど）と結びついていることが多い。社会学者ピエール・ブルデューによれば、ファッションは「最新の差異」を意味する。[ 7 ]
ファッション、衣服、コスチュームという用語はしばしば一緒に使われますが、ファッションはどちらとも異なります。衣服は、社会的意味や関連性を一切持たない、素材や技術的な衣服を指します。コスチュームは、仮装や仮面舞踏会用の衣装を意味するようになりました。対照的に、ファッションは、特定の時間と文脈において、衣服を社会的記号として影響を与え、「活性化」させる社会的および時間的システムを指します。哲学者ジョルジョ・アガンベンは、ファッションを「適切な、決定的な、または好機」を意味する古代ギリシャの定性的概念カイロスに、衣服を、時間的または連続的な時間の擬人化である定量的概念クロノスに結びつけています。[ 8 ]
一部の高級ブランドはオートクチュールの称号を主張するかもしれないが、フランスでは、この用語は厳密にはパリのオートクチュール組合[ 9 ]の会員に限定されている。[ 6 ]オートクチュールはより憧れの対象であり、芸術や文化に触発され、ほとんどの場合、経済的エリート層のために確保されている。しかし、ニューヨークのファッションカレンダーでは、より公平で包括的な使命を目指すクチュールファッションウィークが開催されている。[ 10 ]
ファッションは芸術の源泉でもあり、人々が独自の趣味、感性、スタイルを表現することを可能にします。[ 11 ]さまざまなファッションデザイナーは外部からの刺激に影響を受け、そのインスピレーションを作品に反映させます。たとえば、グッチの「染みのある緑色」のジーンズ[ 12 ]は草の染みのように見えるかもしれませんが、他の人には純粋さ、新鮮さ、夏を象徴しているように見えます。[ 13 ]
ファッションはユニークで自己実現的であり、個人のアイデンティティの重要な部分となる可能性があります。芸術と同様に、ファッションにおける個人の選択の目的は必ずしもすべての人に好かれることではなく、個人の好みを表現することです。[ 11 ]個人のスタイルは、「常に2つの相反する原理を組み合わせた社会的な形成物」として機能します。それは、自分を他人と区別するための社会的に受け入れられ、安全な方法であり、同時に、社会的適応と模倣に対する個人の欲求を満たします。[ 14 ]哲学者イマヌエル・カントは、ファッションは「真の趣味の判断とは何の関係もなく」、「熟慮のない『盲目的な』模倣の事例」であると信じていましたが、[ 14 ]社会学者ゲオルク・ジンメル[ 15 ]は、ファッションを「個人と社会の間の距離を克服するのに役立つもの」と考えていました。[ 14 ]アメリカの社会学者ダイアナ・クレーンも著書の中で、ファッションは個人や集団のアイデンティティと密接に結びついており、文化的、社会的、政治的所属を表現する手段として機能していると述べている。[ 16 ]
衣服の変化は、古代ローマや中世カリフ国で起こったように、経済的または社会的な変化の時期に起こることが多く、その後、大きな変化のない長い期間が続いた。8世紀のムーア人の支配下のスペインでは、音楽家のジリヤーブが、故郷バグダッドの季節や日常の流行を基に、自身のインスピレーションで改良した洗練された衣服のスタイルをコルドバにもたらした[ 17 ] [ 18 ] 。同様のファッションの変化は、中央アジアや極東の衣服のスタイルをもたらしたトルコ人の到来後、11世紀の中東でも起こった[ 19 ] 。
インド、ペルシャ、トルコ、中国を訪れた初期の西洋人旅行者は、これらの国々のファッションに変化がないことにしばしば言及した。1609年、日本の将軍の秘書は、スペイン人旅行者に、日本の衣服は千年以上も変わっていないと誤って自慢した。[ 20 ]： 312-313しかし、西洋以外の衣服はほとんど、あるいは全く進化していないというこれらの概念は、一般的に真実ではないと考えられている。例えば、明朝中国では、中国の衣服の流行が急速に変化していたことを示すかなりの証拠がある。[ 21 ]帝国時代の中国では、衣服は自由と快適さの象徴であるだけでなく、体を覆ったり寒さから身を守ったり装飾目的で使用されたりしただけでなく、中国社会の厳格な社会階層システムと儀礼システムに基づいた強力な奢侈禁止法によって規制されていた。 [ 22 ]： 14-15人々は性別、社会的地位、職業に応じて服装をすることが期待されていた。中国の衣服システムは、歴史上の各時代において明確な進化を遂げ、外観も変化した。[ 22 ]： 14-15しかし、他の文化と同様に、古代中国のファッションは、その国民の社会経済状況を示す指標であった。しかし、儒教の学者にとって、ファッションの変化は、急速な商業化によってもたらされた社会の混乱と関連付けられることが多かった。 [ 23 ]： 204古代中国で急速に変化するファッションを経験した衣服は、古代中国の文献に記録されており、時には「現代風」と呼ばれることもあり、「奇抜な服装」という概念と関連付けられており、 [ 24 ] ： 44通常は否定的な意味合いを持つ。同様の衣服の変化は、元禄時代から江戸時代後期（1603-1867）にかけての日本の衣服にも見られ、この時期には、衣服の流行は、派手で高価な富の誇示から、控えめで転覆的なものへと変化した。
東洋におけるファッションの欠如という神話は、西洋帝国主義と関連しており、オリエンタリズムともよく結びついていた。そして、ヨーロッパの帝国主義は特に19世紀に最盛期を迎えた。[ 25 ]： 10 19世紀、ヨーロッパ人は中国をヨーロッパと二項対立的に描写し、とりわけ「ファッションに欠ける」と表現した。一方、ヨーロッパ人は中国人[ 25 ]： 10やアジアの他の国々 [ 25 ]： 166と比較する際に、意図的に自分たちを優位な立場に置いた。
潜在的なオリエンタリズムとは、東洋とは何かについての無意識的で不可侵な確信であり、静的で画一的、分離的で、風変わりで、後進的で、静かに異質で、官能的で、受動的である。それは専制主義に傾き、進歩から遠ざかる傾向がある。[...] その進歩と価値は西洋との比較で判断されるため、東洋は他者である。多くの厳格な学者は[...]東洋を西洋の注目、再構築、さらには救済を必要とする場所と見ていた。
—ローラ・ファントーネは、サイード（1979）の著書『ローカル・インビジビリティ：ポストコロニアル・フェミニズムとカリフォルニアのアジア系アメリカ人現代アーティスト』166ページを引用している。
同様の考え方は東アジアの他の国々、インド、中東にも適用され、ファッションの欠如と見なされることはアジアの社会政治システムに対する侮辱的な発言と結び付けられました。[ 26 ]： 187
正直に言うと、トルコ人や他の東洋の人々の変わらないファッションには魅力を感じない。彼らのファッションは、愚かな専制政治を維持するのに役立っているように思える。
—ジャン・バティスト・セイ（1829年）
さらに、西アフリカにはファッションの長い歴史があります。[ 27 ]布は16世紀にはすでにポルトガルやオランダとの貿易で通貨として使われており、 [ 27 ]地元で生産された布と安価なヨーロッパからの輸入品が組み合わされて、西アフリカのエリート層や金や奴隷の商人たちのニーズに応える新しいスタイルが生まれました。[ 27 ]オヨ帝国やイボ族が住む地域では、織物の伝統が非常に強固でした。[ 27 ]
ヨーロッパにおける衣服様式の継続的かつ加速的な変化の始まりは、かなり確実に中世後期に遡ることができる。ジェームズ・レイバーやフェルナン・ブローデルなどの歴史家は、西洋の衣服のファッションの始まりを14世紀半ばとしているが、[ 20 ] : 317 [ 29 ] : 62 14世紀以前には装飾写本が一般的ではなかったため、彼らは同時代の図像に大きく依存する傾向がある。 [ 30 ]ファッションにおける最も劇的な初期の変化は、男性の上着がふくらはぎの長さから臀部をかろうじて覆う程度に急激に短く、きつくなったことであり、[ 32 ]時には胸を大きく見せるために胸に詰め物をすることもあった。これにより、レギンスやズボンの上に着用する仕立ての良いトップスという、西洋特有のシルエットが生まれた。
次の世紀には変化のペースが著しく加速し、女性と男性のファッション、特に服装とヘアスタイルは同様に複雑化しました。そのため、美術史家は、特に15世紀の絵画の場合、しばしば5年以内の誤差で、ファッションを確信を持って正確に利用して絵画の年代を特定することができます。当初、ファッションの変化は、それまで非常に似通っていた服装スタイルをヨーロッパの上流階級全体に分散させ、その後、独自の国民的スタイルが発展することにつながりました。これらの国民的スタイルは、17世紀から18世紀にかけての反動運動によって再び似たようなスタイルが押し付けられるまで、非常に異なっていました。この反動は主にアンシャン・レジーム時代のフランスに由来しています。[ 20 ]： 317-324富裕層がファッションをリードすることが多かったが、近世ヨーロッパの富裕化に伴い、ブルジョワジーや農民でさえも、遠く離れたところで流行を追うようになった。しかし、エリート層にとっては依然として居心地の悪いほど近い距離であった。フェルナン・ブローデルは、これをファッションの変化の主要な原動力の一つとみなしている。[ 20 ]： 313-315
16世紀には、国ごとの違いが最も顕著になった。16世紀のドイツ人やイタリア人の紳士の肖像画10枚には、それぞれ全く異なる帽子が描かれているかもしれない。アルブレヒト・デューラーは、15世紀末のニュルンベルクとヴェネツィアのファッションを対比させた作品（右図）で、その違いを視覚的に表現している。16世紀後半の「スペイン様式」は、ヨーロッパの上流階級の間で再び統一性を取り戻し始め、17世紀半ばの闘争を経て、フランス様式が決定的に主導権を握り、この過程は18世紀に完了した。[ 20 ]： 317-321
織物の色や柄は年によって変化したが、[ 33 ]紳士のコートのカットやウエストコートの丈、あるいは婦人のドレスの型紙は、それほどゆっくりと変化しなかった。男性のファッションは主に軍服の型紙から派生しており、ヨーロッパの男性のシルエットの変化は、紳士将校が「シュタインカーク」ネクタイなどのさまざまなスタイルをメモする機会があったヨーロッパの戦場で加速された。男女ともに衣服の下にシャツを着ていたが、そのカットやスタイルは数世紀にわたってほとんど変化しなかった。
16世紀以来、フランスから着せ替え人形が流通しており、アブラハム・ボッセは1620年代にファッションの版画を制作していたものの、1780年代にはパリの最新スタイルを描いたフランスの版画の出版が増加し、変化のペースが加速した。1800年までには、西ヨーロッパの人々は皆同じような服装をしていた（あるいはそう思っていた）。地域的な違いは、最初は地方文化の象徴となり、後には保守的な農民の証となった。[ 20 ] : 317 [ 29 ] : 62
仕立て屋やドレスメーカーが多くの革新に貢献し、繊維産業が多くのトレンドを牽引してきたことは疑いようもないが、ファッションデザインの歴史は一般的に、イギリス生まれのチャールズ・フレデリック・ワースがパリに最初の本格的なオートクチュールハウスを開設した1858年に始まると理解されている。オートハウスとは、業界基準を満たしたファッションハウスに政府が定めた名称である。これらのファッションハウスは、少なくとも20人の従業員を服作りに従事させ、ファッションショーで年に2回のコレクションを発表し、顧客に一定数のパターンを提供するなどといった基準を遵守し続けている。[ 34 ]それ以来、ファッションデザイナーがそれ自体で著名人であるという考えがますます支配的になってきている。[ 35 ]
ファッションは女性的または男性的である可能性があるが、最近のトレンドはアンドロジニーである。[ 36 ]ユニセックスの服装という概念は、ピエール・カルダンやルディ・ゲルンライヒなどのデザイナーが、ストレッチジャージーのチュニックやレギンスなど、男性と女性の両方が着用することを想定した衣服を制作した1960年代に始まった。ユニセックスの着用可能性の影響は、アンドロジニー、マスマーケット小売、コンセプチュアルな衣服など、ファッションのさまざまなテーマを包含するように、より広く広がった。 [ 37 ]シープスキンジャケット、フライトジャケット、ダッフルコート、非構造的な衣服などの1970年代のファッションのトレンドは、男性がディナージャケットなしで社交の場に出席し、新しい方法でアクセサリーを身につけることに影響を与えた。男性のスタイルの中には、官能性と表現力を融合させたものもあり、ゲイの権利運動の高まりと若さへの重視により、以前は女性の服装と関連付けられていたウールクレープなどの生地やスタイルを自由に試すことが可能になった。[ 38 ]
現代の西洋人は、衣服を選ぶ際に非常に多くの選択肢を持っている。人が何を着るかは、その人の個性や興味を反映する。高い文化的地位にある人々が新しいスタイルや異なるスタイルを身につけ始めると、新たなファッショントレンドが生まれる可能性がある。そうした人々を好んだり尊敬したりする人々は、彼らのスタイルに影響を受け、似たようなスタイルの服を着始める。
社会におけるファッションは、年齢、社会階級、世代、職業、地域によって大きく異なり、また時代とともに絶えず変化していく。ファッショニスタやファッションの犠牲者という言葉は、流行に盲目的に従う人を指す。
2000年代初頭、アジアのファッションの影響は、国内外の市場でますます重要になってきた。中国、日本、インド、パキスタンなどの国々は、伝統的に多くの豊かな伝統を持つ大規模な繊維産業を有しており、西洋のデザイナーはしばしばこれらを参考にしていたが、2000年代初頭から中頃にかけてアジアの衣服スタイルが大きな影響力を持つようになった。[ 39 ]
中国
中国のファッションは数世紀にわたって絶えず変化し続けた。中国では、唐王朝（618～907年）を通じて、女性は繁栄を示すために豪華な衣装を身に着けていた。元王朝（1279～1368年）のモンゴル人男性はゆったりとしたローブを着用し、騎馬の男性は乗馬を容易にするために短いローブ、ズボン、ブーツを着用していた。清王朝（1644～1911年）の指導者たちは満州族の服装を維持しつつ、官僚のための新しい衣服を確立した。10世紀に導入された纏足は残らなかったが、この時代の女性は淑女らしい歩き方をするように促す特定のヒールを履くことが期待されていた。[ 40 ]
そして1920年代にはチャイナドレスが流行し、スタンドカラー、トランペットスリーブ、ストレートシルエット、短いサイドスリットが特徴のスタイルとなった。それ以来、チャイナドレスの人気が高まるにつれ、デザイナーたちは毛皮のコートやマント、長いサイドスリットの入ったボディコンシャスなドレスなど、西洋のファッションを取り入れるようになった。1950年代から60年代にかけては、ボタンが2列に並び、斜めのポケットとベルトが付いた「レーニンコート」が中国人男性の間で流行した。[ 41 ]
インド
インドでは、異なる宗教の信者がそれぞれ対応する衣服を着用するのが一般的でした。 [ 42 ] 15世紀には、イスラム教徒とヒンドゥー教徒の女性は著しく異なる衣服を着用していました。これは他の多くの東洋諸国でも見られます。
ビクトリア朝時代、ほとんどの女性はサリーの下にブラウスを着ませんでした。これはビクトリア朝社会の風潮にそぐわないと考えられていたためです。しかし、その後数十年にわたり、イギリスとインドのファッションは互いに影響を与え合うことになります。1920年代には、民族主義者たちがカディ布を抵抗の象徴として採用しました。ガンジーは抵抗運動の顔となり、人々は自らカディを紡ぎ、織り、身に着けるようになりました。今日、サルワール・カミーズはインドの民族衣装として広く認知されています。
日本
日本では、明治時代（1868～1912年）に西洋のスタイルが日本のファッションに広く取り入れられ、これは日本のファッションにとって注目すべき変化と考えられています。[ 43 ]彼らは西洋文化のスタイルと習慣を広く採用しました。上流階級は豪華な模様の絹織物などのより贅沢な衣服を着用し、派手な帯で身を飾りました。女性も伝統的な着物の代わりに公共の場で西洋のドレスを着るようになりました。ほとんどの役人も西洋のスーツを着ることが義務付けられました。このようにして、日本人は徐々に西洋のファッションを取り入れていきました。さらに、インドと同様に、日本のさまざまな宗教ではさまざまな衣服を着用します。
最も一般的な用法では、ファッションという用語は、ファッション業界を通じて販売されている現在の表現を指します。グローバルなファッション業界は、現代の産物です。[ 44 ]西洋世界では、仕立ては中世以来仕立て屋ギルドによって管理されていましたが、産業主義の出現により、ギルドの力は弱まりました。19 世紀半ば以前は、ほとんどの衣服はオーダーメイドでした。それは、個人のために手作りされ、家庭で生産されるか、仕立て屋やドレスメーカーに注文されました。20 世紀初頭までに、ミシンなどの新技術の台頭、グローバル貿易の台頭、工場生産システムの発展、デパートなどの小売店の普及により、衣服はますます標準サイズで大量生産され、固定価格で販売されるようになりました。
ファッション業界はヨーロッパとアメリカで最初に発展したが、2017年現在衣料品業界は国際的で高度にグローバル化された産業であり、多くの場合、ある国でデザインされ、別の国で製造され、世界中で販売されます。例えば、アメリカのファッション会社は、中国で生地を調達し、ベトナムで製造、イタリアで仕上げを行い、アメリカ国内の倉庫に輸送して、そこから世界中の小売店に流通させる、といったことが考えられます。
ファッション産業は長年にわたり米国最大の雇用主の1つであり、[ 44 ] 21世紀においてもその地位を維持している。しかし、生産拠点が海外、特に中国へと移転するにつれて、米国のファッション産業の雇用は大幅に減少し始めた。ファッション産業に関するデータは通常、各国の経済規模で報告され、産業の多くの個別の部門ごとに表現されるため、世界の繊維・衣料品生産に関する集計値を入手することは困難である。しかし、どのような基準で見ても、衣料品産業は世界の経済生産高のかなりの部分を占めている。[ 45 ] ファッション産業は4つのレベルから構成されている。
ファッション業界における焦点のレベルは、多くの独立しながらも相互依存的なセクターから成り立っています。これらのセクターには、繊維デザインと生産、ファッションデザインと製造、ファッション小売、マーケティングとマーチャンダイジング、ファッションショー、メディアとマーケティングが含まれます。各セクターは、業界参加者が利益を上げて事業を運営できるような条件下で、アパレルに対する消費者の需要を満たすという目標に専念しています。[ 44 ]
ファッショントレンドとは、特定の時期や場所で人々の間で広まる、特定のスタイルや表現を指します。トレンドは、ファッション業界がコレクションを発表するシーズンによって定義されるものではなく、より一時的なスタイルと考えられています。そのため、トレンドはストリートスタイル、異文化間、インフルエンサーやその他の有名人から生まれる可能性があります。
ファッションのトレンドは、映画、有名人、気候、創造的な探求、イノベーション、デザイン、政治、経済、社会、技術など、さまざまな要因によって影響を受けます。これらの要因を分析することをPEST分析と呼びます。ファッション予測者は、この情報を用いて特定のトレンドの成長または衰退を判断することができます。
人々の心、認識、意識は絶えず変化しています。流行は本質的に社会的なものであり、古いものと新しいものの矛盾の中で絶えず進化し、ある意味では周囲の人々に容易に影響を受け、そのため絶えず模倣し始めます。[ 46 ]
2020年代初頭のマキシマリストや1980年代の影響を引き継ぎ、鮮やかな色の服が2023年春までにアメリカ、フランス、中国、韓国、ウクライナの女性の間で復活した[ 48 ] [ 49 ]。このスタイルは「ドーパミン・ドレッシング」とも呼ばれ、ロングスカートや太ももまでスリットの入ったベルト付きマキシドレス、たくさんのゴールドやパールのジュエリー、オーバーサイズのストライプカーディガン、貝殻や花柄のマルチカラーシルクスカート、ストラップサンダル、脚にコントラストの効いたストライプの入ったパンツ、UGGブーツ[ 50 ]、花柄のマキシスカート、Y2K風のプラットフォームシューズ、分厚い赤いレインブーツ[ 51 ]、きらびやかなジャンプスーツ[ 52 ]、ニットドレス、フェイクファーの襟が付いたレザーのパイロットジャケット[ 53 ]、大胆なコントラストの効いた縦縞のスカート、ブーツカットのパンツスーツなどが特徴だった。脚、キラキラ光るハートや星形のディテールが付いたジーンズ、厚底の白または黒のサンダル、ゼブラ柄のトートバッグ。[ 54 ] [ 55 ]
大きくてオーバーサイズの衣服は、半透明の素材で作られていることが多く、着用者のむき出しの肩、太もも、または腹部を露出させることを目的としたカットアウトが特徴で、パンツのローカットウエストや、ブラジャーなしで着用することを想定したストラップネックラインのトップスなどがあった。[ 56 ]好まれた色には、ネオングリーン、スイカグリーン、コーラルピンク、オレンジ、サーモンピンク、マゼンタ、ゴールド、エレクトリックブルー、アクアマリン、シアン、ターコイズ、ロイヤルブルーなどがあった。[ 57 ] [ 58 ]
2023年、アメリカ、イギリス、フランスで主流となった色は赤、白、青だった。1970年代半ばから後半にかけて流行したように、デニムや鮮やかなマドラスチェックのパールスナップボタン付きウエスタンシャツが復活し、時には複雑な刺繍が施されたコントラストカラーのヨークや袖口が特徴的だった。[ 59 ] [ 60 ]モカシン、装飾的なフリンジが付いたストーンウォッシュデニムのベスト、プレッピーなローファー、ネイビーブルーのスーツとスポーツコート、2000年代後半から2020年代初頭まで流行したスキニージーンズの代わりにストレートレッグジーンズ、[ 61 ]ステットソン、大胆な赤または青のピンストライプが入った白いベースボールジャージ、ストライプの青いネクタイ、ゆったりとした白いパンツ、ユニオンジャックのモチーフ、フレアジーンズ、イエローストーンTVシリーズで着用されたダスターコート、[ 62 ]プレッピースタイルのカレッジセーター、レトロな青と白のストライプのフットボールシャツ、[ 63 ]カウボーイブーツスタイルのチェルシーブーツ、赤と青のボートストライプが入った2つボタンのブレザー、Vネックのセーターベスト、白い袖のロイヤルブルーのベースボールジャケット、ハウラーブラザーズのジレ、[ 64 ]シャツ胸を露出させるためにスーツを開けて着るスタイル[ 65 ]や、箱型の革製リーファージャケットは、大西洋の両岸で人気があった。[ 66 ] [ 67 ] [ 68 ]
ファッションは本質的に社会現象である。人は一人でファッションを身につけることはできないが、何かがファッションとして定義されるためには、普及とフォロワーが必要となる。この普及は、トップダウン（「トリクルダウン」）からボトムアップ（「バブルアップ／トリクルアップ」）、あるいは文化を横断し、バイラルミームやメディアを通じて広まる（「トリクルアクロス」）など、様々な形態をとる。
ファッションは、環境の社会的および文化的文脈と関連しています。マティカ[ 69 ]によれば、「人のトレンドが音楽のジャンルへの好みと結びつくと、大衆文化の要素が融合します。[…]音楽、ニュース、文学と同様に、ファッションは日常生活に融合しています。」ファッションは純粋に美的であるだけでなく、人々が全体的な効果を生み出し、意見や芸術性を表現するための媒体でもあります。
これは、パフォーマーがミュージックビデオを通して頻繁に成し遂げていることを反映している。カルロスによれば、ビヨンセのミュージックビデオ「Formation」では、 [ 70 ] 年に一度または季節ごとのランウェイショーは、ファッションのトレンドとデザイナーのインスピレーションを反映している。ヴィヴィアン・ウエストウッドのようなデザイナーにとって、ランウェイショーは政治や時事問題に関する彼女の声を発信するプラットフォームだった。ウォーターによれば、彼女のAW15メンズウェアショーでは、[ 71 ]「顔にひどい痣のあるモデルたちが、地球を救う使命を帯びたエコ戦士を体現していた」。最近の別の例としては、シャネルのSS15ショーのために演出されたフェミニストの抗議行進があり、暴動を起こしたモデルたちが「フェミニストだけどフェミニン」や「女性が先」などのプラカードを使ってエンパワーメントの言葉を叫んだ。ウォーター氏によると、[ 71 ]「このショーは、シャネルが長年にわたり女性の自立を擁護してきた歴史を反映している。創設者のココ・シャネルは第一次世界大戦後の時代に女性の身体を解放する先駆者であり、当時流行していた窮屈なコルセットに対抗するシルエットを導入した。」
マンハッタンで毎年開催されるメットガラは、ファッションデザイナーとその作品を称える最高の会場です。ソーシャルメディアもまた、ファッションが最も頻繁に紹介される場所です。一部のインフルエンサーは、商品や衣料品を宣伝するために巨額の報酬を受け取っており、企業は広告をきっかけに多くの視聴者が商品を購入することを期待しています。Instagramは最も人気のある広告プラットフォームですが、Facebook、Snapchat、Twitterなどのプラットフォームも使用されています。[ 72 ]ニューヨークでは、LGBTファッションデザインコミュニティがファッショントレンドの普及に大きく貢献しており、ドラァグセレブリティはニューヨークファッションウィークに大きな影響を与えています。[ 73 ]
異なるグループの消費者は、さまざまなニーズと要求を持っています。消費者のニーズを分析する際に考慮される要素には、主要な人口統計が含まれます。[ 74 ] 消費者のニーズを理解し、ファッションのトレンドを予測するために、ファッション企業は市場調査を行う必要があります。 [ 75 ]調査方法には、一次調査と二次調査の2種類があります。[ 76 ]二次調査とは、すでに収集された他の情報を使用することです。たとえば、調査に書籍や記事を使用します。一次調査は、アンケート、インタビュー、観察、フォーカスグループなどを通じてデータを収集します。一次調査では、多くの場合、顧客の購買動機を判断するために大規模なサンプルサイズに焦点を当てます。[ 77 ]
一次調査の利点は、ファッションブランドの消費者に関する具体的な情報を調査できることです。アンケートは便利なツールであり、質問は自由回答式または選択式にすることができます。アンケートやインタビューのマイナス要因は、アンケートの文言や対面でのやり取りにより、回答に偏りが生じる可能性があることです。8～12人程度のフォーカスグループは、いくつかの点を深く掘り下げることができるため有益です。しかし、この戦術にも欠点があります。サンプルサイズが小さいため、一般の人々がフォーカスグループと同じように反応するかどうかを知ることは困難です。[ 76 ]観察は、消費者が本当に何を求めているかについての洞察を企業が得るのに非常に役立ちます。消費者は単に日常のタスクを実行しているだけで、必ずしも観察されていることに気づいていないため、偏りが少なくなります。たとえば、人々のストリートスタイルの写真を撮って一般の人々を観察する場合、消費者は必ずしも写真を撮られることを知って朝服を着るわけではありません。彼らはただ普段着を着ているだけです。観察を通じてパターンが見えるため、トレンド予測者はターゲット市場のニーズと欲求を知ることができます。
消費者のニーズを把握することは、ファッション企業の売上と利益の増加につながります。消費者の生活を調査・研究することで、顧客のニーズを把握し、消費者がどのようなトレンドを求めているかをファッションブランドが理解するのに役立ちます。
消費は必要性によってのみ促進されるのではなく、消費者にとっての象徴的な意味も要因となる。象徴的な消費を行う消費者は、アイデンティティを確立する過程の一部としてさまざまな物を収集し、象徴的な意味が社会集団内で共有されると、自分のアイデンティティを他者に伝えるために、長期間にわたって自己意識を発達させる可能性がある。10代の若者にとって、消費は子供としての自分と大人としての自分を区別する役割を果たす。研究者たちは、10代の若者のファッションの選択は自己表現のためだけでなく、似たような服を着ている他の10代の若者を認識するためにも使われることを発見した。衣服の象徴的な関連性は、個人の性格や興味と結びつくことができ、音楽はファッションの決定に影響を与える顕著な要因である。[ 78 ]
政治家は、少なくともフランス国王ルイ14世の時代から、ファッションの発展において中心的な役割を果たしてきた。例えば、ファーストレディのジャクリーン・ケネディは1960年代初頭のファッションアイコンだった。シャネルのスーツ、ジバンシィの構造的なシフトドレス、大きなボタンが付いた柔らかな色のカッシーニのコートを身に着けた彼女は、エレガントなフォーマルな服装とクラシックな女性らしいスタイルの両方のトレンドに影響を与えた。[ 79 ]
文化的な激変もファッションのトレンドに影響を与えてきました。例えば、1960年代にはアメリカ経済は好調で、離婚率は上昇し、政府は避妊ピルを承認しました。これらの要因が若い世代に根付いた社会規範への反抗を促しました。黒人の社会正義と機会均等を求める公民権運動と、女性の平等な権利と機会、そしてより大きな個人の自由を求める女性解放運動が盛んに行われていました。1964年には脚を露出するミニスカートが登場し、大流行しました。ファッションデザイナーたちはその後、ゆったりとしたノースリーブドレス、マイクロミニスカート、フレアスカート、トランペットスリーブなど、衣服の形状を実験し始めました。蛍光色、プリント柄、ベルボトムジーンズ、フリンジ付きベスト、スカートは1960年代の必須アイテムとなりました。 [ 80 ]
失敗に終わったベトナム戦争への米国の関与に対する懸念と抗議もファッションに影響を与えた。軍人が敵軍から見えにくくなるように開発された軍服の迷彩柄は、1960年代にストリートウェアのデザインに浸透した。迷彩柄のトレンドはその後何度か消えたり復活したりを繰り返し、1990年代にはハイファッションの形で登場した。[ 81 ]ヴァレンティノ、ディオール、ドルチェ＆ガッバーナなどのデザイナーは、ランウェイやプレタポルテのコレクションに迷彩柄を取り入れた。今日では、パステルカラーを含む様々な迷彩柄が、あらゆる衣服やアクセサリーで人気を博し続けている。
今日、テクノロジーは社会において大きな役割を果たしており、ファッションの分野においてもテクノロジーの影響力が増大しています。ウェアラブルテクノロジーが取り入れられており、例えば、デバイスを充電するソーラーパネルを組み込んだ衣服や、環境の変化に応じて色や質感を変化させることで着用者の快適性を向上させるスマートファブリックなどがあります。 [ 82 ] 3Dプリンティング技術は、アイリス・ヴァン・ヘルペンやキンバリー・オヴィッツなどのデザイナーに影響を与えています。テクノロジーが進化するにつれて、3Dプリンターはデザイナーや最終的には消費者にとってより身近なものとなり、ファッション業界のデザインと生産を完全に変革する可能性を秘めています。
インターネット技術は、オンライン小売業者やソーシャルメディアプラットフォームの広範な展開を可能にし、トレンドを即座に特定、マーケティング、販売するための、これまで想像もできなかった方法を生み出しました。[ 83 ]トレンドを牽引するスタイルは、顧客を引き付けるためにオンラインで簡単に表示および伝達されます。InstagramやFacebookへの投稿は、ファッションの新しいトレンドに対する認知度を迅速に高めることができ、その結果、特定のアイテムやブランドに対する高い需要を生み出す可能性があります。[ 84 ]新しい「今すぐ購入ボタン」技術は、これらのスタイルを直接販売にリンクすることができます。
機械視覚技術は、ファッションが社会に広がる様子を追跡するために開発されました。業界は、ファッションショーがストリートシックな服装にどのように影響を与えるかという直接的な相関関係を把握できるようになりました。このような影響は定量化できるようになり、ファッションハウス、デザイナー、消費者にトレンドに関する貴重なフィードバックを提供できるようになりました。[ 85 ]
ファッション業界、特に衣料品や履物の製造と使用は、温室効果ガスの排出、汚染、水の使用、繊維廃棄物の大きな要因となっている。[ 86 ] 19世紀には、工業化によって繊維製品の大規模生産へと移行したが、これは環境悪化を加速させるだけであった。[ 87 ]
ファッション業界の急速な成長により、年間約1,000億点の衣料品が消費されるようになり[ 88 ] 、米国で消費される衣料品の約85%が埋め立て処分されている[ 89 ] 。最近 の研究では、動物由来の繊維（羊毛や皮革など）は衣料品全体の量に占める割合は小さいものの、ファッション業界の温室効果ガス排出量のかなりの割合を占めていることが示唆されている。実際、ある研究では、羊毛と皮革は世界のファッション生産のわずか3～5%を占めるにすぎないが、20年間でそのメタン排出量の70～80%を占める可能性があると推定している[ 90 ] 。
衣類の1%未満しかリサイクルされて新しい衣類に生まれ変わっていません。[ 91 ] 2010年代後半には、世界の温室効果ガス総排出量の2%を排出し、[ 92 ]エネルギー集約型の生産によって気候変動に寄与しました。[ 93 ]ファッションに使用される作物、繊維、衣類の生産と流通はすべて、水、空気、土壌の劣化を含むさまざまな形態の環境汚染に寄与しています。[ 94 ]繊維産業は、世界の淡水汚染の2番目に大きな原因であり、[ 95 ]産業による水質汚染の約5分の1の原因となっています。[ 96 ]この産業による汚染に寄与する主な要因には、ファッションアイテムの大量生産、 [ 97 ] [ 98 ] [ 99 ]合成繊維の使用、ファッション作物の農業汚染、 [ 100 ]および世界中の水源におけるマイクロファイバーの拡散などがあります。 [ 91 ]
一部の小売業者や消費者は、廃棄物の削減、エネルギーと水の効率の向上、主に環境に優しい素材の使用など、持続可能なファッションの実践を促進する努力をしてきました。スローファッションなどの対抗運動も、業界の成長への対応として発展してきました。[ 101 ]
エリザベス・L・クラインの2012年の著書『Overdressed: The Shockingly High Cost of Cheap Fashion』は、ファッションが人や環境に及ぼす影響を調査した最初の研究の一つである。この慣習は、発展途上国の劣悪な労働条件の一因となっているとして批判も受けている。[ 102 ]
ファストファッションは、「ファッションのトレンドを迅速かつ安価に消費者に提供することを重視する、衣料品のデザイン、制作、マーケティングへのアプローチ」と定義される。[ 103 ]
従来のファッションプロセスでは、製品のデザイン、製造、販売に通常約6か月かかりますが、ファストファッションではこれらのプロセスが数週間で完了し、消費者の急速に変化する需要に対応できます。[ 104 ]ファストファッションは、グローバルサプライチェーン、低コスト製造、ジャストインタイム在庫システムによって実現されており、小売業者はこれまでになかった規模で衣料品を生産および流通させることができます。 [ 105 ]
アメリカ人が購入する新しい衣料品の量は、1960年代以降3倍に増加しました。[ 106 ]グローバル化は、ファストファッション産業の急速な成長を促しました。2019年の世界の衣料品小売売上高は1.9兆米ドルに達し、過去最高を記録しました。この数字は、2030年までに3兆米ドルに倍増すると予想されています。世界では、年間800億点以上の衣料品が消費されています。[ 107 ] [ 108 ]この数字は、ファッションサイクルの加速と、安価でありながらファッショナブルな衣料品に対する消費者の需要により、依然として増加しています。[ 105 ]
ファストファッションは「使い捨てファッション」とも呼ばれ、トレンドのサイクルが非常に速いため、多くの消費者はアイテムを1、2回着用しただけで捨ててしまいます。また、安価な価格帯のため、質の低い素材で作られていることが多く、その結果、持続可能なファッションアイテムよりも早く破れたり、縫い目がほつれたり、擦り切れたりします。[ 109 ]
ファストファッションの人気が高まるにつれ、ウルトラファストファッションが台頭してきた。[ 110 ]ウルトラファストファッションはファストファッションに似ているが、生産速度とトレンドサイクルが加速されている。衣類は一般的なファストファッションアイテムよりもさらに品質が悪く、数回着用しただけで捨てられることが推奨されている。Shein、Fashion Nova、PrettyLittleThingなど、ソーシャルメディアで高い存在感を示す多くの企業がウルトラファストファッションを推進している。[ 111 ]
ソーシャルメディアプラットフォームを含むメディアは、ファッションのトレンドを形成する上で重要な役割を果たし、トレンドの採用と陳腐化のサイクルを急速に生み出しています。[ 112 ]例えば、ファッションの重要な部分の一つはファッションジャーナリズムです。編集上の批評、ガイドライン、解説は、テレビや雑誌、新聞、ファッションウェブサイト、ソーシャルネットワーク、ファッションブログで見ることができます。近年、ファッションブログやYouTube動画は、トレンドやファッションのヒントを広める主要な媒体となり、ウェブサイトやソーシャルメディアアカウント（Instagram、TikTok、Twitterなど）で自分のスタイルを共有するオンライン文化を生み出しています。これらのメディア媒体を通じて、世界中の読者や視聴者はファッションについて学ぶことができ、ファッションへのアクセスが非常に容易になっています。[ 113 ]ファッションジャーナリズムに加えて、ファッション業界で重要なもう1つのメディアプラットフォームは広告です。広告は視聴者に情報を提供し、製品やサービスの販売を促進します。ファッション業界は、消費者を惹きつけ、製品を宣伝して売上を上げるために広告を使用しています。数十年前、技術がまだ未発達だった頃、広告はラジオ、雑誌、看板、新聞に大きく依存していました。[ 114 ]今日では、テレビ広告、インターネットのウェブサイトを使用したオンライン広告、ソーシャルメディアプラットフォームでの投稿、ビデオ、ライブストリーミングなど、広告の方法はより多様化しています。
印刷スタイリングには、エディトリアルとライフスタイルの2つのサブセットがあります。エディトリアルスタイリングは、ファッション雑誌に見られるようなハイファッションスタイリングで、より芸術的で最先端のファッションを特徴としています。ライフスタイルスタイリングは、デパートの広告、ウェブサイト、あるいはファッション自体が販売されているのではなく、モデルが写真の商品を宣伝するために雇われている広告など、より明確に商業的な目標に焦点を当てています。[ 115 ]
権力者の服装習慣は、伝統的に芸術や宮廷の慣習を通して伝えられてきた。フランス宮廷の服装は16世紀以降、版画を通して広まったが、ルイ14世の下で中央集権的な宮廷が発展するにつれて統一されたデザインを獲得し、彼の名を冠した特徴的なスタイルが生まれた。[ 116 ] 20世紀初頭には、ファッション雑誌に様々なファッションデザインの写真が掲載されるようになり、以前よりもさらに影響力を持つようになった。[ 117 ]世界中の都市でこれらの雑誌は非常に人気があり、人々の服装の好みに大きな影響を与えた。才能あるイラストレーターが、ファッションと美容の最新の動向を網羅した出版物のために精巧なファッションプレートを描いた。おそらくこれらの雑誌の中で最も有名なのは、1912年にリュシアン・ヴォーゲルによって創刊され、1925年まで（戦争期間を除いて）定期的に発行された『ラ・ガゼット・デュ・ボン・トン』だろう。[ 118 ]
1892年にマンハッタンで創刊された『ヴォーグ』は、創刊されては消えていった数百ものファッション雑誌の中で、最も長く続き、最も成功した雑誌です。第二次世界大戦後の経済成長、そして何よりも1960年代の安価なカラー印刷の登場により、ヴォーグの売上は飛躍的に伸び、主流の女性誌でファッションが大きく取り上げられるようになりました。1990年代には男性誌でも同様の傾向が見られました。ヴォーグの人気を示す一例として、より若い世代向けの『ティーン・ヴォーグ』があります。この雑誌は、「予算重視のファッショニスタ」をターゲットにした服やトレンドを取り上げています。オートクチュールのデザイナーたちはこの流れに乗り、既製服や香水のラインを立ち上げ、雑誌で大々的に宣伝し、今では元のクチュール事業を凌駕する規模になっています。ファッション印刷メディアにおける最近の動向としては、ファッションは表面的なものではないことを証明しようと、ファッション学界と業界との対話を生み出すことを目的とした、テキスト中心の批評的な雑誌の台頭が挙げられます。この発展の例としては、『ファッション理論』（1997年）、『ファッション実践：デザイン、創造プロセス、ファッション産業に関するジャーナル』（2008年）、『ヴェストイ』（2009年）などが挙げられる。
テレビでのファッション報道は1950年代に小さなファッション特集から始まった。1960年代と1970年代には、さまざまなエンターテイメント番組でファッションコーナーがより頻繁に放送されるようになり、1980年代にはFashionTelevisionのような専門のファッション番組が登場し始めた。FashionTVはこの取り組みの先駆者であり、その後、ファッションテレビと新しいメディアチャンネルの両方でリーダーに成長した。ファッション業界は、ソーシャルメディア上のブロガーを通じてスタイルを宣伝し始めている。Vogueは、人気を博したファッションブログを通じてフォロワーが増加したキアラ・フェラーニを「今注目のブロガー」に挙げた。[ 119 ]
ニューヨーク市で開催された2010年秋のファッションウィークが閉幕してから数日後、ニューアイランダーのファッションエディター、ジュヌヴィエーヴ・タックスは、ファッション業界が独自の季節スケジュールで運営されており、現実世界の消費者を犠牲にしていると批判した。「デザイナーは春に秋のコレクションを発表し、秋に春のコレクションを発表するため、ヴォーグなどのファッション雑誌は常に次のシーズンにしか目を向けず、9月にはパーカを宣伝し、1月にはショートパンツのレビューを掲載する」と彼女は書いている。「その結果、賢い買い物客は、おそらく非現実的なほどに先見の明を持って買い物をするように条件付けられている」[ 120 ]
ファッション業界は、リアリティ番組「プロジェクト・ランウェイ」やドラマシリーズ「アグリー・ベティ」など、数多くの映画やテレビ番組の題材となってきた。特定のファッションブランドは、単なる商品配置の機会としてだけでなく、その後のファッションのトレンドにつながる特注品として映画に登場している。 [ 121 ]
動画は一般的に、ファッション業界のプロモーションに非常に役立ってきた。これは、ファッション業界を直接取り上げるテレビ番組だけでなく、ファッションステートメントを紹介したり、商品配置を通じて特定のブランドを宣伝したりする映画、イベント、ミュージックビデオからも明らかである。
ファッション広告の中には人種差別的だと非難され、顧客によるボイコットにつながったものもある。世界的に有名なスウェーデンのファッションブランドH&Mは、 2018年に子供服の広告でこの問題に直面した。広告には「ジャングルで一番クールなサル」というスローガンがプリントされたパーカーを着た黒人の子供が登場していた。「サル」は黒人に対する蔑称としてよく使われるため、これはすぐに物議を醸し、多くの顧客がブランドをボイコットする事態となった。有名人を含む多くの人々がソーシャルメディアでH&Mへの憤りや、H&Mの製品を購入したり仕事をしたりすることを拒否する旨を投稿した。H&Mは「不快な思いをさせてしまった方々に謝罪します」という声明を発表したが、これも不誠実に見えるとして批判を受けた。[ 122 ]
人種差別的と見なされた別のファッション広告は、アメリカの世界的な衣料品ブランドであるGAPのものでした。GAPは2016年にエレン・デジェネレスとコラボレーションして広告を作成しました。この広告には、背の高い白人の少女が背の低い黒人の少女の頭に腕を乗せて寄りかかっている、4人の遊び好きな少女が登場します。公開後、一部の視聴者は、この広告は潜在的な受動的人種差別を示しているとして、厳しく批判しました。The Rootの代表者は、この広告は黒人が過小評価され、白人がより良く見えるための小道具と見なされているというメッセージを伝えているとコメントしました。 [ 123 ]一方、この広告にほとんど問題はないと考える人もおり、この論争は人々が過敏になりすぎている結果だと考える人もいました。GAPは広告の画像を差し替え、批判者に謝罪しました。[ 124 ]
多くのファッションブランドが、顧客の注目を集めるために挑発的でセクシーな広告を掲載してきました。イギリスの高級ファッションブランド、ジミーチュウは、同ブランドのブーツを履いたイギリス人女性モデルを起用した広告で性差別的だと非難されました。この2分間の広告では、赤いノースリーブのミニドレスを着て街を歩くモデルに男性が口笛を吹いています。この広告は、セクシャルハラスメントやその他の不適切な行為を助長していると見なされ、視聴者から大きな反発と批判を受けました。多くの人がソーシャルメディアへの投稿で落胆を表明し、ジミーチュウはソーシャルメディアプラットフォームから広告を削除せざるを得なくなりました。[ 125 ]
フランスの高級ファッションブランド、イヴ・サンローランも、2017年にパリで掲示された印刷広告でこの問題に直面した。その広告は、網タイツとローラースケートのスティレットを履いた女性モデルがカメラの前で脚を開いて横たわっている様子を描いていた。この広告は、「品位、尊厳の尊重、服従、暴力、依存の禁止、およびステレオタイプの使用」に関する広告コードに反しているとして、視聴者とフランスの広告団体のディレクターの両方から厳しいコメントを受けた。さらに、この広告は「青少年に精神的な害を与えている」とも言われた。[ 126 ]世論の否定的な反応により、ポスターは市から撤去された。
ファッション広報とは、企業の顧客と接触し、彼らとの強固な関係を築き、メディアに働きかけ、企業のポジティブなイメージを伝えるメッセージを発信することである。[ 127 ]ソーシャルメディアは現代のファッション広報において重要な役割を果たしており、広報担当者がさまざまなプラットフォームを通じて幅広い消費者にリーチすることを可能にしている。[ 128 ]
ブランド認知度と信頼性の構築は、優れた広報活動の重要な意味合いです。場合によっては、実務家によって生み出される膨大な露出により、新人デザイナーのコレクションが市場にリリースされる前に話題が高まります。[ 129 ]ブログ、マイクロブログ、ポッドキャスト、写真やビデオの共有サイトなどのソーシャルメディアは、ファッション広報においてますます重要になっています。[ 130 ]これらのプラットフォームのインタラクティブな性質により、実務家はリアルタイムで一般の人々と交流し、クライアントのブランドやキャンペーンのメッセージをターゲットオーディエンスに合わせて調整することができます。Instagram、Tumblr、WordPress、Squarespaceなどのブログプラットフォームやその他の共有サイトにより、ブロガーはファッションの専門家評論家として台頭し、ブランドを形成し、「トレンド」に大きな影響を与えています。[ 131 ]スウェッティ・ベティPRの創設者ロキシー・ジャセンコやオスカー・デ・ラ・レンタのPR担当エリカ・ベアマンなど、ファッション広報業界の女性たちは、ブランドアイデンティティや所属企業の舞台裏を紹介することで、ソーシャルメディア上で多くのフォロワーを獲得している。
ソーシャルメディアは、メディアや顧客関係構築に関心を持つため、実務者がメッセージを伝える方法を変えています。 [ 32 ] PRの実務者は、オンラインショッピングを通じて社会的に繋がっているファッション業界の一般大衆を惹きつけるために、すべてのプラットフォーム間で効果的なコミュニケーションを提供する必要があります。[ 133 ]消費者は、自分のソーシャルメディアページ（Facebook、Twitter、Instagramなど）で購入したものを共有することができ、実務者がブランドメッセージを効果的に伝え、一般大衆のニーズを満たせば、口コミによる宣伝が生まれ、デザイナーとその製品に幅広いリーチをもたらす可能性があります。
ファッションは人々に関わるものであり、社会的な階層構造を示すものであるため、政治や社会組織と密接に関わっています。オートクチュールやビジネススーツは権力者と結びついていますが、政治秩序に挑戦しようとするグループもまた、自らの立場を示すために衣服を利用します。このように、ファッションを活動の一形態として明確に用いることは、一般的に「ファッション・アクティビズム」と呼ばれます。
ファッションとフェミニズムの間には複雑な関係がある。一部のフェミニストは、女性が女性らしいファッションに参加することで、女性抑圧の一因となっている性差の維持に加担していると主張している。[ 134 ]ブラウンミラーは、女性は伝統的な女性らしい服装を拒否し、ファッションよりも快適さと実用性に焦点を当てるべきだと考えている。[ 134 ]また、流行に追いつくために季節ごとに服を変えることを女性に要求するファッションシステム自体が抑圧的だと考える人もいる。[ 135 ]グリアは、服装の季節的な変化は無視すべきだという主張を提唱している。彼女は、ファッションの強迫観念を、規範を拒否して自分自身のスタイルを作り出すことを楽しむことに置き換えることで、女性は解放されると主張している。[ 136 ] このような季節的なファッションの拒否は、1960年代に社会主義、人種、環境上の理由によるファッションの拒否とともに、多くの抗議活動につながった。[ 137 ]しかし、モスマンは、抗議のファッションとファッションの創造の関係は動的であると指摘している。なぜなら、これらの抗議で使用された言語とスタイルが、その後ファッション自体の一部となるからである。[ 137 ]
ファッションデザイナーやブランドは伝統的に政治的な対立から距離を置いてきたが、業界では政治的な立場をより明確に表明する動きが見られる。これまで比較的非政治的な姿勢を保ってきたデザイナーやブランドは、今日では現在の議論に積極的に参加している。[ 138 ]
例えば、2016年の大統領選挙前後の数ヶ月間の米国の政治情勢を考慮すると、2017年のロンドン、ミラノ、ニューヨーク、パリ、サンパウロなどのファッションウィークでは、多くのデザイナーが自身のプラットフォームと影響力を活用して顧客に政治的な立場を表明する機会を得ました。[ 139 ] [ 140 ]これはまた、ファッションが必ずしも政治的な議論のための最も包括的なプラットフォームではなく、トップダウンのメッセージを一方的に発信するものであることから、民主主義的価値観に関する論争にもつながりました。
明確な政治的立場を取る場合、デザイナーは一般的に、高潔なニュアンスを含んだ明確な言葉で表現できる問題を好む。例えば、「ファッション空間で団結、包容、多様性、フェミニズムというより大きなメッセージを増幅する」ことを目指し、デザイナーのマラ・ホフマンは、ワシントン女性行進の創設者をショーのオープニングに招き、批評家から「現代の戦士のために作られた」「まだやるべきことがある人のための服」と評された実用的な服の現代的なシルエットを披露した。[ 141 ]プラバル・グルンは、「未来は女性のもの」「私たちは沈黙しない」「それでも彼女は諦めなかった」などのスローガンをあしらったTシャツのコレクションを発表し、収益はACLU、プランニング・ペアレントフッド、そしてグルン自身の慈善団体「シクシャ財団ネパール」に寄付された。[ 138 ]同様に、Business of Fashionはソーシャルメディアで#TiedTogether運動を開始し、編集者からモデルまで業界関係者に「ファッションウィーク中の団結、連帯、包括性」を訴える白いバンダナを着用するよう促した。[ 142 ]
ファッションは、健康的な行動を促進する[ 143 ] 、がん治療のための資金を集める[ 144 ]、または地元の慈善団体[ 145 ]（例えば、少年保護協会[ 146 ]や小児ホスピス[ 147 ] ）のために資金を集めるなど、何らかの目的を促進するために使用されることがある。
ファッションにおける一つの活動として、ゴミを使って服やジュエリー、その他のファッションアイテムを作り、環境汚染への意識を高める「トラッシュオン」があります。マリーナ・デブリス、アン・ウィザー[ 148 ] 、ナンシー・ジャッド[ 149 ]など、現代のトラッシュオン・アーティストは数多くいます。また、パンク・ムーブメントの伝統を受け継ぎ、DIYファッションを用いて業界のエリート主義に対抗し、より包括性と多様性を促進しているデザイナーもいます[ 150 ] 。
第76回カンヌ国際映画祭で、イラン人モデルのマハラガ・ジャベリは、イランでの処刑に対する政治的な意思表示として、ジラ・サベルがデザインした象徴的なドレスを着用した。そのドレスは、絞首刑の縄のような形をしたホルターネックが特徴で、背中には「処刑を止めろ」という文字が書かれていたが、カンヌの政治的な発言を制限する規則に従い、映画祭の警備員が介入し、レッドカーペットで披露することを阻止された。[ 151 ]
学術的な観点から見ると、様々なファッションを身に着けることは、ファッションの文法を用いて様々なファッションステートメントを生み出すコミュニケーション様式であるファッション言語の一形態と見なされてきた。[ 152 ]これは、影響力のあるフランスの哲学者であり記号学者であるロラン・バルトの著作で提唱された見解である。
文化や人間社会の研究である人類学は、なぜ特定のスタイルが社会的に適切とみなされ、他のスタイルはそうでないのかという問いを通してファッションを考察する。相互作用論によれば、ある慣習や表現はコミュニティの権力者によって選ばれ、それが権力者の影響下にある人々によって特定の時期に定義された「ファッション」となる。特定のスタイルが既に存在する信念体系の中で意味を持つ場合、そのスタイルがファッションとなる可能性が高くなる。[ 153 ]
文化理論家のテッド・ポルヘムスとリン・プロクターによれば、ファッションは装飾品と表現でき、その種類はファッションとアンチファッションの2つである。衣服、アクセサリー、靴などの資本化と商品化によって、かつてアンチファッションであったものがファッションの一部となり、ファッションとアンチファッションの境界線は曖昧になり、かつてはファッションの変化の外にあった表現がトレンドとともに新しい意味を持つようになる。[ 154 ]例としては、民族衣装の要素がトレンドの一部となり、ランウェイやストリートカルチャーに登場すること、タトゥーが船乗り、労働者、犯罪者から大衆文化へと伝わることなどが挙げられる。
文化理論家のマルコム・バーナードによれば、ファッションと反ファッションは正反対のものである。反ファッションは固定されており、時間の経過とともにほとんど変化しない[ 155 ]。所属する文化集団や社会集団、あるいは居住地によって異なるが、その集団や地域内ではスタイルはほとんど変化しない。対照的に、ファッションは非常に速く変化（進化）し[ 156 ]、特定の集団や地域に結びつくことなく、人々が容易にコミュニケーションできる場所であれば世界中に広がる。反ファッションの例としては、儀式用またはその他の伝統的な衣服が挙げられる。特定の衣服とそのデザインは忠実に再現され、伝統の現状維持を目的としている。これは歌舞伎の衣装にも見られ、登場人物の衣装は数世紀前のデザインのまま保存され、場合によってはその役を「完成させた」とみなされる役者の紋章が残されている。
反ファッションは現状維持を重視する一方、ファッションは社会的な流動性を重視する。反ファッションでは時間は連続性として表現され、ファッションでは変化として表現される。ファッションには変化する装飾様式があるのに対し、反ファッションには固定された装飾様式がある。
この理論的な観点から見ると、ファッションの変化はより大きな産業システムの一部であり、このシステムの有力なアクターによって、業界の影響を受けるチャネル（有料広告など）を通じて促進される意図的なスタイルの変化として構築されている。[ 157 ]
ファッション業界では、映画業界や音楽業界ほど知的財産権が厳しく執行されていません。知的財産権の専門家であるロバート・グラリストンは、ロサンゼルスで開催されたファッションセミナーで、「衣料品に関する著作権法は、現在業界で大きな議論の的となっています。デザイナーがデザインからインスピレーションを得ることと、さまざまな場所でそれを完全に盗用することの間には、しばしば線引きをしなければなりません」と述べています。[ 158 ]他人のデザインからインスピレーションを得ることは、ファッション業界が衣料品のトレンドを確立する能力に貢献します。ここ数年、WGSNはファッションニュースと予測の主要な情報源であり、世界中のファッションブランドが互いにインスピレーションを得ることを奨励してきました。新しいトレンドを確立することで消費者に衣料品を購入させることは、業界の成功の重要な要素であると主張する人もいます。このトレンド作成のプロセスを妨げる知的財産ルールは、この見解では逆効果になるでしょう。一方で、大手企業による斬新なアイデア、独自のデザイン、デザインの細部の露骨な盗用こそが、多くの小規模または独立系デザイン会社の失敗の一因となっているとよく指摘される。
偽物は品質が劣るため見分けがつきやすく、高級品への需要は依然として高い。また、商標やロゴのみが著作権で保護されるため、多くのファッションブランドは、これらの要素を衣服やアクセサリーの最も目立つ特徴の一つとしている。特にハンドバッグにおいては、デザイナーのブランド名がバッグの生地（または裏地）に織り込まれている場合もあり、ブランドがバッグの本質的な要素となっている。
2005年、世界知的所有権機関（WIPO）は、中小企業をより良く保護し、繊維・衣料産業の競争力を促進するために、ファッション業界における知的財産権の執行をより厳格にするよう求める会議を開催した。[ 159 ] [ 160 ]
クチュールファッションウィークニューヨーク最新デザイナー
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ウィキメディア・コモンズにあるファッション関連のメディア
Wiktionaryにおけるファッションの辞書的定義
Wikiquoteにあるファッション関連の引用句