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ファッションデザインとは、デザイン、美学、衣服の構造、そして自然の美しさを衣服とその付属品に適用する芸術です。それは多様な文化やさまざまなトレンドの影響を受け、時代や場所によって変化してきました。「ファッションデザイナーは、ドレス、スーツ、パンツ、スカートなどの衣服や、靴やハンドバッグなどの付属品を消費者のために制作します。彼らは衣服、付属品、またはジュエリーのデザインに特化することも、これらの分野の複数に取り組むこともできます。」[ 1 ]
ファッションデザイナーは、指輪、ブレスレット、ネックレス、イヤリング、衣服などの作品やアクセサリーをデザインする際に、さまざまな方法で作業します。衣服を市場に出すには時間がかかるため、デザイナーは消費者のニーズの変化を予測する必要があります。ファッションデザイナーは、形、色、生地、装飾などを含む個々の衣服の外観を作成する責任があります。[ 2 ]
ファッションデザイナーは、機能性と美しさを兼ね備えた服をデザインしようと努めます。誰がその服を着るか、どのような場面で着るかを考慮し、幅広い素材、色、柄、スタイルを駆使してデザインします。普段着のほとんどは、限られた範囲の伝統的なスタイルに収まりますが、イブニングドレスやパーティードレスなどの特別な機会には、個性的な服が求められるのが一般的です。
オートクチュールやオーダーメイドのように、特定の個人向けに作られる服もあります。今日では、ほとんどの服は大量生産向けにデザインされており、特にカジュアルウェアや普段着は、既製服やファストファッションとして知られています。
ファッション業界のデザイナーにはさまざまな働き方があります。ファッションハウスに専属デザイナーとしてフルタイムで働くデザイナーは、会社所有のデザインを制作し、独立して働く場合もあれば、デザインチームの一員として働く場合もあります。フリーランスのデザイナーは、自分のデザインをファッションハウス、ショップ、またはアパレルメーカーに直接販売します。自分のブランドを立ち上げ、デザインを完全にコントロールするファッションデザイナーも少なくありません。また、個人顧客向けにデザインを行うデザイナーもいます。高級ファッションデザイナーの中には、専門店や高級百貨店向けにデザインを手がける人もいます。こうしたデザイナーは、オリジナルの服だけでなく、確立されたファッショントレンドに沿った服も制作します。しかし、ほとんどのファッションデザイナーはアパレルメーカーに勤務し、マスマーケット向けにメンズ、レディース、キッズのファッションをデザインしています。アバクロンビー＆フィッチ、ジャスティス、ジューシーといった「名前」を持つ大手デザイナーブランドは、デザインディレクターの指揮の下、個々のデザイナーのチームによってデザインされていることが多いです。
衣服のデザインには、「色、質感、空間、線、パターン、シルエット、形状、比率、バランス、強調、リズム、調和」の要素が含まれます。[ 3 ]これらの要素すべてが組み合わさって、消費者の視覚的な興味をそそる衣服をデザインします。
ファッションデザイナーの仕事のやり方は様々です。頭の中でイメージを思い描き、それを紙やコンピューターに描く人もいれば、マネキンとも呼ばれるドレスフォームに直接生地をドレーピングする人もいます。デザインプロセスはデザイナーごとに異なり、そのプロセスに含まれる様々なステップを見るのは非常に興味深いものです。衣服のデザインはパターン作成から始まります。プロセスは、スローパーまたはベースパターンを作成することから始まります。スローパーはデザイナーが作業しているモデルのサイズに合うように作成するか、標準サイズチャートを使用してベースを作成することができます。
パターン作成における主な操作は、ダーツ操作、輪郭付け、およびゆとりの追加の 3 つです。[ 4 ]ダーツ操作では、衣服のさまざまな場所にダーツを移動できますが、衣服全体のフィット感は変わりません。輪郭付けでは、衣服の特定の部分をバストや肩などの胴体の特定の部分に近づけることができます。ゆとりの追加は、パターンの長さまたは幅を増やして、衣服のフレームとフィット感を変更します。ゆとりは、片側、不均等、またはパターン全体に均等に追加できます。
デザイナーは、自分のアイデアをすべて結びつけ、思考を広げてまとまりのあるデザインを生み出すのに役立つ特定のアプリを使用することを選択する場合があります。デザイナーがトワル（またはモスリン）のフィット感に完全に満足したら、プロのパターンメーカーに相談し、パターンメーカーは紙またはコンピュータープログラムを使用して、完成した実用的なパターンを作成します。最後に、サンプルの衣服が作られ、モデルに着用させてテストし、それが機能的な衣服であることを確認します。ファッションデザインは表現力豊かなものであり、デザイナーは機能的または非機能的な芸術作品を創造します。
近年、ファッションデザインにおけるテクノロジーの利用が増加している。オランダ人デザイナーのアイリス・ヴァン・ヘルペンは、自身の「クリスタリゼーション」コレクションに3Dプリンティングを取り入れた。[ 5 ]
ソフトウェアは、製品開発段階でデザイナーを支援することができます。デザイナーは、人工知能と仮想現実を使用して衣服のプロトタイプを作成できます。[ 5 ]ソフトウェア内の3Dモデリングにより、衣服を生産する前に、サプライヤーとのパートナーシップのための初期サンプル作成と開発段階が可能になります。[ 6 ]製品マネージャーは、製品ライフサイクル管理ソフトウェアを使用して、複数の製品ラインにわたる複数のアイテムを開発し、コンセプトから完了までのタスクの計画、割り当て、および追跡を支援できます。
現代の西洋ファッションデザインは、19 世紀にチャールズ・フレデリック・ワースによって始まったとよく考えられている。彼は、自分が作った服に自分のラベルを縫い付けた最初のデザイナーだったが、少なくとも 1828 年以降、仕立て屋は自分の名前のラベルを縫い付けていた。元布地商だったワースがパリにメゾン クチュール(ファッション ハウス)を設立する前は、服のデザインと製作は主に匿名の仕立て屋によって行われていた。当時、高級ファッションは王室で一般的に着用されていたものから派生していた。ワースの成功は、以前の仕立て屋がしていたように顧客の好みに従うのではなく、顧客に何を着るべきかを指示できるほどだった。実際、クチュリエという用語は、彼を表現するために最初に作られた。あらゆる時代の衣服はすべて、学者によって衣装デザインとして研究されているが、1858 年以降に作られた衣服だけがファッション デザインと見なされている。[ 7 ]
この時期、多くのデザインハウスが、衣服のデザイン画を描いたりスケッチを描いたりするアーティストを雇い始めた。すぐに製造に取りかかるのではなく、デザイン画を顧客に見せて承認を得ることで、デザイナーは時間と費用を節約できた。顧客がデザインを気に入れば、デザイナーに衣服の製作を依頼し、ファッションハウスで顧客のために製作された。このデザイナーと顧客の関係性から、デザイナーは完成したデザインをモデルに着せるのではなく、スケッチを描くようになった。
衣料品メーカーが生産する衣料品は、大きく3つのカテゴリーに分類されますが、これらはさらに細分化される場合もあります。
1950年代までは、ファッション衣料は主にオーダーメイドまたはオートクチュールの方式でデザインおよび製造され、各衣服は特定の顧客のために作られていました。クチュールの衣服は個々の顧客のために注文を受けて作られ、通常は高品質で高価な生地で作られ、細部と仕上げに極めて注意を払って縫製され、多くの場合、時間のかかる手作業の技術が用いられます。見た目とフィット感が、生産時間とコストよりも優先されます。[ 8 ] [ 9 ]各衣服のコストが高いため、オートクチュールはファッションハウスに直接的な利益をほとんどもたらしませんが、名声と宣伝のために重要です。[ 10 ]
既製服、またはプレタポルテは、オートクチュールとマスマーケットの中間に位置する服です。個々の顧客向けに作られるわけではありませんが、生地の選択と裁断には細心の注意が払われています。希少性を保証するために少量生産されるため、価格はかなり高額です。既製服コレクションは通常、ファッションウィークまたはファッションマンスと呼ばれる期間中に、各シーズンごとにファッションハウスによって発表されます。これは都市全体で行われ、年に2回開催されます。ファッションウィークの主なシーズンには、春夏、秋冬、リゾート、水着、ブライダルがあります。
ハーフウェイ・ガーメントは、既製服、いわゆる「既製品」やプレタポルテ・ファッションの代替品です。ハーフウェイ・ガーメントは、意図的に未完成の衣服であり、衣服の「主要デザイナー」と、通常は受動的な「消費者」とみなされる人々との共同デザインを促します。[ 11 ]これは既製服とは異なり、消費者は衣服の製作と共同デザインのプロセスに参加できます。Make{able}ワークショップで、ヒルシャーとニイニマキは、衣服製作プロセスへの個人的な関与が、ユーザーにとって意味のある「物語」を生み出し、人と製品の結びつきを確立し、最終製品の感傷的価値を高めることを発見しました。[ 11 ]
オットー・フォン・ブッシュもまた、論文「ファッショナブル、ハクティビズム、そして社会参加型ファッションデザイン」の中で、中間的な衣服やファッションの共同デザインについて探求している。[ 12 ]
現在、ファッション業界はマスマーケットでの販売に大きく依存している。マスマーケットは幅広い顧客層に対応し、有名ファッションブランドが設定したトレンドを取り入れた既製服を生産している。彼らは、あるスタイルが流行するかどうかを見極めるために、多くの場合1シーズンほど待ってから、オリジナルのルックの自社版を生産する。コストと時間を節約するために、安価な生地と機械で簡単にできるシンプルな生産技術を使用する。そのため、最終製品ははるかに安価に販売できる。[ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]
「クッチ」と呼ばれるデザインの一種は、ドイツ語の「キッチュ」という言葉に由来し、「安っぽい」または「美的感覚に欠ける」という意味です。 キッチュは、「もはや流行遅れのものを身につけたり展示したりすること」を指す場合もあります。[ 16 ]
給与制のファッションデザイナーの年間賃金の中央値は、2023 年 5 月時点で 79,290 ドルで、時給換算で約 38.12 ドルでした。中央 50 パーセントの平均は 76,700 ドルでした。下位 10 パーセントは 37,090 ドル、上位 10 パーセントは 160,850 ドルでした。[ 17 ]雇用者数が最も多いのはアパレル、生地、雑貨卸売業者で、割合は 5.4 % です。平均は雇用者数に基づくと 7,820 人です。雇用者数が最も少ないのはアパレル編み物工場で、業界全体の 0.46 % で、この特定の専門分野では平均 30 人の労働者がいます。[ 17 ] 2016 年に、米国では 23,800 人がファッションデザイナーとしてカウントされました。[ 18 ]
地理的に見ると、ファッションデザイナーの雇用が最も多いのはニューヨークで、雇用者数は7,930人である。[ 17 ]
今日のファッションはグローバル産業であり、主要国のほとんどにファッション産業が存在する。アメリカ、フランス、イタリア、イギリス、日本、ドイツ、ベルギーの7カ国は、ファッションにおいて国際的な名声を確立している。ファッション業界の「四大ファッション都市」は、ニューヨーク、パリ、ミラノ、ロンドンである。
アメリカ合衆国は、最大規模で最も裕福で、最も多面的なファッション産業の本拠地です。アメリカ合衆国のファッションハウスのほとんどはニューヨーク市に拠点を置いており、ガーメント地区に集中しています。アメリカ合衆国の西海岸では、ロサンゼルスにもかなりの数のファッションハウスがあり、アメリカ合衆国で製造される高級ファッション衣料のかなりの割合が実際にそこで作られています。マイアミも、特に水着やその他のビーチ向けファッションに関して、新しいファッションの中心地として台頭しています。毎年2月と9月に開催されるニューヨーク・ファッション・ウィークは、世界中で開催される4大ファッション・ウィークの中で最も歴史が古いイベントです。ニューヨーク市のロウアー・マンハッタンのグリニッジ・ビレッジ地区にあるパーソンズ・ザ・ニュースクール・フォー・デザインは、世界トップクラスのファッションスクールの1つとされています。アメリカ合衆国では、世界中の読者に配布される多数のファッション雑誌が発行されています。例としては、Vogue、Harper's Bazaar、Cosmopolitanなどがあります。
アメリカのファッションデザインは、人口の民族的多様性を反映して非常に多様ですが、主に清潔感のある都会的でヒップな美学が主流であり、郊外や都市部の中流階級の運動好きで健康志向のライフスタイルを反映して、よりカジュアルなスタイルを好むことが多いです。マンハッタンで毎年開催されるメットガラは、世界で最も権威のあるオートクチュールファッションイベントとして広く認識されており、ファッションデザイナーとその作品が称賛される場となっています。ソーシャルメディアもまた、ファッションが最も頻繁に紹介される場所です。一部のインフルエンサーは、商品や衣料品を宣伝するために巨額の報酬を受け取っており、企業は広告をきっかけに多くの視聴者が商品を購入することを期待しています。Instagramは最も人気のある広告プラットフォームですが、Facebook、Snapchat、Twitterなどのプラットフォームも使用されています。[ 19 ]ニューヨークでは、LGBTファッションデザインコミュニティがファッショントレンドの普及に大きく貢献しており、ドラァグセレブリティはニューヨークファッションウィークに大きな影響を与えています。[ 20 ] [ 21 ]
著名なアメリカのブランドやデザイナーには、カルバン・クライン、ラルフ・ローレン、コーチ、ナイキ、ヴァンズ、マーク・ジェイコブス、トミー・ヒルフィガー、DKNY、トム・フォード、キャスウェル・マッセイ、マイケル・コース、リーバイス、エスティローダー、レブロン、ケイト・スペード、アレキサンダー・ワン、ヴェラ・ウォン、ヴィクトリアズ・シークレット、ティファニー、コンバース、オスカー・デ・ラ・レンタ、ジョン・ヴァルヴァトス、アナ・スイ、プラバル・グルン、ビル・ブラス、ハルストン、カーハート、ブルックス・ブラザーズ、スチュアート・ワイツマン、ダイアン・フォン・ファステンバーグ、J.クルー、アメリカン・イーグル・アウトフィッターズ、スティーブ・マデン、アバクロンビー＆フィッチ、ジューシー・クチュール、トム・ブラウン、ゲス、シュプリーム、ザ・ティンバーランド社
1980年代後半から1990年代初頭にかけて、ベルギーのファッションデザイナーたちは、東西の要素を融合させた新しいファッションイメージを生み出し、ファッションに対する非常に個性的で個人的なビジョンをもたらした。ベルギーの著名なデザイナーとしては、アントワープ・シックス（アン・ドゥムルメステール、ドリス・ヴァン・ノッテン、ダーク・ビッケンベルグス、ダーク・ヴァン・サエネ、ウォルター・ヴァン・ベイレンドンク、マリーナ・イー）のほか、マルタン・マルジェラ、ラフ・シモンズ、クリス・ヴァン・アッシュ、ブルーノ・ピータース、アンソニー・ヴァカレロなどが挙げられる。[ 22 ]
英国ファッションとは、イングランド、スコットランド、ウェールズ、北アイルランドの多様な文化的伝統、職人技、素材を基に、英国全土で発展してきた独特のスタイル、デザイン、美的価値観を指します。伝統と革新の融合で知られる英国ファッションは、サヴィル・ロウのフォーマルな仕立てから、モッズやパンクといった反骨精神あふれるサブカルチャーまで、世界のトレンド形成において重要な役割を果たしてきました。それは、英国全土に見られる複雑な歴史的社会構造、地域的アイデンティティ、そして進化し続ける文化的意識を反映しています。
18世紀から19世紀にかけて、ロンドンは洗練された仕立て服の中心地となり、スコットランドのツイード、ウェールズのウール、アイルランドのリネンといった産業が不可欠な素材を供給した。ヴィクトリア朝とエドワード朝のファッションは厳格な階級に基づく服装規定を反映していたが、20世紀には劇的な変化が訪れ、戦時中の実用性から、メアリー・クアントやヴィヴィアン・ウエストウッドといったデザイナーによる前衛的な精神へと移行した。彼女たちは若者文化の大胆さを捉え、既成概念に挑戦したのである。
今日、英国ファッションは世界舞台で依然として大きな影響力を持ち、その多様性、創造性、そして歴史的深みが高く評価されています。英国には、世界的に認知されたファッションハウス、名門ファッションスクール、そして国際的な展開を誇るハイストリートブランドが数多く存在し、ロンドン・ファッション・ウィークのようなイベントでは、ベテランデザイナーと新進気鋭の才能の両方が紹介されます。現代の英国ファッションは、サステナブルでミニマルなスタイルから、エキセントリックでヴィンテージ風のスタイルまで、幅広いスタイルを網羅しており、アイデンティティ、インクルージョン、環境責任といった現代的な課題にもしばしば取り組んでいます。
フランスにおけるファッションは、文化や社会生活において重要なテーマであると同時に、経済においても重要な部分を占めている。[ 28 ]
フランスでは15世紀以来、ファッションのデザインと生産が盛んになった。17世紀には、ファッションは輸出と国内消費の両方で豊かな産業へと発展した。[ 29 ] 19世紀には、ファッションは専門化へと移行し、1860年代に生まれたオートクチュールという現代的な用語がファッション用語に洗練された趣味をもたらした。プレタポルテという用語は1960年代に生まれ、ファッションと衣服製造プロセスの伝統的な概念に反発し、ポップカルチャーとマスメディアのニーズを満たした。
パリはファッション業界の中心地であり、世界のファッション首都としての地位を確立している。この都市には、シャネル、ルイ・ヴィトン、ジバンシィ、バルマン、クリスチャン・ルブタン、ピエール・カルダン、イヴ・サンローラン、ロジェ・ヴィヴィエ、ティエリー・ミュグレー、クリスチャン・ディオール、ジャン＝ポール・ゴルチエ、エルメス、ランバン、クロエ、ロシャス、セリーヌなど、多くの有名デザイナーの本拠地がある。[ 30 ] [ 31 ]
マドリードとバルセロナはスペインの主要なファッションの中心地です。スペインのファッションは、他のファッション文化に比べて保守的で伝統的であることが多いですが、同時に「時代を超越した」ものでもあります。スペイン人は服装に関して大きなリスクを冒さないことで知られています。[ 32 ] [ 33 ]それにもかかわらず、スペインから多くのファッションブランドやデザイナーが生まれています。
ドイツのファッションは、型破りな若手デザイナーや、スポーツウェアやアウトドアウェア、既製服、オーダーメイドの服を製造するメーカーで知られています。[ 34 ]
ドイツの首都ベルリンは、世界のファッションの中心地でもあり、若くてクリエイティブなドイツのファッションデザイナーがユニークな作品を披露する国内最大のイベントであるベルリン・ファッション・ウィークの本拠地でもあります。 [ 35 ]ドイツのファッション界にとって重要な他の都市は、ミュンヘン[ 36 ] 、ハンブルク、ケルン[ 37 ]です。ヘルフォルト、メッツィンゲン、ヘルツォーゲンアウラハ、ショルンドルフ、ケムニッツ、アルプシュタット、デトモルト[ 38 ]などの小さな町も、ドイツのファッション産業の重要なデザインと生産の中心地です。
インドのファッションハウスのほとんどはムンバイにあり、ラクメ ファッション ウィークは国内有数のファッション イベントの 1 つと考えられています。[ 39 ]インドのラクメ ファッション ウィークは年に 2 回、人口の多い都市ムンバイで開催されます。最初のショーは 4 月に開催され、夏のコレクションが披露されます。2 回目のショーは 8 月に開催され、冬のコレクションが披露されます。インド人女性向けの化粧品ブランドであるラクメがこのイベントを主催しています。このファッション ウィークは 1999 年に始まり、当初はインド ファッション デザイン評議会(FDCI)と提携していましたが、後にラクメとのスポンサーシップに切り替えました。[ 39 ]
ミラノはイタリアのファッションの中心地です。イタリアの老舗クチュリエの多くはローマに拠点を置いていますが、ミラノとフィレンツェはイタリアのファッションの中心地であり、彼らのコレクションが展示される場所でもあります。イタリアのファッションは、カジュアルでありながらも華やかなエレガンスが特徴です。イタリアでは、ミラノ・ファッションウィークが年に2回、2月と9月に開催されます。ミラノ・ファッションウィークは、ファッション愛好家、バイヤー、メディア関係者とともに、ミラノの中心部でファッションにスポットライトを当て、その魅力を祝います。
日本のファッションハウスのほとんどは東京に拠点を置いており、東京はアジア最大のファッションウィークである東京ファッションウィークの開催地です。日本のファッションスタイルは、ゆったりとしたシルエット（複雑なカッティングによるものが多い）が特徴で、色は落ち着いた控えめな色合いが多く、生地には豊かな質感が用いられます。著名な日本人デザイナーには、高田賢三、三宅一生、山本耀司、川久保玲などがいます。
中国の衣料品は、中国国内外で歴史的に品質が低いとみなされてきたため、中国ブランドには汚名が着せられてきた。政府の検閲により、中国国民がファッション雑誌にアクセスできるようになったのは1990年代になってからだった。[ 40 ]しかし、世界トップクラスのファッションスクールから卒業する中国人デザイナーが増えるにつれ、Shushu/TongやRui Zhouといった中国人デザイナーが世界のトップファッションウィークに進出し、上海は中国のファッションの中心地となった。[ 41 ] [ 40 ] 2020年代初頭、Z世代の消費者は、中国の歴史や文化の側面を取り入れた国内デザイナーを好む傾向である国潮（中国語：国潮、ピンイン：Guó cháo）運動を先導した。 [ 41 ]香港の衣料品ブランドである上海灘のデザインコンセプトは、中国の衣服からインスピレーションを得ており、1920年代と30年代の中国のファッションを、21世紀の現代的なひねりと鮮やかな色彩の使用によって蘇らせることを目指している。[ 42 ]さらに、伝統的な漢服への関心の復活は、特に旧正月の時期に、歴史的な中国のディテールを取り入れたオートクチュール服への関心につながっている。[ 43 ]
ロシアのファッションは多様性に富み、現代のファッションの規範だけでなく、ロシア連邦における衣服の歴史的変遷も反映している。ロシアのファッションは、かつての社会主義イデオロギー、ロシア国内の多様な文化、そして周辺地域の文化の影響を受けていると考えられている。
メキシコの先住民の衣服の発展において、その製作方法は特定の地域で入手可能な材料と資源によって決定され、「人々の衣服の生地、形、構造」に影響を与えた。[ 45 ]織物は綿やリュウゼツランなどの植物繊維から作られた。階級によって着用する生地が異なった。メキシコの衣服は幾何学的な形に影響を受け、シルエットが作られた。ウィピルは「縦方向に縫い合わせた2枚または3枚の布地を繋ぎ合わせたゆったりとした袖なしのチュニック」[ 45 ]を特徴とするブラウスで、今日でもよく見られる重要な歴史的衣服である。スペインによる征服後、メキシコの伝統的な衣服はスペイン風に変化した。
メキシコの先住民グループは、互いを区別するために特定の刺繍や色に頼っている。[ 46 ]
メキシカンピンクは、メキシコの芸術とデザイン、そして一般的な精神のアイデンティティにとって重要な色です。ラモン・バルディオセラが説明した「ロサ・メヒカーノ」という用語は、ドロレス・デル・リオやニューヨークのデザイナー、ラモン・バルなどの著名人によって確立されました。[ 46 ]
エル・インパルシアルやエル・ムンド・イラストラードなどの新聞や雑誌がメキシコで流通するようになると、メキシコシティなどの大都市にヨーロッパのファッションが伝わり、重要なムーブメントとなった。これにより百貨店の設立が促され、既存のファッションのペースが変わった。[ 47 ]ヨーロッパのファッションや服装にアクセスできるようになったことで、社会的地位の高い人々は、それらの要素を取り入れることで他の人々と差別化を図った。フアナ・カタリーナ・ロメロはこのムーブメントで成功した起業家であり先駆者であった。