日本の服飾

弥生時代の衣服についてはほとんど知られていない。3世紀の『魏志倭人伝』（中国の学者、陳寿が編纂した『三国志』の一章）[8]には、日本で^着用されていた衣服についての記述がある。そこには、幅広の布（おそらく二重幅）を腰と肩に結んで形を整えない衣服にしたものが記述されている。^{[ 9 ]}

西暦5世紀までは、日本で着用されていた衣服に関する美術的な証拠はほとんどありません。^{[ 10 ]}古墳時代の衣服は、埴輪供養筒の上に用いられた粘土像から知られています。^{[ 11 ]}これらは5世紀から6世紀にかけて使用されましたが、^{[ 10 ]}ほとんどの埴輪には上部に彫刻がありません。^{[ 11 ]}これらの像は日常着を表しているのではなく、乗馬服を表している可能性があります。多くは鎧を着用しています。^{[ 10 ]}

古墳時代には、右側を左側に巻き付け（中国とは異なり）、重なった端を右側で紐で留めていた。袖とズボンは筒状だった。女性像はスカートを着用することが多く、男性像はふくらはぎのすぐ上でガーターで結んだズボンを着用し、膝の上で膨らませて動きやすくしていた。^{[ 10 ]}巻きスカートである艾は、男女ともに着用し、時には袴（ズボン）の上に着用した。^{[ 9 ]}

古墳時代には、中国の使節によって伝統的な中国の衣服が日本にもたらされ、両国間の移民や唐王朝の宮廷への使節によって、中国の服装、外見、文化が日本の宮廷社会で非常に人気を博すようになった。^{[ 12 ]}日本の帝国宮廷はすぐに中国の服装や衣服を採用した。^{[ 13 ]}西暦4世紀にはすでに、日本の巫女女王や部族長の像には、漢王朝の中国に似た衣服を着た人物が描かれていた。^{[ 14 ]}正倉院に保管されている最古の絞り染め布は、当時の日本の布地生産能力の限界から中国起源であるという証拠がある^{[ 15 ]}（タンモノ参照）。

飛鳥時代は仏教と漢字の伝来から始まり、この時代には中国が日本にかなり強い影響を与えた。^{[ 10 ]}

天寿国周朝曼荼羅の描写から判断すると、推古天皇（593～628年）の治世中、男女の宮廷服は非常に似通っていた。男女ともに丸首の前開きの襖（ほう）を着用し、襟は重ならないように留められ、前身頃、襟、袖口は対照的な生地（おそらく下地）で縁取られていた。膝上丈の袈裟（らん）の縁取りも袈裟と同じであった。袈裟の下、膝下あたりまで伸びる、よりプリーツの多い対照的な生地の平見（ひらみ）を着用した。平見の下には、男性は裾が対照的な細身の袴を着用し、女性は袈裟の袈裟を長く引きずるように着用した。^{[ 9 ]}

高松塚古墳（紀元686年頃）^{[ 17 ]}は、この時代の上流階級の服装に関する重要な情報源である。この頃には、襖の襟は重なり合うようになっていた（依然として右側が左側の上に重なる）。また、襖と襖の縁にはひらみが付けられ、平身に代わっていた。男性廷臣はかんむり（漆で固めた黒い薄手の帽子）を着用しており、天武天皇11年（紀元684年頃）に規定された。この流行は21世紀まで公式の場で用いられ続けている。^{[ 9 ]}

奈良時代の上流階級の服装は、後の時代のスタイルに比べてはるかに簡素で、着るのに数分しかかからず、動きやすさも考慮されていた。女性の上流階級の服装は、左前重ねの前開きの上着（同様の下着の上に着用）^{[ 10 ]}と、巻きスカート（も） ^{[ 18 ] [ 19 ]}で構成されていた。女性はまた、前開きの上着と細長い長方形のストールを着用することもあった。男性の上流階級の服装は、ゆったりとしたマンダリンカラーのコート（袍）の下に、細身でプリーツのない（一枚仕立ての）袴（ズボン）を着用し、硬く粗く織られた黒い布（かんむり）で作られた凝った帽子をかぶっていた。衣服は細い帯で締められていた。^{[ 18 ]}

奈良時代の女性の服装は、唐王朝時代の中国の影響を強く受けていた。女性は垂領（たりくび）と呼ばれる襟を採用したが、これは現代の着物の襟のように重なり合う襟である。一方、男性は学問と結びついた上領（あげくび） と呼ばれる丸い襟を着続け、後に垂領（たりくび）を採用するようになった。下半身の衣服（袈裟や袴）は、それまで一番外側の上半身の衣服の下に着られていたが、中国の新しい流行に倣い、上半身に着るようになった（これも女性が着るようになったが、男性はまだ着ていなかった）。

西暦718年に養老服法が制定され、典型的な中国のファッションに従い、すべてのローブは前で左から右に留めるように重ね着しなければならないと規定された。^{[ 20 ] : 133–136}中国では右を左に重ね着することは野蛮であると考えられていた。^{[ 10 ]}この着方の慣習は今日でも守られており、右から左に留めるのは故人だけである。^{[ 20 ]}

西暦752年、奈良の東大寺で巨大な青銅製の仏像が盛大な儀式で奉納された。参列者の儀式用の衣服（おそらく全てが日本で作られたものではない）は正宗院に保存されている。^{[ 10 ] [ 21 ]}それらのほとんどは左が右の上に重なるように閉じているが、右が左の上に重なるように隣接または重なっているものもある。襟の形は、細いもの、丸いもの、V字型などがある。職人の衣服は麻（国産の靭皮繊維）で作られており、長い丸襟の外衣が付いている。絹製のより豪華な衣服は、人物や幾何学模様が織り染めされ装飾されており、袖が広がっているものもある。エプロン、袴、レギンス、靴下、靴も保存されている。^{[ 10 ]}

衣服の社会的分離は、主に奈良時代（710～794年）に、上層階級と下層階級の区分を通して顕著に現れた。社会的地位の高い人々は、体の大部分を覆う衣服を着用していた。スヴィトラーナ・リバルコが述べているように、「地位が高ければ高いほど、他人の目に触れる部分は少なくなる」。例えば、長衣は鎖骨から足までの大部分を覆い、袖は指先が隠れるほど長く、女性は扇子を持ち歩いて好奇の視線から身を守っていた。^{[ 22 ]}

平安時代（794～1185年）には、日本は朝廷への使節の派遣を停止した。これにより、衣服を含む中国からの輸入品が皇居に入り、当時の日本の伝統文化の主要な担い手であり、そのような衣服を着用することが許されていた唯一の人々であった上流階級に広まることがなくなった。その結果生じた文化的な空白は、中国の流行とは独立した日本文化の発展を促進した。唐朝の朝廷から取り入れられた要素は、文字通り「国風文化」または「国風文化」として知られるものへと独自に発展し、平安時代の日本文化、特に上流階級の文化を指す用語となった。^{[ 23 ]}

衣服は次第に様式化され、7世紀初頭に男女ともに着用されていた丸首筒袖の春着のような要素は、男女の廷臣によって放棄された。一方、男女ともに着用されていた前巻きのローブのような要素は維持された。女性が着用していた裳のような要素は、規模を縮小して、正式な機会にのみ着用され続けた。^{[ 12 ]}裳は、全体を巻き付けるには狭くなりすぎて、台形のプリーツのトレーンになった。^{[ 24 ]}正装用の袴は、脚よりも長くなり、着用者の後ろに引きずられるようになった。^{[ 19 ]}男性の正装には、上首襟と非常に幅広の袖が採用された。^{[ 10 ]}

身体を隠すという概念は残り、衣服は「悪霊からの保護と社会的地位の外面的表現」の役割を果たすというイデオロギーが示唆された。これは、肉体労働を日常的に行うため衣服が少ないと見なされていた下層階級の人々は、当時の上流階級の人々のように保護されていないという広く信じられていた考えを示唆している。この時期は、日本の伝統的な衣服が西洋世界に紹介された時期でもある。^{[ 6 ]}

平安時代後期には、様々な衣服に関する法令によって女性が着用できる衣服の枚数が制限され、それまで下着と考えられていた小袖が室町時代（1336年～1573年）にはアウターとして着用されるようになった。

元々は袴と合わせて着用されていた小袖は、帯と呼ばれる小さな帯で留めるようになった。^{[ 12 ]}小袖は現代の着物に似ていたが、この頃は袖が後ろで縫い合わされており、身頃よりも幅が狭かった（肩の縫い目から袖口まで）。戦国時代（1467～1615年）／安土桃山時代（1568～1600年）には、小袖の装飾がさらに発展し、大胆なデザインや派手な原色が流行した。この頃には、臥や袴などの下半身の衣服はほとんど着用されなくなり、^{[ 19 ]}全身の模様が見えるようになった。

江戸時代（1603年～1867年）には、日本の文化と経済が著しく発展した。江戸時代の発展において特に重要だったのは、元禄時代初期（1688年～1704年）である。この時代には、「元禄文化」と呼ばれる、富の誇示や芸術への支援の拡大が、衣服を含む多くの芸術形式の発展を促した。元禄文化を牽引したのは、勢力を拡大し、ますます力をつけてきた町人階級であった。町人の衣服は、彼らの経済力の増大を象徴するものであり、貴族や武士階級の衣服に匹敵するほど鮮やかな色彩で、手染めなどの高価な製作技術が用いられた。また、この時代には、それまで盛んだった練り抜きの絹織物（辻が花の製作に使われていた）に代わって、絣津（りんず）が着物の素材として好まれるようになった。^{[ 26 ]}

商人階級の物質的富の増大に対応して、徳川幕府は下層階級に対して多くの奢侈禁止令を発布し、紫や赤の布地、金糸の刺繍、複雑な絞り染めの模様の使用を禁じた。 [ ^{27 ]その}結果、ほとんど日常的な外見を通して富の誇示を重視し優先する「粋」と呼ばれる美的思想が発展し、着物のデザインと着用に関する概念が今日まで大きな影響力を持ち続けている。

この時点以降、男性用と女性用の着物の基本的な形はほぼ変わらなかった。^{[ 12 ]}小袖の袖は、特に未婚女性の間で長くなり始め、帯ははるかに長く幅広くなり、さまざまな結び方が流行し、それを支えるために硬い生地が織られるようになった。^{[ 12 ]}

江戸時代、着物市場は、たんものや付属品を作る職人、卸売業者である通屋、そして小売業者に分かれていた。^{[ 7 ]： 129}

着物（きもん）は「日本の民族衣装」^{[ 1 ]}と呼ばれ、日本の伝統的な衣服の中で最もよく知られているものです。着物は体に巻き付けて着用し、左側を右側に重ねて着ることもあります。常に帯を締め、さまざまな伝統的なアクセサリーや履物と合わせて着用します。^{[ 32 ]}着物は、男性用と女性用で構造や着方が異なります。

徳川時代（1603～1867年）に四身分制度が廃止された後、着物の象徴的な意味は社会階級の反映から自己の反映へと変化し、人々は自分の好みを取り入れ、服装を個性化できるようになった。着物を着る過程は、性別や場面によって、帯の結び方のさまざまな手順や方法に関する詳細な知識が必要となる場合があり、女性の正装用の着物の場合は、着る際に他人の助けが必要になることもある。第二次世界大戦後、着物に興味のある人々に着方やさまざまな結び方を教えるために、着物学校が設立された。^{[ 1 ]}

現代では様々な種類の着物が着用されており、女性の方が男性よりも種類が多い。男性の着物は、生地の選択、家紋の数、そして身に着ける小物によってフォーマル度が異なるのに対し、女性の着物は、生地の選択、装飾様式、仕立て、そして家紋によってフォーマル度が異なる。

着物を着る

着物という言葉は文字通り「着るもの」と訳され、19世紀までは日本で男女問わず着用される主な服装であった。^{[ 33 ]}

伝統的に、着物の着付け（着付けと呼ばれる）の技術は、単に着方を学ぶこととして母から娘へと受け継がれてきましたが、現代では、専門の着物学校で教えられています。^{[ 32 ]}まず、白い綿の靴下である足袋を履きます。[ ^{33 ]次に}、下着を着て、上着と巻きスカートを着ます。^{[ 33 ]}次に、長襦袢（下着の着物）を着て、腰紐で結びます。 [ ^{33 ]最後}に、左側が右側を覆うように着物を着て、1本または2本の腰紐で結び、伊達締めで締めます。そして帯を結びます。着物は常に左側を右側に重ねて着ますが、故人が着る場合は右側を左側に重ねて着ます。^{[ 33 ]}着物を外で着る場合は、伝統的に草履または下駄を履きます。^{[ 33 ]}

女性は、茶道や生け花教室などの伝統芸術に参加する際には、通常着物を着ます。^{[ 28 ]}結婚式では、新郎新婦は何度も衣装を着替えることがよくあります。花嫁は最初は全身白の衣装を着て、その後カラフルな衣装に着替えることもありますが、^{[ 32 ]}新郎は羽生絹で作られた黒い着物を着ます。

男女ともに葬儀用の着物（喪服）は、黒地に五つの紋が入ったシンプルなものですが、葬儀には洋服を着ることもあります。紋が五つ未満のシンプルな黒の着物は、喪服とはみなされません。

成人式である「成人の日」も着物が着られる機会の一つです。^{[ 34 ]}この年中行事では、女性は鮮やかな色の振袖を着用し、首には毛皮のストールを巻くことが多いです。現代において伝統的に着物が着られるその他の機会としては、正月前後、卒業式、そして3歳、5歳、7歳の子どものお祝いである七五三などがあります。

材料

15世紀までは、ほとんどの人が着ていた着物の大部分は麻やリネンでできており、複数の生地を重ねて作られていました。^{[ 35 ]}今日では、着物は絹、絹錦織、絹クレープ（ちりめんなど）、絹織物（琳豆など）で作ることができます。^{[ 35 ]}レーヨン、綿サテン、綿、ポリエステルなどの合成繊維といった、より安価で手入れの簡単な生地で作られた現代の着物は、今日では日本でより広く着用されています。^{[ 35 ]}しかし、絹は依然としてよりフォーマルな着物にとって理想的な生地と考えられています。^{[ 28 ]}

着物は通常、長さが39～43インチ（990～1,090 mm）で、幅が14～15インチ（360～380 mm）の布が8枚あります。^{[ 36 ]}これらの布を縫い合わせて、基本的なT字型を作ります。着物は伝統的に手縫いで​​作られ、その技法は和仕として知られています。^{[ 36 ]}しかし、機械で作られた着物でも、かなりの手縫いが必要です。  

着物は伝統的にたんものと呼ばれる一枚の反物から作られます。^{[ 28 ]}たんものは標準サイズで、反物全体を使って着物を1着作ります。^{[ 28 ]}完成した着物は、身頃を覆う2枚のパネルと袖を形成する2枚のパネルという4つの主要な布地と、細い前身頃と襟を形成する追加の小さな布地で構成されています。^{[ 36 ]}着物の生地は、多くの場合、手作りで装飾されています。

着物は帯と呼ばれる帯で着用しますが、帯にはいくつかの種類があります。かつては帯は比較的しなやかで柔らかく、文字通り着物を留める役割を果たしていました。現代の帯は一般的に硬く、着物は紐と呼ばれる平たい紐を体に巻き付けて留めるようになっています。女性用の帯で最も一般的なのは、最もカジュアルな着物以外なら何でも合わせられる袋帯と、片方の端が細くなって着やすくなっている名古屋帯の2種類です。

浴衣は、春と夏に着用されるカジュアルな着物で、一般的に伝統的な着物よりも安価です。暖かい季節向けに作られているため、浴衣はほとんどの場合、綿でできており、着物の生地よりも軽量で明るい色をしていることが多いです。祭りや桜の見物の際に着用されます。^{[ 37 ]}

袴は、長く幅広のプリーツスカートのような形をしており、一般的に着物の上に着用する正装です。伝統的には、職人、農民、武士など、あらゆる職業の男性が着用するために作られましたが、現在では女性も着用することが社会的に認められています。

帯はベルトに似ており、上着の周りを巻いて重ね着した服をまとめる役割を果たしますが、実際に結び付けるわけではありません。帯は一般的に長方形の長い帯で、様々な装飾や色付けが施され、様々な生地で作られています。現代の帯は、ハリのある、あるいは硬めの織りの生地で作られており、比較的厚手で柔軟性に欠ける場合があります。

草履は、着物に合わせて履くサンダルの一種で、デザインはビーチサンダルに似ていますが、底がより頑丈で、時には緩やかな傾斜のかかとを形成しています。草履は木、革、ビニールで作られ、よりフォーマルなものには、金糸や銀糸で刺繍や織りが施された装飾的なストラップ（花尾と呼ばれる）が付いています。これらの靴は通常、着物の裾でほとんど隠れる白い靴下と一緒に履かれます。下駄は草履に似たサンダルで、雪や土の上で履くために作られており、靴の底に木の柱が付いています。 ^{[ 37 ]}

1881年から、日本の男性は歌にちなんで名付けられた下着の一種である「すててこ」を着用するようになった。ジャパンタイムズの庄司かおり氏は、「ゆったりとした薄手のクレープコットン製の長ズボンのようなもの」と表現するのが最も適切だろうと書いている。 ^{[ 38 ]}当初、男性は着物の下に着用していた。2012年までに、その新しいバリエーションが登場した。庄司氏は、2012年においても、すててこは恥ずかしさを感じさせるものであったにもかかわらず、感情的には夏を象徴するものであったと述べ、1990年代まではより一般的であったと述べている。^{[ 38 ]}

多くのデザイナーが着物を現在のデザインの基盤として用いており、着物の文化的・美的側面から影響を受け、それらを自身の衣服に取り入れている。

イッセイ・ミヤケは、ファッションの境界を越え、衣服の形態を再構築しながら、同時に文化の伝統的な特質を作品に取り入れていることで最もよく知られています。彼はデザインにおいてさまざまなテクニックを探求し、「ドレス」とは何かという議論を巻き起こしました。また、伝統的な価値観に繰り返し挑戦していることから、「ファッション界のピカソ」とも呼ばれています。ミヤケはダンサーと協力し、彼らと彼らのエアロビクスの動きに最適な衣服を作ることに興味を持ち、最終的にはダンサーのために最初に協力したモデルを置き換え、あらゆる階層の人々に恩恵をもたらす衣服を作ることを目指しました。^{[ 5 ]}プリーツとポリエステルジャージーの使用は、実用的な快適さと伸縮性により、現代的なファッションの形態を反映しています。1998年にパリで開催された「イッセイ・ミヤケ：メイキング・シングス」展では、10年以上にわたるミヤケの作品が紹介されました。彼の最も人気のある2つのシリーズは、「プリーツ、プリーズ」と「A-POC（A piece of Cloth）」と題されています。

山本耀司と川久保玲は、デザインとスタイルにおいて類似した趣味を持つ日本のファッションデザイナーであり、その作品は一般の人々から区別しにくいと思われがちである。彼らは社会的な葛藤の影響を受け、その特徴的な作品は日本の戦後時代に開花し、影響を受けた。三宅一生や他の多くのファッションデザイナーと異なる点は、暗い色、特に黒を多用することである。当時の伝統的な衣服にはさまざまな色が使われていたため、彼らの「色の不在」の使用は多くの批評家から意見を表明させ、作品の真正性を批判させた。1983年4月のアメリカ版ヴォーグは、この2人を「アバンギャルドなデザイナー」と評し、それが最終的に彼らの成功と人気につながった。^{[ 5 ]}

日本人は伝統芸術と、簡素さを創造的なデザインへと昇華させる能力でしばしば知られています。ヴァレリー・フォーリーが述べているように、「扇形は波になり、波は山へと変容し、単純な結び目は鳥の翼となり、揺れる半円は平安時代の半分水没した馬車の車輪を象徴する」のです。^{[ 39 ]}これらの芸術形式は布地に転写され、衣服へと形作られます。伝統的な衣服には、金属アップリケ、絹刺繍、糊付けなどの特定の技法が用いられ、それに従って作られます。衣服の製作に使用される布地の種類は、しばしばその人の社会階級を示すものであり、裕福な人々はより質の高い布地で作られた衣服を購入することができました。縫製技術や色彩の組み合わせも、富裕層と庶民を区別するものであり、権力のある人々は華やかで明るい衣服を身に着ける傾向がありました。^{[ 40 ]}

日本のストリートファッションは1990年代に登場し、ファッションデザイナーではなく一般大衆、特に10代の若者によって始められ、普及したという点で伝統的なファッションとは異なっていた。^{[ 41 ]}原宿のロリタ、渋谷の小悪魔アゲハ、ギャルサブカルチャーファッションスタイルなど、東京のさまざまな地域でさまざまな形のストリートファッションが出現した。

ロリータファッションは2000年代半ばに人気を博しました。その特徴は「ペチコートで支えられたベル型の膝丈スカートまたはドレスに、ブラウス、膝丈ソックスまたはストッキング、ヘッドドレスを合わせる」ことです。^{[ 41 ]}ロリータには、カジュアル、スウィート、ゴシック、ブラック、姫（「プリンセス」）など、さまざまなサブスタイルがあります。 ^{[ 42 ]}コギャルまたはコギャルは、渋谷のクラブホステスのルックをベースにした日本のストリートファッションです。このスタイルの女性は、体と顔を濃い茶色に日焼けさせ、肌の暗さと茶色を強調するために薄い口紅をよく使用します。コギャルのトレンドは渋谷と原宿の両方で見られ、「女子高生」ルックの影響を受けており、参加者はしばしば短いスカート、オーバーサイズの膝丈ソックス、キラキラしたアクセサリーを身につけています。^{[ 43 ]}