ファッションデザインの歴史

第一次世界大戦後、ファッションに劇的な変化が起こりました。ボリュームのあるヘアスタイルはショートボブに取って代わられ、長いトレーンのドレスは膝上丈のエプロンドレスに変わりました。コルセットは廃れ、女性は男性の服を借りて男の子のような服装を選ぶようになりました。当初、多くのクチュリエは新しいアンドロジナススタイルを採用することに抵抗がありましたが、1925年頃からは全面的に受け入れるようになりました。バストもウエストも強調されないシルエットが登場し、大胆な着こなしはフェザーボア、刺繍、派手なアクセサリーによって和らげられました。フラッパースタイル（フランスでは「ギャルソンヌ」ルックとして知られる）は若い女性の間で非常に人気になりました。クロッシュハットが広く着用され、ジャン・パトゥやココ・シャネルといったデザイナーがスポーティーでアスレチックなルックを広めたことで、スポーツウェアが男女ともに人気になりました。

偉大なクチュリエール、ココ・シャネルは、当時のファッション界における主要人物であり、そのシックで革新的なデザインだけでなく、魅力的な人柄でも知られていました。シャネルは、ボブヘア、リトルブラックドレス、そして女性服におけるジャージーニットの使用を普及させるのに貢献し、コスチュームジュエリーやニットウェアの地位向上にも尽力しました。

1920年代の著名なフランス人デザイナーには、ジャンヌ・ランバンとジャン・パトゥがいます。帽子職人としてキャリアをスタートさせたジャンヌ・ランバンは、幼い娘マルグリットのために美しい服を作り、その服の複製を求める声が上がるほどでした。ランバンの名前は1901年頃からファッション年鑑に登場しますが、彼女が成功の頂点に達したのは1920年代でした。ランバンのスタイルは、複雑な装飾、まばゆいばかりの刺繍、そして明るく澄んだ花柄のビーズ装飾を巧みに用いた当時の流行を取り入れ、やがてランバンのトレードマークとなりました。1925年までに、ランバンはスポーツウェア、毛皮、ランジェリー、メンズファッション、インテリアデザインなど、さまざまな製品を手掛けるようになりました。彼女のグローバルなファッションへのアプローチは、後に大手ファッションハウスが多様化を図る際に採用することになる戦略を先取りしていました。

ジャン・パトゥのスタイルは決して主流ではなかったが、独創性に溢れ、計算されたシンプルさが特徴で、特にアメリカ市場で高い評価を得た。彼の服の多くは、すっきりとしたライン、幾何学的でキュビスム的なモチーフ、そしてラグジュアリーさと実用性の融合によって、アウトドアライフという新たな流行に応えるべくデザインされ、現代のスポーツウェアと驚くほどよく似ていた。彼のスタイルを最も有名に支持したのは、伝説的なテニスチャンピオン、スザンヌ・ランランであった。

メンズウェアでは、特にアメリカ人の間で、よりカジュアルな雰囲気が高まり、若々しさとリラックス感を強調するファッションが流行しました。かつては、きちんとした紳士はあらゆる行事に特別な服装をしていましたが、1920年代の若者は若々しさを隠そうとせず、一日中同じ柔らかなウールのスーツを着るようになりました。かつての長いジャケットは、フォーマルな場面でのみ着用されるようになり、短いスーツジャケットに取って代わりました。男性は、セーターやニッカーズと呼ばれる短いパンツなど、さまざまなスポーツウェアを着ることができました。イブニングウェアとしては、燕尾服よりも短いタキシードの方がファッショナブルで、燕尾服はやや時代遅れと見なされるようになりました。イギリスの仕立て屋ショルテによって完成された、スリムなライン、ゆったりとした袖、パッド入りの肩が特徴のロンドンカットは非常に人気がありました。

フェアアイル柄は男女問わず非常に人気を博しました。当時、ヒールの高さは2インチを超えることが多く、ツートンカラーの靴の人気を高めるのに貢献しました。サルヴァトーレ・フェラガモとアンドレ・ペルージアは、靴業界で最も影響力があり尊敬されていたデザイナーの2人でした。1920年代には、ルイーズ・ブルックス、グロリア・スワンソン、コリーン・ムーアなど、サイレント映画の多くのスターがファッションに大きな影響を与えました。1920年代の軽快で先進的なファッションは、1929年のウォール街大暴落の後、徐々に衰退し、より保守的なスタイルに取って代わられました。フラッパースタイルは1930年まで続きましたが、その後すぐに姿を消しました。ただし、ベル型の帽子は1933年まで続きました。

1920年代以前は、幼い男の子と女の子の服装は非常に似たスタイルでした。^{[ 8 ]}この10年間には、男の子は青、女の子はピンクという（今日では）「伝統的な」色で区別される子供たちも現れ始めました。

1930年代、大恐慌の影響が人々の間で広がり始めると、多くのデザイナーは危機的な状況下では実験的な試みは控えるべきだと考えるようになりました。ファッションはより妥協的になり、フェミニズムの成果を維持しつつ、繊細で安心感のあるエレガンスと洗練さを再発見しようと努めました。1930年代の衣服は全体的に地味で控えめであり、当時の社会経済情勢の厳しさを反映していました。女性のファッションは、1920年代の大胆で奔放なスタイルから、よりロマンチックでフェミニンなシルエットへと変化しました。ウエストラインが復活し、裾丈は足首近くまで伸び、バストラインが再び評価されるようになり、背中の開いたイブニングドレスや、柔らかく体にフィットするデイドレスが人気を博しました。女性の体型は新古典主義的な形へと再構築され、スリムで引き締まったアスリート体型が流行しました。アウトドア活動の流行は、クチュリエたちに今日でいう「スポーツウェア」の製造を促しました。 「既製服」という言葉はまだ広く使われていなかったが、ブティックではそのような服を「スポーツ用」と表現していた。ボブカットのフラッパーヘアに代わって、1930年代の女性の標準的なヘアスタイルは、控えめなショートパーマだった。

1930年代で最も著名で影響力のあるファッションデザイナーは、エルザ・スキャパレッリとマドレーヌ・ヴィオネの2人でした。エルザ・スキャパレッリは1929年に最初のコレクションを発表し、たちまちマスコミから「当時の稀有な革新者の一人」として称賛されました。スキャパレッリは、刺激的で独創的なデザインで、ファッションに革命を起こしたというより、その基盤を打ち砕きました。彼女がショーウィンドウに初めて展示したプルオーバーはセンセーションを巻き起こしました。黒地にトロンプルイユの白いリボンがあしらわれたニットでした。スキャパレッリはクリスチャン・ベラール、ジャン・コクトー、サルバドール・ダリと親しい友人であり、彼らは彼女のために刺繍のモチーフをデザインし、引き出しをポケットにしたデスクスーツ、靴の形をした帽子、ハエやロブスターが描かれたシルクドレスなどのモデルにインスピレーションを与えました。コレクションが次々と発表されるたびに、パリ中の人々がヴァンドーム広場21番地にある彼女のサロンに押し寄せました。

マドレーヌ・ヴィオネは古代の彫像からインスピレーションを得て、ギリシャ彫刻のフリーズに描かれていても違和感のない、時代を超越した美しいドレスを生み出しました。バイアスカット（生地の縦糸を斜めに切る技法）の女王として、彼女は過剰な装飾やごまかしをすることなく、流れるような優雅なラインで身体にフィットするイブニングドレスを制作しました。シフォン、シルク、モロッコクレープの完璧なドレープは、驚くほど落ち着きがあり、官能的な効果を生み出しました。ヴィオネの比類なきカッティングの成功は、1939年の引退まで彼女の名声を確固たるものにしました。

パリに住み、そこで活動した最初のアメリカ人デザイナーであるメインボッチャーもまた、ヴィオネが先駆者となったバイアスカットを多用した、シンプルながらも極めてエレガントなデザインで影響力を持った。高級品メーカーのエルメスは、ファスナーをはじめとする多くの実用的な革新を普及させたほか、1930年代初頭に手染めのプリントシルクの正方形スカーフの販売を開始した。1930年代後半になると、女性のファッションはエルザ・スキャパレッリの影響もあってか、やや堂々とした肩幅の広いシルエットになった。男性のファッションは、第一次世界大戦終結以来主流だった、カジュアルで実用的なトレンドを継続した。

1930年代頃になると、子供服は大人向けのデザインから大きく乖離し始めました。^{[ 13 ]}この変化の一因として、商人がこの二次市場で収入を増やそうとして子供服の品揃えを拡大し始めたことが挙げられます。また、服飾デザイナーは、子供たちが親の好みに合わせるのではなく、独自の好みを持っているかもしれないと認識し始めました。^{[ 13 ]}女の子の場合、1930年代を通して、極端に短いドレス、パフスリーブ、ピーターパンカラーが引き続き人気でした。^{[ 14 ]}一方、男の子にはセーラー服が人気でした。年長の男の子のファッションは、一般的にフランネルやウールのスーツで構成され、男性のファッションをほぼ模倣していました。

第二次世界大戦中のパリ占領中、メゾン・ヴィオネやメゾン・シャネルなど、多くのファッションハウスが閉鎖された。メインボッチャーをはじめとする数名のデザイナーは、ニューヨーク市に永住した。フランス国家が実施した大規模な道徳的・知的再教育プログラムにおいて、オートクチュールも例外ではなかった。スタイリッシュで自由奔放なパリジェンヌとは対照的に、ヴィシー政権は、新政権の政治的アジェンダにより合致した、たくましく運動能力の高い若い女性、つまり妻であり母であるモデルを推進した。一方、ドイツは高級ファッションを含むフランスの生産物の半分以上を接収し、フランスのオートクチュールをベルリンとウィーンに移転することを検討していた。クチュール組合のアーカイブは押収され、最も重要なのは顧客リストであった。これらすべての目的は、第三帝国の支配を脅かすとされた独占を打破することであった。

困難な時代のため、イブニングウェアとデイウェアの両方で裾が徐々に短くなり、後者は可能な限り代替素材を使用して作られました。1940 年以降、生地は軍人に必要とされ、それ以外の人は配給制となり、コートには 4 メートル (13 フィート) を超える布の使用は許可されず、ブラウスには 1 メートル (3 フィート) 強の使用が許可されました。ベルトの幅は 3 センチメートル (1 1.5 インチ) を超えることはできませんでした。主婦からデザイナーまで、誰もが古い生地を再利用するか、古い衣服から新しいスタイルを作り出すことを余儀なくされました。^{[ 15 ]}オートクチュールは旗を掲げ続けるために最善を尽くしました。ユーモアと軽薄さは、占領勢力に反抗するポップスターの方法となり、クチュールは生き残りました。裕福なナチスの妻たちの後援があったから存続できたのだと主張する人もいるが、記録によれば、通常の裕福なパリジェンヌの他に、外国大使の妻、闇市場の顧客、その他さまざまなサロンの常連客（ドイツ人女性は少数派だった）が、ジャック・ファット、マギー・ルーフ、マルセル・ロシャス、ジャンヌ・ラフォーリー、ニナ・リッチ、マドレーヌ・ヴラマンといったファッションハウスの扉を開け続けてくれたのである。

パーマをかけたヘアスタイルは依然として定番だったが、1940年代には生え際の下部に沿ってボブカットにしたスタイルへと変化していった。

占領時代、女性が贅沢を誇示したり、地味な服装に彩りを添えたりする唯一の方法は、帽子をかぶることだった。この時代、帽子は紙くずや木くずなど、本来なら捨てられてしまうような端切れで作られることが多かった。当時最も革新的な帽子職人には、ポーリーヌ・アダム、シモーヌ・ノーデ、ローズ・ヴァロワ、そしてル・モニエなどがいた。

1940年代のパリの孤立した状況は、アメリカ人が自国のデザイナーの創意工夫と創造性を存分に発揮することを可能にした。第二次世界大戦中、ヴェラ・マックスウェルはシンプルで無地のコーディネートで構成された服を発表し、男性の作業服に革新をもたらした。ボニー・キャシンはブーツを主要なファッションアクセサリーへと変貌させ、1944年には独創的で想像力豊かなスポーツウェアの生産を開始した。クレア・マッカーデル、アン・クライン、そしてキャシンは、アメリカンスポーツウェアの基礎を築いた傑出した女性トリオを形成し、既製服が単なる二番煎じではなく、現代女性がエレガントかつ快適に着こなせる方法であることを確固たるものにした。

戦時中、ズートスーツ（フランスではザズースーツ）は若い男性の間で人気を博した。

リタ・ヘイワース、キャサリン・ヘプバーン、マレーネ・ディートリッヒなど、当時の多くの女優たちは、当時の流行ファッションに大きな影響を与えた。

クチュリエのクリスチャン・ディオールは、 1947年2月に発表した初のコレクションで大きな旋風を巻き起こしました。このコレクションには、胸元を強調したドレス、極端に細い（いわゆる「ワスプ」のような）ウエスト、そして贅沢なほどボリュームのあるスカートが特徴で、ベル・エポックのスタイルに非常によく似た、女性らしい砂時計型のシルエットを際立たせていました。生地をふんだんに使用したデザインと女性らしい優雅さは、戦後の顧客層に受け入れられ、ディオールの急速な成功を確実なものにしました。その洗練されたスタイルは、アメリカ版ハーパーズ・バザー誌の絶大な影響力を持つ編集長、カーメル・スノーを「これが新しいスタイルだ！」と絶賛させたほどでした。

第二次世界大戦と繊維の不足により、子供服のデザインの多くはシンプルで無地のスタイルに戻った。^{[ 16 ]}生地に対する高い需要は1945年の終戦後も続いた。子供服は、国によって異なるが、第二次世界大戦中と戦後も配給制だった。

継続性、支持、論理、そして博識な社会学的予測に真っ向から反して、1950年代のファッションは、革命的で進歩的であるどころか、むしろ前の10年間の要素を多く取り入れた。1920年代と1930年代には進歩を強く信じていた社会全体が、今やはるかに慎重になっていた。女性には投票権、就労権、自家用車の運転権があったにもかかわらず、彼女たちはコルセットでウエストを締め、ふくらはぎの中ほどまで広がるスカートをまとった、豪華な素材のドレスを好んで着た。ファッションが過去に目を向けるにつれ、オートクチュールは一種の復活を遂げ、メディアの急速な成長から莫大な利益を得た数多くのスターデザイナーを生み出した。

1950年代を通して、世界中の女性はパリのオートクチュールのトレンドに引き続き従ったが、それは最後となった。当時のパリのクチュリエの中で最も著名な3人は、クリストバル・バレンシアガ、ユベール・ド・ジバンシィ、ピエール・バルマンであった。質素な贅沢の王子、クリストバル・バレンシアガ・エサグリは1930年代後半にファッション界にデビューした。しかし、この非常に独創的なデザイナーの創造性の真髄が明らかになったのは戦後になってからだった。1951年、彼はシルエットを完全に変革し、肩幅を広げ、ウエストをなくした。1955年にはチュニックドレスをデザインし、それが後に1957年のシュミーズドレスへと発展した。そして最終的に1959年、彼の作品は、着物に似たカットのハイウエストのドレスとコートのエンパイアラインで頂点に達した。彼の生地デザインと製作における卓越した技術は、まさに驚異的だった。バレンシアガはまた、ファッション史において、自らの手でデザイン、裁断、縫製までを手がけた数少ないクチュリエの一人としても特筆すべき存在であり、それは彼の芸術性の頂点を象徴するものだった。

ユベール・ド・ジバンシィは1952年に最初のクチュールハウスをオープンし、自由に組み合わせられるセパレートウェアでセンセーションを巻き起こしました。中でも最も有名だったのは、シャツ生地で作られた「ベッティーナ」ブラウスで、彼のトップモデルにちなんで名付けられました。間もなく、ローマ、チューリッヒ、ブエノスアイレスにブティックがオープンしました。卓越したセンスと鑑識眼を持つ彼は、おそらく同時代のどのデザイナーよりも、控えめなエレガンスを体現する世界において、欠かせない存在だったと言えるでしょう。

ピエール・バルマンは1945年に自身のサロンをオープンしました。1952年以降、「ジョリー・マダム」と名付けられた一連のコレクションで、彼は最大の成功を収めました。バルマンが思い描いたエレガントな装いの女性像は、特にパリのエッセンスが色濃く反映されており、豊かなバスト、細いウエスト、ボリュームのあるスカートが特徴の「ニュー・ルック」の洗練された魅力、卓越したカッティング技術、そして繊細な色の組み合わせによる独創的な生地の組み合わせによって象徴されていました。彼の洗練された顧客は、贅沢なエレガンス、シンプルな仕立て、そしてよりナチュラルなスタイルにも等しく魅力を感じていました。才能あふれる実業家であるバルマンは、オートクチュールの仕事に加え、「フロリレージュ」というプレタポルテのラインを立ち上げ、数々の大ヒット香水も発表しました。

また、注目すべきは、（「ニュー・ルック」を嫌っていた）ココ・シャネルがファッション界に復帰したことである。戦時中にサロンを閉鎖した後、1954年、70歳を過ぎた彼女はカムバックを果たし、2月5日に、世界中の女性に採用され模倣されることになる様々なアイデアを盛り込んだコレクションを発表した。有名な金のチェーンが付いた小さな編み込みスーツ、光沢のあるコスチュームジュエリー、スーツの裏地に合わせた色のシルクブラウス、滑らかなツイード、モノグラム入りのボタン、平らな黒いシルクのリボン、ボーターハット、チェーン付きのキルティングバッグ、そしてシンプルさの極みとも言えるイブニングドレスや毛皮などである。

アメリカ生まれのメインボッチャーは、ハイファッションデザイナーとして活躍する傍ら、軍服や民間制服のデザインも手掛けた。1952年には、女性らしさと機能性を融合させた女性海兵隊の制服をデザインし直した。それ以前にも、1942年にはWAVES（女性海軍予備隊）の制服を、1948年にはガールスカウトUSAとアメリカ赤十字社の制服をデザインしている。

ディオールの「ニュー・ルック」（1947年初登場）は、ガードルや一体型コルセットの人気を復活させた。1950年代初頭、多くのクチュールハウスが「ファンデーションウェア」への関心を利用して独自のラインを立ち上げ、その後すぐに多くのランジェリーメーカーが独自のブランドを構築し始めた。1957年、ジェーン・ラッセルは、ハワード・ヒューズが豊満なシルエットを最大限に引き出すために科学的に設計した「カンチレバー」ブラを着用した。1959年にライクラ（当初は「ファイバーK」と呼ばれていた）が発明されると、下着業界に革命が起こり、ランジェリーのあらゆる面に急速に取り入れられるようになった。

戦後、アメリカンスタイル（広い肩幅、花柄のネクタイ、ストレートレッグのパンツ、襟の長い尖ったシャツ（タックインではなく、襟をはだけて着ることが多かった））はヨーロッパの男性の間で非常に人気を博した。ロンドンのメーカーの中には、伝統主義者にアピールすることを意図したタイトフィットのレトロスタイルを採用し、エドワード朝のエレガンスを男性ファッションに復活させたものもあった。もともとは街の紳士的な若者をターゲットにしたこのスタイルは、テディボーイスタイルとして大衆ファッションに取り入れられた。カラチェーニ、ブリオーニ、チフォネッリによって普及したイタリアンスタイルは、大西洋の両岸で、優雅な若い恋人たちの世代全体に受け入れられた。1950年代の男性ファッションでは、シャツとスーツの両方でチェック柄が非常に一般的で、「ダックテール」ヘアカットも流行したが、これはしばしば十代の反抗の象徴と見なされ、学校では禁止されていた。

1950年代後半には、特に男性ファッションにおいて、よりカジュアルな服装への傾向が全体的に見られた。フェドラ帽やホンブルグ帽、トレンチコートは、1920年代から男性服の定番アイテムであったが、広く着用されなくなった（この傾向は、よりカジュアルなアメリカ西海岸ではすでに数年前から始まっていた）。

ハリウッドのデザイナーたちは、アメリカ映画のスターたちのために独特の華やかさを創り出し、マリリン・モンロー、ローレン・バコール、グレース・ケリーといったスターたちが着た衣装は広く模倣された。量的に言えば、ハリウッド映画で女優が着る衣装は、数千人しか読まない雑誌に掲載されたクチュリエがデザインしたドレスの写真よりもはるかに多くの人々の目に触れることになる。パリのあらゆるスタイルを網羅しようとせずとも、ハリウッドの衣装デザイナーたちは、時代を超越し、着る人を美しく見せ、写真映えする独自のクラシシズムに焦点を当てた。スパンコール、シフォン、毛皮といった一見豪華な素材を用いながらも、服は非常にシンプルなカットで、女優がカメラに背を向けた時にだけ見えるローカットの背中や、ひときわ目を引くアクセサリーなど、印象的なディテールがしばしば盛り込まれていた。 1930年代から1950年代にかけてハリウッドで最も影響力があり尊敬を集めたデザイナーは、エディス・ヘッド、オリー・ケリー、ウィリアム・トラヴィラ、ジャン・ルイ、トラヴィス・バントン、ギルバート・エイドリアンであった。この10年間、女性の普段着はロングコート、小さなベール付きの帽子、革手袋で構成されていた。膝丈のドレスにパールネックレスを合わせたスタイルは、ファーストレディのメイミー・アイゼンハワーによって瞬く間に人気となった。ショートのパーマヘアは、この時代の女性の標準的なヘアスタイルであった。

1970年代末までに、大量生産された既製服は以前よりもはるかに人気が高まり、一般の人々がかつてないほど手軽に流行のスタイルを楽しめるようになった。

1950年代、女の子たちはプードルスカートとそれに合うアクセサリーを紹介され始めた。^{[ 17 ]}プードルスカートはフェルト生地で作られ、大きく揺れ、通常は単色で、生地にデザインが転写されていた。お揃いのアクセサリーには、同じ柄のジュエリー、ハンドバッグ、帽子などがあった。一方、男の子たちは柄物やカラフルな襟付きシャツを着るのが一般的だった。1950年代は、新聞や雑誌などの印刷媒体で服が人気になり始めた時期である。^{[ 18 ]}服と印刷が混ざり合うことで、ファッションのトレンドを世界中にタイムリーに共有するのに役立った。

1960年代まで、パリは世界のファッションの中心地とみなされていました。しかし、1960年から1969年にかけて、ファッションの根本的な構造に劇的な変化が起こりました。1960年代以降、単一の主流となるトレンドやファッションは存在せず、人々の生活のあらゆる側面における様々な影響と密接に結びついた、無数の可能性が生まれるようになりました。経済の繁栄と、独自のティーンエイジャー文化の出現、そしてカウンターカルチャー運動が相まって、ファッションに大きな影響を与えたのです。

30年間続いた保守的な服装スタイルを経て、1960年代には1920年代への回帰とも言える現象が見られ、女性たちはボブカットのヘアスタイルや次第に大胆な服装で、再び子供っぽい印象を装うようになった。1960年代初頭はスカート丈は膝丈だったが、徐々に短くなり、1965年にはミニスカートが登場した。1960年代末にはスカート丈はストッキングの上端をはるかに超えるまでになり、タイツへの移行は必然となった。

ファッションにおける多くの革新的な変化は、ロンドンの街角で生まれました。ミニスカートを世に送り出したことで知られるメアリー・クアントや、伝説的なブティック「ビバ」の創設者であるバーバラ・フラニッキといった才能あふれるデザイナーたちが活躍しました。パリにも、ピエール・カルダン（先見性と巧みなカッティングで知られる）、アンドレ・クレージュ（未来的な衣装とメアリー・クアントと共にミニスカートを世に送り出したことで知られる）、イヴ・サンローラン（革新的でありながらエレガントなファッションで知られる）、エマニュエル・ウンガロ（独創的な色彩と大胆なバロック調のコントラストで知られる）など、新進気鋭の革新的なデザイナーたちがいました。アメリカでは、ルディ・ゲルンライヒ（前衛的で未来的なデザインで知られる）やジェームズ・ガラノス（ラグジュアリーなプレタポルテで知られる）が若い世代に支持されていました。これらの新進気鋭の若手ファッションデザイナーたちの主な販路は、一点物ではないものの、限られたサイズと色で少量生産された服を販売する小さなブティックだった。しかし、すべてのデザイナーがこの新しいスタイルやムードにうまく適応したわけではなかった。1965年、ココ・シャネルは膝を露出するスタイルに抵抗し、バレンシアガは断固として女性らしく保守的なデザインを作り続けた。

当時の基本的な形とスタイルは、シンプルで、すっきりとしていて、すっきりとしていて、カラフルでした。帽子はすでに前の十年で衰退し始めており、特別な機会を除いてほぼ完全に姿を消していました。低めのキトゥンヒールは、スティレットヒールの素敵な代替品でした。ポインテッドトゥは1961年にノミ型のつま先に、1963年にはアーモンドトゥに取って代わられました。フラットブーツも1965年に非常に短いドレスと合わせて人気になり、最終的には脚を上って膝まで届くようになりました。

1960年代には、ボブ、ページボーイカット、ビーハイブなど、さまざまな人気のヘアスタイルが初めて広く普及した。

1960年代に著名で影響力のあるデザイナーとして、エミリオ・プッチとパコ・ラバンヌが挙げられます。エミリオ・プッチのスポーツウェアのデザインと、オプ・アート、サイケデリア、中世の紋章旗からインスピレーションを得たプリントは、上流社会の枠を超えて広く名声を得ました。彼の洗練されたシフトドレス、チュニック、ビーチウェアは「プッチマニア」と呼ばれるブームを巻き起こし、女性の身体を解放するムーブメントの一翼を担い、今日では彼のデザインは1960年代の代名詞となっています。フランシスコ・ラバネダ・クエルボ（後のパコ・ラバンヌ）は1966年に最初のクチュールハウスをオープンし、当初から徹底的にモダンなデザインを生み出しました。彼は従来のドレス素材ではなく、アルミニウム、ロドイド、スクラップメタルから衣服を制作しました。彼のデザインは実験的であると同時に、現代の冒険心あふれる若い女性が着たいと思うものと密接に結びついていました。彼の革新的な作品の中には、幾多の試行錯誤の末、塩化ビニルを型に吹き付けて作られた継ぎ目のないドレスや、紙とナイロン糸で作られた低価格の使い捨てドレスなどがある。ラバンヌはまた、黒人モデルを起用した最初のファッションデザイナーでもあり、そのせいでパリ・オートクチュール組合から解雇されそうになったこともあった。彼の香水「カランドル」の成功は、収益性の低い事業を支えるのに役立ち、彼のユートピア主義は、保守的なオートクチュールの世界において、彼に独自の地位を確固たるものにした。

1960年代のメンズウェアにおける最大の変化は、使用される生地の重さにあった。素材の選択と製造方法の変化により、より軽量なスーツが生まれ、そのシルエットは身体の自然な形に近くなり、全く異なる印象を与えた。これにより、男性は自身の体型をより意識するようになった。ジーンズの普及は、男性のワードローブにおける根本的な変化を加速させた。若い男性は髪を襟元まで伸ばし、シャツに色や花柄のモチーフを取り入れるようになった。ポロシャツはネクタイに取って代わることはなかったが、粗いコーデュロイのワークジャケット、特にマオジャケットの採用は、単なる政治的な表明以上の意味を持った。ピエール・カルダンやアンドレ・クレージュによって未来的な兆しがいくつか見られたが、スリーピーススーツは依然として健在だった。

1960年代初頭には、著名人と一流ファッションデザイナーの影響力のある「パートナーシップ」が数多く存在し、中でもオードリー・ヘプバーンとジバンシィ、ジャッキー・ケネディとオレグ・カッシーニのコラボレーションが最も有名でした。また、ツイッギー、ヴェルーシュカ、ジーン・シュリンプトンなど、多くのモデルがファッションに大きな影響を与えました。1960年代初頭にはキュロットが流行し、 1963年にはビキニがようやく流行しました。 1960年代後半のヒッピーやサイケデリックムーブメントも、ベルボトムジーンズ（イギリスの仕立て屋トミー・ナッターがサヴォイの店でデザインしたもの）、タイダイやバティックの生地、ペイズリー柄など、服装スタイルに大きな影響を与えました。

大人向けのデザインよりも保守的な子供服は、この時代、大人向けの服ほど変化がなかった。女の子には、白いくるぶし丈のソックス、ピーターパンカラー、メリージェーンシューズが引き続き人気だった。^{[ 19 ]}新たに現れ始めたトレンドには、チェック柄や明るい花柄、明るい色、ベビードールドレスなどがあった。女の子のファッションは、タイツや靴などのアクセサリーに関しては、女性のファッションに倣っていた。男の子のファッションには、デニム、チェック柄、コーデュロイパンツ、カフ付きジーンズなどがあった。^{[ 19 ]} 1960年代後半になって初めて、男の子のファッションでは、チェック柄やストライプのブレザーがフォーマルウェアとして使われるようになった。女の子も男の子も、ベルボトムジーンズや「ヒッピー」スタイルなど、大人のファッションに大きく倣うことはなかった。^{[ 19 ]} 1960年代は、子供向け美人コンテストが盛んになった年でもあった。子供向け美人コンテストの創設により、子供のファッションは大人のファッションとは別のデザイン上の関心事として、より注目されるようになった。^{[ 20 ]}

「自分勝手な10年」というニックネームがついた1970年代は、「自分を喜ばせろ」が流行語だった。一部の人々は、これを良識の終焉と捉えた。1970年代は、1960年代後半のヒッピー・ルックの継続から始まり、カフタン、インド風スカーフ、花柄のチュニックなどが流行した。ジーンズはほつれたベルボトムのままで、タイダイは依然として人気があり、ユニセックスファッションが急増した。黒人の公民権を求める大規模な運動とアメリカのソウルミュージックの影響が相まって、アフリカとアフリカ文化へのノスタルジアが生まれた。ジェームス・ブラウン、ダイアナ・ロス、アンジェラ・デイビス、ブラックパンサー党などの影響を受けたラディカル・シックが、アフロヘアからプラットフォームソールまであらゆるものに現れた。1970年代には、ブランドは国際市場でのシェアを大幅に伸ばした。 1974年頃から裾が膝下まで下がり始め、1977年にはふくらはぎの中間あたりまで達し、肩のラインも下がりました。1975年以降は、女性のフェザーカットや男性のスリーピースのレジャースーツなど、「ディスコスタイル」が流行しました。ベルボトムパンツは1970年代を通して人気を保ち続けました。

1970年代のフランスで最も革新的なファッションデザイナーといえば、高田賢三とソニア・リキエルだろう。1970年代のパリファッション界の紛れもないスター、高田賢三は世界中からインスピレーションを得て、西洋と東洋のフォークアートの影響を素晴らしい生き生きとした喜びと若い顧客が何を求めているかを本能的に理解する感覚で融合させた。流れるようなライン、斬新なプリント、巧みなアクセサリー、そしてそれまでの既製服にはなかった華やかさで、彼はファッション界を根底から覆した。ボディラインにフィットするニットの女王、ソニア・リキエルは1974年に初めて縫い目を反転させたプルオーバーをデザインした。しかし、それ以上に、彼女は非常に個性的でありながら、ほとんどどんな場面でも着られる服を数多く生み出した。流れるようなニットウェア、濃い黒色、ラインストーン、長いボアのようなスカーフ、小さなかぎ針編みの帽子などを特徴とするリキエルのスタイルは、アメリカ市場を席巻し、今日に至るまで、多くのアメリカ人にとってリキエルはシャネルの真の後継者とみなされている。

パンクのおかげで、ロンドンはファッションにかなりの影響力を持ち続け、特にキングスロードのブティックでは、 1971年にオープンしたヴィヴィアン・ウエストウッドのブティック「SEX」が時代の風を牽引した。この英国の偶像破壊の殿堂は、フェティシズム的なアクセサリーと、黒いゴムとスチールのスタッズがサディズムの表れである服飾品を中心としていた。本質的にポストモダニズム的で偶像破壊的なパンク運動は、当時の経済不況の経済状況に対する直接的な反応であり、政治的というよりは本能的な憎悪の手段であった。パンクの中心には、無秩序を通して創造するというマニフェストがあった。破れたTシャツ、ネイティブアメリカンのヘアスタイル、ドクターマーチン、ボンデージパンツ、チェーンを身に着けたパンクたちは、世界中に嫌悪感を広めた。

もう一つ人気のあったイギリスのスタイルは、ローラ・アシュレイが広めた、徹底的に現代的ではない、女性らしく田舎風の服で、伝統的な花柄の長いフリルスカートとハイネックのブラウスに、かぎ針編みのショールを合わせたものだった。ローラ・アシュレイは1960年代半ばにウェールズで小さなビジネスを始め、1985年にオーナーが不慮の事故で亡くなるまで会社は拡大を続けた。ローラ・アシュレイだけが過去を懐かしむデザイナーではなかった。1920年代、30年代、40年代、50年代をベースにしたファッションは、10年間を通して人気があり、『ゴッドファーザー』や『華麗なるギャツビー』などのハリウッド映画や、ニューヨークのメトロポリタン美術館での衣装史に関する数々の展覧会がその人気を高めた。日本では、東京のファッショナブルな原宿地区のブティックで、伝統的なイギリスやアメリカのスタイルをアレンジした多くの商品が販売された。

アメリカでは、ファッションの一般的な傾向は簡素化とロングスカートに向かっていたが、多くの女性はミディ丈を老けて見えると感じて否定的な反応を示した。一方、パンツは満場一致で支持された。ジーンズは1970年代にアメリカのファッションシーンで受け入れられたことで最も恩恵を受け、その新たな評価はスポーツウェアのカテゴリーでコレクションに取り入れられたことに由来する。アメリカのプレタポルテの新星たちは、ヨーロッパから学んだ最良のものを巨大なアメリカの衣料産業に適用した。カルバン・クラインとラルフ・ローレンはほぼ同時に無名から台頭し、新しい世界の男性と女性のための服をデザインするという問題に取り組んだ。1970年代のアメリカのファッションでは、2つの相反する動きが支配的だった。一方では、仕立ての良いユニセックスのルックがあり、他方では、1930年代のグラマーを強く感じさせる流動的で非構造的なスタイルがあった。当時最も影響力のあるアメリカ人デザイナー、ロイ・ハルストン・フロウィック（通称ハルストン）は、後者のカテゴリーに属していた。ニューヨークのファッションシーンで名声を得た彼は、特別な日のためのオーダーメイドの衣服と、快適さ、自然さ、リラックス感といった概念を融合させる才能に長けていた。カフタン、シャツブラウス、ジェラバ、超軽量のシフトドレス、そしてショートパンツやワイドパンツの上に着るチュニックなど、彼のデザインは時代を象徴するものであり、 1977年のスタジオ54のオープン後、VIPルームの常連客でもあった。

エレガントで洗練されたカッティングと白黒の使い方で称賛されたジェフリー・ビーンは、彼が最も得意とした徹底的に簡素化されたデザインで成功を収めた。ジャージー、フランネル、ウールで作られた彼のスマートな小さなドレスと仕立ての良いスーツは、アメリカ人女性がアクセサリーをつけすぎるのを防ぐのに役立った。1962年に自身のブランドを立ち上げたビル・ブラスは、顧客が何を求めているかを直接聞くために全米を旅する習慣を身につけた。当時最も人気のあるデザイナーの一人であった彼は、顧客の要望を満たすことに成功しすぎたと言える。彼の規律あるスタイルと職人技は、特にビジネスウーマンや上級幹部の妻たちに好まれた。ベッツィ・ジョンソンは、ブティック「パラフェルナリア」でデザインを始めた。ビニールやメタリックな生地を使用し、ウィット、想像力、独立性を強調することで、彼女は1970年代のニューヨークに前例のない不遜な精神をもたらした。

人気ファッションにおいて、デヴィッド・ボウイやマーク・ボランといったロックミュージシャンが着用したグラムロックスタイルの服は、特にイギリスで大きな影響力を持っていた。デザイナーのエリオ・フィオルッチも、非常に似たスタイルを手がけていた。ミラノにある彼のブティックでは、鮮やかな色のゴム長靴、プラスチック製のデイジーサンダル、フェイクファー、ポップアート風のジャケットなどが販売されていた。

1970年代には、従来「難しい」とされてきた紳士服業界の内装、慣習、顧客層を変えようと、新世代の紳士服ブティックが次々と登場した。1960年代末に若い男性に流行の服を売ることは、多くの人にとって、その男性の男らしさを疑うことと同義だった。1970年代の男性の外見の変化は、それまでの1世紀よりも大きかった。男性の外見に革命を起こした多くのファッションデザイナーは、ピエール・カルダンから多くの革新を学んだ。狭い肩幅、体にフィットするライン、ネクタイなし、芯地なし、ジッパー付きのボイラースーツ、ウエストを絞ったジャケットやチュニック、時にはシャツなし。作業着は、よりカジュアルなスタイルのインスピレーション源となり、デザイナーたちは伝統的なスーツの枠を超えて、例えばユニセックスなスタイルを取り入れたり、大量の古着市場に目を向けたりするようになった。こうした男性のカジュアルな服装は、しばしば「ヒッピー」と非難されるが、意図的なスタイルとして正式に認められることもあった。また、レトロムーブメントの一環として、デザイナーたちは1930年代のエレガンスを復活させたこともあった。カーキ色のアメリカ製軍服、英国風の靴、オックスフォードシャツ、清潔なTシャツ、肩パッド入りのツイードジャケット、鮮やかな色のVネックセーター、首に巻いたカシミヤプリントのスカーフといったアイテムが、1970年代末の男性のカジュアルなビートニクスタイルに一定の統一感をもたらした。

また、この時期に起こったイタリアのファッションの発展も重要である。1970年代を通じて、プレタポルテ産業のおかげで、ミラノは国際的なファッションの中心地としてパリ​​に次ぐ地位を確固たるものにした。「アルタ・モーダ」は、クチュリエのヴァレンティノ、カプッチ、シェーンの拠点であるローマを好んだ。反ファッションの支配的なトレンドを利用して、イタリアはパリのオートクチュールの指示とは全く関係のないグラマーを提供した。明確に定義されたスタイルから利益を得ながら、イタリアのファッションは豪華で着やすいものだった。当時最も影響力のあるイタリアのファッションデザイナーは、おそらくジョルジオ・アルマーニとニーノ・チェルッティだろう。ジョルジオ・アルマーニは1975年に女性向けの最初のコレクションを発表した。当初から、そのラインはダイナミックで都会的、控えめで、アンドロジナスなインスピレーションに基づいていた。アルマーニは、仕事の世界に進出し、その中でますます高い地位を占めるようになった女性の増加層に大いにアピールする、控えめなスタイルを提供しました。これは、1981年にエンポリオ アルマーニが立ち上げられたときに結実する、素晴らしいキャリアの始まりに過ぎませんでした。1957年、ニーノ チェルッティはミラノにメンズウェア ブティック「ヒットマン」をオープンしました。趣味と洞察力に優れた彼は、1976年に女性向けの最初のコレクションを発表しました。2年後、彼は最初の香水を発売しました。成功した実業家としてのキャリアと、質の高いデザイナーとしてのキャリアを結びつけることで、チェルッティはイタリアの既製服において独自の地位を占めました。

1970年代には、子供のファッションは大人のトレンドにより近いものとなった。最も顕著な変化は、性別による服装の区別が薄れたことである。^{[ 21 ]}男女ともに、明るい色のズボン、よりシンプルなTシャツ、ジーンズが流行した。少女のファッションは、この10年の初めには少女がまだミニドレスやスカートを着ていたという点で女性のファッションとは異なっていたが、少年のファッションはカジュアルなスポーツウェアで溢れ始めていた。^{[ 21 ]}

1980年代の社会はもはや消費主義的であると自らを批判するのではなく、むしろ「スペクタクル」に関心を向けていた。この10年間の自己意識的なイメージは、かつてないほど流行の最先端にあったファッション業界にとって非常に好都合だった。ファッションショーはメディアで溢れかえるスペクタクルへと変貌し、頻繁にテレビ放映され、社交界の行事の中でも最優先事項となった。外見はパフォーマンスと結びつき、それは権力への渇望と結びついた、都市部の若い専門職世代にとって極めて重要なものとなった。最新のスタイルを取り入れる男女のあり方はもはや受動的なものではなくなったが、ディスコ音楽は1980年代の始まりとともに急速に人気を失い、それに伴う服装スタイルも衰退していった。1982年までには、1970年代ファッションの最後の痕跡も消え去った。

1980年代には、マレットヘアが男性の定番ヘアスタイルとなり、女性は大きなスクエアカットのパーマが流行したが、男女ともに様々なバリエーションが存在した。ジャンプスーツは女性の服装として人気を博し、男性は細身のネクタイとラップアラウンドサングラスを身につけるようになった。また、80年代にはエアロビクスが流行し、スパンデックスのレギンスやヘッドバンドも流行した。

当時のスタイルを最もよく表した2人のフランス人ファッションデザイナーは、男性とアズディン・アライアでした。演劇での初期のキャリアに強く影響を受けたティエリー・ミュグレーは、丸みを帯びたヒップ、シャープに強調された肩、そして銀河のヒロインをかすかに感じさせるハリウッドレトロとフューチャリズムを組み合わせたファッションデザインを生み出しました。ミュグレーのグラマラスなドレスは大成功を収め、ヒッピー時代とその無造作なシルエットの完全な終焉を意味しました。驚異的な組み合わせで知られるアズディン・アライアは、1980年代の女性のシルエットに大きな影響を与えました。それまでオートクチュールでしか知られていなかったあらゆる種類のテクニックの達人である彼は、スパンデックスやビスコースなどの多くの新しいあまり使われていない素材を実験しました。アライアのルックスの仕上がり、シンプルさ、そして純粋なセクシーさは、あらゆる世代の女性を魅了し、1980年代には一定の栄光を勝ち取り、同業者からも高い評価を得ていた。

また、この時代を象徴するデザインを生み出したデザイナーとしては、クロード・モンタナが挙げられる。彼の堂々とした、肩幅の広いデザインは、しばしば革製で、ティエリー・ミュグレーの未来的な世界観にも違和感なく溶け込むだろう。そしてクリスチャン・ラクロワは、フリルスカート、刺繍入りのコルセット、バッスル、フラメンコのリズムを彷彿とさせる水玉模様のクリノリンで、オートクチュールの世界に衝撃を与えた。

1980年代には、多くの有望な新人がファッション界に登場しました。かつてパトゥで働いていた並外れた技術者は、「​​ハンカチ」ドレスで報道陣と顧客の両方を魅了しました。布の四角いピースで作られたこれらのドレスは、実際に着てみると、見た目よりもはるかに複雑であることがわかりました。1980年代のパリの多くの夜会は、彼のドレスで活気づけられました。彼のドレスはすべて、裁断と縫製を最小限に抑えた、流れるような独創的なスタイルでした。セクシーなストッキングとレースの女王、シャンタル・トーマスは、魅惑的な下着と、ナイトドレスのように見えるイブニングドレス、あるいはその逆で熱狂的なファンを獲得しました。ギー・ポーランは、厳格で簡素で無駄のないルックを提唱した最初のデザイナーの一人でした。彼の服は、古典的なプロポーションで、快適さとシンプルさを追求し、調和のとれたラインは、繊細な色彩と上質な素材によって強調されていました。ジョセフは自身の名義で、クラシックなラインに沿った豪華なニットウェアをデザインし、ニュートラルカラーのゆったりとしたセクシーな衣服を生み出した。ジェットセッターの中でも最もエレガントな人物の一人として長年知られてきたカロリーナ・ヘレラは、1981年に自身のような女性をターゲットにした一連のコレクションを発表し、完璧なカッティングの高品質な服や魅力的なイブニングドレスを特徴とした。

川久保玲や山本耀司といった日本人デザイナーたちは、当時の主流ファッションとは全く異なるスタイルを提案した。フラットシューズ、ノーメイク、控えめさ、慎み深さ、そして秘密主義が、このモダンなスタイルの特徴だった。やがて、ヨーロッパの古代遺跡を再訪したこれらのファッション界のアナーキストたちは、過去のファッションの要素を取り入れるようになり、20世紀末の衣服のフォルムに与えた影響は伝説となった。

アメリカのファッション界では、ドナ・キャランの魅惑的で体にフィットするスタイルと、ラルフ・ローレンのさりげない洗練さが非常に大きな影響力を持っていた。ニューヨークの社交界のスターであるドナ・キャランは、アメリカの既製服を席巻していた、厳格で落ち着いた色合いのカジュアルなスタイルに、非常に個人的でフェミニンなアプローチをもたらした。1984年に自身のレーベルを立ち上げた彼女のデザインは、控えめな高級感を高く評価するアクティブな都会の女性たちの間で瞬く間に人気を博した。1971年、ラルフ・ローレンはビバリーヒルズに男女兼用のブティックをオープンした。平均的なアメリカ人が購入できる価格帯で彼の貴族的なスタイルはセンセーションを巻き起こした。あらゆる前衛的なファッションに直面していたエリート層にとって、それは活動的な生活に取り入れられたクラシックなスタイルを支持する拠り所となった。アメリカの既製服のトップブランドであるローレンは、スポーツウェアやジーンズでも同様に成功を収め、可能な限り幅広い社会階層と年齢層にアプローチすることができた。

アメリカンスポーツウェアの新潮流の成功の中心となったのは、 1978年に設立されたペリー・エリス・レーベルで、ベーシックなアイテムにエレガントなバリエーションを加え、色と天然繊維を巧みに活用した。ノーマ・カマリは、スウェットシャツ、レオタード、ヘッドバンド、レッグウォーマーで作ったミニスカートで、ジョギングをファッショナブルに見せた。カマリはまた、人気の「ララスカート」も生み出した。1980年代にストリートで絶大な人気を博したアディダス・スポーツ・レーベルも特筆すべき存在で、ヒップホップグループのランDMCが1986年にシングル「マイ・アディダス」をリリースするきっかけとなった。伝説的な靴デザイナー、マノロ・ブラニクも1980年代に名声を博した。

80年代に花開いた数々のトレンドは、1990年代初頭に始まった経済不況によって抑制され、ファッション業界にとって非常に有利だった楽観的なムードはほぼ完全に失われてしまった。

1980年代には、男の子にも女の子にも鮮やかな色が人気でした。^{[ 17 ]}大胆な色は、それ以前の数十年間からの脱却であり、ポップカルチャーのトレンドに追随したものと説明されています。^{[ 22 ]}マドンナやマイケル・ジャクソンなどの有名人は、服に大胆な色を取り入れていることで知られていました。子供のファッションは、一般的に、ゆったりとしたセーターやアシッドストーンウォッシュジーンズなど、10代や大人のスタイルに倣っていました。1980年代はまた、子供や10代の若者が自分の服を購入することが社会的に受け入れられるようになった時代でもありました。^{[ 23 ]}

1990年代には、流行に盲目的に従うことはもはや当たり前ではなくなり、1970年代や1980年代の流行を極めた時代とは対照的になった。薄着への恐怖はついに完全に取って代わられ、今度は着飾りすぎることへの恐怖が台頭した。1990年代のファッションは、ミニマリズムという新たな基準を中心に統一され、極めてシンプルなスタイルが流行となった。数人のデザイナーが美しいドレスの旗を掲げようと努力したにもかかわらず、1990年代末には、派手な装飾品という概念は事実上消滅した。製品のスタイリングだけでなく、メディアでのプロモーションも、その成功とイメージにとって極めて重要になった。1990年代の経済的圧力は、新進デザイナーの育成に壊滅的な影響を与え、より確立されたデザイナーが享受していた自主性を低下させた。

20世紀末のファッションは、それまでファッション界が取り上げてこなかったテーマに挑みました。これらのテーマには、レイプ、障害、宗教的暴力、死、身体改造などが含まれます。1980年代のグラマラスなファム・ファタールをターゲットにしたセクシーなスタイルから劇的に離れ、多くのデザイナーは、ロマンチックな貧困というビジョンに魅せられ、貧乏な少女のスタイルを採用しました。彼女たちは、化粧をしていない顔に、簡素でひねくれた、どこか物悲しい色調の服を着ていました。ギャップ、バナナ・リパブリック、エディー・バウアーといった既製服小売店の服がファッション界の最前線に立ち、単に快適で着やすい服を求める女性たちのニーズに応えることに成功しました。 1960年代と1970年代にインスパイアされたレトロな服は、1990年代の大部分で人気を博しました。

有名なイタリアのファッションハウス、グッチは1921年にグッチオ・グッチによって設立され、当初は高級皮革製品を販売する会社でした。グッチオ・グッチの子供たちの時代には、1960年代末までにブランドはラテンの華やかさを特徴とする数多くの製品へと拡大しました。しかし、グッチが現在のような成功を収めるようになったのは、1990年代にグッチの相続人が経営権をインベスト・コーポレーションに譲渡し、同社が事業の立て直しを図った時でした。1994年に無名のデザイナー、トム・フォードをデザインディレクターに迎えたことで、グッチは大きな名声を得ました。フォードは、シックで衝撃的なコレクション、男女兼用の香水、改装されたブティック、そして広告キャンペーンで大きな波を起こしたのです。1998年、グッチは欧州ビジネスプレス連盟から「欧州年間最優秀企業」に選ばれました。^{[ 24 ]}現在、 BusinessWeek誌によると、2006年には全世界で70億米ドルの収益を上げ、世界で2番目に売れているファッションブランド（LVMHに次ぐ）となっている。^{[ 25 ]} 

1990年代、デザイナーブランドのプラダはファッション業界において真の創造力を発揮する存在となった。ミラノに拠点を置くこの会社は、グッチの2年後の1923年に設立され、グッチと同様に高品質の靴と革製品を販売する企業だった。創業者の姪であるミウッチャ・プラダがプレタポルテの生産を開始したのは1980年代になってからのことで、彼女は控えめで洗練された、それでいて紛れもなくラグジュアリーなスタイルで名声を確立した。そのスタイルは、派手な贅沢よりも控えめな装いを好む裕福な若い女性たちのニーズに応えたものだった。

アメリカでは、当時最も影響力のあるファッションデザイナーはマイケル・コース、マーク・ジェイコブス、カルバン・クラインの3人でした。マイケル・コースは1980年に自身の会社を設立しました。しかし、デザイナーとしての人気がピークに達したのは1990年代になってからです。トレンドに対する知識と意識の高さから、シンプルで仕立ての良い服を制作することができ、その洗練されたエレガンスは、ミニマリストシックという新しい流行に惹かれた、まったく新しいタイプの裕福なアメリカ人顧客を魅了しました。マーク・ジェイコブスは、過去の多くのアメリカ人ファッションデザイナーとは異なり、大量生産の服のコーディネーターというよりは、ヨーロッパ的な意味でのデザイナーであったという点で、この時代の最も注目すべきアメリカ人デザイナーの1人です。当時ファッション業界で最も有望な才能の一人であった彼は、1990年代後半にLVMH（ルイ・ヴィトン・モエ・ヘネシー）グループから、高級旅行鞄専門店のルイ・ヴィトンの製品を補完する既製服ラインのデザインを依頼された。世界市場のグローバル化をいち早く予見したファッションデザイナーの一人である、すでに有名だったデザイナーのカルバン・クラインは、アメリカ全土だけでなくヨーロッパやアジアでもファッション、香水、アクセサリーの販売を開始し、比類のない成功を収めた。優れた芸術監督であるクラインは、エロティシズムを帯びたイメージを含む綿密に構成された広告を使用して、洗練された機能的な大量生産デザインを宣伝し、1990年代の都市部の若者の間で絶大な人気を獲得した。

1980年代に初めて登場し、1990年代に頭角を現した「アントワープ・シックス」（全員がアントワープ王立美術アカデミーの卒業生であることからそう呼ばれた）として知られるデザイナー集団。このグループの中で最も影響力があったのは、アン・ドゥムルメステール、ドリス・ヴァン・ノッテン、ウォルター・ヴァン・ベイレンドンクの3人である。アン・ドゥムルメステールは、1991年のデビューコレクションから、自信と独創性に溢れていた。控えめなスタイルを好む彼女は、矛盾を基盤にデザインを構築し、流麗で洗練されたファッションに対照的な要素を取り入れ、何よりもまず自分自身を喜ばせるために服を着る女性たちにアピールした。ドリス・ヴァン・ノッテンの作品は、テーラリングの確かな技術を基盤としており、若いデザイナーはそこに非常に個性的なスタイルでさりげないファンタジーのタッチを加えた。古典的でありながら独創的な彼のファッションは、流行に盲目的に従うよりも個性を表現することを好む人々にアピールした。1995年にファッション界に彗星のごとく現れたウォルター・ヴァン・ベイレンドンクは、自身のレーベルW & LT（Wild and Lethal Trash）で明らかに未来的なデザインを生み出した。最新技術で開発された生地を意図的に使用し、激しく対照的な色使いで、エロティックでサディスティックな要素と、辛辣な思春期のユーモアが散りばめられた服を作り出した。彼の非常に独特なアプローチは、反ファッションの復活に関連しているが、今回は民族的な要素が全くない反ファッションであり、代わりにSFが、このような大胆な挑発の表現のインスピレーションの源となっている。

イタリアでは、ジャンニ・ヴェルサーチが華麗でセクシーかつカラフルなデザインで、ドルチェ＆ガッバーナが超フェミニンで幻想的なスタイルで、1990年代の大部分を支配していた真面目で堅苦しいファッションから脱却した。イギリス人デザイナーのヴィヴィアン・ウエストウッドは、1990年代初頭に影響力のある人気コレクションを数多く発表し、丸みを帯びたヒップ、コルセット、プラットフォームヒールなど、 18世紀の高級娼婦やマルキ・ド・サドにインスパイアされた衣装を披露した。ロンドンを拠点とするデザイナー、リファット・オズベックも人気があり、特にニューヨークとミラノで人気を博した。インド、アフリカ、そして彼の故郷トルコへのオマージュと歴史的な衣装への巧みな解釈をミックスした彼の若々しいスタイルは、当時の最もヒップなナイトクラブや、より過激なストリートファッションを彷彿とさせた。ラップミュージックは、1990年代前半から中頃にかけて、ポピュラーファッションとストリートファッションに大きな影響を与えた。ヒップホップのファンは、アメリカの刑務所で着用されているような、大きくてゆったりとしたジーンズに、派手な柄のシャツと重たい黒い靴を合わせるスタイルを取り入れた。スポーツブランドのナイキは絶大な人気を博し、ライクラやスパンデックスなどの素材がスポーツウェアにますます多く使われるようになった。環境意識と動物愛護の高まりを受けて、シャネルのような一流のクチュールハウスでさえ、フェイクファーや天然繊維をコレクションに取り入れるようになった。

1990年代、男の子の間では、ゆったりとしたジーンズ、ルーズなシャツ、重ね着が人気でした。女の子のファッションデザインは男の子のものと似ていましたが、フランネルやジーンズの種類がより豊富でした。^{[ 26 ]}男の子も女の子も、大人の影響を受けたスタイルを持っていました。例えば、スポーツウェアとカジュアルウェアを組み合わせたスタイルは、あらゆる年齢層で流行していました。

2000年代の子供服は、ディズニーやニコロデオンといった企業の影響やインスピレーションを受けることがありました。^{[ 28 ]}鮮やかな色使いと柄物の服が、女の子やティーンエイジャーの間で非常に人気になりました。一方、男の子やティーンエイジャーは、ポロシャツやグラフィックTシャツにカーキ色のパンツ、ゆったりとしたジーンズ、カーゴショーツを合わせるのが多かったようです。この10年の後半には、シャツの重ね着がより人気になりました。^{[ 28 ]}ある研究によると、子供たちは大人やティーンエイジャーの服装に注目し、その服がフォーマルかカジュアルかを判断することができたそうです。^{[ 29 ]}

2010年代は、他のどの年代よりも劇的にファッションが変化した時代であり、これは子供のインフルエンサーという概念によるものです。^{[ 37 ]}ノース・ウェストやブルー・アイヴィーのような子供のインフルエンサーは、グッチ、ポロ・ラルフ・ローレン、フェンディなどの大手ブランドに子供服ラインを立ち上げるきっかけを与えました。子供服は男女問わず大人のファッションを広く模倣し、多くの場合、非常に忠実に再現しました。既製服も、Sheinのようなファストファッション企業のおかげで非常に人気が高まっています。^{[ 38 ]}

2020年代はまだ終わっていないが、子供服のファッションは依然として2010年代のファッションとよく似ている。^{[ 49 ]}しかし、現時点で分かっているのは、子供インフルエンサーの数が増え、世界中の子供たちにインスピレーションを広めているということである。さらに、子供服に使用される繊維は、大人のファッションかインフルエンサーのファッションに密接に追随する傾向がある。^{[ 49 ]} 10代のファッションでは、トレンドはわずか数ヶ月で現れては消えていくように見える。