スコットランド劇場

中世スコットランドには、おそらく独自の神秘劇があり、職人ギルドによって上演されることが多かった。例えば、 1440年と1445年にアバディーンで上演されたludi de ly halibludeと呼ばれる劇があり、おそらく聖体祭に関連していたと思われるが、テキストは現存していない。^{[ 2 ]}現代まで残っている伝統の1つは、アメリカの「トリック・オア・トリート」の祖先である「仮装」である。これは、子供たちが新年やハロウィーンに仮装し、報酬のために歌や芸を披露することであった。^{[ 3 ]}シェトランド諸島のバイキングの遺産に訴える祭りであるUp-helly-aaは、1870年代のロマン主義復興の一環として、仮装、タール樽詰め、その他の活動の「いたずら」から現代の形になった。^{[ 4 ]}民俗劇に対する法律は 1555 年に制定され、典礼劇 (「聖職者劇または正典に基づく喜劇」) に対する法律は 1575 年にスコットランド教会の総会によって制定された。^{[ 5 ]}しかし、民俗劇を禁止しようとする試みは、かつて考えられていたよりも寛大に適用され、成功しなかった。民俗劇は 17 世紀まで続き、1605 年にアバディーンの教区民が結婚式やクリスマスに鐘を鳴らして街を行進したり踊ったりしたことで叱責され、1611年にケルソーでロビン フッドとメイの劇が、1634 年にパースでクリスマスの仮装が叱責された。^{[ 6 ]}教会はまた、特に学校での劇がそれ自体の目的を果たす場合には、いくつかの劇を許可した。1574 年にセント アンドリュースで許可された放蕩息子の喜劇がその例である。^{[ 6 ]}

ジェームズ・ウェダーバーンは、1540 年頃にスコットランド語で反カトリックの悲劇や喜劇を書いたと記録されているが、その後亡命を余儀なくされた。これには、ダンディーで上演された『洗礼者ヨハネの斬首』や『ティラオンヌスのディオニュシウスの物語』が含まれる。 ^{[ 7 ]}外交官でライオン宮廷の長であったデイヴィッド・リンゼイ（1486 年頃 - 1555 年）は、多作な詩人であり劇作家であった。彼は、1540 年にリンリスゴー宮殿で国王と王妃のために幕間劇を上演したが、これは彼の戯曲『三人の不死』の別バージョンと考えられており、教会と国家の腐敗を風刺したもので、宗教改革以前に現存する唯一の完全な戯曲である。^{[ 8 ]} 1557年、 摂政女王メアリー・オブ・ギーズの前で「神々の威風堂々」が上演された。 ^{[ 9 ]} 1562年2月、後にモレー伯となるジェームズ・スチュアート卿とマリシャル伯の長女アグネス・キースの結婚を祝して、ホリールード宮殿で仮面劇が上演された。 ^{[ 10 ]}

ジョージ・ブキャナン（1506–82）は、 『ジェフェトとバプティスト』などの戯曲で大陸の演劇に大きな影響を与え、ピエール・コルネイユやジャン・ラシーヌ、そして彼らを通してフランス演劇の新古典主義の伝統に影響を与えたが、スコットランドにおける彼の影響力は、彼が媒体としてラテン語を選んだために限定的であった。^{[ 11 ]} 1566年12月にスターリング城で行われたジェームズ王子の洗礼を祝うために上演された娯楽の中には、ブキャナンの仮面劇とバスティアン・パジェが考案・演出した壮大な火劇があった。 ^{[ 12 ]} 1594年8月には、ヘンリー王子の洗礼を祝うために、スターリング城で別の凝った仮面劇が上演された。^{[ 13 ]}作者不明の『劇の泣き方の様式』（1568年以前）^{[ 14 ]}と『フィロタス』（1603年にロンドンで出版）は、現存する戯曲の孤立した例である。後者はスコットランドの口語で書かれた喜劇で、おそらくスコットランド女王メアリーかジェームズ6世の宮廷で上演するために作られたものと思われる。^{[ 15 ]}筋書きは好色な80代の老人が10代の少女を追いかけるというもので、ジェイミー・リード＝バクスターは、これは1567年1月にメアリーの国務長官ウィリアム・メイトランド・オブ・レシントンが、はるかに年下の侍女メアリー・フレミングと結婚したことを風刺したものかもしれないと示唆している。 ^{[ 16 ]}

ジェームズ・スチュアート、初代ドゥーン卿を含む著名な廷臣の結婚式で行われた宮廷仮面劇の衣装は、衣装係のセルヴェ・ド・コンデが管理していた。^{[ 17 ]} 1562年にキャンベル城で行われた仮面劇では、廷臣たちが羊飼いの格好をした。 ^{[ 18 ]}ジェームズ6世とその妻デンマークのアンは自ら衣装を着て仮面劇に参加した。^{[ 19 ]}これらの公演は通常、音楽、ダンス、変装を伴うものであった。^{[ 20 ]}

1598 年 7 月、エディンバラ高等学校の生徒たちが劇を上演した。教皇、2 人の枢機卿、数人の修道士の役柄のために衣装が作られた。学校で舞台または足場が作られ、ハイ トルブースに建てられた。上演後、衣装は貧しい人々に寄付された。^{[ 21 ]}この時期に発展したプロの俳優と劇場のイギリスのシステムはスコットランドにはなかったが、ジェームズ 6 世は、ローレンス フレッチャーとマーティン スレーターが率いるイギリスの俳優の劇団に劇場を建てて 1599 年に上演させることで、演劇への関心を示した。 ^{[ 22 ]}

1603年にジェームズ6世がイングランド王位を継承した際に王室が消滅したことで、スコットランドで演劇が存続するのに苦労した教会の演劇嫌いに対抗する勢力がなくなった。 ^{[ 23 ]}しかし、演劇は完全に消滅したわけではない。この時期に現存する戯曲には、ウィリアム・アレクサンダーが1603年に国王と共にイングランドへ出発する直前に書いた『君主悲劇』がある。これらは君主への助言の伝統に則った書斎劇であり、^{[ 24 ]} 上演よりも読むことを目的としたもので、すでにアレクサンダーがスコットランド語よりも南部英語を好んでいたことを示している。^{[ 15 ]}

1603年から1660年までの期間に演劇があったという証拠はほとんどない。王政復古後、スコットランド演劇を復活させようとする試みがいくつかあった。1663年、エディンバラの弁護士ウィリアム・クラークは、長年の内戦の後、フィレンツェで正統な王朝が復興したことを題材にした劇『マルシアーノ、あるいは発見』を書いた。これは、議会高等弁務官ジョン・レスリー、ロス伯爵の前で、ホリールード宮殿のテニスコート劇場で上演された。^{[ 25 ]}トーマス・シドサーフの『タルゴの策略、あるいはコーヒーハウス』は、1667年にロンドンで初演され、翌年にはエディンバラで上演され、スペイン喜劇から着想を得ていた。^{[ 26 ]}シドサーフは1667年からテニスコート劇場の支配人でもあり、エディンバラのキャノンゲートで劇団を運営していた。演目はロンドンのものに倣い、タルゴの『策略』以降、スコットランドの新作は上演されなかった。アルバニー公爵は、ホリールードで委員を務めていた際に、劇団を連れてきた。また、アイルランドの役者グループも加わり、彼らは自分たちの衣装を持参した。彼は宮廷仮面劇やテニスコート劇場での演劇シーズンを奨励し、そのうちの1つには後のアン女王となるアン王女が登場した。 ^{[ 27 ]}シドサーフの親戚で医師のアーチボルド・ピトケアン（1652年 - 1713年）は、長老派教会の道徳を風刺した猥雑な作品『集会、あるいはスコットランドの宗教改革』（1692年）を執筆した。これは原稿として流通していたが、1722年まで出版されず、ジャコバイト主義とプロの演劇との結びつきを強固にし、プロの劇場の創設を阻害した。^{[ 28 ]}

主要人物：アラン・ラムゼイ、ジョアンナ・ベイリー、ジョン・ホーム、キャサリン・トロッター、ニューバーグ・ハミルトン、ジェームズ・トンプソン、デイビッド・マレット

主な戯曲：エウリュディケ、致命的な友情、失われた愛、流行の求愛、一目惚れ、ペチコートの策略家、恋人たち、ソフォニスバ、アガメムノン、タンクリドとシギスムダ、アルフレッドの仮面劇

ロンドンでは、スコットランド人の両親のもとロンドンで生まれ、後にアバディーンに移住したキャサリン・トロッター（1679-1749）のようなスコットランド人劇作家が演劇を追求した。彼女の戯曲には、韻文悲劇『致命的な友情』 （1698年）、喜劇『失われた恋』（1700年）、歴史劇『スウェーデン革命』（1706年）などがある。デイヴィッド・クロフォード（1665-1726）の戯曲には、王政復古期の喜劇『流行の求愛』 （1700年）と『一目惚れ』（1704年）がある。これらの戯曲は、しばしば道化師のような振る舞いをしながらも、狡猾で忠実な舞台上のスコットランド人のキャラクターを確立した。スコットランド系の血を引くアイルランド生まれのニューバーグ・ハミルトン（1691-1761）は、喜劇『ペチコートの策略家』 （1712年）と『恋人たち、あるいは放蕩者』 （1715年）を制作した。彼は後に、ジョン・ミルトンの『サムソン・アゴニステス』に忠実に基づいたヘンデルの『サムソン』 （1743年）の台本を書いた。ジェームズ・トンプソンの戯曲は、公務と私的な感情の葛藤を扱ったものが多く、『ソフォニスバ』（1730年）、『アガメムノン』（1738年）、『タンクリッドとシギスムダ』（1745年）などがあり、最後の作品は国際的に成功を収めた。デイヴィッド・マレット（1705年頃～1765年）の『エウリュディケ』（1731年）は、暗号めいたジャコバイト劇だと非難され、彼の後期の作品はウォルポール政権への反対を示している。オペラ『アルフレッドの仮面』 （1740年）は、トンプソン、マレット、作曲家トーマス・アーンの共同作品で、トンプソンは彼の最も有名な作品である愛国歌『ルール・ブリタニア！』の歌詞を提供した。^{[ 29 ]}

スコットランドでは、公演は主に巡回俳優による公演に限られており、彼らは教会から敵意を向けられていた。^{[ 30 ]} 1727年11月、エディンバラ市議会は舞台劇を非難した。^{[ 31 ]}民事裁判所は治安判事の訴えを覆したが、ロバート・ウッドロー牧師は演劇を「怠惰、放蕩、罪の温床」と非難した。^{[ 31 ]}当時のパンフレットでは、俳優を「地獄が吐き出した最も放蕩な悪党と最も卑劣な害虫…地球の汚物とゴミ、人間の本性の汚物と汚れ、全人類の排泄物と残滓」と表現した。^{[ 31 ]} 1729年、演劇娯楽のために結成されたスコットランド喜劇団は閉鎖を余儀なくされた。^{[ 31 ]}エディンバラ劇団は、王室特許の保護の下、ダンディー、モントローズ、アバディーンで公演を行い、エディンバラのテイラーズ・ホールで定期的に公演を行うことができた。^{[ 30 ]} 1727年、アラン・ラムゼイは『演劇娯楽擁護のためのいくつかのヒント』を執筆した。^{[ 31 ]}ラムゼイは、エディンバラのカルバーズ・クローズにある小さな劇場に劇団を設立するのに尽力したが、^{[ 32 ]} 1737年の免許法の可決により、劇団の活動は違法となり、劇場はすぐに閉鎖された。^{[ 33 ]} 1739年、エディンバラ長老会は『マクベス』の公演を中止させた。^{[ 31 ]} 1747年、ラムゼイと彼の支持者たちは、エディンバラ長老会の影響を受けないキャノンゲート地区の現在のオールド・プレイハウス・クローズに新しい劇場を開設した。^{[ 34 ]} 1752年、グラスゴー初の劇場は、ジョージ・ホワイトフィールドが「悪魔の家」だと苦情を言った直後に焼失した。^{[ 35 ]}ダンディーとパースはより寛容だったようだ。ダンディーは1734年に劇団を結成したが、1784年にダンディー市議会はエディンバラの劇団の入場を阻止した。^{[ 35 ]}パースはこのような検閲を受けなかったようだが、劇場が本格的に上演されるようになったのは1780年になってからだった。^{[ 35 ]}アバディーンの劇場も1745年と1751年に聖職者によって閉鎖された。^{[ 35 ]}1747年にエディンバラのキャノンゲートに新しい劇場がオープンし、1760年代まで無許可で営業していた。^{[ 32 ]}

18 世紀後半には、多くの戯曲が小規模なアマチュア劇団のために書かれ、上演されたが、出版されなかったため、ほとんどが失われてしまった。世紀末には、上演よりも読むことを主目的とした「クローゼット ドラマ」があり、ジェームズ ホッグ(1770–1835)、ジョン ガルト(1779–1839)、ジョアンナ ベイリー(1762–1851) の作品などがあり、バラッドの伝統やゴシックロマン主義の影響を受けていることが多かった。^{[ 36 ]}ジョン ホームによるブランク ヴァースの悲劇『ダグラス』は、1756 年にエディンバラで初演された。この劇は、スコットランドとイングランドの両方で数十年にわたり大きな成功を収め、エドマンド キーンなど、この劇でデビューした当時の著名な俳優を数多く惹きつけた。 ^{[ 37 ]}ペグ ウォフィントンはレディ ランドルフを演じ、この役は後にサラ シドンズによって演じられた。第2幕の冒頭のセリフ「私の名はノーヴァル。グランピアン丘陵で…」はおそらく最もよく知られている。また、ジェームズ・マクファーソンのオシアン・サイクルにつながったとも言える。^{[ 38 ] [ 39 ]}ホームはダグラスのことで教会当局から執拗に追及された。ダグラスのロンドンでの成功に加え、この迫害がホームをロンドンの舞台で執筆させる動機となり、一部の人々が期待していたスコットランド国立劇場の設立を阻んだのかもしれない。^{[ 38 ]} 1783年、ジョン・ローガンの悲劇『ランナミード』がエディンバラ劇場で上演された。この作品は、主題の自由を強調することで当時の政治を反映していた。^{[ 40 ] [ 41 ]}この作品は、イングランドのジョンとイギリスのジョージ3世との間に明確な類似点を見出しており、そのため宮内長官の検閲によりロンドンの舞台での上演が阻止されていた。^{[ 42 ]}ウォルター・スコットは後に、アイヴァンホーで描かれたサクソン人とノルマン人の対比のアイデアは、劇場の両側に（時代錯誤的な）サクソン人とノルマン人の男爵を配置したランナメードの演出から着想を得たと書いている。 ^{[ 43 ] [ 44 ]}

ジョアンナ・ベイリー（1762-1851）の作品も重要だった。彼女の作品は生涯の大半において上演よりも印刷物として匿名で発表されることが多かったが、スコットランドを代表する劇作家の一人として頭角を現した。ベイリーの『情熱劇集』第1巻は1798年に出版され、愛の悲劇『バジル伯爵』 、愛の喜劇『裁判』、憎悪の悲劇『ド・モンフォール』が収録されている。『ド・モンフォール』は、彼女の正体が明らかになり、女性劇作家に対する偏見が彼女のキャリアに影響を与え始める前に、ロンドンのドルリー・レーン劇場で成功裏に上演された。 ^{[ 45 ]}

主要人物

19世紀後半にはスコットランドのミュージックホールが最盛期を迎えたが、同世紀前半には、特にウォルター・スコットの小説など、歴史的素材を題材にした作品が数多く上演された。スコットは演劇に強い関心を持ち、エディンバラ王立劇場の株主となった。^{[ 46 ]}ベイリーのハイランド地方をテーマにした『ファミリー・レジェンド』は、スコットランドの国民的演劇を刺激するという意図的な試みの一環として、スコットの協力を得て1810年にエディンバラで初演された。^{[ 47 ]}スコットはまた、5つの戯曲を執筆しており、そのうち『ハリドン・ヒル』（1822年）と『マクダフの十字架』（1822年）は愛国的なスコットランドの歴史劇である。^{[ 48 ]}ウェイヴァリー小説の翻案作品は、主に大規模な特許劇場ではなく小規模劇場で最初に上演され、『湖上の淑女』（1817 年）、『ミッドロージアンの心』（1819/1820 年）、『ロブ・ロイ』などがあり、この時期にスコットランドで 1,000 回以上上演された。また、『ガイ・マニング』（1817 年）、『ラマームーアの花嫁』、『古物商』 （1820 年）、『ウェイヴァリー』（1823 年） 、 『修道院長』も舞台化された。これらの非常に人気のある劇は、劇場の観客の社会的範囲と規模を拡大し、1 世紀後半のスコットランドの観劇習慣を形成するのに役立った。^{[ 1 ] [ 49 ]}

この時期に地元で制作された演劇には、俳優兼支配人のチャールズ・バスと詩人のジェームズ・ボウィックがジョージ・ビーティーの詩を脚色し、1826年にモントローズのシアター・ロイヤルで上演した『ジョン・オ・アーナ』がある。地元で成功を収めたバスは、この劇をダンディーとエディンバラでも上演した。^{[ 50 ]}

こうした成功にもかかわらず、スコットランド演劇には地方主義が根付き始めた。1840年代までに、スコットランドの劇場は、独自の作品を制作するよりも、「ロンドンから来た最高の劇団」といったスローガンを掲げたプラカードを使う傾向が強まった。^{[ 51 ]} 1893年にはグラスゴーで、同じシーズンにハムレットが5回上演された。 ^{[ 52 ]} 19世紀後半には、鉄道旅行の発展により、スコットランド演劇の発展が阻害された。鉄道旅行によって、イギリスの巡業劇団が短期間の公演のために容易に到着・出発できるようになったからである。^{[ 53 ]}スコットランド演劇に大きく貢献できたであろう人物の多くが、南のロンドンに移住した。その中には、ウィリアム・シャープ（1855-1905）、ウィリアム・アーチャー（1856-1924） 、 J・M・バリー（1860-1937）などが含まれる。^{[ 52 ]}

1876年、シェトランド諸島で行われていたアップ・ヘリー・アーと呼ばれるあまり知られていないタール樽詰めの儀式が、擬似北欧風のパフォーマンスに改変された。今日でも、その衣装はヴァイキングよりもワーグナーの影響を強く受けていることは認めざるを得ない。とはいえ、スコットランドで今日最もよく知られている民俗儀式パフォーマンスの一つであるという点で、おそらく重要な意味を持っている。^{[ 54 ]}

JM バリーはスコットランド文学界で最も成功した作家の一人で、キャリアのほとんどをイングランドで過ごした。戯曲として始まった彼の『ピーター・パン』 （1904年）は、英語で最もよく知られた物語の一つである。バリーはしばしばケイリヤード運動と関連付けられ、初期の戯曲『クオリティ・ストリート』 （1901年）や『立派なクリクトン』（1902年）は、通常の社会秩序の一時的な逆転を扱っている。彼の後期の作品、『親愛なるブルータス』（1917年）や『メアリー・ローズ』（1920年）は、歴史的なテーマに焦点を当てている。^{[ 55 ]}バリーに次いで、20世紀初頭に最も成功したスコットランドの劇作家は、ジョン・ブランデインとジェームズ・ブライディで、それぞれ医師のジョン・マッキンタイア（1869-1947）とオズボーン・メイバー（1888-1951）のペンネームである。ブランデーンの戯曲は、ハイランド社会における近代性と伝統の衝突をユーモラスに探求したものが多く、『The Glen is Mine』（1925年）などがその例である。^{[ 56 ]}ブライディは多作な劇作家として台頭し、現代スコットランド演劇の発展における主要人物となった。 『The Anatomist』（1930年）のように医学の経験を活かした作品のほか、『The Sunlight Sonata』 （1928年）のような中流階級を風刺した作品もあり、 『Mr. Bolfry 』（1943年）のように悪魔や天使といった聖書の登場人物を登場させることも多かった。^{[ 57 ]}彼はスコットランド国立劇団（1924～43年）のメンバーであり、劇団は彼の戯曲を数本上演し、スコットランド国立劇場の設立を目指していたが、劇団はプロの劇団になるべきだという彼の考えから、彼は役員を辞任した。^{[ 58 ]}彼はグラスゴー市民劇場の創設者であり初代会長（1943年）であり、スコットランド芸術評議会となる団体のメンバーであり初代会長（1947年）でもあった。彼はグラスゴーの王立スコットランド音楽アカデミー内に演劇大学を設立した（1951年）。^{[ 57 ]}

20世紀初頭には、大衆演劇や労働者階級演劇の伝統が出現した。数百のアマチュア劇団が設立され、特にローランド地方の成長する都市部で多く見られた。その多くは、労働者演劇運動（WTM）やユニティ劇場協会（UTS）の分派であった。最も重要な劇団の中には、ファイフ・マイナー・プレイヤーズ（1926～31年）、グラスゴー労働者劇場グループ（1937～41年）、グラスゴー・ユニティ劇場（1941～51年）があり、これらは現代の大衆演劇グループの基礎を築いた。^{[ 59 ]}この運動の重要な劇作家には、元炭鉱労働者のジョー・コリー（1894～1968年）がおり、彼の戯曲には前年のゼネストの出来事を基にした『In Time o' Strife 』（1927年）などがある。 ^{[ 60 ]} スコティッシュ・レパートリー劇場は、スコットランドの劇作家を奨励した最初のスコットランドの劇団であった。戦間期には、その目的は他のアマチュア劇団、特にグラスゴーのカーテン劇場^{[ 59 ]}によって引き継がれ、ロバート・マクレラン（1907-85）の作品、中でも彼の最初の長編戯曲『トゥーム・バイアーズ』（1936年）や、最もよく知られている作品『ジェイミー・ザ・サックスト』（1936年）が「発見」された。彼は才能ある喜劇作家で、スコットランド語での執筆に尽力した^{[ 61 ]}。

戦後、労働者階級の生活に焦点を当てた演劇への転換は、ロバート・マクレイシュの『ゴルバルズ物語』（1946年）で勢いを増し、同作はスコットランドの都市部の深刻な社会問題を扱った。^{[ 62 ]}同様に、エナ・ラモント・スチュワートの『男は泣くべき』 （1947年）は、スコットランドにおける大恐慌の影響に焦点を当てた。^{[ 63 ]}この時代の他の主要なスコットランドの劇作家には、 『ハート・イズ・ハイランド』（1959年）などの作品を制作したロバート・ケンプ（1908年～1967年）や、『ヴィンヤード・ストリート』 （1949年）などの戯曲を制作したジョージ・マンロー（1902年～1968年）などがいる。^{[ 62 ]}

エディンバラ・フェスティバルは、第二次世界大戦後、グライドボーン、ミュンヘン、ザルツブルクのフェスティバルが開催できなくなったため、それらの代替として1947年に設立されました。 ^{[ 64 ]}エディンバラ・フェスティバル・フリンジは、プログラムに含まれていなかった8つの劇団が、小規模な劇場や改装された劇場で独自の公演を企画したことから始まりました。1960年代まで、共存する2つのフェスティバルの関係は緊張していました。現在では、両者は合わせて世界最大かつ最も権威のある芸術祭の一つであり、大小さまざまな規模の演劇作品が含まれています。^{[ 65 ]}

イアン・ブラウンは、スコットランドの演劇ルネッサンスは1963年のエディンバラのトラバース劇場の開場から1973年のスコットランド劇作家協会の設立までの間に起こったと認識している。 ^{[ 66 ]} 1968年の劇場法は、 1737年以来イギリスに存在していた宮内長官による舞台検閲制度を廃止した。これにより、より大きな芸術的自由が認められたが、スコットランドの地方自治体は依然として地方条例や法令に基づいて「わいせつな公演」を訴追する権限を保持していた。^{[ 67 ]}

1970年代には、スコットランドのアイデンティティの本質を探求した劇が数多く上演された。^{[ 68 ]}歴史劇としては、スチュワート・コン（1936年生まれ）の『ザ・バーニング』（1971年）やヘクター・マクミラン（1929年生まれ）の『ザ・ライジング』（1973年）などがある。マクミランの『ザ・サッシュ』 （1973年）は、宗派主義に立ち向かった初期の劇の一つである。^{[ 69 ]}職場劇としては、ビル・ブライデン（ 1942年生まれ）の『ウィリー・ラフ』 （ 1975年）やロディ・マクミランの『ザ・ベベラーズ』（1973年）などがある。これらの劇は、独立して政治的にコミットした新しい形のコミュニティシアターへの道を開いた。この傾向は、 7:84 (1971–2008) が 1973 年にジョン・マクグラス(1935–2002) の『チェビオット、鹿、そして黒い油』を上演したことから始まった。マクグラスの作品、例えば『ゲームはブギーだ』（1974 年）などは社会主義的な意図を持ち、復活しつつあったスコットランド民族主義の立場を取った。このモデルに沿って結成された独立系劇団は数多くあり、TAG (1967–) ^{[ 70 ]} 、ボーダーライン・シアター・カンパニー(1974–)、ワイルドキャット・ステージ・プロダクションズ(1978–) ^{[ 59 ]} 、シアター・アルバ (1981–2021) などが挙げられる。

スコットランド語は、スコットランドの演劇、特に喜劇の媒体として引き続き使用されました。1947年、ロバート・ケンプはモリエールの『女学校』をスコットランドの舞台用に翻案し、 『妻たちにテントを張らせよ』としました。アレクサンダー・リードの『大きな口を持つ娘』（1950年）と『世界の驚異』（1953年）はどちらも好評を博しました。シドニー・グッドサー・スミ​​スの『ウォレス』は、1960年の国際フェスティバルの一環としてカークの集会ホールで上演されました。 ^{[ 71 ]}ゲートウェイ劇場 の演出家であるヴィクター・カリンは、4つの戯曲をスコットランド語に翻訳しました。『病弱な男』 （モリエールの『病は気から』の翻訳）（1963年）、 『二人の主人の召使い』（カルロ・ゴルドーニの『二人の主人の召使い』の翻訳）（1965年）『チピット・シャンティ』 （ハインリヒ・フォン・クライストの『壊れた水差し』の翻訳、1968年）と『マックル・スティア』 （ルドヴィグ・ホルベアの『そわそわする牛』の翻訳、1976年）。これらの喜劇のいくつかは、アマチュア劇団の定番作品となった。1970年代には、『ザ・ベヴェラーズ』、『ザ・ジェスイット』、 『ウィリー・ラフ』 、 『ザ・ハードマン』、『ザ・スラブ・ボーイズ』などの戯曲で、この言語の劇的な可能性が示された。 1980年、マーティン・ボウマンとビル・フィンドレーは、ミシェル・トランブレーの『レ・ベル・スール』を現代スコットランド語に翻訳し、『ザ・グッド・シスターズ』とした。^{[ 72 ]} 1985年、デイヴィッド・パーヴスの『パドックと王女』 （ 『カエルの王子様』のスコットランド語版）は、チャールズ・ノヴォシエルスキのシアター・アルバでエディンバラ・フリンジ・ファースト賞を受賞した。^{[ 73 ]}デイヴィッド・パーヴスとロビンロリマーは、シェイクスピアの『マクベス』のスコットランド語訳を、それぞれ1992年と1993年に出版した。

1960年代と1970年代には、スコットランド・ゲール語演劇も隆盛を極めた。主要人物としては、幅広いテーマを探求した戯曲を書いたイアン・クリクトン・スミスが挙げられる。彼の戯曲はしばしばユーモラスだが、キリストの裏切りを描いた『An Coileach』（雄鶏、1966年）や、ハイランド地方の強制移住を描いた『A' Chùirt』（法廷、1966年）といった深刻なテーマも扱っている。^{[ 74 ]}イアン・モイラッハの戯曲も、ゲール語への脅威に焦点を当てた『 Feumaidh Sinn a Bhith Gàireachdainn』（笑わなければならない、1969年）のように、ユーモアを用いて深刻なテーマを扱っている。その他の主要人物としては、日本の能に影響を受けた『Anna Chaimbeul』（アンナ・キャンベル、1977年）などの作品を書いたトルモッド・カラム・ドムナラッハ（1927年～2000年）が挙げられる。フィンリー・マクラウドの作品には、不条理演劇の影響を強く受けた『Ceann Cropic』 （1967年）がある。同様に、ドニー・マクリーンも『 An Sgoil Dhubh』（暗い学校、1974年）で不条理な対話を用いた。これらの作家の多くは1980年代、さらには1990年代まで執筆を続けたが、これはゲール語演劇にとって、その後匹敵するもののない黄金時代だった。^{[ 75 ]}

1979年の地方分権住民投票の失敗とマーガレット・サッチャー率いる保守党政権の誕生後、政治と資金調達の状況は劇的に変化した。スコットランド芸術評議会は、劇場会社がチケット販売や商業スポンサーシップで資金を調達し、ビジネスとして運営することを奨励した。1981年、俳優のイーワン・フーパーは、スコットランドの作家の作品を宣伝するためにグラスゴーを拠点とするスコティッシュ・シアター・カンパニーを設立するために5万ポンドを受け取った。主要都市以外では必要な収入を生み出すのに十分な規模の会場がなかったため、同劇団はツアー公演が困難だった。最初のシーズンには、マクグラスの『アニマル』（1979年）やブライデンの『シヴィリアンズ』（1981年）などの作品が上演された。芸術的な成功は財政的な破綻を伴い、同劇団は2シーズン目の終わりまでに12万ポンドの負債を抱えた。批評家からの評価は高かったものの、同社は 1987 年に解散した。7:84 も財政的に不安定な時期を経験したが、新しい組織、新しい経営陣、そして新しい作品の奨励に重点を置いた結果、ロナ・マンロー(1959 年生まれ) のBold Girls (1990 年) のような作品が生まれた。^{[ 76 ]} 20 世紀最後の 20 年間までに、スコットランドの演劇作品は相当数蓄積された。また、1 人の作家が 1 つの劇団と仕事をするという習慣から、複数の劇団が作家のコミュニティを活用するという習慣へと変化した。スコットランドの戯曲はますます国際化し、スコットランドの作家は、リズ・ロックヘッドによるモリエールのタルチュフ(1985 年) や人間嫌い(1973 年/2005 年) の翻案や、エドウィン・モーガンによるシラノ・ド・ベルジュラック(1992 年) の翻訳など、古典作品を翻案するようになった。スコットランドの劇作家たちも、より広範なヨーロッパ文化にますます関心を寄せるようになり、それはジョー・クリフォード（1955年生まれ）の『Loosing Venice』（1985年）やデイヴィッド・グレイグ（1969年生まれ）の『Europe』（1995年）に見られる。^{[ 77 ]}

今世紀はスコットランドの演劇にとって「黄金時代」と評されている。^{[ 78 ]} 1999年の権限移譲とホリールードでのスコットランド議会の再建は、舞台芸術の生態系とインフラに大きな影響を与えた。

数多くの会場が拡張および改修され、スコットランド各地のいくつかの町や都市に新しい会場がオープンした。セント・アンドリュースのバイア劇場は550万ポンドの費用をかけて改修および拡張され、2001年にオープンした。^{[ 79 ]}ノース・エディンバラ・アーツ・センターは2002年にエディンバラのミュアハウス地区にオープンし、96～150席のスタジオ劇場、2つの小規模スタジオスペース、レコーディングスタジオ、ギャラリー、認可カフェ、庭園で構成されている。^{[ 80 ]}インヴァネスのエデン・コート劇場は、ロバートソン・コンストラクションとページ・パーク・アーキテクツによる全面的な改修と拡張を経て、2007年11月に再オープンした。再オープンにより、スコットランド最大の複合芸術センターとなった。^{[ 81 ]}マル劇場は2008年にドルイムフィンに新しい施設に移転し、2013年には芸術センターのアン・トバーと提携して、創作作品を制作、上演、開発する複合芸術団体コマーを設立した。^{[ 82 ]}パース劇場は2014年に改修のため閉鎖され、2017年に再開予定である。^{[ 83 ]}これらの発展とは対照的に、グラスゴーのジ・アーチーズなど、永久に閉鎖された会場もある。ジ・アーチーズは現代演劇や前衛的なパフォーマンスの主要な拠点であった。ジャッキー・ワイリーの指揮の下、ジ・アーチーズでは、DEREVOのNatura Morte、ニック・グリーンのTrilogy、リンダー・スターリングのDarktown Cakewalkなどのパフォーマンスが上演された。アーチーズ劇場が主催した主な現代演劇フェスティバルには、ワイリーが元のアーチーズ劇場フェスティバルをリブランディングした「ビヘイビア」や、若手のリスクを恐れないアーティストを称える演劇フェスティバル「アーチーズ・ライブ」などがあった。この会場は2015年に閉鎖された。^{[ 84 ]}

芸術への資金提供も、スコットランド芸術評議会がクリエイティブ・スコットランドに置き換えられたことで大きな変化を遂げた。スコットランド政府は、既存の組織であるスコティッシュ・スクリーンとスコットランド芸術評議会からの移行を支援するために暫定的な会社であるクリエイティブ・スコットランド2009を設立した後、2010年7月1日にクリエイティブ・スコットランドを発足させた。

権限移譲の初期から、スコットランドの国立劇場（ロンドンの国立劇場とは別）はスコットランド行政府の優先事項であった。2003年のスコットランド議会での議論により、スコットランド国立劇場が設立された。ヴィッキー・フェザーストーンは2004年に芸術監督に任命され、2006年に正式に設立された。^{[ 85 ]}劇場は独自の建物を持っておらず、管理部門はグラスゴーのスピアーロックに拠点を置いている。^{[ 86 ]}代わりに、スコットランド、英国、および海外の劇場、村の公民館、学校、特定の場所を巡回して作品を上演している。同劇団は200以上の作品を制作しており、他の劇団、地方自治体、個々のアーティストと協力して、大規模な作品から最小規模の会場向けに特別に作られた演劇まで、さまざまなパフォーマンスを制作している。

劇作家や劇団は、権限委譲、そして後に2014年のスコットランド独立住民投票から生じた創造的エネルギーの爆発に、さまざまな方法で反応した。^{[ 87 ]}中には、スコットランドの歴史を振り返り、特に連合法につながった不運なダリエン計画など、忘れ去られたと思われる時代に焦点を当てることを選んだ者もいた。2010年のダリエンをテーマにしたアリスター・ビートン作の戯曲『カレドニア』は「スコットランド演劇における過去への部分的な再焦点化を意味する」と主張されている^{[ 88 ]。}この予測は、その後の数年間にスコットランドの歴史劇が増加したことで裏付けられており、デイヴィッド・グレイグ作『ダンシネイン』（2010年）、ロナ・マンロー作『ジェームズ・プレイズ』（2014年）、ティム・バロウ作『ユニオン』（2014年）、リンダ・マクリーン作『グローリー・オン・アース』（2017年）などが挙げられる。

他の作家たちはスコットランドの現代生活を精査し、アイデンティティや国家意識といったテーマを考察した。グレゴリー・バークの『ガガーリン・ウェイ』は2001年7月にトラバース劇場で初演され^{[ 89 ]}、その後ナショナル・シアター^{[ 90 ]}とロンドンのウェストエンドに移った。アンソニー・ニールソンが脚本・演出を手がけた『ディソシアの素晴らしき世界』は、解離性障害に苦しむ若い女性を描いた作品である。このアイデアはもともと2002年にLAMDAの学生グループとワークショップ形式で行われたが、後に書き直され、2004年のエディンバラ国際フェスティバルでグラスゴーのトロン劇場向けに上演された^{[ 91 ] [ 92 ]。}グレゴリー・バークが脚本、ジョン・ティファニーが演出を手がけた『ブラック・ウォッチ』は、スコットランド国立劇場の最初のシーズンの一部であった。^{[ 93 ]}元兵士へのインタビューに基づき、^{[ 94 ]} 2004年にイラクでTELIC作戦に従事していたイギリス陸軍ブラックウォッチ連隊の兵士たちを描いている。ブラックウォッチは、後にスコットランド王立連隊に統合された。ブラックウォッチは、2006年8月1日にエディンバラ・フェスティバル・フリンジで、旧エディンバラ大学士官訓練隊のドリルホールの仮設舞台で初演された。^{[ 95 ]}キーラン・ハーレーのランテ​​ィンは、デイヴィッド・グレイグとスティーブン・グリーンホーンの作品と同様に、現代スコットランドの楽観的な肖像を描いている。「彼らは、決して静的ではなく、常に変化し、その遺産とますます多様化する多様性を誇りとし、何よりも、制限的で潜在的に有害なナショナリズムの枠を超えて驚きと関与を促すことができる国家を提案している。」^{[ 96 ]}ハーレーと彼の協力者たちは、いずれも賛成運動で著名な人物であり、ジョン・マクグラスに敬意を表しつつ、彼の社会主義の遺産を新世紀へと引き継ぐ、歌とモノローグの力強いパッチワークを披露した。21世紀初頭の他の重要な作品には、ジニー・ハリスが『Further than the Furthest Thing』（2000年）、『Decky Does A Bronco』 （ダグラス・マックスウェル著、2000年）、デイヴィッド・ハロワー著『 Blackbird』（2005年）、スティーブン・グリーンホーン著『 Sunshine on Leith 』 （2007年）、そしてロナ・マンロー著の歴史三部作『The James Plays』（2014年）。

1980年代以降、特に幼い子供向けの演劇の人気が飛躍的に高まり^{[ 97 ]}、「現代スコットランド演劇の強み」と評されている^{[ 98 ]} 。この分野の主要なプレーヤーは、エディンバラに拠点を置く、子供と若者のための舞台芸術開発機関であるイマジネイトである^{[ 99 ]} 。イマジネイトは、アーティスト育成と創造的な学習に加えて、現在では世界最大級の国際フェスティバルの1つであるイマジネイト・フェスティバルを毎年開催し^{[ 100 ]}、研究にも取り組んでいる^{[ 101 ]} 。 2009年から2011年の間、イマジネイトは、0歳から4歳までの子供向けに舞台芸術体験を創造する制作会社であるスターキャッチャーズを支援した。^{[ 102 ]}批評家のマーク・フィッシャーが指摘しているように、「スコットランド演劇の大きな成功物語の1つは、過去20年間に登場した優れた子供向け劇団の数である」^{[ 103 ]}これには、 Frozen Charlotte、Wee Stories、Visible Fictions、Catherine Wheels Theatre Company、TAG Theatre Companyなどが含まれる。

7:84 スコットランドは、1971 年にエディンバラ・フェスティバルでジョン・マクグラスの「風の中の木々」を初演したことから始まった。^{[ 107 ]} 1972 年に同じ劇がエディンバラのメーデー集会とグラスゴーの占拠された工場で上演された。^{[ 107 ]}レニ・リーンやデイヴィッド・マクレナンといった人物は、7:84 からワイルド・キャットなどの他の劇団に移籍した。^{[ 108 ]}

しかし、彼らの最大の成功作は「チェビオット」だった。デイビッド・エドガーは次のように書いている。

「7:84 スコットランドの『チェビオット、鹿、そして黒油』におけるケイリー形式の使用は、それが農村の民俗形式に基づいていたため成功したものであり、実際、スコットランドの農村ハイランド地方の聴衆を対象としていた。」^{[ 109 ]}

チェビオットはその後、アイルランドの農村部とダブリンの両方を巡り、成功を収めた。^{[ 110 ]}

『The Game's a Bogey』は、とりわけジョン・マクリーンの生涯について論じたが、失敗した実業家をサー・マンゴ・マクバングル、グラスゴーのやり手商人をアンディ・マックチャックアップと呼ぶなど、明らかに冗談めいた名前に頼っていた。7:84は同時期に他にも多くの戯曲を制作したが、 『The Cheviot』は圧倒的に最も成功した。最終的にはテレビ番組として録画されたが、BBCの検閲官に感謝するためにいくつかの変更が加えられた。^{[ 111 ]}

10年の終わりまでに、7:84の中核は崩壊し、多くの人々が独自の政治的な演劇カンパニーを立ち上げた。^{[ 112 ]}