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人形劇とは、人形（多くの場合、人間や動物の形をした無生物）を操る演劇またはパフォーマンスの一形態であり、人形遣いと呼ばれる人間が人形を操ります。このようなパフォーマンスは人形劇とも呼ばれます。人形劇の台本は人形劇と呼ばれます。人形遣いは、手や腕の動きを使って、棒や糸などの装置を操作し、人形の体、頭、手足、場合によっては口や目を動かします。人形遣いは、人形のキャラクターの声で話すこともあれば、録音されたサウンドトラックに合わせて演じることもあります。
人形にはさまざまな種類があり、その形状や用途に応じて、さまざまな素材で作られています。構造は非常に複雑なものから非常にシンプルなものまであります。最もシンプルな人形は、指人形です。指人形は指一本に装着できる小さな人形で、靴下人形は靴下で作られ、靴下の中に手を入れて、手の開閉で人形の「口」の動きを模倣して操作します。手人形や手袋人形は、人形の中に手を入れて人形を動かすことで操作します。パンチとジュディ人形はよく知られた例です。手人形や手袋人形の中には、より大型のものもあり、人形一体につき二人の人形遣いが必要です。日本の文楽人形はその一例です。マリオネットは複数の糸で吊り下げられ、操作されます。場合によっては、操り人形師が上から握るコントロールバーに取り付けられた中央の棒も使用されます。棒人形は、中央の棒に取り付けられた頭部から構成されています。棒の上には胴体があり、腕は別の棒で操作されます。そのため、単純な手人形や手袋人形よりも、より多くの動きが可能です。
人形劇は非常に古い演劇形式で、紀元前5世紀に古代ギリシャで初めて記録されました。人形劇のいくつかの形式は、紀元前3000年ほど前に起源を持つ可能性があります。[ 1 ]人形劇には多くの形式がありますが、いずれも無生物の演具に命を吹き込んで物語を語るという共通点があります。人形劇はほぼすべての人間社会で行われており、人形はパフォーマンスによる娯楽、儀式における神聖な物、カーニバルなどの祝祭における象徴的な像、そして変革芸術における社会的および心理的変化の触媒として使用されています。[ 2 ]
人形劇は非常に古い芸術形式で、約4000年前に始まったと考えられています。[ 1 ]人形は、人類社会の考えやニーズを生き生きと伝え、伝えるために、最も古い時代から使用されてきました。[ 3 ]歴史家の中には、人形劇は劇場の俳優よりも古いと主張する人もいます。[ 4 ]紀元前2000年頃には、糸で操作する木製の人形がパンをこねる動作をしていたという証拠がエジプトにあります。[ 5 ]粘土や象牙で作られた、ワイヤーで操作する関節人形もエジプトの墓から発見されています。[ 5 ]象形文字には、古代エジプトの宗教劇で「歩く彫像」が使用されていたことも記されています。[ 1 ]人形劇は古代ギリシャでも行われており、人形劇に関する最古の記録は、紀元前5世紀のヘロドトスとクセノフォンの作品に見られます。 [ 6 ] [ 7 ] [ 8 ]
サハラ以南のアフリカは、古代エジプトの人形劇の伝統の一部を受け継いでいる可能性がある。[ 1 ]確かに、多くのアフリカの民族の秘密結社は、儀式劇や治癒儀式、狩猟儀式で今でも人形を使用している。今日でも人形劇は、儀式的な文脈で、またダンス、物語、仮面劇など幅広い民俗芸能の一部として、人気のある形式として続いている。2010年代のアフリカの農村部では、人形劇は依然として文化的な価値観や考えを伝える役割を果たしており、アフリカの大都市では、その役割はますます正式な教育、書籍、映画、テレビによって担われている。
中国には3000年も前から人形劇の歴史があり、元々は「提灯の影の劇場」、つまり今日ではより一般的に中国影絵芝居として知られています。宋王朝（西暦960～1279年）までには、人形劇は宮廷を含むあらゆる社会階級で上演されていましたが、ヨーロッパと同様に、人形遣いは低い社会階層出身であると考えられていました。[ 1 ]手袋人形劇は、福建省発祥で台湾で人気の手人形劇の一種で、人形遣いは舞台の後ろや下で操作します。
日本には文楽をはじめとする多くの人形劇の形式がある。文楽は神道の寺院の儀式から発展し、次第に高度に洗練された人形劇の形式となった。多くの人に日本最高の劇作家とみなされている近松門左衛門は、歌舞伎の脚本を放棄し、人形のみの文楽に専念した。当初は人形遣いが1人だったが、1730年までには3人の人形遣いが観客の目の前で各人形を操作するようになった。[ 1 ]黒い服を着た人形遣いは、黒い背景を背に立つと見えなくなり、松明は彫刻され、彩色され、衣装をまとった木製の人形だけを照らした。
韓国の人形劇の伝統は中国から伝わったと考えられている。韓国における人形劇の最古の歴史的証拠は、西暦982年に崔承露が王に宛てた手紙である。[ 9 ]韓国語で人形は「コクトゥガクシ」と呼ばれる。[ 9 ]「カクシ」は「花嫁」または「若い女性」を意味し、人形の最も一般的な形であった。コクトゥガクシ人形劇は8つの場面から構成される。[ 9 ]
インドネシアのワヤン劇場はインドの伝統の影響を受けている。[ 10 ]一部の学者は人形の起源を4000年前のインドに遡り、サンスクリット語の劇の主人公は「糸を持つ者」を意味するスートラダーラとして知られていた。 [ 3 ]ワヤンはインドネシア、特にジャワ島とバリ島に伝わる人形劇の強い伝統である。ジャワ島では、精巧な影絵人形劇であるワヤン・クリットが非常に人気がある。ジャワの棒人形は長い歴史を持ち、ジャワの歴史上の寓話を語るのに使用される。インドネシアで人気の人形劇のもう1つの形式はワヤン・ゴレックである。
タイには、棒人形劇の一種であるフン・クラボックという人気の演劇形式がある。
ベトナムは、同国独自の芸術形式である水上人形劇を発展させた。人形は木製で、腰の高さほどの水たまりで上演される。人形遣いは水中の大きな棒を使って人形を支え、操ることで、人形が水面を滑るように動いているように見せる。この人形劇の起源は700年前に遡り、水田が冠水した際に村人たちが互いに娯楽を楽しんだことに始まる。ベトナムの村々で人形劇の競技会が開かれるようになり、やがて秘密主義的で排他的な人形劇協会が設立されるに至った。
フィリピンでは、スペイン植民地時代に人形劇が初めて発展しました。フィリピンで最も古い人形劇は、キキムット、ティティレ、ポテイとも呼ばれるカリージョです。これは1879年に初めて記録されました。人形劇で使用される小さなカートと、影絵劇に使用される厚紙で作られた人形が特徴です。[ 11 ] [ 12 ] 1800年代後半には、別のフィリピン人形劇が発展しました。ヒガンテスは、ヒガンテス祭りで町中を練り歩く巨大な張り子人形です。これらの人形は、サン・クレメンテへの信仰と、フィリピン人を差別した植民地時代の地主への嘲笑として作られました。さまざまな伝統がヒガンテスと結びついています。 [ 13 ] [ 14 ] 20世紀以降、フィリピンでは複数の人形劇が発展しました。[ 11 ]著名なフィリピンの人形遣いはアメリア・ラペーニャ・ボニファシオです。[ 15 ]
現在ミャンマーと呼ばれるビルマでは、王室の庇護のもと、ヨーク・テーと呼ばれる精巧な人形劇が発展しました。ビルマの操り人形の起源は、シン・ミン王の治世中の1780年頃とされており、王室娯楽大臣のウー・トーによって導入されたとされています。操り人形は誕生以来、コンバウン王朝の宮廷で絶大な人気を博しました。ウー・トーによるこの芸術の創造以来、ほとんど変化はなく、彼が考案したキャラクターは今日でも使用されています。
インドには人形劇の長い伝統があります。古代インドの叙事詩『マハーバーラタ』には人形についての記述があります。人形劇に関する別の古代の記述は、紀元前1世紀または2世紀頃に書かれたタミル語の古典『シラッパディカーラム』に見られます[ 16 ]。ラージャスターン州発祥の糸操り人形劇の一種であるカトプトリは有名で、インドには多くの腹話術師や人形遣いがいます。最初のインド人腹話術師であるYKパディエ教授は1920年代にこの人形劇をインドに紹介し、その後、彼の息子であるラムダス・パディエが腹話術と人形劇を普及させました。インドにはほぼすべての種類の人形があります。[ 17 ]
インダス文明には人形劇の証拠がある。考古学者は紀元前2500年頃の、紐で操作できる取り外し可能な頭部を持つテラコッタ人形を発掘している。[ 18 ]また、棒で上下に操作できるテラコッタ製の猿も発見されており、どちらの場合も最低限の動きしか得られない。[ 18 ]人形は叙事詩『マハーバーラタ』、サンガム時代のタミル文学、紀元前後期から紀元後初期にかけての様々な文学作品（アショーカ王の勅令を含む）にも記述されている。[ 19 ] 『ナティヤ・シャーストラ』や『カーマ・スートラ』などの作品では人形劇について詳細に解説されている。[ 20 ]
インドには、糸操り人形やマリオネットの古代からの伝統があります。糸で操作される関節のある手足を持つマリオネットは、はるかに大きな柔軟性を持ち、そのため最も表現力豊かな人形です。ラジャスタン州、オリッサ州、カルナータカ州、タミル・ナードゥ州は、この種の人形劇が盛んな地域です。ラジャスタン州の伝統的なマリオネットは、カトプトリとして知られています。一枚の木から彫られたこれらの人形は、色鮮やかな衣装をまとった大きな人形のようなものです。オリッサ州の糸操り人形は、クンデイとして知られています。カルナータカ州の糸操り人形は、ゴンベヤッタと呼ばれています。タミル・ナードゥ州の人形は、ボンマラッタムとして知られ、棒操り人形と糸操り人形の技術を組み合わせています。
影絵芝居は、インドの文化と芸術の古くからあるものであり、特に地域によって、アンドラ・プラデーシュ州のキール・ボンメやトル・ボンマラタ、カルナータカ州のトガル・ゴンベヤータ、マハーラーシュトラ州のチャルマ・バフリ・ナティヤ、オリッサ州のラーヴァナ・チャヤ、ケーララ州のトルパヴァクートゥ、タミル・ナードゥ州のトル・ボンマラタなどがあります。影絵芝居は、寺院の壁画、バラバラの葉の絵、物語画など、インドの絵画の伝統にも見られます。[ 21 ]オリッサ州のチャウなどの舞踊形式は、文字通り「影」を意味します。[ 22 ]影絵芝居は通常、ヒンドゥー教寺院に付属する舞台で上演され、地域によってはクートゥ・マダムやクータンバラムと呼ばれています。[ 23 ]多くの地域では、人形劇は主要な寺院の祭りの際に、移動芸人の家族によって仮設の舞台で上演されます。[ 24 ]ヒンドゥー教の叙事詩『ラーマーヤナ』と『マハーバーラタ』の伝説が彼らのレパートリーの中心となっています。[ 24 ]しかし、詳細や物語は地域によって異なります。[ 25 ] [ 26 ]
植民地時代の19世紀から20世紀初頭にかけて、インド学者は、影絵芝居は古代サンスクリット語の文献には記載されているものの、インドでは絶滅したと考えていた。[ 24 ]スチュアート・ブラックバーンによれば、1930年代以降、影絵芝居がケララ州中央部の山岳地帯、カルナータカ州の大部分、アーンドラ・プラデーシュ州北部、タミル・ナードゥ州、オリッサ州、マハーラーシュトラ州南部の一部で農村の伝統として残っているという証拠が出てきたため、こうした絶滅の懸念は誤りであることが判明した。[ 24 ]マラーティー語を話す人々、特に低カーストの人々は、ヒンドゥー教の叙事詩の伝説を民俗伝統として保存し、演じてきた。ブラックバーンによれば、マラーティー語を母語とする人形遣いがインドの多くの非マラーティー語圏の州にいることからも、マラーティー語の芸術家の重要性が証明されている。[ 24 ]
ベス・オスネスによれば、トル・ボンマラタ影絵芝居は紀元前3世紀に遡る。[ 27 ]フィリス・ダークスによれば、トル・ボンマラタの公演で使用される人形は「半透明で、色鮮やかな革製で、高さは4～5フィート、関節のある腕が1本か2本ある」という。[ 28 ]人形を作る過程は手の込んだ儀式であり、インドの芸術家一家は祈りを捧げ、隠遁生活に入り、必要な作品を制作し、花と香で「人形の比喩的な誕生」を祝う。[ 29 ]
ケーララ州のトル・パヴァ・クートゥでは、革製の人形を使用し、その像をバックライト付きスクリーンに投影します。影は、ラーマーヤナの登場人物や物語を創造的に表現するために使われます。叙事詩の完全な上演には41夜かかることもありますが、短縮版の上演は最短で7日間です。[ 30 ]トル・パヴァ・クートゥのショーの特徴の1つは、人形遣いのチームによるパフォーマンスであることです。インドネシアのワヤンなどの他の影絵芝居は、同じラーマーヤナの物語を1人の人形遣いが演じます。[ 30 ]インド国内でも人形劇には地域差があります。たとえば、ケーララ州とマハラシュトラ州を除くインドのほとんどの地域では、影絵芝居で女性が重要な役割を果たしています。[ 24 ]オリッサ州を除くほぼすべての地域で、人形はなめした鹿の皮で作られ、彩色され、関節が作られています。半透明の革人形はアンドラプラデーシュ州とタミルナードゥ州で一般的であり、不透明な人形はケララ州とオリッサ州で一般的である。インドの農村部では、劇団は通常100体以上の人形を携えて公演を行う。[ 24 ]
棒人形は手袋人形の派生形ですが、多くの場合、はるかに大きく、下から棒で支えて操作します。この形式の人形劇は現在、主に西ベンガル州とオリッサ州で見られます。西ベンガル州の伝統的な棒人形はプトゥル・ナウチとして知られています。これらは木から彫られ、特定の地域のさまざまな芸術様式に従っています。ビハール州の伝統的な棒人形はヤンプリとして知られています。
手袋人形は、袖人形、手人形、または手のひら人形とも呼ばれます。頭部は張り子、布、または木材で作られ、首のすぐ下から2本の手が伸びています。人形の残りの部分は、長く流れるようなスカートで構成されています。これらの人形は、ぐにゃぐにゃした人形のように見えますが、熟練した人形遣いの手にかかれば、幅広い動きを生み出すことができます。操作方法は簡単で、動きは人間の手で制御されます。人差し指を頭部に、中指と親指を人形の2本の腕に差し込みます。この3本の指の助けを借りて、手袋人形は生き生きと動き出します。
インドでは、手袋人形劇の伝統はウッタル・プラデーシュ州、オリッサ州、西ベンガル州、ケーララ州で人気があります。ウッタル・プラデーシュ州では、手袋人形劇は通常、社会的なテーマを扱っていますが、オリッサ州では、そのような劇はラダとクリシュナの物語に基づいています。オリッサ州では、人形遣いは片手でドーラク（手太鼓）を叩き、もう一方の手で人形を操ります。セリフの言い回し、人形の動き、ドーラクのリズムはよく同期しており、劇的な雰囲気を作り出します。ケーララ州では、伝統的な手袋人形劇はパヴァクートゥと呼ばれています。
アフガニスタンでは、ブズバズと呼ばれる人形劇が生み出されてきた。公演中、人形遣いはマルコールの操り人形を操りながら、ダンブラ（長頸リュート）を演奏する。
中東の人形劇は、他の演劇形式と同様に、イスラム文化の影響を受けています。トルコの影絵芝居であるカラギョズは、この地域の人形劇に大きな影響を与えており、中国からインドを経由して伝わったと考えられています。その後、モンゴル人が中国から持ち込み、中央アジアのトルコ人に伝わりました。影絵芝居の芸術は、中央アジアから移住してきたトルコ人によってアナトリアにもたらされました。他の学者たちは、影絵芝居は16世紀にエジプトからアナトリアに伝わったと主張しています。この見解を支持する人々は、 1517年にヤヴズ・スルタン・セリムがエジプトを征服した際に、影絵芝居がオスマン帝国の宮殿に伝わったと主張しています。彼は、自分を称える宴で影絵芝居を観劇し、それに非常に感銘を受けたため、人形遣いをイスタンブールの宮殿に連れて帰り、そこで21歳の息子、後のスレイマン大帝が芝居に興味を持つようになったと言われています。[ 31 ]
他の地域では、「想像の影」または「空想の影」と訳される比喩であるカヤル・アル・ジルとして知られる影絵芝居のスタイルが今も残っている。これは生演奏の音楽を伴う影絵芝居で、「太鼓、タンバリン、笛の伴奏…さらに…煙、火、雷、ガラガラ音、キーキー音、ドンドン音、その他観客の笑いや身震いを誘発する可能性のあるあらゆる特殊効果」[ 32 ]が用いられる。
イランでは、人形は西暦1000年よりもずっと前から存在していたことが知られていますが、当初は手袋人形と糸人形だけが人気でした。[ 33 ]トルコの影響がこの地域に広がるにつれて、カジャール朝時代（18世紀と19世紀）には他のジャンルの人形劇が登場しました。ヘイメ・シャブ・バジは、音楽家とモルシェドまたはナガルと呼ばれる語り部によって小さな部屋で上演される伝統的なペルシャの人形劇です。これらのショーは、伝統的な茶屋やコーヒーハウス（ガフヴェ・ハーネ）で物語とともに行われることがよくあります。対話はモルシェドと人形の間で行われます。イランの人形劇の最近の例としては、巡回オペラ「ロスタムとソフラブ」があります。
古代ギリシャの人形の現存する例はほとんどないが、歴史文献や考古学的発見は人形劇の存在を示している。 「人形」と訳されるギリシャ語は「νευρόσπαστος」（nevrospastos）で、文字通り「糸で引っ張られる、糸を引く」という意味である[ 34 ]。これは「νεῦρον」（nevron）（「腱、筋、筋肉、糸」または「ワイヤー」を意味する）[ 35 ]と「σπάω」（spaō）（「引く、引っ張る」を意味する）[ 36 ] [ 37 ]から成り立っている。アリストテレスは、糸を引いて頭、手、目、肩、脚を制御することに言及している[ 38 ] 。プラトンの著作にも人形劇への言及がある。『イリアス』と『オデュッセイア』は人形劇を用いて上演された。ヨーロッパの人形劇の起源は、紀元前5世紀に「一般の人々」向けに上演されたギリシャの人形劇に遡ると考えられます。紀元前3世紀には、これらの劇はアクロポリスのディオニュソス劇場で上演されるようになりました。[ 1 ]
古代ギリシャと古代ローマでは、紀元前500年頃の粘土人形や象牙人形が子供の墓から発見されている。これらの人形は腕と脚が関節で動いており、場合によっては頭のてっぺんから鉄の棒が伸びている。この棒は、現代のシチリア人形劇のように、上から人形を操作するために使われた。これらの人形の中には、棒の代わりに紐が付いているものもある。研究者の中には、これらの古代の人形は小さいため、人形ではなくおもちゃだったと考える人もいる。[ 39 ]
キリスト教会は、道徳劇を上演するために操り人形を用いた。[ 40 ]マリオネットという言葉は、聖母マリアの小さな人形に由来すると考えられており、そのため「マリオネット」または「マリア人形」という言葉が生まれた。[ 41 ]時が経つにつれて喜劇が劇に取り入れられ、最終的には人形劇を禁止する教会の布告につながった。人形遣いたちは大聖堂の外に舞台を設けることで対応し、さらに下品でドタバタ喜劇になった。ここからイタリア喜劇であるコメディア・デッラルテが生まれた。この形式の演劇では人形が使われることがあり、シェイクスピアの劇は俳優の代わりにマリオネットを使って上演されることもあった。[ 42 ]小さな城（右図）の中で人形劇が行われている様子を描いた初期の図は、ジャン・ド・グリーズの工房によって装飾されたフランドル写本『善良なアレクサンダー王のロマンス』（ Li romans du boin roi Alixandre）の54v葉に示されている。 1338年と1344年。[ 43 ]
シチリアでは、ロバの荷車の側面に、フランク王国のロマン派詩『ローランの歌』などの精緻な絵画が飾られています。これらの物語は、手作りの木製マリオネットを使った伝統的な人形劇でも上演されます。シチリア語ではこれを「オペラ・デイ・プーピ」、つまり「人形劇」と呼びます。「オペラ・デイ・プーピ」と、語り部を意味するシチリアのカンタストーリエの伝統は、 13世紀前半、神聖ローマ皇帝フリードリヒ2世の治世下のシチリアにおけるプロヴァンスの吟遊詩人の伝統に根ざしています。
18世紀は、マリオネット劇場を含むイタリア演劇全般の発展期でした。棒人形は主に下層階級のものでしたが、マリオネット劇場は啓蒙時代の祝祭として貴族階級の間で人気がありました。人形、人形劇場、人形劇の物語の効果と構造はすべて、特にヴェネツィアで人気がありました。[ 44 ] 19世紀には、ピエトロ・ラディッロのマリオネットはより複雑になり、棒と2本の糸だけではなく、最大8本の糸で制御されるようになり、マリオネットの個々の身体部位の制御が向上しました。
ギニョールは、その名を冠するようになったフランスの人形劇の主人公です。ギニョールは子供向けの娯楽と思われがちですが、その鋭い機知と巧みな言葉遣いは、大人にも常に高く評価されてきました。リヨンの劇団のモットー「ギニョールは子供を楽しませる…そして機知に富んだ大人も楽しませる」がそれを物語っています。ギニョールの生みの親であるローラン・ムルゲは、フランス革命中に苦境に陥り、1797年に歯科医を始めました。当時の歯科医の仕事は、歯を抜くことでした。患者を集めるために、彼は歯科医の椅子の前で人形劇を始めたのです。
彼の最初のショーでは、イタリアのコメディア・デッラルテから借用したキャラクター、ポリシネルが登場した。1804年までにその成功は目覚ましく、彼は歯科医の仕事をきっぱりと辞め、プロの人形遣いとなった。労働者階級の観客の関心事を題材にした独自のシナリオを作り、その日のニュースを即興で取り入れた。彼はリヨンの観客の日常生活により近いキャラクターを生み出し、最初はワイン好きの靴職人ニャフロン、そして1808年にはギニョールを創造した。ギニョールの妻マドロンや憲兵フラジオレなど、他のキャラクターもすぐに登場したが、これらは二人の主人公を引き立てる脇役でしかない。ギニョールの勝利は、善が悪に打ち勝つことなのだ。
伝統的なイギリスのパンチとジュディの人形劇は、16 世紀のイタリアのコメディア・デッラルテにルーツを持つ。[ 40 ]「パンチ」というキャラクターは、英語化された Punchinello というキャラクターのPulcinellaに由来する。彼は、根深い神話の人物である、騒乱の王とトリックスターの顕現である。パンチの妻は元々「ジョーン」であったが、後に「ジュディ」となった。18 世紀後半から 19 世紀初頭にかけて、イギリスに存在したおなじみのパンチとジュディの人形劇は、持ち運びやすいブースで上演された。20 世紀初頭の英国人形劇・模型劇場ギルドは、人形劇の復活を促した。ギルドの創設者であるH・W・ワンスローとウォルド・ランチェスターの二人は、主にマリオネットの芸術に焦点を当てた書籍や文学作品の出版を通して、人形劇の普及と発展に尽力した。ランチェスターは巡回劇団と、ウスターシャー州マルバーンに常設の劇場を持ち、マルバーン・フェスティバルに定期的に参加し、ジョージ・バーナード・ショーの注目を集めた。ショーの晩年の戯曲の一つである『シェイクス対ショー』は、この劇団のために書かれ、1949年に初演された。
1957年から1969年にかけて、ジェリー・アンダーソンは、ロバータ・リー主演の『トゥイズルの冒険』から始まり、 『ザ・シークレット・サービス』で終わる、マリオネットを主役としたテレビシリーズを数多く制作した。これらのシリーズの多くは、スーパーマリオネーションと呼ばれる技術を採用しており、事前に録音されたキャラクターのセリフを人形の口の動きに自動的に同期させていた。アンダーソンは1983年に『テラホークス』で人形劇に復帰し、1987年には未放送のパイロット版『スペース・ポリス』を制作した。
現在イギリスの人形劇劇場には、ロンドンのイズリントンにあるリトル・エンジェル・シアター、ロンドンのパペット・シアター・バージ、ノーウィッチ・パペット・シアター、ウェールズのロス・オン・シーにあるハーレクイン・パペット・シアター、スコットランドのラナークシャー州ビガーにあるビガー・パペット・シアターなどがあります。イギリスの人形劇は現在、幅広いスタイルとアプローチを網羅しています。ホース・アンド・バンブー・シアターやグリーン・ジンジャーなど、人形劇を視覚的に非常に魅力的な作品に取り入れているイギリスの劇団も数多くあります。1984年から1996年にかけて、人形劇はイギリスのテレビシリーズ「スピッティング・イメージ」で政治風刺の手段として使われました。人形劇は主流の演劇にも影響を与えており、最近の作品では、ロイヤル・ナショナル・シアターの「ウォーホース」やイングリッシュ・ナショナル・オペラの「蝶々夫人」など、人形劇と実写を組み合わせたものがいくつか上演されています。
プルチネッラのキャラクターがヨーロッパ中に広まるにつれて、多くの地域的なバリエーションが生まれた。オランダではヤン・クラッセン（ジュディはカトリン）、デンマークではメスター・ジャッケル、ロシアではペトルーシュカ、ルーマニアではヴァシラケである。ロシアでは、モスクワの中央人形劇場とその全国各地の支部が人形遣いと人形劇全般の評判を高めた。[ 45 ]
ドイツとオーストリアには人形劇の長い伝統がある。その多くは16世紀のイタリアのコメディア・デッラルテの伝統に由来する。[ 40 ]イギリスのキャラクター「パンチ」のドイツ版はカスパーレと呼ばれ、ジュディはグレーテと呼ばれている。[ 40 ] 18世紀には、マリオネット人形のために特別にオペラが作曲された。グルック、ハイドン[ 46 ] 、ファリャ、レスピーギは皆、マリオネットのための大人のオペラを作曲した。
1855年、フランツ・ポッチ伯爵はミュンヘン人形劇場を設立した。ドイツの劇作家、詩人、画家、作曲家であるポッチは、自身の劇場のために40の人形劇を書いた。アルブレヒト・ローザーはシュトゥットガルトで人形劇で大きな影響を与えた。彼のキャラクターである道化師グスタフと祖母はよく知られている。[ 47 ]祖母は、外見は魅力的だが、社会のあらゆる側面や人生の不条理についての観察は、非常にユーモラスである。
リンダウでは、2000年にベルナルド・ライスミュラーとラルフ・ヘッヘルマンによってリンダウ・マリオネット・オペラが設立された。同劇団は数多くのオペラ作品に加え、マリオネット・バレエ『白鳥の湖』も上演している。
アウグスブルクでは、 1943年にヴァルター・エーミヒェンによってアウグスブルク人形劇場が設立されました。現在も創設者の孫であるクラウス・マルシャルとユルゲン・マルシャルによって、隣接する人形博物館とともに運営されています。
はるか昔、オーストリアのザルツブルク近郊では、1913年にアントン・アイヒャー教授によってザルツブルク人形劇場が設立されました。ザルツブルク人形劇場は、グレトル・アイヒャーの指揮の下、最近まで専用劇場で人形を使った長編オペラを上演するという伝統を今もなお受け継いでいます。主に『こうもり』や『魔笛』などのオペラ、そして『くるみ割り人形』などの少数のバレエを上演しています。[ 48 ]
ウィーンのシェーンブルン宮殿には、40年以上前にクリスティーネ・ヒエルツァー＝リードラーとヴェルナー・ヒエルツァーによって設立された人形劇場もあります。[ 49 ]この人形劇場では、世界的に有名なオペラ、ミュージカル、おとぎ話が上演されています。
マリオネット人形劇は、プラハや旧チェコスロバキア、そしてチェコ共和国やスロバキアの各地で、非常に長い歴史を持つ娯楽である。その起源は中世初期にまで遡ることができる。[ 50 ]マリオネットが初めて登場したのは三十年戦争の頃である。[ 50 ]チェコで最初に有名な人形遣いは、1724年生まれのヤン・イジー・ブラットである。彼は地元の木工職人の息子で、自身の人形劇場を創設した。[ 50 ]マチェイ・コペツキーは19世紀のチェコの人形遣いで、[ 50 ]国民意識の思想を伝える役割を担った。[ 50 ]
1911年、ジンドリヒ・ヴェセリーはチェコ人形劇友の会を共同設立し、1912年には今日まで発行されている最古の人形劇専門誌『Loutkář』の発行を提唱した。[ 51 ]ヴェセリーは1929年にUNIMA （国際人形劇協会）の設立に重要な役割を果たし、初代会長に選出された。[ 52 ]
1920年と1926年にそれぞれ、ヨゼフ・スクパは、滑稽な父親といたずら好きな息子であるスペイブルとフルヴィーネクという人形キャラクターを創作した。 [ 53 ] 1930年には、彼は最初の近代的なプロの人形劇場を設立した。[ 54 ]重要な人形劇団は、プラハの国立マリオネット劇場である。そのレパートリーは主に、モーツァルトのオペラ「ドン・ジョヴァンニ」のマリオネット上演である。上演には時代衣装と18世紀の舞台設定が用いられている。マレク・ベチカが設立したブフティ・ア・ロウトキー（「ケーキと人形」）など、他の劇団もある。[ 50 ]人形は1946年以来、アニメーション映画で広く使用されている。[ 50 ]イジー・トルンカはこの分野の著名なリーダーであった。[ 50 ]ミロスラフ・トレイトナーは人形遣いであり、チェコの伝統的なマリオネット製作技術の教師である。[ 55 ]
2016年に、チェコとスロバキアの人形劇がユネスコの無形文化遺産リストに登録されました。[ 56 ] [ 57 ]
この期間を通して、人形劇は台頭しつつあった俳優劇団とは別に発展し、「ぼろをまとった」人形遣いたちは、見本市や市場などで劇場建物の外で公演を行い、盗賊と同列に分類され続けた。[ 1 ] 19世紀には、人形劇はボードビルやミュージックホールなどの他の形態の演劇との競争に直面した。
西暦600年のテオティワカン文化（中央メキシコ）では、葬儀の儀式の一環として、腕や脚が動く人形が作られました。ネイティブアメリカンも儀式用の人形を使用していました。[ 1 ] 1519年、エルナン・コルテスの最初のメキシコへの航海には、2人の人形遣いが同行しました。ヨーロッパ人は独自の人形の伝統を持ち込みましたが、徐々に北アメリカで独特のスタイル、形式、人形のキャラクターが発展しました。[ 2 ]
大恐慌時代、民俗人形遣いたちは移動遊園地とともに旅をし、自作の脚本と、自作のジオラマやマリオネットを用いて公演を行った。
20世紀の人形劇の進歩のいくつかはアメリカ合衆国で始まった。マリオネット人形劇は早くも1940年代にテレビと組み合わされ、アメリカ合衆国のハウディ・ドゥーディはこの分野で有名なマリオネットである。ビル・ベアードはアメリカ合衆国でマリオネット劇場と人形劇の活性化に取り組んだ。彼と妻のコーラ・アイゼンバーグはニューヨークに自分たちのマリオネット劇場を持っていた。腹話術師のエドガー・バーゲンも大きな貢献をした。[ 58 ] 1960年代には、ピーター・シューマンのパンと人形劇場が人形劇の政治的および芸術的可能性を独特で力強く、すぐに認識できる方法で発展させた。ほぼ同時期に、ジム・ヘンソンは柔らかい発泡ゴムと布製の人形を作り、それがまとめてマペットとして知られるようになった。当初は子供向けテレビ番組「セサミストリート」を通じて、その後「マペットショー」や映画で、これらのキャラクターは多くの模倣者を生み出し、今日ではほぼどこでも認識されています（ヘンソンは「ダーククリスタル」や「ラビリンス」などの映画で披露されているように、クリーチャーショップを設立してアニマトロニクスにも進出しました）。ウェイランド・フラワーズも、風刺的な人形「マダム」で大人の人形劇に貢献しました。
シドとマーティ・クロフトはアメリカを代表する人形遣いであり、主に60年代と70年代に制作した実写版子供向けテレビシリーズで知られていた。
スター・ウォーズ映画でも人形が使用されており、特にヨーダのキャラクターでよく見られる。ヨーダの声と操り人形はフランク・オズが担当した。
オーストラリアの先住民には、数千年にも遡る長い口承伝承の伝統があります。彼らは仮面やその他の道具を用いて、道徳や自然に関するテーマを伝えてきました。仮面は木を彫り、塗料や羽で豪華に装飾されていました。
1960年代のオーストラリアでは、ピーター・スクリブンがオーストラリア・マリオネット劇場を設立し、『ティントゥーキーズ』、『リトル・フェラ・ビンディ』 [ 59 ] 、『探検家たち』、『ウォーター・ベイビーズ』などのマリオネット作品を上演した。
オーストラリア・マリオネット劇場でピーター・スクリブンと共に活動していたフィリップ・エドミストンは、1977年に自身の劇団シアターストリングスのもとで、豪華なマリオネット作品『グランド・アドベンチャー』を上演した。127体のマリオネットを用いたこの作品は、12万豪ドルの制作費を投じて1977年5月28日にナンボーのシビックホールで初演され、その後シドニー、メルボルン、ブリスベンを巡回した。ミュージカルの作曲はエリック・グロス、脚本と作詞はハル・サンダースが担当した。物語は、ジェームズ・クック船長が植物学者のジョセフ・バンクスと共にエンデバー号で南太平洋の島々を巡った航海を大まかに描いたものである。エドミストンはその後、1980年代から1990年代にかけて、自身の新劇団クイーンズランド・マリオネット劇場で数多くの作品を上演し、クイーンズランド州を巡回した。[ 60 ] [ 61 ]
バーバラ・ターンブルと夫のビル・ターンブルによって設立されたビルバー人形劇団は、 1970年代と1980年代にクイーンズランド芸術評議会の後援のもとオーストラリア各地を広く巡回した。彼らのショーには、 『ラッキー・チャーム』 、『ファニーボーン』、モーツァルトのオペラ『バスティアンとバスティエンヌ』、そして『レイジー・ライザ』などがあった。ビルバー人形劇団の人形は現在、ブリスベンのクイーンズランド舞台芸術センターに保管されている。デビッド・ポールトンは、1970年代後半から長年にわたり、妻のサリーと共に「ストリングス・アンド・シングス」としてクイーンズランド芸術評議会を通じてマリオネットショーを巡回した。[ 62 ]グウェンとピーター・イリフもパペット・ピープルと共に巡回した。彼らのショーの1つは、ビゼーの音楽を使用した『ビーズ・ヘイ』だった。もう1つの成功したグループはエマー人形劇団だった。 [ 63 ]
デビッド・ハミルトンは独立してツアーを行っており、以前はクイーンズランド芸術評議会の後援のもとでツアーを行っていた。[ 64 ]彼の人形のいくつかは、2018年にクイーンズランド舞台芸術複合施設で開催された人形特別展で展示された。[ 65 ]
コメディアンでラジオパーソナリティのジェイミー・ダンは、マペット風のキャラクター「アグロ」で有名で、 1980年代から1990年代にかけてセブン・ネットワークの数々のテレビ番組に出演した。
ジム・ヘンソン・カンパニーの人形遣いから米国で正式な訓練を受けたブレット・ハンセンと、彼がブリスベンを拠点とするラリキン・パペッツ社[ 66 ]は、オーストラリアで積極的に活動している数少ないマペットスタイルの人形遣いの1つである。ブリスベンのレッドランズ地区を拠点とするキャバレー・パペット・シアターも、子供向けと大人向けの公演でツアーを行っている[ 67 ] 。
メルボルンでは、ハンドスパン・シアター（1977年～2002年）が、ささやかな集団から始まり、大規模でデザイン性の高い「ビジュアル・シアター」と呼ばれる劇場形式へと発展し、オーストラリア国内外で革新的なプロジェクトやマルチメディア・コラボレーションの温床となった。2021年には、ロブ・アービンと教師のクリス・エルキントンが、カリキュラムのテーマに基づいた教育的な人形劇を学校や幼稚園に巡回して提供するというビジョンを持って、メルボルン・パペット・カーファッフルを設立した。[ 68 ]その後、ビクトリア州内外のショッピングセンターやフェスティバルにエンターテイメントを提供するまでに拡大した。
メルボルン大学ビクトリア芸術大学には、1990年代後半に大学院課程が存在していたが、その後廃止された。
オーストラリアの人形遣いノーマン・ヘザリントンは、1959年7月1日から1999年7月9日までオーストラリア放送協会（ABC）のテレビ番組に出演した操り人形「ミスター・スクイグル」で有名だった。彼は毎回、全国の子供たちから送られてきた「ぐにゃぐにゃした線」をもとに、いくつかの絵を作り上げていた。
リチャード・ブラッドショーOAMは、もう一人のオーストラリアの人形遣いです。彼はUNIMAオーストラリアの元会長であり、オーストラリア・マリオネット・シアター・カンパニーの元芸術監督であり[ 69 ]、影絵人形劇とこの分野での執筆活動を行っています。
ロッド・ハルもまた、自身の操り人形であるエミューで貢献した。1960年代、ハルはオーストラリアで子供向けの朝のテレビ番組の司会を務めた。
スナッフ・パペッツは、オーストラリアの現代人形劇団の一つである。メルボルンを拠点とする彼らの作品には、ブラックユーモア、政治風刺、性風刺が含まれている。
メルボルン市のアートプレイとフェデレーション・スクエアでは、毎年冬に人形劇のフェスティバルが開催されます。
シドニーでは、1966年にジョンとジャッキー・ルイスによって設立されたジェラル・パペッツが、パペテリア・パペット・シアターやツアーで定期的に公演を行っている。[ 70 ]
西オーストラリア州フリーマントルのスペアパーツ・パペット・シアターは、西オーストラリア工科大学（現在のカーティン工科大学）が開始したアーティスト・イン・レジデンス・プログラムの一環として、1981年にピーター・ウィルソン[ 71 ] 、キャスリン・ロビンソン、ベバリー・キャンベル＝ジャクソンによって設立された[ 72 ] 。同劇団の最初のプロジェクトは、 1981年のパース・フェスティバルで上演されたクリストファー・マーロウの『ドクター・ファウスト』の人形劇化だった[ 72 ]。
19世紀初頭から、人形劇は「ハイアート」の伝統を持つ芸術家たちにインスピレーションを与え始めた。1810年、ハインリヒ・フォン・クライストは「マリオネット劇場について」というエッセイを書き、人形の「自己意識の欠如」を称賛した。人形劇は20世紀を通じて様々な形で発展した。映画、テレビ、その他の映像メディアの並行的な発展に支えられ、今ではかつてないほど多くの観客に届いている。世紀初頭から始まったもう一つの発展は、人形劇は、その大衆的で民俗的なルーツにもかかわらず、大人の観客に大人の実験的な声で語りかけ、俳優による演劇のハイアートの伝統を活性化できるという信念であった。[ 73 ]
セルゲイ・オブラツォフは「人形らしさ」の概念を探求した。エドワード・ゴードン・クレイグやエルヴィン・ピスカトールなど、他の劇作家も人形劇の影響を受けた。メーテルリンク、ショー、ロルカらは人形劇を書き、ピカソ、ジャリ、レジェなどの芸術家は演劇の分野で活動を始めた。[ 1 ]クレイグの「超マリオネット」の概念――演出家が俳優を物のように扱う――は、現代の「オブジェ演劇」や「身体演劇」に大きな影響を与えている。タデウシュ・カントールは、俳優の代わりに人形を使うことが多かったり、両方を組み合わせたりして、舞台の端から各公演を指揮し、ある意味では人形遣いに似ていた。
カントールは、リチャード・フォアマンやロバート・ウィルソンといった、演劇用語で「オブジェ」に関心を寄せ、「それを舞台に置き、さまざまな見方を見つける」ことを目指す、新しい形式主義的な演出家世代に影響を与えた（フォアマン）。トニー・サージ、ウォルド・ランチェスター、ジョン・ライト、ビル・ベアード、ジョアン・バイシャス、セルゲイ・オブラツォフ、フィリップ・ジャンティ、ピーター・シューマン、ダッタトレヤ・アラリカッテ、リトル・プレイヤーズ、ジム・ヘンソン、ダディ・プドゥムジー、ジュリー・テイモアといった人形遣いたちも、人形劇の形式と内容を発展させ続けており、「人形劇場」という言葉はもはや伝統的なマリオネット、手袋人形、棒人形の形式に限定されない。ブレッド・アンド・パペット・シアターのピーター・シューマン、ホース・アンド・バンブー・シアターのボブ・フリス、イン・ザ・ハート・オブ・ザ・ビースト・パペット・アンド・マスク・シアターのサンディ・シュパイラーといった演出家や劇団も、演者、人形、小道具が主に視覚的な演劇世界に統合され、話し言葉の使用が最小限に抑えられたマスクと人形劇を組み合わせている。[ 74 ]
人形遣いでありマペットの生みの親であるジム・ヘンソンが設立したジム・ヘンソン財団は、米国における人形劇の振興と発展を目的とした慈善団体です。同財団は、革新的な人形劇アーティストに440件の助成金を授与してきました。[ 75 ]アイダホ州ボイシのホームグロウン・シアターなど、21世紀初頭の人形劇団は、ミレニアル世代向けの前衛的な風刺の伝統を受け継いでいます。[ 76 ] [ 77 ]
国際人形劇フェスティバル（PIF）は、1968年以来、毎年9月中旬にクロアチアのザグレブで開催されている。 [ 78 ]
ミシサガ人形祭は、 2020年から毎年3月にカナダのオンタリオ州ミシサガで開催されている。[ 79 ]
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