ロバート・ウィルソン（監督）

ロバート・ウィルソン
2014年のウィルソン
生まれる	( 1941-10-04 )1941年10月4日（83歳） テキサス州ウェーコ、米国
教育	プラット インスティテュート( BFA )
職業	演出家、アーティスト
活動年数	1960年代～現在
Webサイト	robertwilson.com

ロバート・ウィルソン（1941年10月4日生まれ）は、アメリカの実験演劇の舞台監督、劇作家であり、『ニューヨーク・タイムズ』紙からは「[アメリカ]、いや世界でも最も先駆的な『演劇芸術家』」と評されている。 ^[1]また、振付家、パフォーマー、画家、彫刻家、ビデオアーティスト、音響・照明デザイナーとしても活動している。

ウィルソンは、フィリップ・グラスやルシンダ・チャイルズと共演した『浜辺のアインシュタイン』や、トム・ウェイツとの頻繁な共演で最もよく知られている。1991年、ウィルソンはニューヨーク州ロングアイランドのイーストエンドに「パフォーマンスの実験室」であるウォーターミル・センターを設立し、オペラや劇団、文化祭などと定期的に仕事をしている。ウィルソンは「特にヨーロッパの近代的な探求の中で、最も重要な文化センター、ギャラリー、美術館、オペラハウス、劇場、そしてフェスティバルで前衛芸術家として成長してきた」^{[2] 。}

ウィルソンはテキサス州ウェーコで、ローリー・ベルマ（旧姓ハミルトン）と弁護士のD・M・ウィルソンの息子として生まれた。 ^[3] 保守的な家庭のゲイの息子として、彼は困難な青春時代を過ごした。^[4]「私が育った頃は、劇場に行くのは罪だった。女性がズボンを履くのも罪だった。学校には祈祷箱があって、誰かが罪を犯しているのを見たら、その人の名前を祈祷箱に入れることができた。金曜日には、祈祷箱に名前が入った人のために皆が祈った。」^[5]彼は吃音症で、地元のダンスインストラクターのバード・「ベイビー」・ホフマンのところに連れて行かれ、吃音を克服するのを手伝ってもらった。^{[6]地元の学校に通った後、1959年から1962年まで}テキサス大学 で経営学を学んだ。

1963年にニューヨークのブルックリンに移り、分野を変えて美術と建築を学んだ。ある時、アリゾナに行き、砂漠にあるパオロ・ソレリの複合施設で建築を学んだ。 ^{[7]ウィルソンは、}ジョージ・バランシン、マース・カニンガム、マーサ・グラハムなどの先駆的な振付師の作品に魅了された。 ^[8]ニューヨークで脳損傷や障害を持つ子供たちとの治療演劇に携わった。1965年にプラット・インスティテュートで建築学のBFAを取得した。 ^[9]「鉄の肺の患者のためのバレエで、参加者が口で蛍光灯を動かし、用務員がミス・アメリカの格好で踊った」^[6]この時期に、シビル・モホイ＝ナジ（ラースロー・モホイ＝ナジの未亡人）の講義にも出席し、アーティストのジョージ・マクニールに絵画を学んだ。^[要出典]

1968年、ウィルソンは実験的なパフォーマンスカンパニー、バード・ホフマン・スクール・オブ・バーズ（10代の頃に吃音症を克服するのを助けてくれた教師にちなんで名付けられた）を設立した。このカンパニーで、1969年の『スペイン王』と『ジークムント・フロイトの生涯』を皮切りに、ウィルソンは最初の主要作品を監督した。 1970年代初頭にはオペラの仕事を始め、作曲家のフィリップ・グラス、振付師のルシンダ・チャイルズとともに『浜辺のアインシュタイン』を創作した。この作品でウィルソンと彼女のアーティストは世界的に有名になった。『アインシュタイン』の後、ウィルソンはヨーロッパの主要な劇場やオペラハウスでの仕事が増えていった。^[10]ニューヨークでの初公演では、メトロポリタン歌劇場はウィルソンに公演のない日曜日に劇場を借りることを許可したが、作品の制作は行わなかった。^[11]

1970年、ウィルソンと、振付師アンディ・デグロート、ダンサー兼俳優のシェリル・サットンを含む協力者グループ^[12]は、アイオワシティで「無声オペラ」Deafman Glanceを考案し、12月15日にセンター・フォー・ニュー・パフォーミング・アーツで初演した。Deafman Glanceの初演には、レイモンド・アンドリュースやアナ・メンディエタなど多くのキャストが出演した。このショーはその後、フランスのナンシー音楽祭やブルックリン音楽アカデミーに巡回した。後に、デザイナーのピエール・カルダンの支援を受けてパリでも初演された^[11]。シュルレアリスムの詩人ルイ・アラゴンはこの作品を気に入り、シュルレアリスムの詩人アンドレ・ブルトン（1966年に死去）に宛てた手紙^[11]を出版し、その中で彼はウィルソンを「シュルレアリスムを生み出した私たちが夢見ていたものが、私たちの後に続き、私たちを超えるだろう」と称賛した。^[13] 1975年、ウィルソンはバーズを解散し、プロの俳優を起用し始めた。^[6]

1983/84年、ウィルソンは1984年夏季オリンピックのために『南北戦争：木は倒れたときに最もよく測られる』というパフォーマンスを計画した。この作品は全6部構成で、上演時間は12時間になるはずだった。しかし、制作は部分的にしか完了せず、オリンピック芸術祭は資金不足のためイベント全体を中止した。^[14] 1986年、ピューリッツァー賞の審査員は満場一致で『南北戦争』を演劇賞に選んだが、審査委員会はその選択を拒否し、その年の演劇賞は授与されなかった。^[15]

1990年だけでも、ウィルソンは西ドイツの4つの都市で4つの新作を制作した。フランクフルトではシェイクスピアの『リア王』 、ミュンヘンではチェーホフの『白鳥の歌』 、西ベルリンではヴァージニア・ウルフの『オーランドー』の翻案、ハンブルクではウィルソン、トム・ウェイツ、ウィリアム・S・バロウズの共作『黒騎士』である。^[14]

1997年にヨーロッパ演劇賞を受賞した。^[16]

1998年、ウィルソンはスウェーデンのストックホルム市立劇場でアウグスト・ストリンドベリの『夢の劇』を上演した。この作品は後にレックリングハウゼン、ニース、パース、ボン、モスクワ、ニューヨーク、ロンドンの演劇祭でも主役を務めた。^{[17] [18]}

2010年、ウィルソンは作曲家（そして長年の協力者）のトム・ウェイツ、アイルランドの劇作家マーティン・マクドナーとともに新しい舞台ミュージカルに取り組んでいた。^[19]ジョン・ケージの『レクチャー・オン・ナッシング』の舞台化は、2012年のルールトリエンナーレでのケージ生誕100周年記念のために委嘱されたもので、^{[20]カリフォルニア大学ロサンゼルス校（UCLA）の}ロイスホールのパフォーマンス芸術センターによって米国初演された。 ^{[21]ウィルソンは、2019年に}メルボルン芸術センターで開催されたスーパーセンス・フェスティバルで『レクチャー・オン・ナッシング』のオーストラリア初演を行った。^[22]

2013年、ウィルソンはミハイル・バリシニコフと協力し、ウィレム・デフォーと共演して、ロシアの作家ダニイル・ハルムスの作品を翻案した『老女』を制作した。この劇はマンチェスター国際フェスティバルMIF13で初演された。^{[23]ウィルソンは、}バリシニコフと何年も一緒に劇を作ることを話し合っていたと記しており、おそらくロシア語のテキストに基づいている。^[24]最終的な作品には、ダンス、照明、歌、バイリンガルのモノローグが含まれていた。

1999年以来、ウィルソンはベルリンで9つの演劇作品を初演している。対照的に、2013年時点で彼がアメリカで最後に委嘱を受けたのは21年前である。^[25]

2010年現在、彼は最も評価の高い作品の再演を監督し続けており、その中にはロンドン、サンフランシスコ、シドニー、オーストラリア、ロサンゼルスでの『黒騎士』 、ニューヨークとバルセロナでの『聖アントニウスの誘惑』 、ベルリンでの『経験』 、モスクワのボリショイ歌劇場での『蝶々夫人』、パリのシャトレ座でのワーグナーの『ニーベルングの指環』などがある。^[10]

ウィルソンはまた、ミラノのスカラ座とパリのガルニエ宮のオペラハウスで上演されるモンテヴェルディのすべてのオペラの指揮も行っている。 ^[26]

2021年、ウィルソンはブルガリアのソフィアにあるイヴァン・ヴァゾフ国立劇場でシェイクスピアの『テンペスト』の再演を監督した。^[27]

2022年には演劇『UBU』を監督し、パルマのエス・バラード美術館で初演された。^[28]

舞台作品のほかに、ウィルソンは彫刻、絵、家具デザインも手がけている。1976年12月にポーラ・クーパー・ギャラリーで展示されたウィルソンの絵コンテは、ある評論家から「連続芸術であり、ウィルソンの演劇スタイルのスローモーションのテンポに相当する。絵を次から次へと描く中で、細部が提案され、分析され、洗練され、再定義され、様々な姿勢で動かされる」と評された。^{[29]彼は1993年の}ヴェネツィア・ビエンナーレで彫刻インスタレーションで 金獅子賞を受賞した。 ^[要出典] 2004年、アリ・ホサイニはウィルソンにテレビ局LAB HDでのレジデンスをオファーした。^[30]それ以来、ウィルソンはプロデューサーのエスター・ゴードン、後にマシュー・シャタックとともに、Voom Portraitsとして知られる高解像度ビデオを数十本制作している。この好評を博したプロジェクトの協力者には、作曲家のマイケル・ガラッソ、故アーティスト兼デザイナーのユージン・ツァイ、ファッションデザイナーのケビン・サントス、照明デザイナーのウルス・シェーネバウムなどが含まれていた。有名人の被写体に加えて、モデルには王族、動物、ノーベル賞受賞者、浮浪者などが含まれていた。^[31]

2011年、ウィルソンはヘルシンキのアラビアンランタ地区にフィンランド人デザイナー、タピオ・ウィルッカラ（1915-1985）に捧げられたアートパークを設計した。彼が計画した長方形の公園は、中央の広場が茂みで区切られた9つの同じ大きさのフィールドに分かれている。各フィールドには、家に関連したオブジェクトが設置される。たとえば、1つのユニットは、座席として機能する石に囲まれた小さな暖炉で構成される。公園は、地面に埋め込まれた大きなライトボックススタイルのランプと、通常のフロアランプをモデルにした小さなランプで照らされる。^[32]

2013年、アメリカのポップシンガー、レディー・ガガは、彼女のARTPOPプロジェクトの一環としてウィルソンとコラボレーションすることを発表した。その後、彼は彼女の2013年MTVビデオ・ミュージック・アワードのパフォーマンスのセットをデザインした。^[33]ウィルソンはまた、ガガに彼のVoom Portraitsのポーズをとるよう提案した。^[33]ルーブル美術館の客員キュレーターとして滞在することが近づいていることを知っていたウィルソンは、美術館のコレクションから死を扱ったテーマを選んだ。彼らはロンドンのスタジオで3日間にわたってビデオを撮影し、ガガは一度に14時間から15時間立ち続けた。^[33]「リビングルーム」と呼ばれるこの展覧会には、2つのビデオ作品が含まれていた。1つはジャック＝ルイ・ダヴィッドの「マラーの死」に触発されたもので、絵画ギャラリーに展示され、もう1つはレディー・ガガがアングルの絵画に命を吹き込むものである。^[11]ルーブル美術館の講堂では、ウィルソンが一連のパフォーマンス、会話、映画上映、ディスカッションを主催または参加した。^[34]レジデンスの目玉は、ニューヨークにあるアーティストの個人コレクションから集められた品々で満たされた部屋で、アフリカの仮面、シェーカーチェア、古代中国の陶磁器、マレーネ・ディートリッヒが履いていた靴、ロバート・メイプルソープが1980年代初頭に撮影したウィルソンとグラスの写真などが展示されている。^[11]

ウィルソンはニューヨークに住んでいる。2000年時点では、「ニューヨークのアパートで年間10日を過ごす」と見積もっていた。^[35]彼は長年、1970年代にコラボレーションしたダンサー兼振付師のアンディ・デ・グロートと恋愛関係にあった。 ^[36]

ウィルソンは演劇の限界を押し広げることで知られています。彼の作品は、その厳格なスタイル、非常にゆっくりとした動き、そしてしばしば空間や時間の極端なスケールで知られています。『ヨシフ・スターリンの生涯と時代』は12 時間のパフォーマンスでしたが、『KA MOUNTain and GUARDenia Terrace』はイランの山頂で上演され、7 日間続きました。^[要出典]

言語は演劇の最も重要な要素の一つであり、ロバート・ウィルソンはそれを様々な方法で巧みに操る。ウィルソンが演劇のこの分野に与えた影響は計り知れない。ブランダイス大学演劇教授アーサー・ホルムバーグは「演劇において、ロバート・ウィルソンほど言語の危機を劇化した猛烈な天才はいない」と述べている。^{[37] : 41}ウィルソンは作品の中で、言語の「何」と「なぜ」が非常に重要であり、見過ごすことはできないことを明確にしている。ウィルソンの共作者で著名な作詞家トム・ウェイツは、ウィルソンの言葉とのユニークな関係について次のように語っている。

ボブにとって言葉は、夜の闇の中で裸足で台所の床に打ち込まれた鋲のようなものだ。ボブは言葉を通して、怪我をすることなく歩ける道を切り開く。ボブは言葉の価値と形を変える。ある意味では言葉はより多くの意味を帯びるが、場合によってはより少ない意味を帯びる。^{[37] : 43}

ウィルソンは、彼のすべての作品を通して、そしてさまざまな形で、言語の重要性を示しています。彼は、ガートルード・スタインの作品を読み、彼女のスピーチの録音を聞いたことが「[彼の]考え方を永遠に変えた」と述べています。^[38]ウィルソンは、1990年代にスタインの3つの作品を監督しました。『ドクター・ファウストス ライト・ザ・ライト』（1992年）、『フォー・セインツ・イン・スリー・アクトス』（1996年）、『セインツ・アンド・シンギング』（1998年）です。

ウィルソンは言語、そしてその構成要素である言葉を、一種の「社会的遺物」とみなしている。^{[37] : 44}言語は時間とともに変化するだけでなく、人や文化によっても変化する。知的障害を持つ子供たちと働いた経験と、自閉症の詩人として有名なクリストファー・ノウルズの協力を得て、ウィルソンは言語をさまざまな観点から攻撃することができた。ウィルソンは、しばしば「ミルトンの豪華さと現代の長調、カンニング詩と言葉にならない叫び声など、さまざまなレベルの言葉遣いを並置する」ことでこれを受け入れ、言語がいかに捉えどころがなく、いかに絶えず変化するかを観客に示そうとしている。^{[37] : 44}言葉を視覚的に見せることも、ウィルソンが言語の美しさを示すために使用するもう 1 つの方法である。彼の舞台装置、プログラムの表紙、ポスターには、しばしば言葉が落書きされている。これにより、観客は「言語自体」を見ることができるのであって、「言語が指し示す対象や意味」を見るのではない。^{[37] : 45}

言語の欠如はウィルソンの作品にも欠かせない要素です。芸術家が正と負の空間を使用するのと同じように、ウィルソンはノイズと沈黙を使用します。『リア王』の制作に携わる中で、ウィルソンは無意識のうちに沈黙の必要性について語っています。

ここでの俳優の訓練方法は間違っている。彼らは台本を解釈することしか考えていない。彼らは言葉をどう話すかばかり気にしていて、自分の身体については何も知らない。彼らの歩き方を見ればそれがわかる。彼らは空間における身振りの重みを理解していない。優れた俳優は指一本を動かすだけで観客を操ることができる。^{[37] : 49}

沈黙の強調は、彼の作品のいくつかで完全に探求されている。『デフマン・グランス』は台詞のない劇であり、ハイナー・ミュラーの劇『カルテット』 [de]の翻案には15分間の台詞のないプロローグが含まれていた。ホルムバーグはこれらの作品について次のように述べている。

言語は多くのことをうまくこなす。しかし、私たちは言語がうまくできないことには目をつぶりがちだ。言葉は傲慢だが（言葉は伝統的な演劇を鉄拳で支配している）、すべての経験を言語コードに翻訳できるわけではない。^{[37] : 50}

20世紀の著名な劇作家ウジェーヌ・イヨネスコは、ウィルソンが「ベケットを超えた」のは「ウィルソンの沈黙は語る沈黙である」からだと述べた。^{[37] : 52}舞台上の沈黙は観客を不安にさせるかもしれないが、その不在によって言語がいかに重要であるかを示す目的がある。それはウィルソンが自らの問いに答えるための手段である。「なぜ誰も見ないのか？なぜ誰も見方を知らないのか？なぜ誰も舞台上で何も見ないのか？」^{[37] : 52}

ウィルソンが使用するもう 1 つの手法は、言葉が特定の登場人物にとってどのような意味を持つかという手法です。彼の作品「私はパティオに座っていました。この男が現れました。私は幻覚を見ていると思いました」には、2 人の登場人物しか登場せず、どちらも同じ意識の流れの独白を語ります。この劇の初演では、1 人の登場人物は「よそよそしく、冷たく、そして正確」でしたが、もう 1 人の登場人物は「スクリューボール コメディ…温かさと色彩…遊び心」をもたらしました。^{[37] : 61}強調点や話し方の違いにより、独白に 2 つの異なる意味がもたらされ、「観客は同じ独白を 2 回聞いたとは信じられませんでした。」^{[37] : 61}言葉の意味を観客に伝えるのではなく、彼は言葉の解釈を自由にし、「意味は馬が馬つなぎ柱に縛られているように言葉に縛られているのではない」という考えを提示します。^{[37] : 61}

動きはウィルソンの作品の重要な要素です。ダンサーとして、彼は俳優が舞台上でどのように動くかの重要性を理解し、その動きが持つ重みを知っています。イプセンの『死者が目覚めるとき』の「無言劇」の演出について語るとき、ウィルソンはこう言います。

テキストに取り組む前に動きをします。テキストと動きは後で組み合わせます。最初に動きをするのは、言葉がなくても自立できるほど強いものであることを確認するためです。動きには独自のリズムと構造が必要です。テキストに追従してはいけません。テキストを描写しなくてもテキストを補強できます。聞くものと見るものは2つの異なるレイヤーです。これらを組み合わせると、別のテクスチャが生まれます。^{[37] : 136}

動きを重視するウィルソンは、オーディションをその必要性に合わせて調整する。オーディションでは、「ウィルソンはしばしば手の込んだ動きのシーケンスを行い」、「俳優にそれを繰り返すように求める」。^{[37] : 136}南北戦争の俳優トーマス・デラーは、オーディションのプロセスに困惑した。「私が入ったとき、[ウィルソンは] 31 カウントで部屋を横切って歩き、7 カウントで座り、59 カウントで額に手を当てるように言った。私はそのプロセス全体に困惑した。」^{[37] : 137}ウィルソンの作品における動きの重要性をさらに確固たるものにするために、南北戦争の別の俳優セス・ゴールドスタインは、「私が舞台に上がった瞬間から立ち去るまでのすべての動きは、秒単位で振り付けられていた。テーブルのシーンで私がしたことは動きを数えることだけだった。考えていたのはタイミングだけだった。」と述べた。^{[37] : 137}

動きに台詞を加える段階になると、まだやるべきことがたくさんあります。ウィルソンは台詞に細心の注意を払いながらも、観客が台詞を吸収できる「台詞の周囲に十分なスペース」があることを確認します。^{[37] : 139}この時点で、俳優たちは自分の動きとそれが実行される時間を把握しており、ウィルソンは台詞の特定の部分にアクションを付け加えることができます。彼の全体的な目標は、台詞のリズムと動きのリズムを異ならせて、観客が台詞と動きをまったく別のものとして見ることができるようにすることです。台詞と動きの段階では、ウィルソンはリハーサルをしばしば中断し、「何かがおかしい。台本をチェックして、数字が正しい場所に置かれているか確認する必要がある」などと言います。^{[37] : 139}彼はさらに、このことの重要性について説明します。

言葉と動きを切り離し、2つの異なるリズムを維持するのは大変なことだとわかっています。舌と体を互いに対抗させ続ける訓練には時間がかかります。しかし、私たちの言葉とはまったく関係のないことが体に起こります。心と体が2つの異なる場所にあり、現実の異なる領域を占めている方が興味深いのです。^{[37] : 139}

これらのリズムは、動きの背後にある意味とそれが言語とどのように一致しているかを意識的および無意識的に理解しながら、心を緊張させます。

ウィルソンは、作品の中で言語の欠如を使っているのと同じように、動きの欠如が持つ重要性も認識している。『メディア』の演出では、リードシンガーがアリアの間ずっと静止し、他の多くの人が彼女の周りを動き回るという場面を演出した。ウィルソンは次のように回想している。「彼女は、私が彼女に動きを与えなければ、誰も彼女に気づかないと不満を漏らした。私は、彼女に、立ち方を知っていれば、みんなが彼女に注目するだろうと言った。私は、千年も同じ場所に立っている女神の大理石像のように立ちなさいと言った」。^{[37] : 147}俳優が一言も発することなく、そのような舞台での存在感を放つことを許すことは非常に挑発的であり、それはまさにウィルソンが舞台上での動きの感覚で達成しようとしていることである。

ウィルソンは「演劇の最も重要な部分」は光だと考えている。^{[37] : 121}彼は舞台上でどのようにイメージが定義されるかに関心があり、これは物体やタブローの光と関係している。彼は照明デザインが作品に命を吹き込むことができると感じている。ウィルソンの南北戦争の舞台デザイナー、トム・カムは彼の哲学を次のように説明している。「ウィルソンにとって舞台は、光が絵の具のように当たるキャンバスなのです。」^{[37] : 121}彼は「照明の仕方がわかれば、何でも金色に見せることができます。私は光で絵を描き、建物を作り、作曲します。光は魔法の杖なのです。」^{[37] : 121}

ウィルソンは「照明デザイナーとして認められた唯一の大物監督」であり、一部の人々からは「現代最高の照明アーティスト」と認められている。^{[37] : 122}彼は、オンオフのパターンではなく、流れるような光をデザインし、照明を「楽譜のような」ものにしている。^{[37] : 123}ウィルソンの照明デザインは「濃密で触知できる質感」を特徴とし、「人々や物が背景から飛び出す」ことを可能にする。^{[37] : 123}カルテットのデザインでは、ウィルソンはわずか90分の間に400の照明キューを使用した。^{[37] : 122}

彼は完璧主義者で、自分のビジョンをあらゆる面で実現しようとします。カルテットの15分間のモノローグを照明するのに2日かかり、片手のジェスチャーに3時間近くかかりました。^{[37] : 126}この細部へのこだわりは、「光は舞台で最も重要な役者である」という彼の信念を表しています。^{[37] : 128}演劇の専門家オクタヴィアン・サイウとの会話の中で、ウィルソンは自分のスタイルがよく模倣されることに困惑していないかと尋ねられました。彼の答えは、「世界は図書館である」ので、すべてのアーティストは他のアーティストから自由に借りることができるというものでした。^[39]

ウィルソンのデザインに対する関心は、彼がデザインし、時には製作にも参加する作品の小道具にも及んでいる。家具、電球、巨大なワニなど、ウィルソンはそれぞれをそれ自体で芸術作品として扱う。彼は、舞台上で「バランス、バランス、視覚的な関係をチェック」するために、最終的な小道具が作られる前に、それぞれの小道具の実物大模型を作ることを要求している。^{[37] : 128}彼が模型を承認すると、スタッフが小道具を製作し、ウィルソンは「満足するまで何度も何度も何度も送り返すことで有名」である。^{[37] : 128}彼は細部へのこだわりが非常に厳しく、カルテットのテクニカルディレクターであるジェフ・マスコヴィンが、完全に木製の椅子ではなく、木製の皮が付いたアルミ製の椅子を使うことを提案したとき、ウィルソンは次のように答えた。

いいえ、ジェフ、私は木製の椅子が欲しいのです。アルミニウムで作ったら、倒れて床に落ちたときに音がおかしくなります。木ではなく金属のような音になります。不自然な音になります。丈夫な木材を選ぶようにしてください。節のないものにしてください。^{[37] : 129}

こうした細部へのこだわりと完璧主義は、通常、高価な小道具コレクションを生み出した。「キュレーターはそれらを彫刻とみなしている」^{[37] : 129}そして、小道具は「4,500ドルから80,000ドル」の価格で販売された。^{[40] : 113}

大規模な回顧展がパリのポンピドゥー・センター（1991年）とボストン美術館（1991年）で開催されている。アムステルダム市立美術館、ロッテルダムのボイマンス＝ファン・ベーニンゲン美術館（1993年）、ロンドンのクリンク・ストリート・ヴォールト（1995年）、ノイエ・ナショナルギャラリー（2003年）、ニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ビルバオ・グッゲンハイム美術館でインスタレーション作品を発表した。^[41]イサム・ノグチへのトリビュート作品はシアトル美術館で展示され、Voom Portraits展はハンブルク、ミラノ、マイアミ、フィラデルフィアを巡回した。^[10] 2012年、タイムズスクエア・アーツはウィルソンを招き、タイムズスクエアに並んだ20以上のデジタルスクリーンで3分間のビデオポートレートから選りすぐりの作品を上映した。^{[41] [42]} 2013年に彼はホワイトハウスビエンナーレ/テッサロニキビエンナーレ4に参加した。彼はアーティストのベティナ・ウィッテヴィーンと協力し、彼女の写真集「Sacred Sister」に基づいた展示スペースを制作した。この本はウィッテヴィーンが1995年にインドネシアと東南アジアで撮影した女性の写真で構成されている。展示スペースは2003年にアートバーゼルマイアミビーチで設置され、スタジオの床に秋の葉の層で構成されている。^[43]

ウィルソンは、RW Work, Ltd. (ニューヨーク) によって世界中で独占的に代理されており、ニューヨーク市の彼のギャラリストはPaula Cooper Galleryです。

1991年、ウィルソンはニューヨーク州ロングアイランドの東端にある元ウェスタンユニオン研究所の跡地にウォーターミルセンターを設立した。当初は「パフォーマンスのための研究所」として設計されていたウォーターミルセンターは、年間を通じてアーティストのレジデンス、公共教育プログラム、展示会、パフォーマンスを行っている。センターは10エーカー（4.0ヘクタール）の庭園と設計された景観のキャンパス内に位置し、ウィルソンが収集した数多くの芸術作品が収蔵されている。^[35]

1997年、彼はタオルミーナで第5回ヨーロッパ演劇賞を受賞しました。受賞理由は以下の通り。

第5回ヨーロッパ演劇賞の審査員は、時間的次元を覆し空間的次元をたどる舞台芸術の独自の再発明を目指した30年間の取り組みを称え、ロバート・ウィルソンに同賞を満場一致で授与した。ウィルソンは、単なる現実の演出を拒否し、テキストの抽象的または非公式なビジョンを提示し、また、可能な限り、作者、監督、パフォーマー、舞台美術家、魔法の照明デザイナーとしてのパフォーマンスの創作に全体的に介入することで、役割を再定義した。職業は建築家であるこの芸術家は、イメージの重要性を高めるために視覚芸術を無視しない学際的な言語を追求し、音楽によるサポートを復活させてダンスにアプローチし、同時に、トータルシアターの形式に向けた理想的な緊張関係の中で、話された言葉の中に純粋に調和のとれた価値を見出そうとした。

彼の作品は、総合的な作品を構成する絶え間ない進化の過程にある、一つの作品の一部であると考えられています。ウィルソンは、そのキャリアを通じて、さまざまなジャンルと対峙し、言語の一致によってそれらを近づけてきました。彼は古典的な作品と特別に書かれた作品を執筆しており、このため、ウィリアム・バロウズやハイナー・ミュラーなどの著名な作家の興味を刺激し、彼らと特別な絆を築きました。

彼は演劇以外の文学作品の指導に専念しており、マドレーヌ・ルノーやマリアンヌ・ホッペなどの著名な俳優がモノローグで演じることが多い。オペラやバレエの制作にも挑戦し、新進気鋭の著名人と共同で独自のミュージカルを制作し、特にクリストファー・ノウルズと共同で公演を推進し、華やかなファッションパレードを演出してきた。デザイナーおよびビジュアルアーティストとしての彼の多作な活動は、絵画、彫刻、インスタレーション、グラフィック作品、展示会で見ることができる。彼はヴェネツィア・ビエンナーレで大賞を受賞した。

組織の概念を変えなければ、新しいことは何も達成できません。彼は 70 年代からフェスティバルの共同制作、新しいキャストでさまざまな国に翻訳できるプロトタイプ パフォーマンスの作成、そして後に制作スタジオで完成する連続作品の作成を決定的に推進しました。さまざまな国、言語、スタイル、伝統を受け入れてくれた彼には感謝すべきです。

ウィルソンは、ますます大規模で国際的な協力者チームを組んでも、発展途上のオペラに完璧主義者としての足跡を残すことを決して諦めなかった。彼はウォーターミル・センターという実験と訓練の中心から認定を受けており、そこでの教師としての活動は、若者との接触から得られる尽きることのない新鮮なアイデアの流れを維持するのに役立っている。^[44]

• 1971年および1980年グッゲンハイムフェローシップ受賞
• 1971年ドラマデスク賞優秀監督賞 『デフマン・グランス』
• 1975ロックフェラー財団フェローシップ
• 1981年アジア文化評議会フェローシップ
• 1986年ピューリッツァー賞演劇部門ノミネート^[45]
• 1987年ハワード・ブルックナー監督のドキュメンタリー『ロバート・ウィルソンと南北戦争』の主題^[46]
• 1993年ヴェネツィア・ビエンナーレ彫刻部門金獅子賞^[47]
• 1996年ドロシー・アンド・リリアン・ギッシュ賞^[47]
• 1997年ヨーロッパ演劇賞^[16]
• 2000年アメリカ芸術文学アカデミー会員に選出^[45]
• 2001年ナショナルデザイン賞生涯功労賞^[47]
• 2002芸術文化勲章^[47]
• 2005年トロント大学より名誉博士号^[45]
• 2009年 ハイン・ヘクロス賞 – 舞台デザイン生涯功労賞^[45]
• 2009年ハンブルク市芸術科学賞^[48]
• 2009 年トロフェ・デ・ザール賞、アライアンス・フランセーズ^[10]
• 2013年ニューヨーク市立大学より名誉博士号^[45]
• 2013年オリヴィエ賞： 『浜辺のアインシュタイン』最優秀新作オペラ賞^[49]
• 2013 年VAEA よりパエス芸術勲章^[50]

• メサイア（2020）
• 『テンペスト』、イワン・ヴァゾフ国立劇場、ブルガリア、ソフィア、2021年11月^[27]

• クリストフ・ウィリバルド・グルックの『オルフェとエウリディーチェ』。シャトレ劇場、パリ、1​​999年。革命とロマンティック管弦楽団＆モンテヴェルディ合唱団、ジョン・エリオット・ガーディナー指揮。マグダレナ・コジェナ（オルフェ）。マデリン・ベンダー（エウリュディケ）。パトリシア・ペティボン（恋愛）。 Arthaus Musik #100062 (2000)/Warner Classics #16577 (2009)
• クリストフ・ウィリバルド・グルックの『アルチェステ』。シャトレ劇場、パリ、1​​999年。イングリッシュ・バロック・ソリストとモンテヴェルディ合唱団、ジョン・エリオット・ガーディナー指揮。アンヌ・ゾフィー・フォン・オッター（アルチェステ）、ポール・グローブス（アドメート）、ディートリッヒ・ヘンシェル（大祭司とヘラクレス）、ヤン・ビューロン（エヴァンドル）、ルドヴィク・テジエ（伝令とアポロ）、フレデリック・カトン（神託と地獄の神）、ヒョルディス・テボー（コリフェ）。イメージ エンターテインメント ID9307RADVD (2000) / ワーナー クラシック #16570 (2009)
• 蝶々夫人ジャコモ・プッチーニ、2003年。オランダ・オペラ合唱団、オランダ・フィルハーモニー管弦楽団エド・デ・ワールト指揮。リチャード・スティルウェル（シャープレス）、キャサリン・キーン（スズキ）、マーティン・トンプソン（ピンカートン）、シェリル・バーカー（バタフライ）、ピーター・ブランシェット（ゴロー）、アネリーン・ビジネン（ケイト・ピンカートン）。文化ビデオ # 937 (2003)
• クラウディオ・モンテヴェルディによる『オルフェオ』、ミラノ・スカラ座、2009年。ミラノ・スカラ座管弦楽団、イタリアーノ協奏曲、リナルド・アレッサンドリーニ指揮。ゲオルグ・ニグル(オルフェオ);ロベルタ・インヴェルニッツィ (ラ・ムジカ/エウリディーチェ/エコ);サラ・ミンガルド(シルビア/スペランツァ);ルイージ・デ・ドナート（カロンテ）。ラファエラ・ミラネージ（プロセルピナ）。ジョバンニ・バティスタ・パロディ（プルトーネ）。フリオ。オーパス アルテ 1044
• クロード・ドビュッシーの『ペレアスとメリザンド』。パリ、2012年。パリ国立オペラ管弦楽団、フィリップ・ジョルダン指揮。パリ国立オペラ座、パトリック・マリー・オベール。ステファン・デグー(ペレアス);エレナ・ツァラゴワ（メリザンド）。ヴァンサン・ル・テクシエ（ゴロー）。アンヌ・ソフィー・フォン・オッター（ジュヌヴィエーヴ）。フランツ・ヨーゼフ・セリグ(アルケル);ジュリー・マセヴェット（小さなイニルド）。ジェローム・ヴァルニエ（国連ベルジェ医学博士）。ナイーブ #2159

• ブレヒト、ステファン. 1978. 『幻視の劇場：ロバート・ウィルソン』 フランクフルト：ズーアカンプ.
• オスカー・G・ブロケット、フランクリン・J・ヒルディ。2003年。『演劇の歴史』。第9版、国際版。ボストン：アリン＆ベーコン。ISBN 0-205-41050-2。 
• ガスソー、メル。1998年。『Theatre on the Edge』。ニューヨーク：アプローズ。
• マシアン、ホセ・エンリケ、スー・ジェーン・ストッカー、ヨルン・ヴァイスブロート編。 2011.ウォーターミル センター – パフォーマンスのための研究所: ロバート ウィルソンの遺産。シュトゥットガルト：DACO-VERLAG。ISBN 978-3-87135-054-2。 
• モーリー、ミゲル、カルメン・パルド。 2002年。ロバート・ウィルソン。バルセロナ: エディシオン ポリグラファ SA
• オットー・バーンスタイン、カタリーナ。2006年。『アブソリュート・ウィルソン：伝記』。ニューヨーク：プレステル。
• クアドリ、フランコ、フランコ・ベルトーニ、ロバート・スターンズ。 1998年。ロバート・ウィルソン。ニューヨーク：リゾーリ。
• シュローダー、ジョナサン、ステンポート、アンナ W.、ザルツァー、エスター（編）（2019）、アウグスト・ストリンドベリと視覚文化：イメージ、テキスト、演劇における光学的近代性の出現、ロンドン：ブルームズベリー。
• シャイアー、ローレンス。1989年。『ロバート・ウィルソンとその協力者たち』。ニューヨーク：シアター・コミュニケーションズ・グループ。
• カール・ウェーバー編&トランス。 1989年。記憶の爆発：ハイナー・ミュラーの著作。ハイナー・ミュラー著。ニューヨーク: パフォーミング アーツ ジャーナル出版物。ISBN 1-55554-041-4。 

• カタリーナ・オットー・バーンスタイン『アブソリュート・ウィルソン』 カタリーナ（2006年）。アブソリュート・ウィルソン：伝記（イラスト入り）。プレステル。ISBN 978-3-7913-3450-9。
• ウィル・ボンド・ボブ。一人芝居、1998年「ロバート・ウィルソン、舞台上で、言葉はともかく、行動は伴わず」。ニューヨーク・タイムズ。1998年5月3日。ISSN  0362-4331 。 2022年1月17日閲覧。
• カール・フォン・カルシュテット ロバート・ウィルソン、Die Schönheit des Geheimnisvollen (The Beauty of the Mysterious) アーカイブ 2022 年 1 月 16 日、Wayback Machine、ARTE TV、ドキュメンタリー、52 分、2021

ウィキメディア・コモンズには、ロバート・ウィルソン (監督)に関連するメディアがあります。

• RobertWilson.com 公式サイト
• IMDbのロバート・ウィルソン
• アブソリュート・ウィルソンのドキュメンタリー映画サイト 2018年3月13日アーカイブ、Wayback Machine
• ブルース・ダフィーによるロバート・ウィルソンへのインタビュー、1990年9月6日
• ロバート・ウィルソン：レディー・ガガのビデオポートレート、ルーブル美術館、タデウス・ロパック・ギャラリー、ウォーターミル・センター・ニューヨーク、ハーシュホーン美術館および彫刻庭園、ベルニエ/エリアデス・ギャラリー、2013年～2015年、美術評論家コスタス・プラポグルー作。
• コロンビア大学にあるロバート ウィルソンの文書の検索支援。貴重書および原稿図書館。