抽象写真

抽象写真は、非客観的、実験的、または概念的な写真とも呼ばれ、物体の世界と直接の関連がなく、写真機材、プロセス、または材料を使用して作成された視覚イメージを描写する手段です。抽象写真では、自然の風景の一部を分離して、その固有のコンテキストを視聴者から取り除いたり、実際のオブジェクトから非現実的な外観を作成するために意図的に演出したり、色、光、影、テクスチャ、形状、および/またはフォームを使用して、感情、感覚、または印象を伝えたりする場合があります。画像は、カメラ、暗室、コンピューターなどの従来の写真機材を使用して作成することも、カメラを使用せずにフィルム、紙、またはデジタルプレゼンテーションを含む他の写真メディアを直接操作して作成することもできます。

「抽象写真」という用語には、一般的に使われている定義はありません。この主題に関する書籍や記事には、アーロン・シスキンの剥がれかけたペンキの写真のような抽象的な主題の完全に具象的な画像から、マルコ・ブロイヤーの偽造プリントや書籍のようなカメラやフィルムなしで作成された完全に非具象的な画像まで、あらゆるものが含まれます。 ^[1]この用語は、幅広い視覚的表現を包含すると同時に、その性質上明らかに曖昧なタイプの写真を明示的に分類しています。

多くの写真家、評論家、美術史家などが抽象写真について書いたり話したりしてきたが、特定の意味を定式化しようとはしなかった。アルヴィン・ラングドン・コバーンは1916年に「抽象写真」というタイトルの展覧会を開催することを提案し、その応募用紙には「題材への興味が非凡さへの理解を上回る作品は受け付けない」と明記した。^[2]提案された展覧会は実現しなかったが、コバーンは後に明らかに抽象的な写真をいくつか制作した。^[3]

写真家で心理学教授のジョン・スーラーは、エッセイ「写真心理学：イメージと精神」の中で、「抽象的な写真は、写実的または文字通りのものから遠ざかっています。現実世界の自然な外観や認識可能な主題から遠ざかっています。真の意味、存在、現実そのものから逸脱していると言う人もいます。抽象的な写真は、概念的な意味と固有の形式に依存するのではなく、その目的によって具体的な全体から切り離されています...。これが厳しいテストです。写真を見て、あなたの心の中に「これは何？」という声があるなら...そうです、そうです。それは抽象的な写真です。」と述べています。^[4]

写真家であり教授でもあるバーバラ・カステンは、「抽象写真は、写真が現実の客観的なイメージであるという一般的な見方に、その構築された性質を再主張することで挑戦している。表現するという義務から解放された抽象写真は、媒体と分野を融合する包括的なジャンルであり続けている。それは写真の力を試す場である」と書いている。^[1]

ドイツの写真家であり写真理論家でもあるゴットフリート・イェーガーは、「コンクリート・アート」という言葉をもじって「コンクリート・フォトグラフィー」という用語を使い、ある種の抽象写真について説明しました。彼は次のように述べています。

最近では、コンセプチュアル アーティストのメル ボクナーが、ブリタニカ百科事典の「写真では抽象的な概念を記録することはできない」という一文をメモ カードに手書きし、それを写真に撮り、6 つの異なる写真処理を使用して印刷しました。彼は言葉、概念、概念の視覚化を芸術そのものに変え、そうすることで、また別のタイプの抽象写真を提示する作品を制作しましたが、この場合も用語自体を定義することはありませんでした。^[1]

抽象写真とも言える最も初期の画像のいくつかは、この技術が発明されてから最初の10年以内に現れました。1842年、ジョン・ウィリアム・ドレイパーは分光器を使って画像を作成した。分光器は光線を分散させて、それまで記録されていなかった目に見えるパターンを作り出した。^[6]彼が作成したプリントは、当時他の写真家が記録した目に見える世界の現実とは関係がなく、それまで目に見えなかったものを目に見える存在に変えるという写真の前例のない能力を実証しました。ドレイパーは自分の画像を芸術ではなく科学の記録と見なしていましたが、その画期的な地位と固有の個性により、その芸術的品質は今日高く評価されています。

もう一人の初期の写真家、イギリスのアンナ・アトキンスは、乾燥した藻類を青写真用紙に直接置いて作ったフォトグラムの自費出版本を制作しました。科学的研究を目的とした、青地に白の画像は、ネガティブなイメージと植物の自然な背景の欠如により、幻想的で抽象的な性質を持っています。

1895年のX線と1896年の放射能の発見は、それまで目に見えなかったものや見えなかったものに対する人々の大きな関心を引き起こしました。^[7]これに応じて、写真家たちは通常の人間の視覚では見えないものを撮影する方法を模索し始めました。

同じ頃、スウェーデンの作家で芸術家のアウグスト・ストリンドベリは、写真乾板上の生理食塩水を熱と冷気にさらす実験を行っていました。^[8]これらの実験で彼が生み出した画像は、他の方法では見ることができないものを漠然と表現したものであり、表現方法も完全に抽象的でした。

世紀の変わり目ごろ、フランスのルイ・ダージェは、被写体の額に未露光の乾板を押し当て、被写体に心の中のイメージを乾板に投影させることで、精神過程のイメージを捉えようとした。^[9]彼が撮影した写真はぼやけて不明瞭だったが、ダージェは「思考の振動」と彼が呼ぶものは光線と区別がつかないと確信していた。^[10]

20世紀の最初の10年間は​​、芸術的探究の波が起こり、絵画や彫刻の分野では印象派やポスト印象派からキュビズムや未来派への移行が加速した。^{[11] 1903年からはパリで毎年開催される}サロン・ドートンヌと呼ばれる一連の美術展で、セザンヌ、ピカソ、マルセル・デュシャン、フランシス・ピカビア、フランティシェク・クプカ、アルベール・グレーズ、ジャン・メッツィンガーといった当時の急進的な芸術家のビジョンが一般に紹介された。10年後、ニューヨークのアーモリー・ショーでは、カンディンスキー、ブラック、デュシャン、ロベール・ドローネーらによる完全に抽象的な作品が展示され、スキャンダルを巻き起こした。[ 12 ^]

抽象芸術に対する大衆の興味と、時には嫌悪感は、当時のより創造的な写真家たちによって適切に認識されていました。1910 年までに、ニューヨークでは、アルフレッド スティーグリッツが、それまで絵画写真のみを展示していた自身の291 アート ギャラリーで、マースデン ハートリーやアーサー ダブなどの抽象画家の作品を展示し始めました。スティーグリッツ、ポール ストランド、エドワード スタイケンなどの写真家は、いずれも抽象的な構図で撮影された描写的な主題の実験を行いました。

現在抽象写真として認識されている最初の公開展示作品は、1914年にケルンでエルヴィン・クエデンフェルトが展示した「自然形態からの対称パターン」というシリーズである。 ^{[13] 2年後、アルヴィン・ラングドン・コバーンは}「ヴォルトグラフ」と名付けたシリーズの実験を始めた。1917年の6週間で、彼は多面体プリズムを装備したカメラで約24枚の写真を撮影した。その結果得られた画像は、彼が見た現実や、彼が以前撮影した肖像画や都市の風景とは意図的に無関係なものだった。彼は「カメラはなぜ現代の表現の束縛を捨て去るべきではないのか…？ 真剣に問うが、なぜ私たちはありふれた小さな露出を作り続ける必要があるのか​​…？」と書いた。^[14]

1920年代から1930年代にかけて、抽象的なイメージを探求する写真家の数が大幅に増加しました。ヨーロッパでは、プラハが前衛写真の中心地となり、フランティシェク・ドゥルティコル、ヤロスラフ・レスラー、ヨゼフ・スデック、ヤロミール・フンケがキュビズムや未来派の影響を受けた写真を制作しました。特にレスラーの写真は、具象的な抽象を超え、光と影の純粋な抽象化にまで達しました。^[15]

ドイツ、そして後にアメリカで、モダニズムのバウハウス派のリーダーであるモホイ＝ナジ・ラースローは、フォトグラムの抽象的な性質を実験した。彼は「写真という原材料の中に、まだ発見されていない最も驚くべき可能性がある」と述べ、写真家は「『写真』や伝統的な美学ではなく、理想的な表現手段、教育のための自立した手段を求めることを学ばなければならない」と語った。^[16]

この時期の写真家の中には、シュールレアリズムや未来主義のビジョンを作品に取り入れることで、従来のイメージの限界を押し広げた人もいました。マン・レイ、モーリス・タバード、アンドレ・ケルテース、カーティス・モファット、フィリッポ・マソエロは、現実と視点の両方に疑問を投げかける驚くべきイメージを生み出した最も有名な芸術家の一部です。

第二次世界大戦中も戦後も、マイナー・ホワイト、アーロン・シスキン、ヘンリー・ホームズ・スミス、ロッテ・ヤコビなどの写真家は、自然界にも抽象化の要素が埋め込まれていることを実証するような方法で、発見した物体の構図を探求しました。

フレデリック・ゾンマーは1950 年に、意図的に配置を変えた発見物を撮影し、幅広い解釈が可能な曖昧な画像を生み出すという新境地を切り開きました。彼は、批評と意味に関するT.S. エリオットのエッセイにちなんで、謎めいた画像の 1 つに「聖なる森」というタイトルを付けました。

1960 年代は、レイ・K・メッツカー、ロバート・ハイネケン、ウォルター・チャペルなど、独自の画像や見つけた画像を組み合わせたり再構成したりした写真家たちから始まり、当時の写真メディアの限界に対する自由な探求が顕著に表れた時代でした。

1970年代半ば、ヨーゼフ・H・ノイマンは写真現像と印画紙への描画の両方から生まれたケモグラム^[17]を開発した。コンピュータの普及と画像処理ソフトウェアの使用以前は、ケモグラムの作成プロセスは、元の画像を拡大処理した後に変更する、初期のアナログポストプロダクション形式と考えることができる。デジタルポストプロダクションの作品とは異なり、各ケモグラムはユニークな作品である。^{[18] [19] [20] [21]}

1970年代後半から、写真家たちは、暗室で現像する必要があった当時の伝統的な写真媒体のスケールと表面の両方の限界を押し広げていった。モホイ＝ナジの作品に触発されたスーザン・ランカイティスは、科学の教科書から見つけた画像を大規模なフォトグラムに埋め込み始め、その作品は「考古学的発掘のように探索しなければならないパリンプセスト」と呼ばれた。 ^[22]その後、彼女は写真がどのようなものであるかという物理的および概念的な概念を拡張する、巨大なインタラクティブなギャラリー構造を制作した。^[23]彼女の作品は「現代人の心の断片化を模倣している」と言われている。^[24]

1990年代までに、新しい波の写真家たちが、コンピュータを使用して新しい写真制作方法を生み出す可能性を模索し始めました。トーマス・ラフ、バーバラ・カステン、トム・フリードマン、カレル・バルスなどの写真家は、写真、彫刻、版画、コンピュータ生成画像を組み合わせた作品を制作していました。^[25]

コンピュータと写真撮影ソフトウェアが広く普及すると、抽象写真の境界はフィルムと化学の限界を超えて、ほぼ無限の次元にまで拡大しました。純粋な芸術家と純粋な写真家の間に残っていた境界は、写真だけを専門に扱い、コンピュータ生成画像のみを制作する人々によって取り払われました。21世紀初頭の世代で最もよく知られているのは、ガストン・ベルタン、ペネロペ・ウンブリコ、アード・ボーデウェス、エレン・キャリー、ニッキ・ステージャー、シャイリーン・ギル、トーマス・ラフ、アンドリュー・プロコス、ヴォルフガング・ティルマンス、キム・キーヴァー、ハーヴェイ・ロイド、アダム・ブルームバーグ、オリバー・チャナリンです。^{[26] [27] [28]}

• ビルグス、ウラジミール (2002)。チェコの写真アバンギャルド 1918 ～ 1948 年。ケンブリッジ: MIT プレス。ISBN 0-262-02516-7。
• ガンボニ、ダリオ（2002年）。『潜在的なイメージ：現代美術における曖昧さと不確定性』ロンドン：Reaktion Books。ISBN 1-86189-149-0。
• カステン、バーバラ。「第二の自然：抽象写真の過去と現在」。2015年4月2日時点のオリジナルよりアーカイブ。2015年3月22日閲覧。
• ラモス・モリーナ、アントニオ・ルイス（2018）。ラ・マジア・デ・ラ・キミカ写真: El quimigrama。 Conceptos, técnicas y procedimientos del quimigrama en la expresión artística (博士論文) (スペイン語)。グラナダ大学。
• レクサー、ライル（2013年）。『The Edge of Vision: The Rise of Abstraction in Photography』。ニューヨーク：Aperture Foundation。ISBN 978-1597112420。

• ウィキメディア・コモンズの抽象写真に関連するメディア