オーケストラ

オーケストラ（/ ˈ ɔːr k ɪ s t r ə / ;または-ki -strə）^[1]は、クラシック音楽に典型的な大規模な楽器アンサンブルであり、異なるファミリーの楽器を組み合わせて構成されます。通常、4つの主要な楽器セクションがあります。

• ヴァイオリン、ビオラ、チェロ、コントラバスなどの弦楽器

• 木管楽器（フルート、オーボエ、クラリネット、ファゴット、時々サックスなど）

• フレンチホルン（または一般的には「ホルン」と呼ばれる）、トランペット、トロンボーン、コルネット、ユーフォニアム、チューバなどの金管楽器

• ティンパニ、スネアドラム、バスドラム、シンバル、トライアングル、タンバリン、タムタム、マレットなどの打楽器

ピアノ、チェンバロ、パイプオルガン、チェレスタなどの他の楽器は、第5のキーボードセクションに登場することもあれば、コンサートハープや、一部の現代曲の演奏では電子楽器やギターのように、ソリスト楽器として単独で登場することもある。^{[注 1]}

フルサイズの西洋のオーケストラは、交響楽団またはフィルハーモニー管弦楽団（ギリシャ語の phil-）。演奏される曲目や会場の規模に応じて、演奏に携わるミュージシャンの数は 70 人から 100 人以上までさまざまです。室内オーケストラ（コンサートオーケストラ）は、50人以下の演奏者からなる小規模なアンサンブルである。[^2]ヨハン・セバスチャン・バッハやゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルなどバロック音楽またはハイドンや古典派のレパートリーを専門とするオーケストラは、やヨハネス・ブラームスの 交響曲などのロマン派音楽のリヒャルト・ワーグナーや後にグスタフ・マーラーの作品で求められた120人もの演奏者を擁する大規模なオーケストラでピークに達した。

オーケストラは通常、指揮者によって率いられ、指揮者は手や腕の動きで演奏を指揮し、指揮棒と呼ばれる短い木の棒を使って演奏者が見やすくすることが多い。指揮者はオーケストラを統一し、テンポを設定し、アンサンブルの音を形作る。^[3]指揮者はまた、公開コンサートの前にリハーサルを主導してオーケストラを準備し、演奏される音楽の解釈について演奏者に指示を与える。

第一バイオリンセクションのリーダー（一般にコンサートマスターと呼ばれる）も、ミュージシャンを率いる上で重要な役割を果たします。バロック音楽の時代（1600～1750年）には、オーケストラはコンサートマスター、またはハープシコードやパイプオルガンで通奏低音のパートを演奏するコード演奏家によって率いられることが多かったのですが、この伝統は20世紀と21世紀の古楽アンサンブルの一部でも引き継がれています。

オーケストラは、交響曲、オペラやバレエの序曲、独奏楽器のための協奏曲、オペラやバレエ、一部のミュージカル（ギルバート・アンド・サリバンのオペレッタなど）のピットアンサンブルなど、幅広いレパートリーを演奏します。

アマチュア オーケストラには、小学校、高校、大学の生徒で構成される ユース オーケストラや、コミュニティ オーケストラが含まれます。通常、アマチュア オーケストラは特定の都市や地域のアマチュア ミュージシャンで構成されます。

オーケストラという用語はギリシャ語のὀρχήστρα（オーケストラ）に由来しており、これは古代ギリシャの劇場の舞台前のギリシャ合唱団のために予約されたエリアの名前です。^[4]

バロック時代には、オーケストラの規模や構成は標準化されていなかった。ヨーロッパのさまざまな地域によって、規模、楽器編成、演奏スタイル、そしてオーケストラのサウンドスケープや音色に大きな違いがあった。バロック時代のオーケストラは、1パートにつき1人の演奏者がいる小規模なオーケストラ（またはアンサンブル）から、1パートにつき多数の演奏者がいる大規模なオーケストラまで多岐にわたっていた。小規模なオーケストラの例としては、バッハのオーケストラが挙げられる。ケーテンでは、最大18人の演奏者からなるアンサンブルが編成されていた。大規模なバロック時代のオーケストラの例としては、ローマのコレッリのオーケストラが挙げられ、日常の演奏では35人から80人の演奏者が編成されていたが、特別な機会には150人まで増員された。^[5]

古典派の時代になると、オーケストラはより標準化され、小規模から中規模の弦楽器セクションと、オーボエ、フルート、ファゴット、ホルンからなる中核的な管楽器セクションで構成され、時には打楽器やクラリネットとトランペットのペアが加わることもありました。

18 世紀後半に開拓され、19 世紀前半に定着した、オーケストラにおける二重管楽器と金管楽器のいわゆる「標準編成」は、一般的に、ハイドンとモーツァルトの後にベートーヴェンが求めた編成に起因している。ベートーヴェンの楽器編成には、ほぼ常に、フルート、オーボエ、クラリネット、ファゴット、ホルン、トランペットが 2 本ずつ含まれていた。例外は、交響曲第 4 番、ヴァイオリン協奏曲、ピアノ協奏曲第 4 番で、それぞれフルートが 1 本のみ指定されている。ベートーヴェンは、革新的な効果を出すために、交響曲第 3、5、6、9 番でこの特定の音色の「パレット」の拡張を注意深く計算した。 「英雄」交響曲の第 3 ホルンは、ハーモニーの柔軟性だけでなく、三重奏曲の「合唱」金管楽器の効果ももたらしている。ピッコロ、コントラファゴット、トロンボーンが、交響曲第 5 番の勝利のフィナーレに加わる。ピッコロとトロンボーン 2 本は、田園交響曲としても知られる第 6 番で嵐と太陽の光の効果を演出するのに役立っている。第 9 番では、「英雄」と同様の理由で 2 本目のホルン 2 本が必要となる (その後、ホルン 4 本が標準となった)。フィナーレでピッコロ、コントラファゴット、トロンボーン、調律されていない打楽器、さらに合唱団とボーカル ソリストを使用したことは、交響曲の音色の境界を広げる可能性を示唆した最初の例である。彼の死後数十年間、交響曲の楽器編成は、ほとんど例外なく、ベートーヴェンの確立されたモデルに忠実であった。^{[出典が必要]}

1815年にシロンスク出身のハインリヒ・シュテルツェルとフリードリヒ・ブリューメルが発明したピストンとロータリーバルブは、オーケストラに影響を与えた一連の技術革新の最初のものであった。この中には、テオバルト・ベームによるフルートの現代的なキーワークの開発や、アドルフ・サックスによる木管楽器の技術革新、特にサクソフォンの発明などが含まれる。これらの進歩により、エクトル・ベルリオーズは楽器編成に関する画期的な本を執筆することになり、これは音楽の表現要素として楽器の音を使用することに関する最初の体系的な論文となった。^[6]

交響曲の演奏が次に大きく発展したのは、リヒャルト・ワーグナーの楽劇の伴奏をするために設立されたバイロイト管弦楽団だった。ワーグナーの舞台作品は前例のない規模と複雑さで作曲された。実際、 『ラインの黄金』のスコアには6台のハープが要求されている。こうしてワーグナーは、劇場オーケストラの指揮者にこれまで以上に厳しい役割を課すことを思い描き、そのことを彼の影響力のある著作『指揮について』で詳​​しく述べた。^{[7]これによりオーケストラの}作曲に革命が起こり、その後80年間のオーケストラ演奏のスタイルが確立された。ワーグナーの理論は、テンポ、強弱、弦楽器のボウイング、オーケストラの首席奏者の役割 の重要性を再検討した。

20 世紀初頭、交響楽団は以前よりも規模が大きく、資金も豊富で、訓練も行き届いていたため、作曲家はより大規模で野心的な作品を作曲することができた。グスタフ・マーラーの作品は特に革新的で、後期の交響曲、たとえば巨大な交響曲第 8 番では、マーラーは大規模な編成でオーケストラの規模の限界をはるかに超えている。後期ロマン派時代になると、オーケストラは巨大な弦楽器と金管楽器セクション、そして幅広い打楽器を駆使して、最も壮大な交響表現を行うことができるようになった。録音時代の始まりとともに、演奏基準は新たなレベルに押し上げられた。録音された交響曲はじっくりと聴くことができ、生演奏では気づかないかもしれないイントネーションやアンサンブルの小さな誤りさえも批評家が聞き取ることができるようになったためである。20 世紀から 21 世紀にかけて録音技術が進歩するにつれ、録音の小さな誤りは最終的にオーディオ編集やオーバーダビングによって「修正」できるようになった。年配の指揮者や作曲家の中には、音楽をできるだけ上手に「演奏する」ことが標準だった時代を覚えている人もいるだろう。録音によって聴衆が広くなったことと相まって、特定のスター指揮者とオーケストラ演奏の高水準に新たな注目が集まるようになった。^[8]

典型的な交響楽団は、木管楽器、金管楽器、打楽器、弦楽器と呼ばれる4 つの関連楽器グループで構成されています。ピアノ、アコーディオン、チェレスタなどの他の楽器は、キーボード セクションなどの 5 番目のセクションにグループ化される場合もあれば、コンサート ハープや電気楽器、電子楽器のように単独で存在する場合もあります。オーケストラは、規模に応じて、各グループの標準的な楽器のほぼすべてを含みます。

オーケストラの歴史において、その楽器編成は時とともに拡大してきたが、古典派時代^[9]とルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの古典派モデルへの影響によって標準化されたとよく言われている^[10]。20世紀と21世紀には、新たなレパートリーの要求によりオーケストラの楽器編成が拡大し、古典派モデルの楽器と新たに開発された電気・電子楽器がさまざまな組み合わせで柔軟に使用されるようになった。20世紀半ばには、ドイツと米国で、交響楽団の楽器編成を1つの楽器のグループのみに限定する試みが何度か行われた。この構成では、交響楽団はフリーリードのクロマチックアコーディオンのみで構成され、正統派西洋クラシック音楽の演奏中にオーケストラの音と音色の全範囲を再現できるように改造された。^{[11] [12] [13] [14] [15] [16]}

交響楽団とフィルハーモニー管弦楽団という用語は、ロンドン交響楽団とロンドン・フィルハーモニー管弦楽団のように、同じ地域の異なる楽団を区別するために使用されることがある。^{[注 2]}交響楽団やフィルハーモニー管弦楽団には通常 80 人以上の演奏者が所属しており、場合によっては 100 人以上になることもあるが、特定の公演で雇用される実際の演奏者の数は、演奏される作品や会場の規模によって変わることがある。^[2]

室内オーケストラは通常、より小規模なアンサンブルです。主要な室内オーケストラは 50 人ものミュージシャンを雇用しますが、中にはそれよりはるかに小規模なものもあります。コンサート オーケストラは、 BBC コンサート オーケストラやRTÉ コンサート オーケストラなどの別名です。

オーケストラの中心となる楽器以外にも、時折様々な楽器が必要とされる。^[17]これらにはフリューゲルホルンやコルネットが含まれる。例えばサクソフォンやクラシックギターは、19世紀から21世紀の楽譜に登場している。モーリス・ラヴェルがオーケストラ版で編曲したモデスト・ムソルグスキーの『展覧会の絵』やセルゲイ・ラフマニノフの『交響的舞曲』など、一部の作品ではサクソフォンはソロ楽器としてのみ登場するが、ラヴェルの『ボレロ』、セルゲイ・プロコフィエフの『ロメオとジ​​ュリエット』第1組曲と第2組曲、ヴォーン・ウィリアムズの交響曲第6番と第9番、ウィリアム・ウォルトンの『ベルシャザールの饗宴』など、多くの作品ではオーケストラアンサンブルの一員としてサクソフォンが使用されている。ユーフォニアムは、後期ロマン派や20世紀の作品のいくつかに登場し、通常は「テナー・チューバ」と記されたパートを演奏する。これには、グスタフ・ホルストの『惑星』やリヒャルト・シュトラウスの『英雄の生涯』などがある。ホルン属の改良された楽器であるワーグナー・チューバは、リヒャルト・ワーグナーの『ニーベルングの指環』や、シュトラウス、イーゴリ・ストラヴィンスキー（ 『春の祭典』に登場）、ベーラ・バルトークらの作品に登場する。また、アントン・ブルックナーの交響曲第7番ホ長調でも特に重要な役割を果たしている。^{[18]コルネットは}、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーのバレエ『白鳥の湖』、クロード・ドビュッシーの『海』、エクトル・ベルリオーズのいくつかの管弦楽曲に登場する。これらの楽器をメンバーが別の楽器で「兼任」して演奏しない限り（たとえば、トロンボーン奏者がユーフォニアムに持ち替えたり、ファゴット奏者が特定のパッセージでコントラファゴットに持ち替えたり）、オーケストラは通常、通常のアンサンブルを補強するためにフリーランスのミュージシャンを雇います。

20世紀のオーケストラは、それ以前のオーケストラよりもはるかに柔軟性がありました。^[17]ベートーヴェンやフェリックス・メンデルスゾーンの時代のオーケストラは、かなり標準的な楽器で構成されており、作曲家によって変更されることはほとんどありませんでした。時が経ち、ロマン派の時代にベルリオーズやマーラーなどの作曲家によって変更が受け入れられるようになったため、複数のハープやウィンドマシンなどの音響効果を使用する作曲家もいました。20世紀の間、現代のオーケストラは一般的に以下に挙げる現代的な楽器で標準化されました。それにもかかわらず、20世紀半ばから後半にかけて現代クラシック音楽が発展すると、作曲家が楽器を実際に選ぶことができるようになった（例えば、エレキギターなどの電気楽器、シンセサイザー、 オンド・マルトノ^[19]、トラウトニウム^{[20]などの}電子楽器、その他の非西洋楽器、バンドネオン^{[21] 、}フリーベースアコーディオン[ ^22]、^[23]、ハーモニカ^[24]、^[25]、口琴^[26]、マンドラ[26]、ウォーターパーカッション^[27 ]など、オーケストラで伝統的に使用されない楽器を追加するなど） 。^{[26 ]}

この歴史を念頭に置くと、オーケストラは、バロック時代、古典派時代、前期/中期ロマン派音楽時代、後期ロマン派時代、近代/ポストモダンの混合時代という5つの時代に分類することができます。1つ目はバロックオーケストラ（J.S.バッハ、ヘンデル、ヴィヴァルディなど）で、一般的に演奏者の数が少なく、1つまたは複数の和音を演奏する楽器、通奏低音グループ（例：チェンバロまたはパイプオルガンとベースラインを演奏するさまざまな低楽器）が重要な役割を果たしました。2つ目は典型的な古典派時代のオーケストラ（例：モーツァルトやハイドンと並ぶ初期のベートーヴェン）で、ロマン派音楽のオーケストラよりも演奏者のグループが少なく、かなり標準化された楽器編成でした。3つ目は前期/中期ロマン派の典型的なオーケストラ（例：シューベルト、ベルリオーズ、シューマン、ブラームス）です。 4番目は、後期ロマン派/20世紀初頭のオーケストラ（例：ワーグナー、マーラー、ストラヴィンスキー）と、2010年代の現代オーケストラ（例：アダムス、バーバー、アーロン・コープランド、グラス、ペンデレツキ）の共通構成です。

楽器グループ間および各楽器グループ内には、一般的に受け入れられている階層構造があります。すべての楽器グループ (またはセクション) には、グループを率いてオーケストラのソロを演奏する責任を一般的に負う首席奏者がいます。バイオリンは第 1 バイオリンと第 2 バイオリンの 2 つのグループに分かれており、第 2 バイオリンは第 1 バイオリンよりも低い音域で演奏したり、伴奏パートを演奏したり、第 1 バイオリンが演奏するメロディーをハーモニー化したりします。第 1 バイオリンの首席奏者はコンサートマスター(英国ではオーケストラの「リーダー」) と呼ばれ、弦楽セクションのリーダーであるだけでなく、指揮者に次ぐオーケストラ全体の指揮者としても考えられています。コンサートマスターは、コンサート前のチューニングを指揮し、バイオリンまたは弦楽セクション全体のボウイングを決定するなど、オーケストラ管理の音楽的側面を担当します。コンサートマスターは通常、指揮者の左側、観客に最も近い位置に座ります。また、第 2 バイオリンの首席奏者、ビオラの首席奏者、チェロの首席奏者、コントラバスの首席奏者もいます。

首席トロンボーンは低音金管楽器セクションのリーダーとみなされ、首席トランペットは一般に金管楽器セクション全体のリーダーとみなされる。オーボエは（300年の歴史を持つ慣習により）オーケストラの調律音を担当することが多いが、木管楽器セクションには一般に指定された首席奏者はいない（ただし木管アンサンブルではフルートが推定リーダーとなることが多い）。^[28]その代わりに、各首席奏者は音楽上の意見の相違がある場合には他の首席奏者と対等に協議する。ほとんどのセクションには副首席奏者（または共同首席奏者、準首席奏者）がおり、第1バイオリンの場合はアシスタント・コンサートマスターがいて、首席奏者が不在の場合には代理を務めるほか、 トゥッティ・パートを担当することが多い。

セクションの弦楽器奏者は、セクションの他の奏者とユニゾンで演奏する。ただし、分割 ( divisi ) パートの場合は例外で、分割されたパートでは、音楽の上側と下側のパートが、しばしば「外側」(観客に近い) と「内側」の着席奏者に割り当てられる。弦楽器セクションでソロ パートが要求された場合、セクション リーダーが必ずそのパートを演奏する。弦楽器セクションのセクション リーダー (または首席奏者) は、多くの場合、コンサートマスターが設定したボウイングに基づいて、ボウイングを決定する責任もある。弦楽器セクションの首席奏者は、楽器の演奏要件 (コントラバス セクションなど) に対応するために、コンサートマスターとは若干異なるボウイングを使用する場合もある。弦楽器セクションの首席奏者は、セクションの入場をリードし、通常は入場前に弓を上げて、セクションが一緒に演奏するようにする。トゥッティの管楽器奏者と金管楽器奏者は、通常、独特だがソロではないパートを演奏する。セクションの打楽器奏者は、首席打楽器奏者から割り当てられたパートを演奏する。

現代では、演奏者は通常指揮者によって指揮されるが、初期のオーケストラには指揮者はおらず、コンサートマスターまたは通奏低音を演奏するチェンバロ奏者が指揮を担っていた。現代のオーケストラの中には、特に小規模なオーケストラや、バロック音楽やそれ以前の音楽の歴史的に正確な（いわゆる「時代音楽」の）演奏を専門とするオーケストラの中には、指揮者なしで演奏するところもある。

交響楽団の最も頻繁に演奏されるレパートリーは、西洋のクラシック音楽またはオペラです。ただし、オーケストラはポピュラー音楽(例: コンサートでロックやポップバンドの伴奏として) で使用されることがあり、映画音楽では広く使用され、ビデオゲーム音楽でもますます頻繁に使用されています。オーケストラは、シンフォニックメタルのジャンルでも使用されます。「オーケストラ」という用語は、ビッグバンド音楽の演奏など、ジャズアンサンブルにも適用できます。

2000 年代には、プロのオーケストラの終身在職権を持つメンバー全員が、アンサンブルのポジションを得るためにオーディションを受けるのが一般的です。演奏者は通常、協奏曲の楽章、バッハのソロ楽章、オーディション ポスターに掲載されているオーケストラ楽曲のさまざまな抜粋 (オーディション参加者が準備できるように) など、オーディション参加者が選択した 1 つ以上のソロ曲を演奏します。抜粋は通常、オーケストラ楽曲の中で最も技術的に難しいパートとソロです。オーケストラのオーディションは通常、指揮者、コンサートマスター、オーディション参加者が応募するセクションの首席奏者、場合によっては他の首席奏者を含む審査員の前で行われます。

第一ラウンドのオーディションで最も有望な候補者は、第二ラウンドまたは第三ラウンドのオーディションに招待され、指揮者と審査員団が最優秀候補者を比較します。演奏者はオーケストラの楽譜を初見で読むように求められる場合があります。オーケストラによっては、オーディションの最終段階としてテスト ウィークを設け、演奏者が 1 週間か 2 週間オーケストラと共演します。これにより、指揮者と首席奏者は、実際のリハーサルや演奏の場で演奏者がうまく機能できるかどうかを確認できます。

雇用形態にはさまざまなものがあります。最も人気があるのは、オーケストラの常勤の終身雇用です。オーケストラは、1 回のコンサートから 1 シーズン以上まで、契約でミュージシャンを雇うこともあります。オーケストラが後期ロマン派の非常に大規模なオーケストラ作品を演奏する場合、または常勤メンバーが病気になった場合、契約演奏者が個々のコンサートのために雇われることがあります。1 回のコンサートのために雇われるプロのミュージシャンは、「サブ」と呼ばれることもあります。契約ミュージシャンの中には、常勤メンバーが育児休暇または障害休暇を取っている期間、常勤メンバーの代わりとして雇われる人もいます。

歴史的に、主要なプロオーケストラは、ほとんどまたは完全に男性で構成されてきました。プロオーケストラに雇われた最初の女性メンバーはハープ奏者でした。たとえば、ウィーンフィルハーモニー管弦楽団は、同等のオーケストラ（2008年にグラモフォン誌で世界トップ5にランクされた他のオーケストラ）よりはるかに遅い1997年まで、女性の正会員を受け入れませんでした。^[29]女性を正会員に任命した最後の主要なオーケストラはベルリンフィルハーモニー管弦楽団でした。^[30] 1996年2月、ウィーンフィルハーモニー管弦楽団の首席フルート奏者ディーター・フルーリーは、西ドイツ放送紙に対し、女性を受け入れることは「この組織が現在持っている感情的な統一性（emotionelle Geschlossenheit）を賭けること」になるだろうと述べました。 ^[31] 1996年4月、オーケストラの広報担当者は、産休による「予想される欠勤の補償」が問題になるだろうと書いています。^[32]

1997年、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団は「[米国]ツアー中に全米女性機構と国際女性音楽同盟による抗議に直面した」。最終的に「社会的に保守的なオーストリアでも嘲笑の対象となった後、楽団員は[1997年2月28日]出発前夜に臨時会議を開き、女性のアンナ・レルケスをハープ奏者として受け入れることに同意した」。^[33] 2013年現在、楽団には6人の女性楽団員がいる。そのうちの1人、ヴァイオリニストのアルベナ・ダナイロヴァは2008年に楽団のコンサートマスターに就任し、同楽団でその役職に就いた初の女性となった。^[34] 2012年、楽団員の6%が女性だった。ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団のクレメンス・ヘルスバーグ会長は、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団は現在、完全にスクリーニングされたブラインドオーディションを使用していると述べた。^[35]

2013年、マザー・ジョーンズの記事では、「多くの名門オーケストラには女性メンバーが多数在籍しており、ニューヨーク・フィルハーモニックのヴァイオリン部門では女性の数が男性を上回っている。また、国立交響楽団、デトロイト交響楽団、ミネソタ交響楽団など、いくつかの有名な楽団は女性ヴァイオリニストが指揮を執っている」と述べられているが、主要オーケストラのコントラバス、金管楽器、打楽器部門は「依然として男性が大部分を占めている」としている。^[36] 2014年のBBCの記事では、「審査員が性別や人種による偏見を持たないように、将来の楽器奏者がスクリーンの後ろで演奏する『ブラインド』オーディションの導入により、伝統的に男性が主流であった交響楽団の男女比が徐々に変化している」と述べている。^[37]

アマチュアオーケストラも多種多様です。

学校オーケストラ

これらのオーケストラは、小学校または中学校の生徒で構成されています。音楽の授業やプログラムの生徒である場合もあれば、学校全体から選ばれた生徒である場合もあります。学校のオーケストラは通常、音楽教師が指揮します。場合によっては、学校のオーケストラは弦楽器を演奏する生徒のみで構成される弦楽オーケストラであり、木管楽器、金管楽器、打楽器を演奏する生徒はコンサートバンドとしてグループ化されます。

大学または音楽院のオーケストラ

これらのオーケストラは、大学または音楽学校の学生で構成されています。場合によっては、大学のオーケストラは、大学のすべてのプログラムからすべての学生に開放されています。大規模な大学には、2 つ以上の大学オーケストラがある場合があります。1 つ以上のオーケストラは音楽専攻の学生で構成され (または、主要な音楽プログラムの場合は、スキル レベルによってランク付けされたいくつかの層の音楽専攻オーケストラ)、2 つ目のオーケストラは、オーケストラ楽器でクラシック音楽の経験があるすべての学術プログラム (科学、ビジネスなど) の大学生に開放されています。大学および音楽学校のオーケストラは、通常、大学または音楽学校の教授または講師である指揮者によって率いられます。

ユースオーケストラ

これらのオーケストラは、都市全体または地域全体から集められた 10 代の若者で構成されています。ユース オーケストラの年齢範囲は、アンサンブルによって異なります。場合によっては、ユース オーケストラは国全体から集められた 10 代の若者で構成されることもあります (例: カナダの National Youth Orchestra)。

コミュニティオーケストラ

これらのオーケストラは、都市全体または地域全体から集められたアマチュア演奏者で構成されています。コミュニティ オーケストラは通常、主に成人のアマチュア音楽家で構成されています。コミュニティ オーケストラのレベルは、観客の前で正式な演奏を行わずに音楽をリハーサルする初心者レベルのオーケストラから、中級レベルのアンサンブル、標準的なプロのオーケストラのレパートリーを演奏する上級アマチュア グループまでさまざまです。場合によっては、大学または音楽院の音楽学生がコミュニティ オーケストラのメンバーになることもあります。コミュニティ オーケストラのメンバーのほとんどは無給のアマチュアですが、一部のオーケストラでは、少数のプロが首席奏者やセクション リーダーとして雇われることがあります。

オーケストラは、17世紀のダンス組曲、18世紀のディヴェルティメントから20世紀の映画音楽、21世紀の交響曲まで、幅広いレパートリーを演奏します。オーケストラは、西洋クラシック音楽における長大な楽曲である交響曲と同義語になっています。交響曲は通常、対照的な調性とテンポを提供する複数の楽章から構成されています。交響曲は、すべての楽器パートを含む楽譜に記譜されます。指揮者は、リハーサルの前に楽譜を使用して交響曲を研究し、解釈（テンポ、アーティキュレーション、フレージングなど）を決定し、リハーサルやコンサート中にアンサンブルを導きながら音楽に従います。オーケストラのミュージシャンは、自分の楽器の記譜された音楽のみを含むパートから演奏します。少数の交響曲には声楽パートも含まれています（例：ベートーヴェンの交響曲第九番）。

オーケストラは序曲も演奏するが、この用語はもともとオペラの器楽序曲を指して使われていた。^{[38]ロマン派初期には、}ベートーヴェンやメンデルスゾーンなどの作曲家が、交響詩などのジャンルの前身となる、独立した器楽のプログラム作品を指すためにこの用語を使い始めた。交響詩はフランツ・リストが劇的序曲として考案したいくつかの作品の形式である。これらは「最初は間違いなくプログラムの冒頭で演奏されることを意図していた」^[38] 。 1850年代には、演奏会用序曲は交響詩に取って代わられ始めた。

オーケストラは協奏曲でも独奏者と共演します。協奏曲では、オーケストラは独奏者（独奏バイオリニストやピアニストなど）の伴奏役を務め、独奏者が演奏していないときに音楽のテーマや間奏曲を紹介することもあります。オーケストラはオペラ、バレエ、一部のミュージカル作品、一部の合唱作品（ミサなどの宗教作品と世俗作品の両方）でも演奏します。オペラとバレエでは、オーケストラはそれぞれ歌手とダンサーに伴奏し、オーケストラが演奏するメロディーが中心となる序曲と間奏曲を演奏します。

バロック時代には、オーケストラは貴族の豪邸、オペラホール、教会など、さまざまな会場で演奏していました。裕福な貴族の中には、自分たちの邸宅にオーケストラを常駐させ、演奏で自分たちや客を楽しませることもありました。古典派時代には、作曲家が一般大衆からの財政的支援を求めるようになり、オーケストラのコンサートは公共のコンサートホールで開催されることが多くなり、音楽愛好家はそこでチケットを購入してオーケストラを聴くようになりました。貴族によるオーケストラの後援は古典派時代にも続きましたが、これは公共のコンサートと並行して行われました。20世紀と21世紀には、オーケストラは新たな後援者を見つけました。それは政府です。北米とヨーロッパの多くのオーケストラは、国、地域レベルの政府（米国の州政府など）または市政府から資金の一部を受け取っています。これらの政府からの補助金は、チケット販売、寄付（オーケストラが慈善団体として登録されている場合）、その他の資金調達活動とともに、オーケストラの収入の一部を占めています。録音、ラジオ放送、テレビ放送、インターネットを介したコンサートビデオのストリーミングやダウンロードなど、次々と技術が発明され、オーケストラは新たな収入源を見つけることができました。

オーケストラ演奏における「最も口に出しにくい[話題]」の1つは「フェイク」である。これはオーケストラの演奏者が、非常に高い音や非常に速い音など、非常に難しいパッセージで、実際には楽譜に書かれた音を演奏せずに「すべての音符を書かれたとおりに演奏している」という誤った印象を与える手法である。^[39] The Stradの記事では、すべてのオーケストラの演奏者、たとえトップクラスのオーケストラの演奏者であっても、特定のパッセージをフェイクすると述べている。^[39]演奏者がフェイクをする理由の1つは、リハーサルが十分でないことである。^[39]もう1つの要因は、20世紀および21世紀の現代音楽の極度の難しさである。一部の専門家は、「フェイク」は「現代音楽の10%からほぼ90%で必要」であると述べた。^[39]インタビューを受けたプロの演奏者たちは、パートがその楽器に適していない場合はフェイクが許容されるかもしれないが、「音楽を練習していないという理由だけで」フェイクをするのは許容されないという点で一致していた。^[39]

古楽運動の到来とともに、演奏家たちが古い演奏法の論文の研究から派生したスタイルで作品の演奏に取り組む小規模なオーケストラが一般的になった。これらには、エイジ・オブ・エンライトメント管弦楽団、サー・ロジャー・ノリントン指揮のロンドン・クラシカル・プレイヤーズ、クリストファー・ホグウッド指揮のエンシェント音楽アカデミーなどが含まれる。^[40]

米国では、20 世紀後半にオーケストラへの資金援助と支援の危機が生じた。交響楽団の規模と費用は、支持者の基盤の大きさと比較して、オーケストラの根幹を揺るがす問題となった。ホールを満席にできるオーケストラはほとんどなく、伝統的なシーズン サブスクリプション システムは、個々のイベントのチケットをその場その場で購入する聴衆が増えるにつれて、ますます時代遅れになっていった。オーケストラの基金、そして米国のオーケストラの日常業務の中心であるオーケストラの寄付者に対する投資ポートフォリオは縮小し、または収益率が低下し、寄付者の寄付能力が低下した。さらに、寄付者が他の社会的な目的に魅力を感じる傾向があった。政府の資金援助は、米国のオーケストラではヨーロッパのオーケストラほど重要ではないが、そのような資金援助の削減は、米国のオーケストラにとって依然として大きな意味を持つ。最後に、レコーディング業界自体の変化に関連して、レコーディングによる収入が大幅に減少したことで、まだ終息していない変化の時代が始まった。^[要出典]

連邦破産法第11章の適用を受けた米国のオーケストラには、フィラデルフィア管弦楽団（2011年4月）、ルイビル管弦楽団（2010年12月）などがある。連邦破産法第7章の適用を受け、活動を停止したオーケストラには、ノースウェスト室内管弦楽団（2006年）、ホノルル管弦楽団（2011年3月）、ニューメキシコ交響楽団（2011年4月）、シラキュース交響楽団（2011年6月）などがある。フロリダ州オーランドのオーケストラ・フェスティバルは、2011年3月末に活動を停止した。

注目され批判された財政難の原因の1つは、米国のオーケストラの音楽監督の高額な給与であり、^[41]近年、著名な指揮者の何人かが給与削減を受け入れた。^{[42] [43] [44]}マイケル・ティルソン・トーマスやエサ＝ペッカ・サロネンなどの音楽管理者は、新しい音楽、それを提示する新しい方法、そしてコミュニティとの新たな関係が交響楽団を再活性化できると主張した。アメリカの評論家グレッグ・サンドウは、オーケストラは音楽、演奏、コンサート体験、マーケティング、広報、コミュニティの関与、プレゼンテーションに対するアプローチを見直し、大衆文化に浸っている21世紀の聴衆の期待に沿うようにしなければならないと詳しく主張している。

現代の作曲家が、望ましい効果を得るために、さまざまなシンセサイザーを含む型破りな楽器を使用することは珍しくありません。しかし、多くの人は、より伝統的なオーケストラ構成の方が、色彩と深みをより良く表現できると考えています。ジョン・アダムスのような作曲家は、アダムスのオペラ「ニクソン・イン・チャイナ」のように、ロマン派規模のオーケストラを頻繁に使用します。フィリップ・グラスや他の作曲家は、より自由ではありますが、それでも規模の境界を認識しています。特にグラスは、最近、「チェロと管弦楽のための協奏曲」や「ヴァイオリン協奏曲第2番」などの作品で、従来のオーケストラに目を向けています。

資金の減少に伴い、米国のオーケストラの中には、総人員数と公演に出演する演奏者の数を削減したところもある。公演人数の減少は通常、弦楽セクションに限られている。弦楽セクションの人数は伝統的に柔軟に対応してきたためである（通常、複数の演奏者が同じパートを演奏するため）。^[要出典]

指揮とは、オーケストラや合唱団などの音楽演奏を指揮する芸術である。指揮者の主な仕事は、テンポを設定し、アンサンブルのさまざまなメンバーが正確に演奏に入るようにし、適切な場所でフレージングを「形作る」ことである。^[3]指揮者は、自分の考えや解釈を伝えるために、主に手振りで演奏者とコミュニケーションをとる。通常は（必ずではないが）指揮棒を使い、関連する演奏者とのアイコンタクトなど、他の手振りや合図を使うこともある。^[45]指揮者の指示は、演奏前のリハーサルで演奏者への口頭の指示や提案によって、ほぼ間違いなく補足または強化される。^[45]

指揮者は通常、すべての楽器と声部の楽譜が書かれたフルスコアを載せる大きな譜面台のある一段高い指揮台の上に立つ。18世紀半ば以降、ほとんどの指揮者は指揮中に楽器を演奏しなくなったが[要出典] ^{、クラシック音楽}の歴史の初期の時代には、楽器を演奏しながらアンサンブルを指揮することは一般的だった。1600年代から1750年代のバロック音楽では、グループは通常、チェンバロ奏者または第一バイオリニスト (コンサートマスターを参照) によって指揮され、この手法は現代でもこの時代からの音楽のために何人かの音楽監督によって復活している。ミュージカル劇場のピットオーケストラでは、ピアノやシンセサイザーを演奏しながら指揮することもある。演奏中のコミュニケーションは通常、非言語的である (これは厳密には芸術音楽の場合だが、ジャズのビッグバンドや大規模なポップアンサンブルでは、「カウントイン」などの口頭指示が時々ある場合がある)。しかし、リハーサルでは、頻繁に中断されるため、指揮者は音楽をどのように演奏または歌うべきかについて口頭で指示を与えることができます。

指揮者は、指揮するオーケストラや合唱団のガイドとしての役割を果たす。演奏する作品を選び、楽譜を研究し、それに対して一定の調整（テンポ、アーティキュレーション、フレージング、セクションの繰り返しなど）を加えたり、解釈を練ったり、演奏者にビジョンを伝えたりする。また、リハーサルのスケジュール、^{[46] 、}コンサートシーズンの計画、オーディションの聴講やメンバーの選抜、メディアでのアンサンブルの宣伝など、組織的な事柄にも関わることがある。オーケストラ、合唱団、コンサートバンド、ビッグバンドなどの大規模な音楽アンサンブルは、通常、指揮者によって率いられる。

バロック音楽の時代 (1600–1750)には、ほとんどのオーケストラはコンサートマスターと呼ばれる音楽家の 1 人、通常は第一バイオリンの首席奏者によって指揮されていました。コンサートマスターは、弓をリズミカルに持ち上げて曲のテンポをリードしました。また、ほとんどのバロック器楽アンサンブル曲の中核である通奏低音のパートを演奏する和音奏者の 1 人がリーダーシップを発揮することもあり、これは通常、ハープシコード奏者、パイプオルガン奏者、リュート奏者、またはテオルボ奏者です。鍵盤楽器奏者は、頭を使ってアンサンブルをリードしたり、鍵盤から手を離してより難しいテンポ変更をリードしたりしました。リュート奏者またはテオルボ奏者は、楽器のネックを上下に持ち上げて曲のテンポを示したり、終止符やエンディングでリタルダンドをリードしたりしました。合唱と器楽アンサンブルを組み合わせた作品の中には、2人のリーダーが使われることもあった。器楽奏者を率いるコンサートマスターと、歌手を率いるコード演奏者だ。古典音楽の時代（ 1720年頃 -  1800年）には、コード楽器を使って通奏低音を演奏する習慣は徐々に廃れていき、1800年までに完全に消えた。その代わりに、アンサンブルでは指揮者がオーケストラのテンポや演奏スタイルをリードするようになり、コンサートマスターはミュージシャン、特に弦楽器奏者に対して、さまざまな弦楽器で可能な範囲で、コンサートマスターの弓運びや演奏スタイルを模倣するリーダーシップの役割を果たすようになった。

1922年、革命後のソビエト連邦で指揮者なしのオーケストラというアイデアが復活した。交響楽団ペルシファンスは指揮者なしで結成されたが、これは創設者たちが、この楽団はすべての人々が平等であるという理想的なマルクス主義国家をモデルにすべきだと信じていたためである。そのため、楽団員は指揮者の独裁的な指揮棒に導かれる必要はなく、代わりにテンポや演奏スタイルを決定する委員会に導かれると感じていた。ソビエト連邦内では部分的に成功したが、このコンセプトの主な難しさは演奏中にテンポを変えることであった。なぜなら、委員会がどこでテンポを変えるべきかについての命令を出していたとしても、楽団内にこのテンポ変更を指導するリーダーがいなかったからである。この楽団は10年間存続したが、スターリンの文化政策により資金が奪われて解散した。^[47]

西洋諸国では、ニューヨーク市に拠点を置くオルフェウス室内管弦楽団など、一部のアンサンブルが指揮者なしのオーケストラでより大きな成功を収めているが、決定はアンサンブル内の何らかのリーダーシップ（たとえば、首席管弦楽団の奏者、特にコンサートマスター）に委ねられる傾向がある。他のアンサンブルは、通常はヴァイオリン奏者である首席奏者が芸術監督となり、リハーサルを運営し、コンサートを指揮するという伝統に戻った。例としては、オーストラリア室内管弦楽団、アムステルダム・シンフォニエッタ＆カンディダ・トンプソン、ニュー・センチュリー室内管弦楽団などがある。また、古楽運動の一環として、20世紀と21世紀のオーケストラの中には、バロック時代の作品では指揮台に指揮者がいないというバロック時代の慣習を復活させ、コンサートマスターまたは和音を演奏する通奏低音奏者（たとえば、チェンバロやオルガン）にグループを指揮させるものもある。

管弦楽曲の中には、幽霊のような神秘的な効果を出すために、舞台裏のトランペットを使うか、オーケストラの他の楽器を舞台裏または舞台裏に配置するよう指定されているものがある。舞台裏の楽器奏者がタイミングよく演奏できるように、副指揮者が主指揮者がよく見える舞台裏に配置されることもある。例としては、グスターフ・ホルストの「惑星」の「海王星」のエンディングが挙げられる。主指揮者が大オーケストラを指揮し、副指揮者が主指揮者のテンポと身振りを舞台裏のミュージシャンに伝える。2人の指揮者を使うことの難しさの1つは、2人目の指揮者が主指揮者と同期しなくなったり、主指揮者の身振りを間違って伝えたり（または誤解したり）して、舞台裏の楽器のタイミングがずれてしまう可能性があることである。 20 世紀後半から 21 世紀初頭にかけて、一部のオーケストラでは、 2 人の指揮者を使用する代わりに、首席指揮者に向けられたビデオ カメラと、舞台裏の演奏者の前に設置された 閉回路テレビを使用しています。

ポリスタイリズムとポリテンポ^[48]音楽の技法により、20世紀と21世紀の作曲家の中には、複数のオーケストラやアンサンブルが同時に演奏する音楽を書く者もいる。こうした傾向から、ポリコンダクター音楽という現象が生まれ、別々の副指揮者が各グループのミュージシャンを指揮する。通常、1人の主指揮者が副指揮者を指揮し、それによって全体の演奏を形作る。パーシー・グレインジャーの『戦士たち』には、オーケストラの主指揮者、舞台裏の金管アンサンブルを指揮する副指揮者、打楽器とハープを指揮する三次指揮者の3人の指揮者が登場する。20世紀後半の管弦楽曲の一例として、カールハインツ・シュトックハウゼンの『グルッペン』がある。これは3つのオーケストラが観客の周囲に配置される。この方法により、「音の塊」を電子音響作品のように空間化することができる。グルッペンは1958年にケルンで初演され、シュトックハウゼン、ブルーノ・マデルナ、ピエール・ブーレーズの指揮によるものである。1996年にはサイモン・ラトル、ジョン・カレヴェ、ダニエル・ハーディングによって再演された。^[49]

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• レイナー、ヘンリー（1978年）。オーケストラの歴史。スクリブナー。ISBN 978-0-684-15535-7。
• シングルトン、エスター（1917）『オーケストラとその楽器』ニューヨーク：ニューヨーク交響楽団
• スピッツァー、ジョン、ザスロー、ニール（2004年）。『オーケストラの誕生：1650年から1815年までの組織の歴史』オックスフォード大学出版局。ISBN 978-0-19-816434-0。

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Wikiquoteにオーケストラに関する引用句があります。

• ヒュー・チザム編 (1911)。『オーケストラ』 。ブリタニカ百科事典(第 11 版)。ケンブリッジ大学出版局。