細密画（装飾写本）

現存する最古の細密画は、354年の『クロノグラフ』に描かれた無彩色のペン画の連作で、ルネサンス期以降に失われてしまったが、写本によってその存在が知られている。450年頃以前の、挿絵がふんだんに施された豪華な写本の断片が現代まで残っている。コットン・ジェネシスは1731年のロンドン火災で大部分が焼失し、クヴェトリンブルク・イタラの断片も中世に大部分が失われ、羊皮紙は製本に再利用された。

また、5世紀の挿絵入りのイリアス写本であるアンブロシウス版イリアスから切り取られた彩色細密画もある。これらの絵には描画の質にかなりのばらつきがあるが、古典的な趣のある人物描写の注目すべき例が数多くあり、初期の芸術が依然として影響を与えていたことを示している。また、見られる風景描写も古典的なタイプであり、中世の慣習主義的な意味での慣習ではなく、不完全な形ではあるものの、自然を模倣しようと試みている。これはポンペイやその他のローマ時代のフレスコ画と同様である。 ^{[ 2 ]}

芸術的な観点からさらに価値が高いのは、5世紀初頭のヴァチカン写本、通称「ウェルギリウス・ヴァチカヌス」のウェルギリウスの細密画である。これらはアンブロシウス写本の断片よりも保存状態が良く、規模も大きいため、技法や手法を研究する上でより良い機会を提供する。描画様式は古典的なもので、これらの細密画はより古いシリーズから直接模写されたものであることが示唆される。色彩は不透明で、実際、初期の写本の細密画では不透明顔料の使用が普遍的であった。ページ上に様々な場面を配置する方法は、初期の画家たちが用いたであろう手法を理解する上で非常に参考になる。まず、場面の背景がページ全体を覆うように完全に描かれ、次にその上に大きな人物や物体が描かれ、さらにその上に手前の小さな細部が重ねられたようである。 （画家のアルゴリズム。）ここでも、遠近感のようなものを確保するために、水平方向のゾーンの配置が採用され、上側のゾーンには下側のゾーンよりも小さいスケールの人物像が配置された。^{[ 2 ]}

物事の自然な表現からより明確に脱却し、芸術的慣習を発展させたのは、ビザンチン派の時代であった。しかし、この派の初期の優れた作品には、古典的な感性がまだ残っており、コットン・ジェネシスの細密画やウィーン・ディオスコリデスの細密画の傑作がその証拠となっている。また、初期の作品から模写された後期のビザンチン写本の細密画では、原型が忠実に再現されている。しかし、ビザンチン派の細密画を古典派の作品と比較すると、まるで野外から修道院へと移ったような感覚を覚える。教会の支配という制約の下、ビザンチン美術はますます定型化され、慣習化されていった。肌の色を浅黒い色調で描き、手足を長く痩せ細らせ、歩き方を硬くする傾向が強まった。茶色、青灰色、中性色調が好まれている。ここで初めて、後にイタリアの細密画家たちの特別な技法となる肌の色調の技法が見られる。それは、オリーブ色、緑色、その他の暗い色調の下地に実際の肌の色調を重ねる技法である。風景画は、いずれにせよすぐにかなり定型化され、中世の細密画の際立った特徴である、自然の真の描写の著しい欠如の先例となった。^{[ 2 ]}

しかし、ビザンチン美術において細密画の禁欲的な扱いが強く見られる一方で、東洋的な華麗さは、多くの色彩の輝きや金の贅沢な使用に表れている。ビザンチン写本の細密画には、後に西洋のあらゆる絵画流派の作品に豊富に見られるようになる、明るい金の背景が初めて登場する。^{[ 2 ]}

中世イタリア美術に対するビザンチン美術の影響は明白である。ラヴェンナやヴェネツィアなどのイタリアの教会にある初期のモザイク画もまた、ビザンチン美術の影響が支配的であったことを示す例である。しかし、中世初期には研究者を導く目印となるものはほとんどなく、ビザンチン美術の伝統の痕跡が残る12世紀にフレスコ画や細密画が現れて初めて、両者のつながりがその間の数世紀にわたって常に存在していたことを確信できるのである。^{[ 2 ]}

イタリアの細密画は、イングランド、フランス、低地諸国の細密画と同じ段階を経て発展した。ヨーロッパ諸国間の交流は十分に確立されていたため、そうでないはずがない。通常のイタリア写本では、13世紀から14世紀にかけてビザンチン美術の影響が非常に顕著に見られる。オリーブグリーンなどの顔料の上に肌の色を塗り、顔の輪郭線に沿って顔料を露出させることで浅黒い肌色を得るという古い技法は、15世紀まで多かれ少なかれ修正された形で続けられた。一般的に、使用される顔料は北方の流派で使用されるものよりも不透明度が高く、画家は、フランスの菱形模様に見られるような鮮やかな効果を生み出す色と金の混合よりも、色のみで望ましい効果を得ることを重視した。イタリアの細密画家たちの鮮やかな緋色は、彼ら特有のものである。人物描写は、同時代のイギリスやフランスの写本の芸術に比べて写実性が低く、人間の形はしばしばずんぐりしている。一般的に、イタリアの細密画は、14世紀に大きく発展する前は、北方の細密画に大きく遅れをとっていた。しかし、15世紀になると、ルネサンスの影響を受けて、最前線に躍り出て、フランドル派の最高傑作に匹敵するようになった。より厚い顔料の使用により、細密画家は、作品の特徴である硬く磨かれた表面を得ることができ、輪郭の鮮明さを維持しながら、フランドル派の作品に匹敵する深みと豊かな色彩を保つことができた。^{[ 2 ]}

14世紀と15世紀のプロヴァンスの写本ではイタリア様式が踏襲された。それは北フランスの学校にも影響を与え、またその影響を受けた。南ドイツの写本にもその痕跡が見られる。しかし、より重要な学校における細密画の発展を導くものとして検討された原則は、すべてに等しく適用される。フランドル派の細密画と同様に、イタリアの細密画も16世紀になっても特別な庇護のもとで一定の成功を収めて制作され続けたが、写本が印刷本に急速に取って代わられると、細密画家の仕事は終焉を迎えた。^{[ 2 ]}

西ヨーロッパの土着の装飾写本では、装飾のみが主要な動機であった。メロヴィング朝時代の写本、フランク王国と北イタリアを結びロンバルド派またはフランク・ロンバルド派として知られる写本、スペインの写本、ブリテン諸島の島嶼美術の作品では、人物描写はほとんど知られておらず、人間の形態の表現というよりは装飾の特徴として用いられていた。^{[ 2 ]}

アングロ・サクソン派は、特にカンタベリーとウィンチェスターで発展し、その特徴的な自由な筆致は、おそらく古典的なローマの様式から派生したもので、ビザンチンの要素の影響はほとんど受けていない。この派の10世紀と11世紀の細密画の最高峰は、繊細な輪郭線描にあり、これは後の世紀のイギリスの細密画に永続的な影響を与えた。しかし、南部のアングロ・サクソン派は、西洋中世細密画の一般的な発展の流れからやや離れている。^{[ 2 ]}

カロリング朝の君主の時代には、主にビザンチン様式の古典様式に由来する絵画流派が発展した。カール大帝の奨励によって始まったこの流派では、ミニアチュールは2つの形態で現れる。第一に、ビザンチン様式に倣った真に伝統的なミニアチュールがあり、主題は一般的に四福音書記者の肖像画、あるいは皇帝自身の肖像である。人物は形式的で、ページは鮮やかに彩色され金箔が施され、一般的には決まった様式の建築的背景の中に配置され、真の意味での風景は含まれていない。縁取りや頭文字に豊かな装飾が添えられていたため、後の西欧大陸の流派の模範となった。他方、聖書の一場面を描いたような、挿絵を試みたものの、より自由な表現が見られるミニアチュールもある。ここでは、ビザンチン様式とは区別されるローマ様式を模倣した古典様式が見られる。^{[ 2 ]}

東フランク王国のその後のオットー朝君主の時代においても、初期のオットー朝写本は明らかにカロリング朝の伝統を受け継いでいる。これらの写本と同様に、古代の伝統への体系的な参照に基づいているため、この時代はカロリング朝ルネサンスを基盤としてオットー朝ルネサンスと呼ばれている。しかしながら、カロリング朝時代に一部の写本に取り入れられていた古代の自然主義や錯視主義は、様式化された形式的な言語に完全に取って代わられた。カロリング朝とオットー朝の装飾写本を結びつける最も重要な存在は、ザンクト・ガレン修道院、フルダ修道院（ウィッテキンデウス写本）、そしてコルヴァイ修道院であった。カロリング朝時代のような宮廷学校はもはや存在しなかったようである。オットー大帝の時代の最も重要な芸術の中心地は、ビザンチンの影響を受けた独特の絵画様式が発展したケルン^（例えば、ヒッダ写本^）、トリーア、レーゲンスブルク、そして何よりもライヒェナウ修道院（例えば、ゲロ写本、ペータースハウゼン聖餐書、エグベルティ写本、エグベルティ詩篇）であった^。さらに、マインツ、プリュム修道院、エヒテルナハ修道院（ハインリヒ3世の黄金福音書）などでも写字室が活動していた。11世紀には、バイエルン・オーストリア地方でテゲルンゼー修道院、ニーダーアルタイヒ修道院、フライジング、ザルツブルクの写字室が出現した。 990年頃から1020年頃にかけて、オットー朝の装飾写本は、おそらくライヒェナウ島の修道院で制作されたリュータール派の作品群によって最盛期を迎えました。これらの作品には、リュータール福音書、オットー3世の福音書、ハインリヒ2世のペリコーペ、バンベルク黙示録などが含まれます。オットー朝時代を通して、福音書記者の像は中心的なモチーフであり、また、依頼者の自己像を表すために用いられた君主の像（多くの場合、奉納像の形をとる）や、マジェスタス・ドミニ（主の威厳）も重要なモチーフでした。際立っている。支配的な様式要素は、記念碑的な性格を持つ左右対称で平面的な表現である。オットー朝の挿絵の多くは全面に描かれており、時には2つのパネルに分かれている。大きく、非常に長く、表情豊かな人物像、恍惚とした示唆的な手話、そして主に金色の背景といった空白のモノクロームの表面を使用する勇気が、これらの写本のスタイルを特徴づけており、20世紀の表現主義に強く影響を与えた。挿絵には空間的な奥行きが全くない。 ^{[ 14 ]}

カロリング派が南アングロサクソンの画家たちの細密画に及ぼした影響は、不透明顔料を用いた素地画の多用や、装飾における金のより精緻な使用に表れている。ウィンチェスター司教聖エセルウォルドの『祝福の祈り』（963～984年）のような写本には、土着の様式で描かれているものの不透明顔料で彩色された一連の細密画があり、外国の芸術の影響を示している。しかし、実際の描画は本質的に土着のものであり、人物像の扱い方や、ひらひらと揺れる襞のある衣服の配置に特徴がある。様式は洗練され、手足の誇張や不均衡が見られる傾向があった。ノルマン征服とともに、この注目すべき土着の様式は消滅した。^{[ 2 ]}

12世紀に芸術が目覚めると、写本の装飾は大きな刺激を受けた。当時の芸術家たちは縁飾りや頭文字に優れていたが、細密画においても力強い描写、大胆で流れるような線、そして衣服のひだの綿密な研究が見られた。芸術家たちは人物描写の技術を磨き、同じ主題を同じ慣習的な方法で繰り返す傾向は依然としてあったものの、個々の努力によってこの世紀には非常に高貴な性格を持つ細密画が数多く生み出された。^{[ 2 ]}

ノルマン征服によってイングランドは大陸美術の傘下に直接組み込まれ、フランス、イングランド、フランドルの各派が結集し、交流の拡大と共通の衝動によって促進され、12世紀後半以降、北西ヨーロッパの写本装飾家による素晴らしい作品群が生み出されることになった。^{[ 2 ]}

しかし、自然の風景は、定型的な特徴を持つ岩や木々をそう見なせる場合を除いて、何も存在しない。そのため、12世紀とその後の世紀の細密画の背景は、場面の人物をより際立たせるための装飾の場となった。こうして、空間全体を磨き上げられた金箔で埋めるという慣習が生まれた。これは、すでにビザンチン派で実践されている華麗な装飾方法である。また、聖なる人物の慣習的な扱いにも注目する必要がある。聖なる人物は、敬意の念から、それ以降も初期の時代の伝統的なローブを身にまとい、場面の他の人物は当時の普通の服装をしている。^{[ 2 ]}

13世紀に入ると、ミニアチュールが、その名称を微細さと結びつける現代の誤った語源を正当化する時代を迎えます。12世紀の幅広く大胆なスタイルは、正確で微細なものへと取って代わられます。書籍は一般的に、大型のフォリオからオクタヴォやそれより小さいサイズへと形態を変えました。書籍の需要が高まり、羊皮紙の量が限られていたため、より多く必要とされました。筆跡は小さくなり、12世紀の丸みを失いました。本文中の短縮形や略語が大幅に増加しました。あらゆる場所でスペースを節約する努力がなされました。ミニアチュールも同様です。人物は小さく、顔の輪郭は繊細な筆致で描かれ、体と手足はすっきりと細く描かれています。背景は色彩と磨き上げられた金で輝き、金と色が交互に配された繊細な菱形模様が数多く見られます。特に英語の写本では、しばしば、絵は透明な色で着色またはウォッシュされています。この世紀には、ミニアチュールはイニシャルにも浸透していきます。以前の時代には大胆な花模様の巻物が流行していたのに対し、今では手紙の空白部分に小さな風景が描かれるようになった。^{[ 2 ]}

3つの流派の作品を比較すると、イギリスの細密画は、最高傑作においては恐らく最も優雅であり、フランスの細密画は最も整然として正確であり、フランドル派（西ドイツを含む）は洗練さに欠け、より硬く力強い線で描かれている。色彩に関しては、イギリスの画家は他の流派よりもやや明るい色調を用い、淡い緑、灰青色、湖水色を好む傾向がある。フランスの画家は、特にウルトラマリンのような濃い色調を好んだ。フランドル派とドイツ派は、概して純粋さに欠ける色を用い、重厚な色調に傾いていた。フランスの写本の特徴として、装飾に赤や銅色の金が用いられていることが挙げられるが、これはイギリスや低地諸国のより淡い金とは強い対照をなしている。^{[ 2 ]}

13世紀を通して、細密画の技法が、描画と色彩の両面において、目立った変化もなく高い水準を維持していたことは驚くべきことである。この世紀を通して、聖書と詩篇が好まれ、当然ながら、同じ主題や場面が時代を通して繰り返し描かれ、画家によって幾度となく描き継がれた。そして、これらの聖典の性質そのものが、革新を抑制する傾向にあった。しかし、この時代の終わり頃には、ロマンスなどの世俗的な作品の人気が高まり、挿絵画家にとってより広い創作の場が広がった。そのため、14世紀に入ると、様式に明らかな変化が見られるようになる。より流れるような線へと移行し、12世紀の大胆で力強い筆致や曲線ではなく、優雅で繊細、そしてしなやかな様式へと変化し、この時代の美しい揺れ動く人物像を生み出した。実際、細密画は、装飾的な挿絵の構成要素としての役割から解放され、絵画そのものへと発展し始め、将来的にその地位を自らの芸術的価値によって決定づけるようになったのである。これは、ミニアチュールがより目立つ位置を占めるようになったこと、そして装飾的な縁取りや頭文字から独立しつつあることからもわかる。^{[ 2 ]}

しかし同時に、14世紀の細密画は写本の他の装飾的な細部から距離を置こうと努めている一方で、それ自体の中で装飾が豊かに発展している。人物描写の柔軟性が増しただけでなく、背景のデザインにも同様の発展が見られる。菱形模様はより精緻で輝きを増し、磨き上げられた金の美しさは、その上に頻繁に施される点描模様によってさらに際立つ。ゴシック様式の天蓋やその他の建築的特徴は、この時代の建築の発展に自然と追随する形で導入されるようになった。つまり、14世紀の優れた作品に顕著に見られる、最高級の装飾における芸術的感性の大きな拡大は、装飾細密画においても同様に顕著である。^{[ 2 ]}

19世紀初頭、イギリスのデッサンは非常に優雅で、人物像は波打つような動きで描かれており、もしそれがこれほど単純でなければ、気取った表現と受け取られかねないほどである。透明な色で彩色された輪郭だけの作品においても、完全に彩色された作品においても、この時代のイギリスの最高傑作は比類のないものである。フランス美術は依然としてその精緻さを保ち、色彩はイギリスよりも鮮やかで、顔は繊細な描写で表現されているが、あまり立体感は出ていない。低地諸国の作品は、依然として重厚なデッサン様式を保っており、他の流派の作品と比べると粗雑に見える。この時代のドイツの細密画も、概して機械的で素朴な性格を帯びており、高い地位を占めていない。時が経つにつれ、フランスの細密画はほぼこの分野を独占し、色彩の鮮やかさで優れているものの、デッサンの純粋さは失われつつあり、それでもなお全体的な水準は高いままである。イギリス派は徐々に退化し、政治的な理由やフランスとの戦争のためか、あまり価値のある作品を生み出していないように見える。 14世紀末になってようやく復興が見られるようになった。^{[ 2 ]}

この復興は、繁栄していたプラハ派との関連に起因すると考えられており、その色彩構成は、 1382年のリチャード2世とボヘミアのアンの結婚に続く南方の影響を示唆している。新しいイギリス細密画の様式は、色彩の豊かさと、顔の丁寧な描写が特徴であり、同時代のフランスの画家によるより簡素な扱いと比べて優れている。同様の特徴への注意は、この時期と15世紀初頭の北フランドル派またはオランダ派にも見られ、したがって、フランス様式とは区別されるゲルマン美術の特徴とみなすことができる。^{[ 2 ]}

しかし、イギリスの細密画における新たな発展の可能性は実現されなかった。15世紀の最初の四半期には、優れた作品が制作されたものの、描画は停滞し、中世の慣習に縛られていた。ヨーロッパ美術において自然に対するより深い理解が古い慣習的な風景表現を打破し、細密画を近代的な絵画へと変貌させつつあったまさにその頃、イギリス固有の芸術は事実上、世紀半ば頃に終焉を迎えた。それ以降、イギリスで制作される細密画は、外国人画家によるものか、外国の様式を模倣した画家によるものとなる。薔薇戦争中の国の状況は、芸術の放棄を十分に説明している。したがって、15世紀の細密画の歴史は、大陸の学校の写本の中に探さなければならない。^{[ 2 ]}

まず、北フランスと低地諸国について考察する必要があります。14世紀から15世紀にかけて、両流派の細密画は構図においてより自由度が増し、描画の精緻さよりも彩色による全体的な効果を重視する傾向が強まります。これは、細密画家にとってより広い分野が開かれたことで促進されました。あらゆる種類の書物が挿絵を描かれ、聖書や詩篇、典礼書といった聖典は、もはや装飾写本の主要なもの、あるいは唯一のものではなくなりました。しかし、最も注目を集め、同時に典礼書でもあった写本が一つありました。それは、個人用の祈祷書である「ホラエ」、すなわち「時祷書」で、膨大な数が複製され、細密画家による最高傑作のいくつかが収められています。これらの小さな書物の装飾は、宗教的な性格が課すであろう慣習的な制約から大きく解放されていました。さらに、この頃には装飾写本の需要が確立され、定期的な取引が行われるようになり、その制作は以前のように修道院内に限定されなくなりました。^{[ 2 ]}著名な世俗的な装飾写本の芸術家には、パリ派のマスター・オノレがいます。

世紀初頭には、風景画の伝統的な手法が依然として根強く残っており、菱形模様や金箔を用いた背景も廃れることはなかった。実際、当時のフランス絵画の傑作の中には、菱形模様がかつてないほど鮮やかに描かれているものもある。しかし、世紀後半になると、遠近法に欠点はあるものの、自然風景がより明確に表現されるようになる。地平線や大気効果を真に理解するようになるのは、次の世代が到来してからであった。^{[ 2 ]}

フランス派とフランドル派の細密画はしばらくの間はほぼ並行していたが、19世紀半ば以降は両派の特色がより顕著になり、相違が見られるようになった。フランスの細密画は衰退し始めたが、才能ある画家によって非常に優れた作品もいくつか制作された。人物描写はより粗雑になり、絵画は深みのない硬質な印象になりがちで、画家は金箔による陰影を過剰に用いることでそれを緩和しようとした。^{[ 2 ]}

15世紀後半、フランドル派は最高の水準に達した。フランドル細密画は極めて柔らかな色彩と深みを持ち、細部、衣服のひだ、人物の表情の描写においてますます細心の注意が払われるようになった。例えば、ふっくらとした高い額を持つフランドル派の聖母の顔は、決して間違えることはない。この時代の最高のフランドル細密画では、画家は色彩の素晴らしい柔らかさと輝きを表現することに成功している。そして、この高い水準は15世紀で終わったわけではなく、その後数十年間にわたってフランドル派が支持されていたことを証明する優れた作品が数多く残っている。^{[ 2 ]}

前述の記述で述べた細部への丁寧な扱いは、グリザイユで描かれた細密画に特に当てはまります。グリザイユでは、色彩の欠如がその扱いをより強く強調する結果となりました。これはおそらく北フランドルのグリザイユ細密画で最も顕著に見られ、特に衣服の力強い角張った線は、木版画の技法との関連性を示唆しています。^{[ 2 ]}