序曲

序曲（フランス語の ouvertureから来ており、文字通り「始まり」を意味する）は、17世紀のバレエ、オペラ、オラトリオの器楽 による導入部である。 ^[1]ロマン派初期には、ベートーヴェンやメンデルスゾーンなどの作曲家が、交響詩などのジャンルを予見させる、独立した器楽によるプログラム作品である序曲を作曲した。これらは「最初は間違いなくプログラムの冒頭で演奏されることを意図していた」^{[2] 。}

オペラの冒頭に器楽を取り入れるというアイデアは17世紀にすでに存在していた。ペリの『エウリディーチェ』は短い器楽リトルネッロで始まり、モンテヴェルディの『オルフェオ』（1607年）はトッカータ（この場合はミュートしたトランペットのファンファーレ）で始まる。より重要なのはプロローグで、寓話的な登場人物の歌による対話で、描かれた物語の全体的なテーマを紹介する。^[3]

音楽形式としてのフランス序曲は、ジャン＝バティスト・リュリの宮廷バレエとオペラ序曲に初めて登場する。^[4]リュリはこれを、1640年という早い時期にフランスのバレエ・ド・クールに見られた、オーヴェルチュールと呼ばれる類似の2部形式から発展させたものである。 ^[1]このフランス序曲は、顕著な「付点リズム」（最初の和音を無視すれば、誇張された弱強音）による緩やかな導入部と、それに続くフガート様式の活発な楽章で構成されている。この序曲の後には、幕が上がる前に一連の舞踏曲が続くことが多く、^[5]プロローグの後に再び戻って本格的な動きを導入することが多い。このオーヴェルチュールのスタイルは、イギリスのオペラ、特にヘンリー・パーセルの『ディドとアエネアス』でも使用されている。その独特のリズムと機能から、ヨハン・セバスチャン・バッハ、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル、ゲオルク・フィリップ・テレマンといった後期バロック作曲家の作品に見られるフランス序曲のスタイルが生まれた。このスタイルは組曲の前奏曲で最もよく使われ、カンタータなどの舞台に上演されない声楽作品にも見られる。例えば、バッハのカンタータ『高き高き国よ、われらが高き国よ』BWV 61の冒頭合唱などである。ヘンデルも『ジュリオ・チェーザレ』などイタリアオペラのいくつかでフランス序曲の形式を使用している。^[6]

イタリアでは、1680年代に「序曲」と呼ばれる独特の形式が生まれ、特にアレッサンドロ・スカルラッティのオペラを通じて定着し、ヨーロッパ全土に広まり、18世紀半ばまでにフランスの形式に取って代わり標準的なオペラ序曲となった。^[7]その典型的な形式は、一般的にホモフォニックな3つの 楽章、すなわち急速-緩速-急速である。最初の楽章は通常、2拍子で長調である。初期の例の緩徐楽章は通常非常に短く、対照的な調であることもある。終結楽章は舞踏的で、ほとんどの場合ジーグまたはメヌエットのリズムを伴い、最初のセクションの調に戻る。この形式が進化するにつれて、第1楽章はファンファーレのような要素を取り入れることが多くなり、いわゆる「ソナチネ形式」（展開部のないソナタ形式）のパターンを帯びるようになり、緩徐セクションはより長く叙情的になった。^[7]イタリアの序曲は、オペラから切り離され、独立したコンサートピースとして演奏されることが多かった。この文脈において、彼らは交響曲の初期の歴史において重要な存在となった。^[8]

18世紀以前は、交響曲と序曲はほぼ互換性があり、序曲はオペラから抽出されて独立した器楽作品として使われ、交響曲は序曲としてオペラの冒頭に付けられていました。^[9]オペラ・セリアの改革により、序曲は交響曲と区別されるようになり、作曲家は序曲の内容をオペラに劇的かつ感情的に結び付けるようになりました。音楽や舞台上の他のすべての要素はプロットを強化するという改革の理念に従い、オペラの要素は序曲で予告されています。そのような序曲の1つは、アンドレ＝エルネスト＝モデスト・グレトリの「ラ・マニフィーク」で、いくつかのアリアが引用されています。^[10]この「メドレー形式」は、20世紀と21世紀に書かれた 多くのミュージカル作品の序曲に残っています。

19世紀のオペラでは、序曲、前奏曲、序曲、導入、あるいは何と呼ばれようとも、一般的には幕が上がる前に行われる音楽の部分以上の明確なものはありません。リヒャルト・ワーグナーのローエングリンの前奏曲は、聖杯の音楽に基づいた短い独立した楽章です。^[5]

1800年頃以降のイタリアのオペラでは、「序曲」はシンフォニアとして知られるようになった。^{[11]フィッシャーはまた、}シンフォニア・アヴァンティ・オペラ（文字通り「オペラ前の交響曲」）という用語は、「オペラの冒頭に使われるシンフォニアの初期の用語であり、作品の後半のセクションの冒頭に使用される序曲とは対照的であった」と述べている。^[11]

18 世紀末までに、オペラ序曲はコンサートホールで個別の曲として演奏されるようになってきていたが、舞台公演とは関係なく、一般的に何らかの文学的なテーマに基づいた個別のコンサート曲として特に意図された「コンサート序曲」は、ロマン派時代初期に登場し始めた。カール・マリア・フォン・ウェーバーは、1805 年に未完成のオペラ「リューベツァール」序曲を改訂した「精霊の支配者」(1811 年) と、クライマックスに「神よ王を守り給え」を組み込んだ「記念序曲」(1818 年) の 2 つのコンサート序曲を作曲した。

しかし、フェリックス・メンデルスゾーンの序曲『真夏の夜の夢』（1826年）が、一般的に最初の演奏会用序曲とみなされている。^[1]メンデルスゾーンのこのジャンルへの貢献としては、他に『静かな海と幸せな航海』（1828年）序曲、『ヘブリディーズ諸島』 （1830年、フィンガルの洞窟としても知られる）、序曲『美しいメリュジーヌ』（ 1834年）、『ルイ・ブラス』 （1839年）などがある。その他の著名な初期の演奏会用序曲は、エクトル・ベルリオーズによって書かれた（例えば、『フランス人の裁判官』（1826年）、『海賊』（1828年））。

1850年代には、演奏会用序曲は交響詩に取って代わられ始めた。交響詩はフランツ・リストが劇的序曲として始まったいくつかの作品で考案した形式である。この2つのジャンルの違いは、外部のプログラム要件に応じて音楽形式を自由に形成できることであった。 ^[1]交響詩は、セザール・フランク、カミーユ・サン＝サーンス、リヒャルト・シュトラウス、アレクサンダー・スクリャービン、アルノルド・シェーンベルクなどのより「進歩的な」作曲家に好まれる形式となったが、アントン・ルービンシュタイン、チャイコフスキー、ヨハネス・ブラームス、ロベルト・シューマン、アーサー・サリヴァンなどのより保守的な作曲家は、序曲に忠実であり続けた。^[1]

交響詩がすでに人気を博していた時代に、ブラームスは大学祝典序曲作品80と悲劇的序曲作品81を作曲しました。交響詩の影響を明らかに受けた例としては、チャイコフスキーの1812年序曲が挙げられます。同様に有名なロメオとジ​​ュリエットも「幻想序曲」と呼ばれています。

1900年以降のヨーロッパ音楽において、伝統的な形式とのつながりを示す序曲の例として、ドミトリ・ショスタコーヴィチの祝典序曲作品96（1954年）が挙げられます。この作品は「アレグレット」と「プレスト」という2つの連結したセクションに分かれています（Temperley 2001）。マルコム・アーノルドの壮大な大序曲作品57（1956年）は、19世紀後半の演奏会用序曲の20世紀版パロディで、オルガン、追加の金管楽器、ライフル4丁、フーバー掃除機3台（B ♭管の直立型2台、 C管の取り外し可能な吸盤付き横型1台）、E ♭管の電動床磨き機のオブリガートパートを含む大規模なオーケストラ用に作曲されており、「フーバー大統領」に捧げられています。 ^[12]

ザ・フーのロックオペラ 『トミー』の1曲は「アンダーチャー」と呼ばれている。^{[13] [14]}

映画において、序曲とは、オープニング クレジットが始まる前に映画の雰囲気を決める音楽です。有名な例としては、『風と共に去りぬ』（1939 年）や『アラビアのロレンス』（1962 年）などがあります。包括的なリストについては、序曲のある映画のリストを参照してください。

よく知られている、またはよく演奏される序曲のいくつか:

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