冥界のオルフェウス

冥界のオルフェウス^[1]および地獄のオルフェウス^[2]は、ジャック・オッフェンバック作曲、エクトール・クレミューとリュドヴィク・アレヴィ作詞による喜劇オペラ『オルフェ・オ・アンフェール』 （フランス語: [ɔʁfe oz‿ɑ̃fɛʁ] ）の英語名である。1858年10月21日、パリのブッフ・パリジャン劇場で2幕の「オペラ・ブッフォン」として初演され、その後大幅に改訂・拡張された4幕の「オペラ・フェリー」版が1874年2月7日、パリの ラ・ゲテ劇場で上演された

このオペラは、オルフェウスとエウリュディケーの古代伝説を風刺したものである。このバージョンでは、オルフェウスはアポロンの息子ではなく、田舎のバイオリン教師である。オルフェウスは、妻のエウリュディケーが冥界の神プルートーに誘拐されたとき、彼女から解放されて喜ぶ。オルフェウスは世論に脅されて、エウリュディケーを救出しようとする。このオペラにおけるオリンポスの神々の非難すべき行為は、フランス皇帝ナポレオン3世の宮廷と政府に対する隠された風刺であると広く考えられていた。一部の批評家は、台本作家による古典神話への敬意のなさや、作曲家によるグルックのオペラ「オルフェオとエウリュディケー」のパロディに憤慨したが、他の批評家は作品を高く評価した。

『オルフェの呪い』はオフェンバックの最初の長編オペラです。1858 年のオリジナル作品は興行的に成功し、翌年まで上演され、オフェンバックと彼のブッフ劇団を財政難から救いました。1874 年の再演は、ガイテ劇場の興行成績記録を破りました。この作品は、作曲家の存命中および 20 世紀を通じて、フランスおよび海外で頻繁に上演されました。最も頻繁に上演されているオペラの 1 つであり、21 世紀でも再演され続けています。

19 世紀最後の 10 年間に、パリのキャバレーであるムーラン ルージュとフォリー ベルジェールが、オペラのクライマックス シーンの「地獄のギャロップ」の音楽をカンカンの伴奏に採用し、それ以来、この曲はダンスとよく結び付けられるようになりました。

1855年から1858年にかけて、オッフェンバックは最初はブッフ・パリジャンのサル・ラカーズで、続いてブッフ・パリジャンのサル・ショワズールで、 24作以上の一幕物のオペレッタを上演した。当時の演劇許可法では、どの作品でも4人までの歌手しか許可されておらず、キャストが少ないため、全編の作品は論外であった。^[3] 1858年に許可の制限が緩和され、オッフェンバックは以前から構想していた二幕物の作品を自由に上演することができた。その2年前、オッフェンバックは友人の作家エクトル・クレミューに、1850年代初めにコメディ・フランセーズの音楽監督をしていたとき、そこで上演される劇の中で神話上の英雄やオリンポスの神々の態度にうんざりしていたので復讐すると誓ったと語っていた。^[4]クレミューとリュドヴィク・アレヴィは、そのような登場人物を風刺した台本を彼のために書いた。 ^{[5] [n 1]} 1858年、オフェンバックがようやくテーマにふさわしいキャストを起用することを許されたとき、アレヴィは高級公務員としての仕事に気をとられており、最終的な台本はクレミュー一人の作品とされた。^{[3] [n 2]}役のほとんどは、ブッフ劇団の人気メンバーを念頭に置いて書かれており、デジレ、レオンス、リーズ・トータン、そしてオルフェのヴァイオリンを実際に弾けるオルフェ役のアンリ・タヤウもその一人である。 ^{[1] [n 3]}

初演は1858年10月21日、サル・ショワズールで行われた。当初、この作品は興行的にはまずまずの成績だったが、オフェンバックが期待したほどの大成功には至らなかった。彼はオペラの豪華な上演にこだわった。経費が収入を上回りがちで、かなりの金儲けの糸口が必要だったのだ。^{[8]ジュルナル}・デ・デバの評論家ジュール・ジャナンが、思わぬ形で興行を後押しした。ジャナンはブッフ・パリジャンの以前の公演を賞賛していたが、この作品が冒涜的で淫らな暴挙であり、「神聖で輝かしい古代への冒涜」であると激しく憤慨した。^[9]彼の攻撃と、クレミューとオフェンバックによる不敬な反撃が話題となり、パリの観客の間でこの作品への大きな関心が高まり、観客は群がって見物した。^{[9] [n 4]} 1980年にオフェンバックの作品を研究したアレクサンダー・ファリスは「オルフェは大成功だっただけでなく、カルト的な人気も獲得した」と書いている。^{[14] [n 5]}この作品は228回上演され、当時は100夜上演が成功と考えられていた。^[16]アルベール・ラサールは、パリのブッフの歴史（1860年）の中で、この作品は1859年6月に閉幕したが、興行成績は好調だったものの、「観客を飽きさせることができなかった俳優たち自身が疲れ果てていた」と書いている。^[17]

1874年、オッフェンバックはこの作品を大幅に拡大し、楽譜の長さを2倍にし、1858年の親密なオペラ・ブッフォンを、バレエのシークエンスを多く盛り込んだ4幕のオペラ・フェリーの祭典に仕立て上げた。このバージョンは1874年2月7日にテアトル・ド・ラ・ゲテで初演され、290回上演され、 ^[18]その劇場の興行成績記録を破った。^{[19] [n 6]}改訂版の初演では、オッフェンバックはさらに作品を拡大し、第3幕にネプチューンの王国を描いたバレエを追加し^{[n 7]}、4幕のシーン数を合計22にした。^{[19] [n 8]}

この作品は、オーケストラの伴奏による語りによる序奏（序奏とメロドラマ）で始まる。世論は、自分が誰であるかを説明する。道徳の守護者（「古代劇場の誰が私に？」 ^[28]）。彼女は、古代ギリシャ劇の合唱団とは違い、単に行動についてコメントするのではなく、物語が道徳的に高い調子を保つように介入するのだと語る。彼女の努力は、事実によって妨げられる。オルフェは、古典神話にあるようにアポロンの息子ではなく、田舎の音楽教師であり、妻のエウリュディケを嫌っているが、エウリュディケもそれを心から嫌っている。彼女は、隣に住む羊飼いのアリステ（アリスタイオス）に恋をしており（「女は夢見ない」 ^[29]）、オルフェは羊飼いの娘クロエに恋をしている。オルフェがエウリュディケを自分と間違えると、すべてが明らかになり、エウリュディケは結婚を放棄するよう主張する。世論の反応を恐れたオルフェは、妻が嫌いなヴァイオリン音楽を使ってスキャンダルを黙らせるよう妻を苦しめる（「ああ、それは一つのこと」）。^[30]

アリスティーがやって来る。羊飼いのように見えるが、実は冥界の神プルトンである。羊についての牧歌を歌って変装を続ける（「私は、アリスティーである」）。^[31]エウリュディケーは、蛇を野に放ってアリスティーを殺そうとするオルフェの陰謀だと思っていたが、実際はプルトンがアリスティーを殺し、オルフェとプルトンがアリスティーを始末しようとする陰謀だった。プルトンはアリスティーを罠にかけ、アリスティーをオルフェに追い払おうとしていた。プルトンはアリスティーを罠にかけないように見せかけ、アリスティーは噛まれる。^{[n 12]}アリスティーが死ぬと、プルトンは真の姿に変身する（変身シーン）。^[33]エウリュディケーは、死神がアリスティーに恋をすると、死はそれほど悪くないことに気づく（「死は死をもたらす」）。^[34]エウリュディケが夫に、やむを得ず拘束されたと伝えるメモを残すと、彼らはすぐに冥界に降りていった。^[35]

オルフェにとってすべてが順調に進んでいるように見えたが、世論が彼に追いつき、妻を救出に行かなければヴァイオリン教師としてのキャリアを台無しにすると脅した。オルフェはしぶしぶ同意した。^[36]

場面はオリンポスに移り、そこでは神々が眠っている（「眠る者よ、眠る者よ」）。キューピドンとビーナスは夜の情事から別々に入り、眠っている仲間たちと合流する。^{[n 13]}しかし、全員がすぐに、貞淑な女狩人で女神とされるディアーヌの角笛の音で目覚める。^[38]彼女は現在の恋人アクタイオンの突然の不在を嘆く（ 「ディアーヌが平原に降り立った時」）。^[39]彼女の憤慨したところに、ジュピターは彼女の評判を守るためにアクタイオンを雄鹿に変えたと告げる。^[40]メルクリウスがやって来て、冥界を訪れたと報告する。そこには、美しい女性を連れて戻ってきたプルトンがいる。^[41]プルトンが入ってきて、ジュピターに彼のスキャンダラスな私生活を責められる。^[42]プルトンの安堵のため、他の神々はユピテルの統治、彼らの退屈なアンブロシアとネクターの食事、そしてオリンポスの単なる退屈さに反抗するこの瞬間を選んだ（「Aux armes, dieux et mi-dieux!」）。^[43]ユピテルが何が起きているのかを知りたいと要求すると、彼らは彼の偽善を詳細に指摘し、彼の神話上の出来事すべてをからかうことになる（「Pour séduire Alcmène la fière」）。^[44]

世論を伴ったオルフェの到着に、神々は最高の振る舞いをする（「近づいて！ 前進」）。^[45]オルフェは世論に従い、エウリュディケを恋い焦がれているふりをする。彼はグルックのオルフェオから「エウリュディケはもういない」を抜粋して、自分の苦しみを表現している。^[46]プルトンはエウリュディケを返さざるを得なくなるのではないかと心配する。ユピテルは、すべてを整理するために冥界に行くと告げる。他の神々は彼と一緒に来るように懇願し、彼は同意し、この祝日には大規模な祝賀会が勃発する（「栄光よ！ ユピテルに栄光あれ… 栄光よ、栄光よ」）。^[47]

エウリュディケーはプルトンによって監禁されており、退屈な生活を送っている。看守はジョン・スティクスという名の、頭の鈍い酒飲みである。彼は死ぬ前はボイオティア（ギリシャの地方で、アリストパネスは田舎者と同義とした）の王であった。^[48]そして彼は、王位を失ったことを悲しげにエウリュディケーに嘆き悲しむ（「クアン・ジェタイ・ロワ・ド・ベオティア」）。^[49]

ジュピターはプルトンがエウリュディケーを隠した場所を発見し、美しい金色のハエに姿を変えて鍵穴を抜ける。彼は反対側でエウリュディケーと出会い、彼女と愛のデュエットを歌うが、彼のパートはブンブンという音だけである（「Duo de la mouche」）。^[50]その後、彼はエウリュディケーに正体を明かし、彼女を助けることを約束するが、それは主に彼が彼女を自分のものにしたいからである。プルトンはジョン・スティクスを激怒して叱責する。^[51]

場面は神々が催す盛大なパーティに移るが、アンブロシア、ネクター、礼儀作法はどこにも見当たらない（「ワイン万歳！プルトン万歳！」）。^{[52]エウリュディケは}バッカスの女に変装して出席している（「バッカスよ、神よ」）^[53]が、彼女をこっそり連れ出そうとするジュピターの計画は、ダンスの呼びかけによって中断される。ジュピターはメヌエットを主張するが、他の全員が退屈だと感じる（「ラララ。メヌエットは魅力的ではない」）。オペラで最も有名なナンバー「地獄のギャロップ」が始まると場は盛り上がり、出席者全員がその曲に熱中する（「この曲はオリジナルだ」）。^[54]

不吉なバイオリンの音楽がオルフェの接近を告げる（オルフェと世論の登場）^[55]が、ユピテルは計画を持っており、エウリュディケーを夫から遠ざけることを約束する。標準的な神話と同様に、オルフェは振り返ってはならない。さもないと、エウリュディケーを永遠に失ってしまう（「振り返ってはいけない！」）。^[56]世論は彼が浮気しないように目を光らせているが、ユピテルは稲妻を投げ、彼は飛び上がって振り返ると、エウリュディケーは消えてしまう。^[57]続いて起こる騒動の中で、ユピテルは、これからはバッカス神に属し、彼の巫女の一人になると宣言する。世論は喜ばないが、プルトンはエウリュディケーにうんざりしており、オルフェは彼女から解放され、すべては幸せに終わる。^[58]

筋書きは基本的に 1858 年版のものです。2 幕 2 シーンではなく、後のバージョンは 4 幕で構成され、オリジナルの 4 シーンの筋書きを踏襲しています。改訂版は最初のバージョンとは異なり、挿入されたバレエ シーケンスがいくつかあり、登場人物や音楽の番号もいくつか追加されています。追加された内容はメインの物語には影響しませんが、スコアの長さがかなり長くなります。^{[n 14]}第 1 幕には、集まった羊飼いと羊飼いの娘たちによるオープニング コーラスがあり、オルフェウスには若いバイオリンの生徒のグループがいて、幕の終わりに別れを告げます。第 2 幕では、メルキュールにソロの入場番号 ( 「イー ホップ!」 ) が与えられます。第3幕では、エウリュディケーが新しいソロ「後悔の二行連句」（「ああ、運命の悲しいものよ！」）、キューピドンが新しいナンバー「失恋二行連句」（「みんな、もう限界よ！」）、ハデスの裁判官3人と警官の小集団がキャストに追加され、隠れたエウリュディケーを探すユピテルの捜査に加わり、幕の終わりには激怒したプルトンが蝿の大群に捕らえられ連れ去られる。^{[59] [60]}

ファリスは、このオペラのスコアは、その後のオフェンバックの多くの長編オペラのパターンを形成したが、このオペラのスコアは「連句（一人または複数の歌手が繰り返し歌う詩を含む歌）の豊富さ」、「その他のさまざまな独唱や二重唱、いくつかの大きな合唱、そして 2 つの長い終楽章」があると述べている。オフェンバックは、ロココの田園調からイタリア オペラの寄せ集め、そして騒々しいギャロップまで、さまざまなスタイルで作曲しており、ファリスの分析によると、彼の特徴の多くが表れており、たとえば「驚くほどアクロバティックに前後に飛び跳ねながらも、滑らかに叙情的であるだけでなく、自然発生的にも聞こえる」メロディーなどである。「地獄のギャロップ」のようなアップテンポの曲では、オフェンバックはシンプルさを美徳としており、曲の大半で同じキーを維持し、楽器編成もほとんど変えずに演奏している。^[61]スコアの他の部分では、オッフェンバックはオーケストラをより目立たせている。「duo de la mouche」では、ハエのようにブンブンという音で構成されたジュピターのパートに、同様にブンブンという音を出すために、第1ヴァイオリンと第2ヴァイオリンがsul ponticello を演奏している。 ^[62]ル・フィガロ紙で、ギュスターヴ・ラファルグは、オッフェンバックが第1場のフィナーレでシンバルを叩いて強調するピッコロのトリルを使用したのは、グルックが『アウリデのイフィジェニー』のスコアで考案した効果の現代的な再現であると述べた。^[63] ウィルフリッド・メラーズも、オッフェンバックがピッコロを使用して、楽器の「少女のようなくすくす笑い」でエウリュディケの二行連句を強調したことについて言及している。^[64] ジャーヴァース・ヒューズは「バレエ・デ・ムーシュ」 [第3幕、1874年版]の精巧な音楽についてコメントし、それを「チャイコフスキーにインスピレーションを与えたかもしれない傑作」と呼んでいる。^[65]

ファリスは、オッフェンバックが『オルフェオの降霊術』で、リズムの型を使って雰囲気を作り出す達人であったことを示しているとコメントしている。ファリスは、第2幕（1858年版）から3つの曲を例に挙げている。これらはすべてイ長調で、ほぼ同じ順序で同じ音符が使われているが、「『ボイオティア王の歌』と『ギャロップ』ほど感情面で極端な違いは想像しにくい」。^{[67] 2014年の研究では、ヘザー・ハドロックは、前者について、オッフェンバックは、静的な}ミュゼット風のドローンベースの伴奏に、属音と主音のハーモニーが交互に現れる「物憂げで落ち着きのないメロディー」を作曲し、失われた場所と時間への郷愁を呼び起こし、同時に嘲笑し、「悲哀と皮肉の間の永遠に解決されない緊張を生み出している」とコメントしている。^[68]メラーズは、スティクスのアリアには「心を打つ哀愁」があり、おそらくこのオペラで真の感情が表現された唯一の例であると考えている。^[69]

1999年、トーマス・シッペルゲスは国際音楽学誌に、多くの学者がオフェンバックの音楽はあらゆる音楽学的手法に反すると考えていると書いた。彼はこれに同意せず、「地獄のギャロップ」を分析し、多くの点で洗練されていると結論付けた。「その率直さにもかかわらず、計算されたデザインが明らかになる。作品全体の「経済性」は、意図的な音楽のドラマツルギーに役立つ。」^[70] ハドロックは、このオペラで最もよく知られている音楽は「ロッシーニの喜劇の推進力」とアップテンポのギャロップによって駆動されているが、そのような活気のあるナンバーは18世紀の風格のあるより荘厳な音楽と並んでいると指摘している。「スコアの洗練さは、オフェンバックが現代の都会的な音楽言語と、完全に元に戻ることなく弱められ皮肉を込められた抑制された物憂げな音色を絡ませたことによる。」^[71]

『オルフェの呪い』はオッフェンバックの主要作品の中で合唱が初めて登場した。 ^{[n 15]} 2017年の研究では、メリッサ・カミンズが、作曲家は合唱団をプルトンの手下、オリンポスの退屈な住人、冥界のバッカス女として多用しているが、彼らは単に大編成の合唱パートを埋めるためだけに存在しており、「たまたまそこにいる無名の顔のない群衆として扱われている」と述べている。 ^[73]オリンポスの場面では、合唱団に「Bouche fermée」と記された珍しいボッカ・キウーザのセクションがあり、これは後にビゼーの『ジャミレイ』やプッチーニの『蝶々夫人』の「ハミング・コーラス」で。 ^{[74] [75]}

ブッフ・パリジャンのオーケストラは小規模で、おそらく30人ほどの演奏者だった。^[59] 1858年版の『オルフェオ・オ・アンフェール』は、フルート2本（2本目の兼任ピッコロ）、オーボエ1本、クラリネット2本、ファゴット1本、ホルン2本、コルネット2本、^{[注 16]}トロンボーン1本、ティンパニ、打楽器（バスドラム/シンバル、トライアングル）、弦楽器で楽譜化されている。^[78]オフェンバック研究者のジャン＝クリストフ・ケックは、弦楽器セクションは最大で第1バイオリン6本、第2バイオリン4本、ビオラ3本、チェロ4本、コントラバス1本で構成されていたと推測している。^[78] 1874年のスコアでは、オーケストラの編成がかなり大きく、オフェンバックは木管楽器、金管楽器、打楽器セクションのパートを追加した。改訂版の初演では、60人のオーケストラと、第2幕の終わりのオリンポスの神々の行列のためにさらに40人の軍楽隊を雇った。^[79]

1874年の改訂版の音楽は当時の批評家から好評を博したが^{[63] [80]}、後世の批評家の中には、長くなったスコアと拡張されたバレエのセクションには時折退屈な部分があると感じた者もいる^{[23] [81] [82] [n 14]} 。とはいえ、追加された曲のいくつか、特にキューピドンの「Couplets des baisers」、メルキュールのロンド「Eh hop」、および「Policeman's Chorus」は好評を博し、1858年のテキストを使用する公演では、その一部またはすべてが追加されることが多い^{[1] [82] [83] 。}

作曲家の死後1世紀以上もの間、この作品や彼の他の作品に対する批判的な懸念の原因の一つは、音楽学者ナイジェル・シメオンが「不出来で、台無しで、改変された」版と呼んだものが存続したことであった。^[59] 21世紀初頭から、ケックの編集の下、オフェンバックのオペラの学術的かつ信頼性の高い楽譜を出版するプロジェクトが進行中である。最初に出版されたのは2002年の『オルフェオの呪い』の1858年版である。^[59]その後、ケックのオフェンバック版は1874年の楽譜と、1858年版と1874年版の両方を基にした別の楽譜を出版した。^[83]

「オルフェ・オ・アンフェル」序曲：カール・バインダー編曲 (9:23)

Musopenより

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最も有名で録音も多い『オルフェウスの呪い』序曲^[84]はオッフェンバックの作品ではなく、1858年や1874年の楽譜にも収録されていない。1860年にウィーンで初演されたこのオペラのために、オーストリアの音楽家カール・ビンダー（1816-1860）が編曲した。^[84]オッフェンバックの1858年の楽譜には104小節の短い管弦楽曲の導入部があり、木管楽器の静かなメロディーで始まり、続いてイ長調の『ジュピター』第2幕のメヌエットのテーマが続き、ヘ長調の模造の尊大なフーガを経て『世論』の冒頭の独白へと移る。 ^[85] 1874年の改訂版序曲は393小節の楽曲で、ジュピターのメヌエットとジョン・スティックスの歌が繰り返され、スコアからの多くのテーマが散りばめられており、その中には「J'ai vu le Dieu Bacchus」、連句「Je suis Vénus」、ロンド・デ・メタモルフォーゼス、第2幕フィナーレの「Partons, partons」セクション、第4幕のギャロップなどがある。^{[86] [n 17]}

オッフェンバックの死後15年ほど経って、第2幕（1874年版では第4幕）のギャロップは世界で最も有名な音楽の一つとなり、^[59]ムーラン・ルージュとフォリー・ベルジェールがカンカンの定番曲として採用した。ケックは、オリジナルの「地獄のギャロップ」は世紀末のカンカンよりもかなり自然発生的で騒々しいものだったとコメントしている（ケックはオリジナルを現代のレイブに例えている）が、この曲は今や大衆の心の中ではハイキックする女性カンカンダンサーと切り離せないものとなっている。^[59]

最初から『オルフェオ』は批評家の意見が分かれていた。ジャナンの激しい非難は、この作品に害よりも良い影響を与えた。^{[9]これは、ジュール・ノリアックが}フィガロ・プログラムで初演を賞賛した批評とは対照的だった。ノリアックはこの作品を「前例のない、素晴らしい、とんでもない、優雅な、楽しい、機知に富んだ、面白い、成功した、完璧な、調和のとれた」と評した。 ^{[91] [注 18]}ベルトラン・ジュヴァンはフィガロ紙で、一部のキャストを批判したが、舞台設定を称賛した。「おとぎ話オペラのあらゆる変化と驚きを備えた幻想的なショー」^[93]パリの『レヴュー・エ・ガゼット・ミュージカル』は、このジャンルの作品に過度な期待をするのは間違いだが、 『オルフェウスの呪い』はエウリュディケー、アリステ・プルトン、ボイオティア王の魅力的な二行連句を備え、オフェンバック^{の最も傑出した作品の一つであると述べた。 [94]}ル・メネストレルは、キャストを「サラブレッド」と呼び、「オフェンバックの音楽にふんだんに盛り込まれた魅力的なジョーク、魅力的な独創性、滑稽な奇抜さ」を十二分に表現した。^[95]

1874年の改訂版について、『演劇と音楽の年代記』の著者らは「『オルフェオの呪い』は何よりも優れたショーである。オッフェンバックの音楽は若さと精神を保っている。昔の愉快なオペレッタは、華麗な祭典となった」と書いている。^[81]これに対して、フェリックス・クレマンとピエール・ラルースは『オペラ辞典』（1881年）の中で、この作品は「下品でグロテスクなパロディ」であり、「不健康な匂いを放つ」「下品でみだらな場面」に満ちていると書いている。^[96]

このオペラはナポレオン3世の体制に対する薄っぺらな風刺を含んでいると広く考えられていたが[ ^{9] [97]}、この作品に対する初期のマスコミの批判は、オウィディウス^{[n 19]}や、同様に神聖視されているグルックのオルフェオ^{[99] [n 20]}などの古典作家に対する嘲笑に集中していた。 ファリスは、オッフェンバックとその台本作家による風刺は痛烈というよりは生意気なものだったとコメントし^[101]、リチャード・タラスキンは19世紀の音楽を研究した著書の中で「堅苦しい批評家たちをうまく誘惑した計算された放縦と見せかけの冒涜は、その正体を誰もが認識していた。それは社会批判とは正反対の、社会的な姑息な手段だった [...]オリンポスの神々がカンカンを踊る光景は、誰の尊厳も脅かさなかった」と述べている。^[102]皇帝は1860年に指揮公演で『オルフェオの呪術師』を観て大いに楽しんだ。彼はオッフェンバックに「あの素晴らしい夜を決して忘れないだろう」と語った。^[103]

オッフェンバックの死後、フランスにおける彼の評判は一時的に影を潜めた。ファリスの言葉によれば、彼の喜劇オペラは「信用を失った帝国の無意味かつ陳腐な記念品として片付けられた」。^{[104]他の国の追悼記事執筆者も同様に、}オルフェを含む喜劇オペラは短命で忘れ去られるだろうと当然視していた。^{[105] [106]} 1919年の作曲家生誕100周年の頃には、そのような予測が間違っていたことは数年前から明らかだった。^[107] オルフェは頻繁に再演され、^[108]彼の他のいくつかのオペラも再演され、^{[109]道徳的または音楽的な理由による批判はほぼなくなった。ガブリエル・グロヴィエは}ミュージカル・クォータリー誌に次のように書いている。

オルフェの台本は気迫とユーモアにあふれ、楽譜はきらめく機知と美しい旋律の魅力に満ちている。至るところで最も崇高な愚かさと最も驚くべき空想がぶつかり合うこの作品を適切に分析することは不可能である。 [...] オフェンバックはこれ以上に完成度の高い作品を生み出したことはない。^[110]

現代の批評家の間では、トラウブナーは『オルフェ』を「最初の偉大な全編フランス古典オペレッタ [...] 古典的 (両方の意味で)」と評しているが、1874年の改訂版は「誇張」されていると考えている。^[23] ピーター・ギャモンドは、観客はこの作品の軽薄さを高く評価しつつも、オペラ・コミックの最良の伝統に根ざしていると認識したと書いている。^[111] 21世紀の作家バーナード・ホランドは、音楽は「美しく作られ、限りなく陽気で、しぶしぶ真面目」だが、後の『ホフマン物語』のように「オフェンバックが本当に非常に才能のある作曲家であったこと」を示していないとコメントしている。^[112] アンドリュー・ラムは、オルフェ・オ・アンフェールはオフェンバックの最もよく知られた作品であり続けているが、「彼のオペレッタの最高傑作は、その輝きでは『パリの人生』、その魅力では『ラ・ペリコール』 、そしてその総合的な輝きでは『美人エレーヌ』^{だろうという意見で一致している」とコメントしている。 [113]} クルト・ゲンツルは『ミュージカル劇場百科事典』の中で、初期の作品と比較すると、オルフェ・オ・アンフェールは「スケールの違う何かであり、 オフェンバックの最も笑えるブッフ音楽で飾られた、古典神話と現代の出来事の見事な想像力豊かなパロディ」だったと書いている。^{[114] 2014年に行われた}オルフェ・オ・アンフェールのパロディとバーレスクに関する研究で、ハドロックは次のように書いている。

『オルフェの降誕』によって、現在オペレッタとして知られているジャンルは、その勢いを結集し、飛躍的に前進したが、その一方で、一幕物の先人たちの迅速で簡潔なスタイル、不条理で際どい感性、限られた資源で最大限の喜劇効果を生み出す経済性は保持されていた。同時に、この作品は、フィリドールとグレトリーによる18世紀フランス喜劇の伝統の正当な継承者として、自分自身と自分の劇団の地位を確立したいというオフェンバックの願望を反映している。^[115]

1860年の初演からパリでの最初の再演までの間、ブッフ＝パリジャン劇団はフランスの地方を巡業し、そこで『オルフェオ・オ・アンフェール』は「非常に」「信じられないほどの」成功を収めたと報告された。^[116] 1862年と1867年にブッフ＝パリジャン劇団で再演されたとき、トータンに代わりデルフィーヌ・ウガルドがエウリュディケー役を務めた。 ^[2]

1874年版の最初の再演は1875年にラ・ゲテ劇場で行われ、マリー・ブランシュ・ペシャールがエウリュディケ役を演じた。^[2] 1878年1月にも同劇場で再演され、メロネ（オルフェ）、ペシャール（エウリュディケ）、クリスチャン（ジュピター）、アバイ（プルトン）、ピエール・グリヴォがメルキュールとジョン・ステュクス役を演じた。^[117]同年後半の万国博覧会シーズンにはオッフェンバックが再び再演し、 ^[118]グリヴォがオルフェ、ペシャールがエウリュディケ、^[119]作曲者の古い友人でライバルのエルヴェがジュピター役、 ^[120]レオンスがプルトン役を演じた。このオペラは1887年にゲイテでタウフェンベルジェ（オルフェ）、ジャンヌ・グラニエ（エウリュディケ）、ウジェーヌ・ヴォーティエ（ジュピター）、アレクサンドル（プルトン）とともに再演された^{[119] 。}エデン劇場（1889年）ではミナール、グラニエ、クリスチャン、アレクサンドルによる再演が行われた^{[121] 。 [122]}

パリでの20世紀の再演には、シャルル・プランス（『オルフェ』）、ジュリエット・メアリ（『エウリュディケ』）、ギィ（ジュピター）、アルベール・ブラッシュール（『プルトン』）によるヴァリエテ劇場（1902年）での上演、^および1912年のポール・ブリヨンによる上演が含まれる。メアリー、ガイ、プリンス。^[124]モガドール劇場（1931年）エイドリアン・ラミー、マンセ・ボージョン、マックス・ディアリー、ルシアン・ムラトーレ出演。^[125]レミー・コラッツァ、アンヌ・マリー・サニアル、ミシェル・ルー、ロベール・アンドレオッツィと共演したオペラ・コミック（1970年）。 ^[126]ジャン・ジロドー、ジャン・ブラン、アルベール・ヴォリ、サニアルとのリリック劇場（1972年） 。そしてエスパス・カルダンのフランス・オペラ座による上演（1984年）では、（アルファベット順）アンドレ・ドラン、マールテン・コーニングスベルガー、マルティーヌ・マーチ、マルティーヌ・マスクラン、マルセル・クィルヴェール、ギレーヌ・ラファネル、バーナード・シンクレア、ミッシェル・トランポンを含む複数のキャストが出演した。^[2] 1988年1月、この作品はパリ・オペラ座でミシェル・セネシャル（『オルフェ』）、ダニエル・ボルスト（『エウリディース』）、フランソワ・ル・ルー（『ジュピター』）、ローレンス・デイル（『プルトン』）の共演で初演された。^[127]

1997年12月、ローラン・ペリーによるプロダクションがリヨン国立オペラ座で上演され、DVD用に撮影された。出演はヤン・ブーロン（オルフェ）、ナタリー・デセイ（エウリュディケー）、ローラン・ナウリ（ジュピター）、ジャン＝ポール・フーシェクール（プルトン）、指揮はマルク・ミンコフスキであった。^[128]このプロダクションはジュネーヴで最初に上演され、グラン・テアトルの舞台エリアの改修中だった元水力発電所で、ブーロン、アニック・マシス、ナウリ、エリック・ユシェがキャストを務めた。^[129]

フランス国外での最初の上演は、1859年10月のブレスラウで行われたと考えられている^。[130]同年12月にオペラはプラハで初演された。この作品は、ルートヴィヒ・カリッシュによるドイツ語版で、1860年3月にウィーンのカール劇場で上演され、ユピテルを演じたヨハン・ネストロイによって改訂・装飾された。ギリシャ・ローマ神話を茶化すことはウィーンの大衆劇場で長い伝統があり、パリでジュール・ジャナンらを激怒させた無礼さに対して、観客は抵抗を感じなかった。^[131]カール・ビンダーが、現在最もよく知られている序曲のバージョンをまとめたのは、この上演のためであった。^[59] 1861年2月と6月に同じ劇場で再演され（どちらもフランス語で上演）、1867年1月にはアン・デア・ウィーン劇場で再演された。1860年にはブリュッセル、ストックホルム、コペンハーゲン、ベルリンで初演された。 ^[2]その後、ワルシャワ、サンクトペテルブルク、ブダペストで上演され、その後チューリッヒ、マドリード、アムステルダム、ミラノ、ナポリでも上演された。^[130]

ゲンツルは「数え切れないほどのその他のプロダクション」の中に、1922年にベルリンの大劇場でマックス・ラインハルト が指揮した大規模で派手なドイツ再演を挙げている。 ^{[22] [n 21]}より最近のベルリンのプロダクションは1983年にゲッツ・フリードリヒが演出したもので、^[132]プロダクションのビデオが公開された。^{[133] 2019年のプロダクションには、}ウィーン・フォルクスオーパーでのヘルムート・バウマン演出の作品や、[ ^134]ザルツブルクのモーツァルトの家でのバリー・コスキー演出の作品があり、アンネ・ゾフィー・フォン・オッターが主演を務めた『L'Opinion publique』は、ザルツブルク音楽祭、ベルリン・コーミッシェ・オペラ、ライン・ドイツ・オペラの共同制作である。^[135]

この作品のロンドンでの最初のプロダクションは、1865年12月にハー・マジェスティーズ劇場で、 JR・プランシェによる英語版『ヘイマーケットのオルフェウス』であった。^{[136] [n 22] 1869年と1870年には、}ホルテンス・シュナイダー率いる劇団により、オリジナルのフランス語版でウエストエンドで上演された。^{[137] [138] [n 23]}続いて、アルフレッド・トンプソン（1876年）、ヘンリー・S・リー（1877年）による英語版が上演された。^{[139] [140] [n 24]ハーバート・}ビアボーム・ツリーとアルフレッド・ノイズによる翻案は、1911年にヒズ・マジェスティーズ劇場で初演された。^{[141] [n 25]このオペラがロンドンで再び上演されたのは、1960年に}ジェフリー・ダンによる新たな翻案がサドラーズ・ウェルズ劇場で初演されたときであった。^{[142] [注 26]}ウェンディ・トーイによるこの演出は、1960年から1974年にかけて何度も再演された。^[143]スヌー・ウィルソンによるイングリッシュ・ナショナル・オペラ（ENO）の英語版は、1985年にロンドン・コロシアムで上演され、^[144] 1987年に同地で再演された。 ^[145]オペラ・ノースとドイリー・カート・オペラ・カンパニーによるジェレミー・サムズによるバージョンの共同制作は1992年に始まり、数回再演された。^{[146] 2019年にENOは}エマ・ライス監督による新演出を上演したが、好評を博しなかった。^[147]

ニューヨークでの最初の公演は、 1861年3月にシュタット劇場でドイツ語で行われ、1862年2月まで上演された。さらに2つの公演がドイツ語で上演され、1863年12月にフリッツ、クノール、クライン、フリン・フォン・ヘーデマンが、1866年12月にブリュッケマン、クノール、クライン、フリン・シュテークリッヒ＝フックスが出演した。^[2]このオペラは、 1867年1月にエルヴィラ・ナディが出演してテアトル・フランセで、1868年4月にルシール・トステが出演してフィフス・アベニュー劇場で上演された。1883年12月にはビジュー劇場でマックス・フリーマン、マリー・ヴァノーニ、ディグビー・ベル、ハリー・ペッパーが出演して上演された。^[2] 1865年にリオデジャネイロ、1866年にブエノスアイレス、1867年にメキシコシティ、1868年にバルパライソで上演された。 ^{[130]このオペラは1872年3月に}メルボルンのプリンセス劇場でオーストラリアで初演され、プランシェのロンドンのテキストで、アリス・メイがエウリュディケーを演じた。^[148]

ラインハルトによる壮大な演出は1926年にニューヨークで上演された。^[149]ニューヨーク・シティ・オペラは1956年にエリック・ラインスドルフの指揮で、シルヴィア・スタールマンがエウリュディケー、ノーマン・ケリーがプルートース役で上演した。^[150]より最近の米国での演出には、サンタフェ・オペラによる1985年版^{[151]と、1986年に}ヒューストン・グランド・オペラ（共同プロデューサー）と1989年にロサンゼルス・オペラによって米国で上演された1985年ENO版がある。^[152]

2019年4月、オペラベースのウェブサイトには、2016年以降にフランス語または翻訳で上演されたオペラの過去または予定されている公演が25件記録されており、ドイツで9件、フランスで4件、イギリスで2件、スイスで2件、米国で2件、グダニスク、リエージュ、リュブリャナ、マルメ、プラハ、東京で上演されている。^[153]

フルレングスの録音は3枚ある。1枚目は1951年で、ルネ・ライボヴィッツ指揮のパリ・フィルハーモニー合唱団と管弦楽団が出演し、ジャン・モリエン（オルフェ）、クロディーヌ・コラール（エウリュディツェ）、ベルナール・ドゥミニー（ジュピター）、アンドレ・ドラン（プルトン）が出演。1858年版を使用している。^[154] 1978年にEMIから発売された盤では、1874年版の拡張版が使用されている。ミシェル・プラッソン指揮のトゥールーズ・カピトル合唱団と管弦楽団が出演し、ミシェル・セネシャル（オルフェ）、マディ・メスプレ（エウリュディツェ）、ミシェル・トランポン（ジュピター）、シャルル・ビュルス（プルトン）が出演。^[155] 1858年のスコアに1874年の改訂版からいくつか追加を加えた1997年の録音には、マルク・ミンコフスキ指揮、リヨン国立オペラ座合唱団と管弦楽団が出演し、ヤン・ブーロン（オルフェ）、ナタリー・デセイ（エウリュディケー）、ローラン・ナウリ（ジュピター）、ジャン＝ポール・フーシェクール（プルトン）が出演している。^[156]

2022年現在、^{[アップデート]}全編英語で録音された唯一の録音は、ジョン・オーウェン・エドワーズ指揮、デイヴィッド・フィールズゼンド（オルフェウス）、メアリー・ヘガティ（エウリュディケー）、リチャード・スアート（ジュピター）、バリー・パターソン（プルート）による1995年のドイリー・カート公演である。1858年のスコアを使用し、1874年の改訂版からいくつか追加されている。英訳はジェレミー・サムズによる。^[157]以前の2つの公演からは抜粋が録音されている。アレクサンダー・ファリス指揮の『サドラーズ・ウェルズ』（1960年）、エウリュディケー役にジューン・ブロンヒル、ジュピター役にエリック・シリング、^{[158]とイングリッシュ・ナショナル・オペラ（1985年）、}マーク・エルダー指揮、オルフェウス役にスチュアート・ケイル、エウリュディケー役にリリアン・ワトソン、ジュピター役にリチャード・アンガス、プルート役にエミール・ベルコート^[159]

ドイツ語でフルレングスの録音が3枚ある。1958年録音の最初のものは、パウル・ブルクハルト指揮北ドイツ放送交響楽団と合唱団によるもので、ハインツ・ホッペ（オルフェウス）、アンネリーゼ・ローテンベルガー（エウリュディケ）、マックス・ハンセン（ユピテル）、フェリー・グルーバー（プルート）が出演している。^[160]ローテンベルガーは1978年のEMIのセットでもこの役を再演しており、ヴィリー・マッテス指揮フィルハーモニア・フンガリカとケルン歌劇場合唱団によるもので、アドルフ・デッラポッツァ（オルフェウス）、ベンノ・クシェ（ユピテル）、グルーバー（プルート）が出演している。^[161] 1983年のベルリン公演に基づく録音は、ゲッツ・フリードリヒの演出によるもので、ベルリン・ドイツ・オペラ管弦楽団と合唱団が出演し、ヘスス・ロペス・コボスが指揮し、ドナルド・グローベ（オルフェウス）、ジュリア・ミゲネス（エウリュディケ）、ハンス・バイラー（ジュピター）、ジョージ・シャーリー（プルート）が出演している。^[162]

ヘルベルト・ウェルニッケが1997年にブリュッセルのモネ劇場で行ったプロダクションに基づく録音がDVDでリリースされており、出演者はアレクサンドル・バデア（オルフェウス）、エリザベート・ヴィダル（エウリュディケー）、デール・デュージング（ジュピター）、レイナルド・マシアス（プルトン）である。^[163]また、同じ年のローラン・ペリーのプロダクションに基づく録音がDVDでリリースされており、出演者はナタリー・デセイ（エウリュディケー）、ヤン・ボーロン（オルフェ）、ローラン・ナウリ（ジュピター）、ジャン＝ポール・フーシェクール（プルトン）である。^{[128] 1983年に}BBC向けに制作された英語版はDVDでリリースされている。これはファリスが指揮し、アレクサンダー・オリバー（オルフェウス）、リリアン・ワトソン（エウリュディケー）、デニス・キイリー（ジュピター）、エミール・ベルクール（プルトン）が出演している。 ^[164]フリードリヒによるベルリン公演は1984年に撮影され、DVDとしてリリースされている。^[133]コスキーが監督したザルツブルク音楽祭公演のDVDは2019年に出版された。^[165]

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オルフェ・オ・アンフェール

• ウィキメディア・コモンズのオルフェ・オ・アンフェールに関連するメディア
• ウィキソースの「オルフェオ・オ・アンフェール」全文
• 「冥界のオルフェウス」ライトオペラとオペレッタのガイド
• 「冥界のオルフェウス」ミュージカル劇場ガイド
• Orphée aux enfers:国際音楽スコア ライブラリー プロジェクトのスコア
• ドイツ国立図書館のカタログにある冥界のオルフェウスに関する文学作品