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笑いトラック（または笑いトラック）とは、笑い声（およびその他の観客の反応）を収録した音声録音で、通常はコメディ作品の別サウンドトラックとして使用されます。笑いトラックには、生の観客の反応、番組に挿入するために作られた人工的な笑い声（録音された笑い声、または偽の笑い声）、あるいはその両方が含まれる場合があります。笑いトラックを「甘くする」ために録音された笑い声を使用する手法は、アメリカの音響技師チャールズ・ダグラスによって開拓されました。
ダグラスの笑い声トラックは、1950年代後半から1970年代後半にかけて、 アメリカの主流テレビ番組で標準となり、プライムタイムのシットコムやスケッチコメディのほとんどを席巻した。ステレオ笑い声の開発に伴い、1980年代にはダグラスの笑い声の使用は減少した。さらに、シングルカメラ方式のシットコムでは観客の存在自体がなくなった。録音された笑い声は、視聴者を笑わせるために使われる。
ラジオやテレビが登場する以前は、観客は他の観客がいる中で生のコメディショーを体験していた。ラジオや初期のテレビのプロデューサーは生放送の録音を使用し、後にスタジオ収録のみの番組では、笑い声やその他の観客の反応をサウンドトラックに加えることで、この雰囲気を再現しようと試みた。
フロリダ州のWWJBの元オーナー、ジャック・ダズウェルは、最初の「笑いレコード」を制作した。[ 1 ]
1946年、ジャック・マリンはラジオ・フランクフルトからマグネトフォン磁気テープレコーダーと50巻のテープを持ち帰った。このレコーダーは、 BASFとAEGが1935年からドイツで製造していた磁気テープレコーダーの1つだった 。6.5mmテープは1巻あたり20分間の高音質アナログ音声を録音できた。アレクサンダー・M・ポニアトフはその後、ラジオ制作で使用するために、自身のアンペックス社にマグネトフォンの改良版を製造するよう命じた。[ 2 ]ビング・クロスビーは最終的にこの技術を採用し、毎週決まった時間に放送されるラジオ番組を事前に録音することで、生放送で番組を演じる必要がなくなり、西海岸の聴衆のために2度目の放送を行う必要もなくなった。
この録音方法の導入により、ポストプロダクション段階で音声を追加することが可能になった。長年エンジニアとして活躍し、録音技術のパイオニアでもあるジャック・マリンは、クロスビーの番組で笑い声トラックがどのように発明されたかを説明した。
田舎者のコメディアン、ボブ・バーンズが一度番組に出演し、当時としては非常に際どく下品な田舎風の農場話を披露した。それを生放送で収録したところ、どれも大爆笑を誘い、笑いは止まらなかったが、そのジョークは使えなかった。今ならそれらの話は比較にならないほど穏やかに思えるだろうが、当時のラジオ事情は今とは違っていたので、脚本家のビル・モローは笑い声を保存しておいてほしいと頼んだ。数週間後、モローの番組があまり面白くなかったので、保存しておいた笑い声を入れるようにと強く主張した。こうして笑い声トラックが誕生した。[ 3 ]
初期のテレビでは、生放送ではないほとんどの番組は、シングルカメラ撮影技術を使用しており、各シーンを異なるカメラアングルから複数回撮影して番組を作成していました。[ 3 ]俳優やスタッフの演技はコントロールできましたが、生放送の観客は「適切な」タイミングで笑ってくれるとは限りませんでした。また、観客が笑いすぎたり、笑いが長すぎたりすると判断されることもありました。[ 3 ]
CBSの音響技師チャーリー・ダグラスはこれらの矛盾に気づき、自ら事態の解決に乗り出した。[ 4 ]ジョークが期待通りの笑いを誘わなかった場合、ダグラスは追加の笑い声を挿入し、生放送の観客が笑いすぎた場合は、徐々に笑い声を消していった。この編集技術は「スウィーティング」として知られるようになり、実際のスタジオ観客の反応が期待ほど強くなかった場合に、録音された笑い声を使って反応を増幅させるようになった。[ 4 ]逆に、このプロセスは観客の反応を「デスウィーティング」するためにも使用でき、望ましくない大声の笑いを抑えたり、不適切な拍手を取り除いたりすることで、笑いをプロデューサーが好むストーリーテリングの方法に近づけることができた。[ 5 ]
CBSで働いていた頃、ダグラスは試作型の笑い声発生装置を製作した。これは直径28インチの大きな木製の車輪で、その外周にテープのリールが接着されており、テープには軽い笑い声が録音されていた。この装置は、車輪の別の位置に当たるまで再生するキーで操作され、完全な笑い声が再生された。製作に会社の時間を使ったため、ダグラスがCBSを辞めることを決めたとき、CBSは装置の所有権を要求した。試作機は使用開始から数ヶ月で壊れてしまった。[ 6 ]ダグラスは1953年にこの技術を拡張し、録音されたライブサウンドトラック（主に『レッド・スケルトン・ショー』のパントマイム部分）から笑い声や拍手を抽出し、録音した音を巨大なテープマシンに入れ始めた。
これらの録音された笑い声は、シングルカメラで撮影された番組に追加されました。笑い声トラックを取り入れた最初のアメリカのテレビ番組は、 1950 年のシットコム「ハンク・マキューン・ショー」でした。「プライド・オブ・ザ・ファミリー」 （ABC、1953～1954 年）などの他のシングルカメラで撮影された番組もすぐにこれに続きましたが、[ 7 ]「トラブル・ウィズ・ファーザー」 （ABC、1950～1955 年）、「ビューラ・ショー」（ABC、1950～1952 年） 、 「ザ・ゴールドバーグス」（複数のネットワーク、1949～1956 年）など、観客や笑い声トラックをフィーチャーしていない番組もいくつかありました。アンソロジーシリーズである『フォー・スター・プレイハウス』では、時折放送されるコメディエピソードで笑い声トラックや観客は使用されず、共同プロデューサーのデヴィッド・ニーヴンは笑い声トラックを「無差別な陽気さ」と呼び、「もしそんな話が出たら、私はその考えを却下する。まあ、そんなことはないだろうが。我々は機械的なトリックなしで続けていく」と述べている。[ 8 ]
笑い声トラックの台頭後まもなく、ルシル・ボールとデジ・アーナズは、複数のフィルムカメラを使った生観客での撮影方法を考案した。この方法は、もともと生のスタジオ観客を使用し、笑い声トラックを使用しないシットコム「アイ・ラブ・ルーシー」で採用された。 [ 4 ]生観客のマルチカメラ番組では、反応を補うために録音された笑い声を使用することがあった。スケッチコメディやバラエティ番組は、最終的に生放送からビデオテープに移行し、番組が放送される前に編集できるようになった。電子ダビングが登場する前は、録画された観客番組を物理的に編集（当時は4倍速ビデオテープを使用）すると、サウンドトラックに途切れやギャップが生じた。[ 9 ]ダグラスは、これらのギャップを埋めるために呼ばれた。
出演者とプロデューサーの両方が、録音済みの笑い声の持つ力に徐々に気づき始めた。[ 5 ]初期のポストプロダクション編集セッションに立ち会っていたコメディアンのミルトン・バールは、ある特定のジョークを指摘し、「ここまでやってきて、あのジョークは期待した反応を得られなかった」と言った。ダグラスがその失敗したジョークの後に豪快な笑い声を挿入すると、バールは「ほら、面白いって言ったでしょ」とコメントしたと伝えられている。[ 3 ]コメディアンのボブ・ホープは、テレビ特番の制作中に、ダグラスの手を自分の手で握り、ダグラスの指をほぐすようにこすりながら、「さあ、いい笑い声を聞かせてくれ」と言った。[ 10 ]
メディアが進化するにつれて、生放送テレビの制作コストは高騰した。アイ・ラブ・ルーシーやエド・サリバン・ショーのように観客を入れてスタジオで撮影することにも限界があった。観客の半分は座った場所から番組を見ることができなかったのだ。ダグラスは番組全体を通して、ゼロから反応をシミュレートするために起用された。[ 10 ]プロデューサーたちはすぐに、観客なしで番組を撮影し、ポストプロダクションで反応を調整する方がはるかに簡単だと気づいた。当初、監督は反応を挿入する余地を設けていなかったため、調整が難しく、結果としてセリフがかき消されてしまった。観客の反応カードには、笑いが不自然または作為的であると繰り返し書かれていた。[ 10 ]脚本家たちは徐々に笑い声トラックに必要なスペースをより意識するようになり、それに合わせて脚本のタイミングを調整し始めた。監督たちは徐々にまだ聞かれていない観客の反応のための余地を残し、プロデューサーたちはダグラスがより簡単に編集できるようにポストプロダクションの予算を組んだ。[ 5 ]
1950年代と1960年代に制作されたテレビのシットコムのほとんどは、観客の不在を笑い声でシミュレートするシングルカメラ方式を採用していた。[ 7 ]プロデューサーたちはマルチカメラ方式に幻滅し、当時の共通認識は、生放送の観客は緊張していて神経質で、合図に合わせて笑うことはめったにないというものだった。[ 11 ]
ネットワークの調査によると、笑い声トラックの挿入は、シングルカメラ番組をコメディとして分類するために不可欠であると考えられていた。この仮説は、1965年にCBSが新しいシングルカメラ・シットコム「ホーガンズ・ヒーローズ」（1965～1971年）で実験を行った際に検証された。パイロット版の2つのバージョンをテスト視聴者に提示した。1つは笑い声トラックあり、もう1つはなしである。笑い声トラックなしのバージョンは、番組の知的なユーモアが原因の一つとなって、視聴率が低かったが、笑い声トラックありのバージョンはより好意的な反応を得た。その結果、「ホーガンズ・ヒーローズ」は笑い声トラック付きで放送され、CBSはその後、すべてのコメディ番組に笑い声トラックを取り入れた。[ 3 ]
シットコムの笑い声トラックは、番組のスタイルによって異なっていた。番組が奇抜であればあるほど、笑い声トラックはより目立つものとなった。『奥さまは魔女』、『マンスターズ』、『夢みるジニー』、『ビバリーヒルビリーズ』のような番組は笑い声トラックに大きく依存していたが、『アンディ・グリフィス・ショー』 、『ブレイディ・バンチ』 、『マイ・スリー・サンズ』のようなより落ち着いた番組では、笑い声はより控えめだった。 『ゲット・スマート』のような番組では、シリーズが進むにつれて笑い声トラックがより目立つようになったが、『M*A*S*H』のような番組では、シリーズがドラマチックになるにつれて笑い声が抑えられ、手術室のシーンでは全く見られなかった。[ 10 ]
1960年代半ばまでに、アメリカのシットコムのほぼすべてがシングルカメラで撮影され、笑い声のトラックが付けられるようになった。ジョーイ・ビショップ・ショー、ディック・ヴァン・ダイク・ショー、ルーシー・ショーなど、ごく少数の番組だけがスタジオ観客を使用し、実際の笑い声を「甘味付け」して増幅していた。[ 5 ]
1950年代後半から1970年代初頭にかけて、ダグラスは高額で手間のかかる笑いのビジネスを独占していた。[ 12 ] 1960年までに、アメリカのほぼすべてのゴールデンタイム番組はダグラスによって笑いを演出していた。「笑いを入れる」時が来ると、プロデューサーはダグラスに、要求された種類の笑いをいつどこに挿入するかを指示した。[ 13 ]必然的に、ダグラスとプロデューサーの間で意見の相違が生じたが、最終決定権はプロデューサーにあった。[ 13 ]ダグラスはプロデューサーの指示を受けた後、プロデューサーやスタジオにいる他の誰からも見えないところで、観客を作り出す作業に取り掛かった。[ 13 ]
評論家のディック・ホブソンは、1966年7月のTVガイドの記事で、ダグラス一家は「この街で唯一の笑いのゲーム」だと評した。[ 13 ]ダグラスは自分の仕事について極めて秘密主義だったため、業界で彼の発明品の使用を目撃した人はほとんどいなかった。 [ 14 ]彼はテレビ業界で最も話題になった人物の一人だった。[ 11 ]
ダグラスは1960年8月にノースリッジ・エレクトロニクスを設立した。社名は、ダグラス一家が住み、鍵のかかったガレージで事業を営んでいたロサンゼルス郊外のサンフェルナンドバレーにちなんで名付けられた。 [ 13 ]サービスが必要なときは、彼らはその装置を編集室に運び込み、電源を入れて作業に取り掛かった。[ 13 ]制作スタジオは、ポストプロダクション中にダグラスがスタジオからスタジオへと移動して、自作の笑い声をミックスする光景に慣れていった。[ 12 ]
ダグラスが先駆的に開発した技術革新は、チェンバレン・ミュージック・マスターやメロトロンなどの楽器に見られる技術革新とよく似ていた。[ 15 ] 業界で「ラフ・ボックス」として親しまれていた彼の洗練された唯一無二の装置は 、南京錠でしっかりと施錠され、高さは2フィート以上あり、オルガンのように動作した。[ 13 ]ダグラスはタイプライターに似たキーボードを使って、対応する笑いのスタイル、性別、年齢を選択し、ペダルで反応の長さを計った。機械の中には、くすくす笑い、大笑い、腹を抱えて笑うなど、さまざまな笑いが録音されていた。32本のテープループに320の笑いが収録され、1つのループに10の笑いが収録されていた。各ループには、最大10の観客の笑いが端から端まで繋ぎ合わされ、同時に回転しながらキューイングされるのを待っていた。[ 13 ]テープはループされていたため、笑いは同じ順序で繰り返し再生された。音響技師はシットコムを見れば、たとえ初めて見るエピソードであっても、次にどの繰り返しの笑い声が来るか正確にわかる。ダグラスは、長さの異なるさまざまな笑い声を頻繁に組み合わせた。注意深い視聴者は、彼がより多様な観客の効果を出すためにくすくす笑いを混ぜることに決めたときを見抜くことができた。[ 11 ]ダグラスの笑い声は、単に笑っている観客を録音したものではなく、慎重に生成され、混合されており、「ジョークを早く理解した男」、「主婦のくすくす笑い」、「ジョークを理解していないがとにかく笑っている人」など、いくつかの笑い声に詳細なアイデンティティが与えられ、それらすべてがブレンドされ、重ね合わされて、問題の番組に反応する実際の観客の錯覚を作り出した。男性の低い笑い声は新しい女性の笑い声に置き換えられ、甲高い女性のくすくす笑いは男性のクスクス笑いに置き換えられた。[ 11 ]あるプロデューサーは、甲高い叫び声から「ジャングルレディ」と呼んだ女性の繰り返しの笑い声に気づいた。ダグラスに定期的に苦情を言った結果、その笑い声はレギュラーのラインナップから外された。[ 13 ]
ループには、個々の人が静かに笑う30秒間の「くすくす笑い」トラックも含まれていました。この「くすくす笑い」トラックは、笑い声を抑えるために使用され、常にバックグラウンドで再生されていました。ダグラスが豪快な笑い声を挿入したときは、最終的なミックスを滑らかにするために、くすくす笑いトラックの音量を上げました。このくすくす笑いトラックは、1967年に45秒に、その後1970年に60秒に拡張され、1964年、1967年、1970年、1976年に全面的な改訂が行われました。ダグラスは、視聴者が時間とともに変化すると信じ、数か月ごとに微調整を行い、録音を常に新鮮な状態に保っていました。[ 13 ]ダグラスはまた、観客の拍手、「おお」や「あー」という声、座席で動く人々の声（多くのプロデューサーが常に聞こえるように主張した）も多数収録していました。[ 13 ]
ダグラス家の近親者だけがその装置の内部がどのようなものかを知っていた[ 13 ]（かつて「ラフボックス」は「世界で最も求められているが、最も隠されている箱」と呼ばれていた）。[ 11 ]ダグラス家の複数のメンバーが編集作業に関わっており、それぞれがジョークに対して異なる反応を示した。チャーリー・ダグラスは最も保守的だったため、プロデューサーは笑いの選び方がより自由だったチャーリーの息子ボブに入札することが多かった。[ 13 ]微妙な質感の変化は、笑いトラックが示唆する倫理的状況に大きな影響を与える可能性がある。[ 16 ] ダグラスは自分で編集したため、自分の素材をよく知っていた。彼は何十もの反応を持っており、それぞれがどこにあるかを知っていた。ダグラスは効果を高めるために、定期的に笑いを少し早送りした。彼の仕事はテレビ業界の多くの人々に高く評価された。[ 14 ]長年にわたり、ダグラスは新しい録音を追加し、使われなくなった古い録音を復活させ、新しいトラックを廃止した。1960年代初頭のシットコムで聞かれた笑い声は、数年後の1970年代後半に再び登場した。特に1970年代以降、ダグラスは更新された笑い声トラックと古い笑い声トラックを交互に使用し、時には両方を組み合わせることもあった。[ 14 ]最大40種類の笑い声クリップを一度に組み合わせて重ね合わせることで、実際には同じ笑い声が後で個別に聞こえるにもかかわらず、より大きく大きな反応を生み出す効果を生み出した。[ 17 ]公民権運動が勢いを増すにつれて、ダグラスは笑い声トラックをより多様化し始め、白人アメリカ人とは明らかに異なる音を持つ他の文化の人々の笑い声の例も取り入れた。[ 17 ]
ダグラスの「笑い箱」は、2010年に所有者が保管場所の貸倉庫の賃料を支払えなかったため、現物を見ずにオークションで落札された。その後、2010年6月にカリフォルニア州サンディエゴで放送された「アンティーク・ロードショー」で取り上げられ、実演された。その価値は1万ドル（ 2025年換算で1万5千ドル相当）と評価された。[ 18 ]
笑い声トラックの導入は、実写番組にとどまらず、20世紀半ばには一部のゴールデンタイムのアニメーションテレビシリーズにも拡大した。この傾向は特に『ロッキーとブルウィンクル・ショー』（ABC、1959～61年；NBC、1961～64年）で始まったが、シリーズ最初の4話に限られていた。この先駆的な試みの後、ハンナ・バーベラは同様のアプローチを採用し、1970年頃までゴールデンタイムのアニメーション作品に包括的な笑い声トラックを取り入れた。
ハンナ・バーベラが笑い声トラックを使用した注目すべき例としては、『フリントストーン』（ABC、1960～1966年）、『トップキャット』 （ABC、1961～62年）、『ジェットソン』（ABC、1962～63年）といった人気シリーズが挙げられる。さらに、ハンナ・バーベラの真夏のシットコム『Where's Huddles?』（CBS、1970年）や、クレイオ・クレストンとMCAの『カルビンと大佐』（ABC、1961～62年）などの関連作品でも、同様に笑い声トラックが使用された。笑い声トラックの導入は、昼間の番組にも広がり、『バナナ・スプリッツ・アドベンチャー・アワー』（NBC、1968～1970年）を例にとり、徐々に業界の慣習に沿うようになった。
1960年代後半から1980年代初頭にかけて、土曜朝の番組向けに作られたコメディ漫画の相当数が、笑い声トラックを取り入れた。この傾向は、 1968年にフィルメーション制作の『アーチー・ショー』が放送開始されたことで始まり、その後、ランキン・バス、デパティ・フレレング・エンタープライズ（DFE）、ハンナ・バーベラといった業界の老舗がこれに倣った。しかし、笑い声トラックの普及が進み、その目新しさや効果が薄れるにつれ、アニメーションスタジオは1980年代初頭までに、この音響効果への依存を徐々に手放していった。この時代の終焉は、フィルメーション制作の『ギリガンズ・プラネット』（CBS、1982～83年）の最終回で幕を閉じた。この作品は、笑い声トラックを番組構成に取り入れた土曜朝のアニメシリーズの集大成と言えるだろう。
昼間の時間帯に放送されていた『バナナ・スプリッツ』は、ハンナ・バーベラが土曜朝の時間帯に放送されるアニメ番組でチャールズ・ダグラスの笑い声トラック技術を使用するようになる前兆となった。この移行は、1969年に『スクービー・ドゥー、どこにいるの！』（CBS、1969～70年）が初放送されたことで始まり、ハンナ・バーベラの土曜朝の番組編成にダグラスの笑い声トラックが初めて組み込まれた。この革新が好評を博したことを受けて、ハンナ・バーベラは1970～71年のシーズンに制作した作品の大部分に笑い声トラックを組み込むことにした。この笑い声トラックの使用範囲の拡大は、ハンナ・バーベラのアニメ作品の幅広い範囲に及び、『ハーレム・グローブトロッターズ』 （CBS、1970～71年）や『ジョシー・アンド・ザ・プッシーキャッツ』（CBS、1970～71年）などのシリーズも含まれた。ダグラスの技術をこのように戦略的に活用したことは、ハンナ・バーベラが、土曜朝の重要な番組枠において、アニメコンテンツのコメディとしての魅力と視聴者の関心を高めることに注力していたことと軌を一にするものでした。
『ピンクパンサーショー』（NBC、1969年～1978年；ABC、1978年～1980年）は、同時代の番組の中では異色の存在だった。過去の劇場公開作品をまとめたこの番組は、30分番組という形式を採用し、『インスペクター』、『アリとツチブタ』、『ティファナ・トード』 （文化的な配慮からテレビ放送では『テキサス・トード』と改題）など、DFE制作の様々な劇場用短編作品を組み合わせ、構成した。特筆すべきは、これらの短編作品のオリジナルの劇場版には笑い声トラックが使用されていなかったことである。しかし、NBCはテレビ放送のために笑い声トラックの追加を義務付けた。そのため、放送用にコンテンツを適応させるために笑い声トラックが追加され、これはネットワークの意向と視聴者の期待を反映した決定だった。その後、1982年にDFE劇場版がシンジケーションされた際、原作の芸術的完全性に沿うよう、サウンドトラックを元の状態に復元する取り組みが行われた。時を経て、これらの短編の再パッケージ化により、劇場版とテレビ版の両方が利用可能になり、それぞれのバージョンに関連する多様な聴覚体験が維持されている。この傾向の例外として、テレビ専用に制作され、劇場公開されなかった『ミスタージョー』と『クレイジーレッグス・クレーン』があり、その結果、笑い声トラックのみが存在するバージョンが存在することになった。 [ 19 ]
フィルメーションが確立した先例に倣い、プロデューサーのシドとマーティ・クロフト兄弟は、テレビ番組制作にダグラスの笑い声トラック技術を採用した。決定的な転機となったのは、 1969年に『 HRパフンスタッフ』の制作が開始された時だった。エグゼクティブプロデューサーのサイ・ローズは、笑い声トラックの導入を強く主張し、そのような効果音のないコメディは本質的に不利だと考えた。この説得により、『HRパフンスタッフ』にダグラスの笑い声トラックが採用され、その後のクロフト兄弟の土曜朝のテレビ番組向け作品にも導入されることになった。
その後、クロフト夫妻は、ドラマ色の強い「Land of the Lost」シリーズを除き、土曜朝のテレビ番組すべてにダグラスの協力を求めた。この協力関係は、 「The Bugaloos」、「Lidsville」、「Sigmund and the Sea Monsters」、「The Lost Saucer」、「Far Out Space Nuts」など、さまざまな番組に及んだ。ハイコンセプトな子供向け番組から生放送のバラエティ番組へと移行するにあたり、クロフト夫妻は音声の調整のためにダグラスとの協力を継続した。ダグラスの専門知識の恩恵を受けた著名なバラエティ番組には、「Donny and Marie」、「The Brady Bunch Variety Hour」、「The Krofft Supershow」、「The Krofft Superstar Hour」、「Pink Lady and Jeff」、「Barbara Mandrell and the Mandrell Sisters」、「Pryor's Place 」 、そして1987年のシンジケート放送のシットコム「DC Follies」などがある。
土曜朝のテレビ番組に笑い声トラックを取り入れる慣習が広まるにつれ、ダグラスはレパートリーを拡大し、さまざまな子供の笑い声を取り入れるようになった。「子供の笑い声」と呼ばれるこれらの音源は、1973年にシンジケート放送されたテレビ特番「ハリウッド・ボウルでのシドとマーティ・クロフトの世界」で初めて音声強化のために使用されたが、1974年までには、 「アンクル・クロックのブロック」、「ジークムントと海の怪物」、「ピンク・パンサー・ショー」、「ロスト・ソーサー」、 「ファー・アウト・スペース・ナッツ」など、ほとんどの土曜朝の子供向け番組で聞かれるようになった。[ 3 ]
現在ディズニー・チャンネルが制作しているシットコムやスタジオ制作の笑い声トラックは、主に生の観客の前で収録されています。[ 20 ]ディズニーの最大のライバルであるニコロデオンは、生の観客席を備えた元のスタジオ施設を閉鎖して以来、 iCarlyやVictoriousなどの番組で笑い声トラックを使用しています。
1970年初頭までに、チャールズ・ダグラスの笑いを制作する事業はますます利益を上げており、彼のサービスの価格体系を調整する決定を促した。しかし、アニメーションテレビ番組の経済状況は、より厳しい予算制約を特徴とするシットコムとは大きく異なっていた。[ 21 ]コスト削減の必要性に応えて、特にハンナ・バーベラとランキン・バスのアニメーションスタジオは、1971年からダグラスのサービスから徐々に撤退し始めた。
これらのスタジオは、作品に笑い声トラックを組み込む必要性を認識しつつも、笑い声を得るための代替手段を模索し、独自の笑い声トラックを独自に編集するためにさまざまな戦略を採用した。このような独自の笑い声トラックの採用は、その信憑性や美的整合性について疑問を呈した現代の議論や歴史評論家の間で大きな論争を引き起こした。[ 11 ]
それにもかかわらず、このような状況の変化の中で、フィルメーション、デパティ＝フレレング・エンタープライズ、シド＆マーティ・クロフト・テレビジョン・プロダクションズなどの企業はダグラスとの協力関係を維持し、土曜朝のアニメ番組の笑いを増幅させるために彼の専門知識を引き続き活用した。[ 11 ]
アメリカのアニメーション制作の先駆者であるハンナ・バーベラは、ダグラスのサービスを利用することから大きく方向転換した。同スタジオは笑い声トラック現象を受け入れ、当初は『フリントストーン』、『トップキャット』、『ジェットソン』などの人気番組を含むプライムタイムのラインナップに組み込んだ。その後、この手法は昼間の番組にも広がり、特に1968年にフィルメーションの『アーチーズ』からインスピレーションを得た『バナナ・スプリッツ』の登場で顕著になった。1971年以前には、 『スクービー・ドゥー、どこにいるの！』、 『ハーレム・グローブトロッターズ』、 『ジョシー・アンド・ザ・プッシーキャッツ』などの人気シリーズは、包括的な笑い声トラックが広く使われていることが特徴だった。
1971～72年シーズンの初めに、ハンナ・バーベラはマッケンジー・リピーター機を使用した限定的な笑い声トラック機構を導入することで、より繊細なアプローチを採用し、重要な転換点を迎えた。この装置は最大5つの効果音を周期的に再生することができ、ダグラスの特徴的な笑い声の繰り返しを可能にした。この音響構成は、穏やかな笑い声と豪快な腹を抱えて笑う笑い声のブレンドで、時折目立つ女性の笑い声が加わり、金属的な共鳴音でさらに強調された。[ 22 ] [ 23 ]ハンナ・バーベラのバラエティ番組『ハンナ・バーベラ・ハッピーアワー』のように、一時的にダグラスに戻ってさらに強化した番組を除いて、ハンナ・バーベラはその後10年間、土曜朝の番組の大部分でこの改良された笑い声トラックの使用を標準化した。[ 14 ]
ハンナ・バーベラの笑い声トラックの影響は、エピソードコンテンツにとどまらず、さまざまなテレビ特番にも及び、特にABCサタデー・スーパースター・ムービー（ABC、1972～74年）で特集されたものは、将来のコメディ漫画シリーズを紹介するプラットフォームとして機能した。スタジオは時折、笑い声トラックのテンポを遅くするなどのテクニックを用いてコメディ効果を高めており、ニュー・スクービー・ドゥー・ムービーズの第2シーズンはその好例である。[ 11 ]
1972年、ハンナ・バーベラは『 Wait Till Your Father Gets Home』の制作で笑い声トラックのダイナミクスに関する実験を続けた。特に、この作品では、腹を抱えて笑う声を追加した修正された笑い声トラックが採用されており、これは彼らの通常のやり方からの明確な逸脱であった。さらに、この作品の笑い声トラックは制作過程で意図的に速度を落としており、ハンナ・バーベラのテレビ番組の中では特異な出来事となっている。[ 11 ]
ハンナ・バーベラの笑い声トラックを使用した土曜朝の番組：
ゴールデンタイムの特別番組／テレビ映画：
ハンナ・バーベラ作品の笑い声トラックは、1981年から1982年のテレビシーズンを最後に廃止された。
1994年、笑い声トラックの歴史家であり再録音ミキサーでもあるポール・アイバーソンは、ハンナ・バーベラのトラックの遺産について次のようにコメントした。
ハンナ・バーベラの笑い声トラックは、ダグラスの作品以上に、笑い声トラックの評判を悪くした。同じ5種類ほどの笑い声を10年間も繰り返し使用すれば、視聴者の年齢に関係なく、気づかれないはずがない。
アイバーソンはこう付け加えた。
『ジョシー・アンド・ザ・プッシーキャッツ』のエピソードと『ジョシー・アンド・ザ・プッシーキャッツ・イン・アウタースペース』 のエピソードを見比べれば、その違いは痛いほど明らかだ。最盛期には土曜の朝をほぼ独占していたハンナ・バーベラのような強力な会社が、 これほど長い間、これほど劣悪な笑い声トラックを吹き替えることで視聴者を軽視していたのは残念なことだ。[ 11 ]
クリスマスをテーマにしたスペシャル番組で特に有名なアニメーションスタジオ、ランキン/バスは、1971年に土曜朝のアニメシリーズ「ジャクソン5」に笑い声トラックを取り入れるという試みに挑戦した。ハンナ・バーベラと同様の手法を採用し、ランキン/バスはチャールズ・ダグラスの膨大なライブラリから笑い声のサンプルを抽出し、番組の音声トラックにシームレスに統合するという方法論を採用した。
当初、笑いの場面では音量が調整されていない破裂音が多用されており、その効果はやや不調和なものとなっていた。控えめなユーモアに対して不釣り合いなほど強い反応が引き起こされ、物語の自然な流れを阻害することが多かった。さらに、会話の途中で突然笑いが起こる場面もあり、コメディ効果をさらに損なっていた。
しかし、スタジオはアプローチを洗練させるという強い意志を示し、それは第2シーズンの取り組みに顕著に表れていた。ダグラスが1971年から72年にかけて更新したライブラリーから綿密に選別することで、ランキン/バスはより繊細で文脈にふさわしい笑い声のセグメントを導入した。特に、改良されたセレクションは、より高度な変調を特徴としており、番組のコメディのタイミングとの調和をより確実にしていた。ランキン/バスが行った音響エンジニアリングの強化は、笑い声トラックとアニメーションシーケンスの同期を最適化することにも貢献した。
この改良された手法は、ジャクソン5だけに限定されたものではなく、同時に、ランキン/バスの別の作品であるオズモンズ（ABC、1972年）にも適用された。ハンナ・バーベラの笑い声トラックによく見られる金属的な音色とは異なり、ランキン/バスはより多様な笑い声のサンプルを提供することで、視聴者の聴覚体験を豊かにしようと努めた。[ 11 ]
結局、ランキン/バスによる笑い声トラックの使用は時間的に制限され、前述のシリーズの制作終了とともに中止された。この決定は、スタジオがテレビ番組制作の文脈において、この特定の音声強化の側面に関して行った実験の頂点を示した。[ 11 ]
予備的な「無声」パイロット版から公式シリーズへの移行は、コメディの表現方法における転換点となった。独特な方法ではあったものの、番組の構成に笑い声トラックを取り入れたことで、前作とは一線を画した。バラエティ番組に内在するボードビル的なエッセンスを取り入れ、視聴者はマペットたちの滑稽な行動だけでなく、劇場の観客とその反応も垣間見ることができた。[ 24 ]
イギリスのATVエルストリー・スタジオに拠点を置く制作チームは、ジム・ヘンソンの指導の下、独特の音響体験を確保するための対策を講じた。これまでの作品で用いられてきた録音済みの笑い声とは異なり、最初の数話では、キャストやスタッフが撮影した映像に対して実際に発した笑い声や拍手を、入念に選別した。この斬新なアプローチは、リアリティを醸し出すだけでなく、視聴者にまるで生放送の観客の前で番組が上演されているかのような錯覚を与えた。しかし、ヘンソンはこの錯覚にもかかわらず、制作の複雑さを考えると生放送の観客を入れるのは現実的ではないと認め、他のテレビ番組制作が直面する同様の課題に言及した。ヘンソンは、このシリーズがボードビルからインスピレーションを得ているため、笑い声を入れることは必須だったと述べているが、それは簡単な作業ではなかったと認めている。「初期の番組を見ると、本当に恥ずかしい。後になって笑い声の調整は良くなったが、うまくやって観客が笑っているという現実を作り出すのは常に難しいことだ。」[ 24 ]
笑い声トラックの導入には懐疑的な意見もあった。ヘンソンは当初、マペットシリーズとの相性に懸念を抱いており、パイロット版のエピソードで笑い声なしバージョンと笑い声ありバージョンの両方を試した後、コメディ効果を高める上でのその有効性を認めた。笑い声トラックの使用は『マペット・ショー』の特徴的な要素となり、登場人物が第四の壁を破って物語の中で言及することもあった。シリーズ第4話では、ゲストのルース・ブッツィがカーミットに、ギャグやルーティンが番組にふさわしいほど面白いと思うかと尋ねたところ、カーミットはカメラに向かって「それは笑い声トラック次第だ」と答えた。シーズン2のゲスト、スティーブ・マーティンが出演したエピソードでは、その夜の番組が新しい演目のオーディションのためにキャンセルされたという設定を強調するために笑い声トラックを一切使わず、聞こえる笑い声はマペットのパフォーマー自身の笑い声だけだった。[ 25 ]
1981年に『マペット・ショー』が終了した後、その後のマペット作品は制作拠点がアメリカに移った。この移転は、イギリスのATVフランチャイズの終了と、番組の資金提供者であったルー・グレード卿がテレビ事業から手を引いたことがきっかけとなった。ヘンソンのオリジナルの笑い声トラックがなくなったため、その後の作品では観客の反応をダグラスの専門知識に頼るようになり、その伝統は息子のロバートによって、その後のマペット作品、例えば『ファンタスティック・ミス・ピギー・ショー』や『マペッツ：30周年記念』といった単発の特別番組、ディズニー傘下の『マペッツ・トゥナイト』などでも引き継がれた。
録音された笑い声の使用は1960年代にピークを迎えた。しかし、一部のプロデューサーは、生の観客の前で撮影するように設計されていないシットコムを管理することに不安を感じていた。そのような例の1つが、ルーシーのベテランであり、ルーシー・ボールの元夫であるデジ・アーナズである。彼は以前「アイ・ラブ・ルーシー」を共同プロデュースしていたため、生のシットコムにはより精通していた。アーナズは、ボールが「ルーシー・ショー」と「ディック・ヴァン・ダイク・ショー」で成功したカムバックを模倣して、 「マザーズ・イン・ロー」（NBC、1967～69年）をプロデュースした。これはデシルー・スタジオで生の観客の前で録音されたが、それでもポストプロダクションで甘くしたトラックを補強するためにダグラスを雇った。[ 26 ] 1年後、「ザ・グッド・ガイズ」（CBS、1968～70年）が同じ形式を踏襲しようとした。最初の数話は生放送で撮影されたが、制作やロケ地の変更により、スタッフは第1シーズンの残りの期間、複数のカメラの使用を中止し、笑い声のトラックのみを使用することになった。これは第2シーズンまで続き、低視聴率のため1970年に打ち切りとなった。[ 27 ]
生放送の観客の前で部分的に収録が始まった番組としては、ジョージ・シュラッターのスケッチコメディ『ローワン＆マーティンのラフ・イン』（NBC、1968～73年）や、そのライバル番組『ヒー・ホー』（CBS、1969～71年、シンジケーション、1971～93年）などがある。『ラフ・イン』は、その制作方法において、当時の他のコメディ番組とは一線を画す存在となった。1967年のパイロット版と第1シーズンの最初の数エピソードでは、スタジオ観客がステージ上の出演者のコメディに反応する一方、事前に収録された映像には主にダグラスの笑い声が使われていた。やがて、番組の長時間の収録がますます高額になるにつれ、シュラッターは観客の参加を必須としなくなった。代わりに、出演者の親族、スタッフ、参加を希望する人々、そして出演者自身がスタジオ観客を構成し、番組はダグラスの笑い声にますます頼るようになった。ダグラスは観客の反応をシミュレートし、トラックに合わせてこれらの笑い声を多様化することさえした。彼は1973年の番組終了まで、そして『ヒーホー』の以前のシーズンでもこの効果を使い続けた。[ 28 ]
シングルカメラ方式に逆行し続けた他の番組としては、ルーシー・ボールの次のシットコムである「Here's Lucy」（CBS、1968～74年）がある。[ 29 ]同時代の他のシットコムとは異なり、「Here's Lucy」は1960年代後半の社会的、文化的時代精神を取り入れた最初のシットコムの1つとなり、ハリウッドのベテランからポップやロックのミュージシャン、アスリート（ジョー・ネイマス、ドニー・オズモンド、ペトゥラ・クラークなど）まで幅広いゲストスターを起用した。より都会的な設定を中心としたエピソードに重点を置くことで、 1970年代初頭までにCBSが目指していたことを先導した。 [ 30 ]
1970年代は、田舎を舞台にした番組（ 『ビバリーヒルビリーズ』、『グリーンエーカーズ』、『メイベリーRFD』など）の衰退と、社会派番組（『オール・イン・ザ・ファミリー』、『M*A*S*H』 、 『モード』など）の台頭で始まった。CBSが新たなイメージを刷新するきっかけとなったのは、シットコム『ヒアーズ・ルーシー』の成功と、新たにヒットした『メアリー・タイラー・ムーア・ショー』（CBS、1970～77年）だった。このシリーズのパイロット版エピソード「Love is All Around」は、当初シングルカメラ方式で撮影された。結果はムーアとプロデューサーにとって満足のいくものではなく、彼らはマルチカメラ方式に切り替えることにした。最初の数エピソードは夏の終わりに撮影されたため、パイロット版の最初の撮影は、防音不良と音声の悪さから評判が悪かった。しかし、2回目の撮影では、より良い空調とより質の高い音響システムがステージに提供された。批評家の評価は向上し、その後番組はマルチカメラ形式を採用し、7年間の放送期間中に大きな成功を収めた。[ 31 ]
生放送の観客の復活は徐々に定着し始めた。多くのシットコムは、シングルカメラの映画のような形式から離れ、生放送のスタジオ観客によるリアルな笑いを提供するマルチカメラ形式に戻り始めた。プロデューサーたちは、その方がコメディのリズムが良く、より良いジョークを書くのに役立つため、より好ましいと感じた。クリエイターのノーマン・リアーの「オール・イン・ザ・ファミリー」（CBS、1971～1979年）は1971年にこれに続いた。生放送でビデオ収録されたリアーはより自発的で、スタジオ観客がパフォーマーのように振る舞い、両者の間に親密な関係が生まれることを期待していた。リアーは事前収録の観客を好まず、失敗したジョークを甘くする余裕があったポストプロダクションでも笑い声トラックは使用しなかった（リアーは後のシーズンで多少譲歩し、ダグラスが時折笑い声を挿入することを許可した）。[ 11 ]リアーの決断により番組は大成功を収め、アメリカのシットコムの主流に生放送の観客が戻ってくるきっかけとなった。彼の主張を明確にするため、毎週のエンディングクレジットで「『オール・イン・ザ・ファミリー』は生放送の観客の前で収録されました」とアナウンスしたり、生放送の観客が収録に参加しなくなった最終シーズンでは「『オール・イン・ザ・ファミリー』はスタジオ観客の前で生放送され、観客の反応を得ました」とアナウンスしたりした。[ 11 ]
ジャック・クラグマンとトニー・ランドールは、生の観客なしで笑い声トラックを使用した『おかしな二人』（ABC、1970～75年）の第1シーズン中に不満を表明した。共同制作者兼エグゼクティブプロデューサーのゲイリー・マーシャルも笑い声トラックの使用を嫌っており、特に舞台俳優のベテランであるランドールは、笑い声トラックを挿入するのに十分なスペースを確保するために、ジョークのオチの間に数秒待たなければならないプロセスに憤慨していた。制作チームは「オスカーの新しい人生」のエピソードで笑い声トラックを完全に省略する実験を行った。このエピソードは笑い声トラックなしで放送された（その後、連続性を維持するためにシンジケーション用に笑い声が追加されました）。第2シーズンではABCが譲歩し、『おかしな二人』は（前シーズンの1台のカメラに対し）3台のカメラで撮影され、スタジオ観客の前で舞台劇のように上演された。この変更により、劇場内に新しいより大きなセットを建設する必要も生じた。[ 32 ]生の観客がいることで、ランドールとクルーグマンはそれに伴う即興性を楽しんだ。セリフを言い間違えたり、台詞を間違えたりしても、中断することなくそのまま進んだ（ポストプロダクションでいつでも撮り直すことができた）。さらに、静かなスタジオで最小限のスタッフしかいない場合とは異なり、より広いサウンドステージで演技していたため、俳優たちはより大きな声でセリフを言わなければならなかったが、第1シーズンには欠けていたある種の鋭さを番組にもたらした。[ 33 ]クルーグマンは後にこうコメントした。「番組のリハーサルに3日間費やしました。初日はテーブルを囲んで座りました。脚本を徹底的に分析しました。ジョークをすべて取り除き、キャラクターにしました。ジョークを残した唯一の理由は、あの腐った録音された笑い声のためです。私はそれが大嫌いでした。家で番組を見ると、オスカーが入ってきて『やあ』と言うと、笑い声が聞こえてきます。『おいおい』と私は思います。『一体何をやらかしたんだ？』私はそれが大嫌いです。観客を侮辱していると思います。」[ 34 ]
シットコム「ハッピーデイズ」（ABC、1974～84年）も「おかしな二人」のシナリオを模倣していた。最初の2シーズンは笑い声トラックのみを使用し、3シーズン目には生観客に切り替わった。[ 11 ]
しかし、番組は完全に生放送ではなかった。 『オール・イン・ザ・ファミリー』を除いて、視聴者の反応のギャップを埋めるために、ポストプロダクションで音声を加える必要があった。テレビ/笑い声トラックの歴史家であるベン・グレン2世は、シットコム『アリス』（CBS、1976～85年）の収録を目撃し、音声を加える必要性について次のように述べている。「俳優たちはセリフを何度も間違えた。当然、3回目か4回目のテイクでは、ジョークはもはや面白くなくなっていた。それを補うために、最終的な放送版にはダグラスの笑い声が挿入された。」[ 14 ]
しかし、ジェームズ・コマックのようなプロデューサーの中には、リアーの手法に従った者もいた。ジャッキー・クーパー主演の短命に終わったシットコム『ヘネシー』に関わっていたコマックは、ダグラスの笑い声トラックを長年批判しており、笑い声が予測可能すぎてシットコムのユーモアの効果を阻害する可能性があると考えていた。[ 35 ]コマックは代わりに音楽を使って甘ったるい笑い声を打ち消した。彼はこの手法を『エディの求婚』（ABC、1969～72年）で試した。この作品では笑い声トラックが控えめに使われていた。コマックがプロデュースしたマルチカメラ番組、『チコと男』（NBC、1974～78年）や『ウェルカム・バック、コッター』（ABC、1975～79年）では、シーンの切り替え時（笑い声を甘くする明らかな場所）にBGMのキューを使用し、ポストプロダクションでダグラスの笑い声トラックがあまり使われないようにした。コマックは後に、「笑い声トラックなしで番組をやってみれば、大きな違いがわかるでしょう…[笑い声は]平坦になります。笑い声トラックを使わずに済む唯一の方法は、何が面白いかを示すことができる音楽を使うことです」とコメントした。さらに、笑い声の加減については、「それはプロデューサーの好み、つまりプロデューサーの倫理観によって決まります…[しばらくすると]、それが無価値だとわかります。極端な場合、人々はそれを聞いて『なぜ彼らは笑っているのか？』と言って、番組を消してしまうでしょう」と続けた。[ 35 ]
『おかしな二人』、『メアリー・タイラー・ムーア・ショー』、『ハッピーデイズ』に加えて、ダグラスが手がけた他の生放送シットコム（その多くは1970年代末までにプラットも手がけた）には、『ポール・リンド・ショー』（ABC、1972～73年）、『ボブ・ニューハート・ショー』（CBS、1972～78年）、『モード』（CBS、1972～78年）、 『ローダ』（CBS、1974～78年）、『バーニー・ミラー』（ABC、1975～82年）、 『ラバーン＆シャーリー』（ABC、1976～83年）、『ソープ』（ABC、1977～81年）、『コメディ・ショップ』（シンジケーション、1978～81年）、『モーク＆ミンディ』 （ABC、1978～82年）、 『タクシー』 （ ABC、1978～82年、 NBC、1982～83年）、 『チアーズ』（NBC、1978～83年）などがある。 1982～93年）とそのスピンオフ『フレイジャー』（NBC、1993～2004年）[ 11 ]
1970年代に人気を博したバラエティ番組、例えば『キャロル・バーネット・ショー』、『フリップ・ウィルソン・ショー』、『ディーン・マーティン・ショー』（そしてその後に続いた『ディーン・マーティン・セレブリティ・ロースト』）も、スケッチ中に披露されるあまり魅力的でないジョークをダグラス風に甘くする手法を使い続けた。[ 36 ]
1970年代から1980年代初頭にかけて、ゲーム番組はより面白くするために工夫が凝らされ、出場者や司会者が面白いと思われることを言ったにもかかわらず、生放送の観客の反応が小さかった場合によく流された。ダグラスの笑い声トラックは、特にチャック・バリスのゲーム番組（例えば『ザ・ゴング・ショー』や『ザ・ニューリーウェッド・ゲーム』[ 37 ]）でよく聞かれた。これらの番組は主に観客を楽しませることを目的としており、「賞品」はしばしば原始的であったり、嘲笑的なものであった。[ 38 ] CBSテレビジョン・シティやNBCスタジオ・バーバンクで制作されたゲーム番組も、観客の反応を強めるために工夫が凝らされ、例えば『プレス・ユア・ラック』（「ワミー」コーナーで使用）のような番組も含まれていた。典型的なゲーム番組のエンディングクレジットでは、視聴者がクレジット中に聞くことのできないスタジオの生放送の観客の拍手をより面白くするために、録音された歓声や拍手の音が使われた。これは、1970年代から1990年代にかけてCBSやNBCの昼間のゲーム番組や一部のシンジケート番組でよく見られた手法でした。NBCスタジオ・バーバンクで収録されたゲーム番組では、3種類の拍手トラックを使用して音声を甘くしていました。1つは少人数の観客、1つは中規模の観客、そしてもう1つは大勢の観客と背景に陽気な男性観客がいたものです。しかし、多くの子供向けゲーム番組、ほとんどのABCゲーム番組、そして「ザ・プライス・イズ・ライト」、「マッチ・ゲーム」、 「ファミリー・フュード」などのマーク・グッドソンとビル・トッドマンの制作番組のほとんどは、生の観客がいる状態で収録されていましたが、音声を甘くする手法はごくまれにしか使われませんでした。
生放送の観客を信用しないプロデューサーや、観客が参加するには複雑すぎる番組を制作するプロデューサー、シングルカメラ方式を好むプロデューサー、あるいは観客に生放送して反応を得る余裕のないプロデューサーもまだいた。このような場合、ダグラスは笑い声トラックをゼロからオーケストレーションした。ブレイディ・バンチ、パートリッジ・ファミリー、M*A*S*Hなどのシットコムは、全シリーズを通してシングルカメラ方式を採用した。[ 11 ]ラブ・ボートやエイト・イズ・イナフなどの1時間番組のコメディドラマのいくつかは、笑い声トラックのみを使用した。[ 11 ]
ライブフィルムから始まり、ビデオテープを経て、観客のいないスタジオ撮影作品、そして再びライブ録音へと進む過程で、ダグラスは単にサウンドトラックを強化したり微調整したりする段階から、各パフォーマンスに対する観客の反応全体を文字通りカスタマイズする段階へと移行し、そして再び観客を入れて録音されたパフォーマンスを強化したり微調整したりする段階へと戻った。[ 11 ]
1970年代の米国テレビの絶頂期において、チャールズ・ダグラスの笑い声トラック提供の分野における優位性は、1977年までに顕著な挑戦に直面した。新興の競合他社が、ダグラスのトレードマークである笑い声シーケンスに代わるものを提供し始めたからである。これらの挑戦者の中で最も注目すべき人物は、ダグラスの弟子であり、自身も優れたサウンドエンジニアであったキャロル・プラットであり、彼は自身のベンチャー企業であるサウンド・ワンを設立した。[ 39 ]
1960年代初頭からダグラスの下で修行を積んできたプラットと彼の兄弟は、ダグラスの手法が技術の進歩に追いついておらず、ダグラスの笑い声トラックの音質が明らかに劣化していることに気づいた。プラットは、ダグラスのテープライブラリの摩耗と、シットコムのユーモアに対する視聴者の感性の変化によって音質が明らかに劣化していることに気づき、笑い声の増強にはより繊細で控えめなアプローチが必要になったと指摘した。[ 6 ]
こうした変化する状況を認識していたプラットは、ダグラスのパラダイムから逸脱し、ダグラスのやや時代遅れのリール・トゥ・リール装置とは対照的に、カセットテープ技術を利用した、よりユーザーフレンドリーで技術的に高度な「ラフボックス」を考案した。さらに、ステレオ録音の先駆的な採用は、ステレオテレビ放送の出現と同期しており、特にモノラル録音をステレオ形式に改造しようとしたダグラスの試みと比較すると、音声の忠実度が著しく向上した。[ 6 ]
プラットの笑い声トラックの革新は、ダグラスの特徴的な笑い声シーケンスからの脱却をもたらし、より多様で自然な音響パレットを提供した。認識可能な笑い声の要素は残しつつも、プラットの作品はより繊細で抑制されており、ダグラスのどこにでもある笑い声トラックに関連付けられる露骨な親しみやすさを避けている。この変化は、M*A*S*Hやラブ・ボートなどの特定のシットコム作品に共鳴し、特にドラマチックな物語とのトーンの適合性から、プラットの作品に惹かれた。[ 6 ] [ 14 ] [ 39 ]
1970年代末までに、プラットの台頭はダグラスの覇権を覆し、ライブやシングルカメラのシットコム（『ラバーン＆シャーリー』、 『ハッピーデイズ』、『エイト・イズ・イナフ』など）やMTMエンタープライズ制作の作品（『WKRPイン・シンシナティ』（CBS、1978～82年）、『ニューハート』 （CBS、1982～90年））など、幅広いジャンルでプラットの笑い声トラックが広く採用されたことがその証拠である。変化する状況に適応せざるを得なかったダグラスは、自身の笑い声トラックのライブラリーを改良し、より新鮮な楽曲を取り入れつつ、トレードマークである大笑いの痕跡を残すことで、活性化に着手した。しかし、ダグラスの改良版に対する反応は賛否両論で、ますます競争が激化する市場におけるプラットの覇権を改めて浮き彫りにした。[ 14 ]
笑い声トラックの提供におけるこの画期的な変化は、テレビ業界のより広範な変革と同時期に起こり、特にHBOなどの団体が推進したシングルカメラコメディの登場によって特徴づけられ、従来の笑い声トラックを捨ててより自然な視聴覚美学を採用した。ドリーム・オンやラリー・サンダース・ショーなどのシングルカメラコメディは笑い声トラックなしで放送されることが許可され、そのことで批評家から賞賛された。[ 40 ]同時に、アニメ番組もこれに倣い、時折のパロディ的使用を除いて、笑い声トラックを完全に放棄した。スクービー・ドゥーなど、かつて笑い声トラックを使用していたアニメ番組は、1990年代までに笑い声トラックを完全に廃止した。しかし、イッツ・ア・ラフ・プロダクションズが制作したシットコム、例えばレイブン 見習い魔女などは笑い声トラックを使用している。[ 41 ]
生放送の授賞式を盛り上げる慣習は、生放送とのシームレスな統合を確実にするための技術的な改良が加えられながらも、継続された。[ 14 ]
現代の環境では、FearnetなどのプラットフォームでHollistonのようなマルチカメラシットコムが復活し、笑い声トラックの使用が復活したことで、この由緒あるテレビの伝統の不朽の魅力と懐かしさが強調されています。しかし、シングルカメラ制作への主流の傾向と視聴者の嗜好の変化が相まって、テレビの世界では視聴覚によるストーリーテリングの形態が多様化し続けることを予兆しています。[ 42 ]
観客の反応をシミュレートする手法は、当初から物議を醸した。[ 43 ]プロデューサーの少数派は、事前に録音された観客の反応というアイデアを嫌悪していた。[ 11 ]ダグラスは、自身の「笑い声ボックス」が批評家や俳優から酷評されていることを認識していたが、笑い声トラックの使用が標準的な手法になることも知っていた。[ 43 ]業界をリードする専門家は、笑い声トラックはプライムタイムのテレビでは必要悪だと考えた。録音された笑い声がなければ、番組は失敗する運命にあった。[ 11 ]観客の反応が全くない場合、アメリカの視聴者はコメディかドラマかを区別できないと考えられていた。[ 5 ]しかし、それでも笑い声トラックを完全に放棄する人もいた。
有名なコメディの制作者やドキュメンタリー風シットコムのファンなど、一部の人々は笑い声トラックを批判している。しかし、笑い声トラックはテレビでは依然として標準的である。多くのシットコムで使用されており、放送テレビでは7つのマルチカメラシットコムが笑い声トラックを使用しているのに対し、シングルカメラシットコムでは使用していないものが5つある。笑い声トラックは、生のスタジオ観客、ラフボックス（1950年代に録音された320種類の笑い声が収録されている）、またはデジタルサウンドファイルから得られる。笑い声トラックは、笑いを促す方法で視聴者に訴えかけるため、依然として人気がある。[ 60 ]
20世紀後半、イギリスのシットコムのほとんどは、自然な笑い声を得るために生放送の観客の前で収録されていた。屋外で撮影されたシーンは、従来スタジオ収録に先立って収録され、スタジオの観客に再生され、その笑い声が放送エピソード用に録音される（時折、番組全体がこの方法で収録されることもあり、例えば『ラスト・オブ・ザ・サマー・ワイン』や『キーピング・アップ・アピアランス』の後期シリーズなどが挙げられる）。
生放送の観客を起用しなかった注目すべき例外の一つは、テムズ・テレビジョンの『ケニー・エヴェレット・ビデオ・ショー』で、この番組の笑い声は、スタジオ制作スタッフによるスケッチへの自然な反応で構成されていた。この手法は、番組がより大きなスタジオ施設に移り、音楽からコメディへと重点が移った後も、4年間の放送期間中維持された。エヴェレットが後にBBCで制作したシリーズ（『ケニー・エヴェレット・テレビジョン・ショー』）は、生放送のスタジオ観客の前で収録された。
1980年代初頭、BBCはコメディ番組に笑い声トラックを付けて放送することを方針としていたが、プロデューサーたちは必ずしもそれが自分たちの番組に合っているとは考えていなかった。[ 61 ]その結果、『銀河ヒッチハイク・ガイド』では第1話用に笑い声トラックが録音されたものの、放送前に削除された。[ 61 ]『リーグ・オブ・ジェントルメン』は当初笑い声トラック付きで放送されたが、番組の第2シリーズ以降は削除された。[ 62 ]
風刺番組「Spitting Image」のパイロット版も、セントラル・テレビジョンの強い要望により、笑い声トラック付きで放送された。番組プロデューサーは、笑い声トラックなしの方が番組がうまくいくと考えたため、このアイデアは却下された。1992年（選挙スペシャル）と1993年（2エピソード）の後の版では、スタジオ観客の前で生放送され、「Question Time」のパロディも含まれていたため、笑い声トラックが使用された。[ 63 ]
『オンリー・フールズ・アンド・ホーセズ』のほとんどのエピソードにはスタジオ観客が登場するが、例外的に笑い声が全く入っていないのは、クリスマススペシャル、"To Hull and Back"、"A Royal Flush"、"Miami Twice"の後半である。DVD版では、"A Royal Flush"（20分以上の映像がカットされた編集版）と"Miami Twice"の後半（前半と統合されて" Miami Twice: The Movie "となった）に笑い声のトラックが追加された。
1990年代後半から、『ザ・ロイル・ファミリー』や『ザ・オフィス』といったコメディ番組は、観客の笑い声を使わないシネマ・ヴェリテの手法を開拓した。この手法は21世紀のシットコムにも広く引き継がれた。 『グリーン・ウィング』は、そのシュールな性質もあって観客の笑い声は使わないものの、ジョークの直後に映像をスローモーションにする独特のラッツィ技法を用いている。 『ミセス・ブラウンズ・ボーイズ』や『スティル・オープン・オール・アワーズ』は、スタジオ観客を入れるという旧来の形式に回帰した注目すべき作品である。
現代カナダのテレビコメディ界では、笑い声トラックの使用を避ける傾向が主流となっている。しかし、例外も存在し、例えばシットコム『マニアック・マンション』（1990～1993年）や子供向け番組『ザ・ヒラリアス・ハウス・オブ・フライトンシュタイン』（1971年）などが挙げられる。これらの番組は、カナダ発祥で笑い声トラックは使用されていないにもかかわらず、アメリカでの放送時には笑い声トラックが追加された。
カナダのテレビ番組における笑い声トラックの利用の進化は、子供向けスケッチコメディ番組『You Can't Do That on Television』（1979～90年）の軌跡によってさらによく示される。ローカルテレビで放送された最初のシーズンでは笑い声トラックはなかったが、カナダのネットワーク放送に移行し、『Whatever Turns You On 』というタイトルになった際に導入された。主に子供の笑い声で構成され、時折大人の反応が挿入されるこの笑い声トラックは、番組の独自性を際立たせていた。しかし、笑い声トラックの一貫性と効果はシーズンごとに変化した。
シリーズを通して、笑い声トラックの実装方法と品質には顕著な変動が見られる。1981年のエピソードは、多様な笑い声サンプルが用いられており、臨場感あふれる聴覚体験に貢献している。対照的に、アメリカのケーブルチャンネルNickelodeonでの放送開始と同時期の1982年シーズンでは、使用される笑い声の種類が減少した。さらに、人気シットコム『ハッピーデイズ』や『ホワッツ・ハプニング!!』などで用いられていた笑い声トラックを彷彿とさせる、キャロル・プラットのくすくす笑いトラックの導入は、明確なトーンの変化をもたらした。
その後、笑い声トラックの構成に調整が加えられ、繰り返しの問題を軽減し、聴覚的な多様性を高めることが目的とされました。特に、1982年シーズンの後半では、さまざまな笑い声のサンプルがブレンドされ、くすくす笑いトラックも導入されました。しかし、笑い声トラックの品質にはばらつきがあり、1983年のトラックは明らかに音量が小さく、編集も不十分でした。
これらの欠点を是正するための努力は、1984年までに改善へと結実し、笑い声トラックは1982年シーズンで使用されたものと似たものになったが、くすくす笑いトラックは含まれていなかった。特筆すべきは、1986年に新たに導入された子供の笑い声トラックで、明らかに幼い子供たちの笑い声サンプルが特徴であり、シリーズのターゲット層に響くことを目的としていた。
1989年の復活に際し、このシリーズは1981年版と1986年版の両方の笑い声トラックを使用するハイブリッドなアプローチを採用し、カナダのテレビ制作における笑い声トラックの美学の継続的な進化と適応を強調した。
中国本土初のマルチカメラ方式のシットコムである『I Love My Family』は、生放送のスタジオ観客を使用していた。一方、 『iPartment』のようなシングルカメラ方式のコメディの中には、笑い声のトラックを使用しているものもあった。
笑い声のトラックは、バラエティ番組でコメディ効果を狙ってよく使われる。例としては、『スーパーサンデー』、『康熙来楽』、『バラエティ・ビッグブラザー』、『ホームラン』などが挙げられる。
アルゼンチンなどラテンアメリカのいくつかの国では、笑い声トラックの代わりに、コメディの状況が笑いを必要とするときに指示に応じて笑うために特別に雇われたスタッフを画面外に配置している。レイドーレス（「笑い屋」）と呼ばれるこのスタッフは、年長の笑い屋が他の全員に笑うタイミングを合図する。メキシコなどでは、観客の反応がないコメディ番組は、観客への敬意から笑い声トラックを使用していないと公言しており、特にチェスピリート・チャンネルの「エル・チャプリン・コロラド」や 「エル・チャボ・デル・オチョ」などの番組では、オープニングクレジットのアナウンサーが「観客への敬意を表して、この番組には録音された笑い声は使用していません」と述べている。[ 64 ]
フランスのテレビコメディの世界では、笑い声トラックの使用を避けるのが一般的な慣習となっている。しかし、ジャン＝リュック・アズレーが率いるABプロダクションズの作品では、この傾向から大きく逸脱した例が見られる。特に『エレーヌと男友達』とそのスピンオフシリーズがその代表例である。これらの相互に関連するシリーズは、約20分という尺と主にシングルカメラ方式といったシットコムの慣習に忠実でありながら、スタジオ観客の存在を避けていた。生放送の観客の参加がないのは、厳しい編集スケジュールと短縮された主要撮影セッションといった制作上の制約によるもので、本物の観客の笑い声を組み込むことが不可能だったためである。
これらの作品に対する批判は、演出や演技の不備から素人俳優の起用まで、多岐に渡った。さらに、シットコム、ソープオペラ、ティーン向けドラマの要素を組み合わせたアメリカのテレビシリーズのフォーマットを模倣しようとした試みは、特に録音された笑い声への過度な依存が指摘され、大きな批判を浴びた。こうした模倣は、フランスのテレビコメディの独自性や文化的特異性を希薄化させ、大西洋を挟んだ規範に大きく影響された定型的なアプローチを助長するものと見なされた。
ダグラスの笑い声トラックの継続的な関連性を測るために、1974年に『人格と社会心理学ジャーナル』に掲載された研究では、録音された笑い声が続くジョークの方が人々は笑いやすいという結論が出ました。[ 65 ]『ザット・ガール』の共同制作者であるサム・デノフは1978年に「笑いは社会的なものだ。人と一緒にいる方が笑いやすい」とコメントしました。デノフはさらに「映画館では笑い声トラックは必要ないが、家でテレビを見ているときは、おそらく一人か数人しかいないだろう」と付け加えました。[ 4 ]
ダートマス大学の心理学教授ビル・ケリーは、特にアメリカのシットコムにおける笑い声トラックの必要性を評価した。彼は「私たちは他の人がいる前で面白いことに笑う可能性がはるかに高い」と述べた。ケリーの研究では、笑い声トラックを使用している「となりのサインフェルド」のエピソードに対する学生の反応と、使用していない「ザ・シンプソンズ」を見ている学生の反応を比較した。脳スキャンによると、視聴者は同じものを面白いと感じ、他の人が笑っているかどうかに関わらず、脳の同じ領域が活性化した。それにもかかわらず、ケリーは笑い声トラックに価値を見出している。「うまく作られていれば」とケリーはコメントした。「笑い声トラックは、何が面白いかのヒントを与え、人々を助けます。しかし、うまく作られていない場合は、笑い声トラックが目につき、不自然で場違いに感じられます。」[ 65 ]
2017年にマインツ大学のアンドレアス・M・バラノフスキー氏らが実施した研究では、笑い声トラックの効果をさらに詳しく調査し、録音された叫び声など、他の観客の反応も研究対象に含めた。研究者らは合計110名の参加者を対象に3つの実験を行い、笑い声トラック、叫び声トラック、そして観客の声が全くない場合が、コメディ、ホラー、そして中立的な映画のシーンの認識に及ぼす影響を比較した。その結果、笑い声トラックは、特にやや面白いだけの素材において、面白さを増すという先行研究の結果を裏付けるものとなった。しかし、笑い声トラックとは異なり、録音された叫び声トラックは恐怖反応を著しく高めることはなかった。実際の協力者が観客の反応を示した場合、その効果はさらに強まり、生であれ録音であれ、社会的合図がメディアに対する感情的な反応を形成する上で重要な役割を果たしていることが示された。この研究ではまた、観客の反応が一致することで視聴者の没入感が高まることも明らかになり、コメディは笑い声が加わると最も魅力的になり、ホラー映画は叫び声が加わると最も没入感が高まることが分かった。これらの結果は、人工的なものであっても、視聴者の反応が視聴者のメディアコンテンツに対する認識や感情的な関わりを変える可能性があることを示唆している。[ 66 ]
録音済みの笑い声というアイデアは、その誕生以来、支持者と反対者の両方を抱えてきた。
シド＆マーティ・クロフトの製作総指揮を務めたシ・ローズは、クロフト兄弟に『HRパフンスタッフ』、『ザ・ブガルー』、『ジークムントと海の怪物たち』などの人形劇に笑い声のトラックを使うよう説得した。ローズは次のように述べている。
笑い声トラックについては大きな議論がありました。クロフト兄弟はやりたくないと言っていましたが、私が夜間番組での経験から言うと、夜間番組では笑い声トラックが使われるようになり、それが定番になりました。視聴者は番組を見て、笑い声トラックのおかげで毎回大笑いするからです。面白い番組なのに笑い声トラックがないと、それがハンディキャップになってしまうので、私は彼らを説得しました。良いか悪いかは別として。[ 67 ]
2000年にシド・クロフトは、「私たちは（笑い声のトラックに）反対だったのですが、シット・ローズ はシットコムに出演していたので、 番組が完成すると子供たちはいつ笑えばいいのか分からなくなるだろうと感じていました」とコメントした。 [ 68 ]マーティ・クロフトは次のように付け加えた。
結論として 、悲しいことですが 、面白いときは教えてあげなければなりません。そして、笑い声トラックについては、[ローズ]の言う通りでした。本物の笑い声トラック、本物の観客を常に求めていましたが、それは必要でした。コメディでは、笑い声トラックがないと大変なことになります。なぜなら、笑い声トラックが聞こえないと面白くないからです。そして、それが[家庭で]これらの番組を見るようにプログラムされているのです。[ 69 ]
2006年に発売された『ザ・ブガルー』のDVDコメンタリーで、番組の制作技術について語る際、イギリスの同シリーズの主演俳優であるキャロライン・エリスとジョン・フィルポットは、当時イギリスでは異例でしばしば批判されていた笑い声トラックについて言及した。「私はアメリカの録音笑い声には賛成できませんでした。時々やりすぎだと思うからです」とエリスは語った。しかし、笑い声は「反応の雰囲気作りに役立つ」とも付け加えた。フィルポットは、当時のアメリカの視聴者はイギリスの視聴者とは異なり、笑い声を聞くことに慣れていたと述べ、「録音笑い声に合わせて笑うように促されると、より心から笑えるようになると思います」と語った。[ 70 ]ブレイディ・バンチのスター、スーザン・オルセンは、クロフトのHRパフンスタッフを初めて見たとき、笑い声のトラックを「うるさい」と評し、「8歳だったのを覚えているわ…『あのひどい録音された笑い声はいつになったらなくなるの？』って思っていたの」と語った。オルセンは、この番組のばかばかしさを楽しむには娯楽用の薬物の使用が必要だと付け加え、「精神を変容させる物質とクロフトのエンターテイメントを一緒に試したことはないわ。笑い声のトラックでバッドトリップになりそうだったから」と語った。[ 71 ]
2007年のインタビューで、フィルメーションのプロデューサー兼創設者であるルー・シャイマーは、 『アーチー・ショー』での笑い声トラックの使用を称賛した。「なぜ笑い声トラックを使ったのか？」とシャイマーは尋ねた。「それは、視聴者が（自宅で）見ている他の人たちと一緒に笑いたくなるからです。そして、ただの傍観者ではなく、番組の一部になったような気分になれるのです。」シャイマーは、『アーチー・ショー』が笑い声トラックを使用した最初の土曜朝のアニメであることを確認した。[ 72 ]
テレビと笑い声トラックの歴史家であるベン・グレン2世は、現在使用されている笑い声トラックは、過去の笑い声の「気楽な」性質とは根本的に異なると述べている。
今日のシットコムは、主に機知に富んだ掛け合いに基づいており、『ミスター・エド』、『マンスターズ』、 『奥さまは魔女』などのエピソードで見られるような奇抜な状況や視覚的なギャグに頼ることはもはやありません。そして、今日の控えめな笑い声はそれを反映しています。一般的に、今の笑い声は以前よりもずっと攻撃的ではなく、より控えめです。もはや抑えきれない腹を抱えて笑ったり 、大声で笑ったりすることはなくなりました。それは「知的な」笑い声、つまりより上品で洗練された笑いです。しかし、間違いなく以前ほど楽しくはありません。昔の笑い声には、楽観主義と気楽さがありました。今日では、その反応は、聞こえ方そのものが「滑稽」なものです。かつては、観客が本当に楽しんでいるときは、それがはっきりと伝わってきました。観客は今ほど自意識過剰ではなく、好きなだけ大声で笑う自由を感じていたようです。もしかしたら、それは現代文化を反映しているのかもしれません。 1950年代の笑い声は、ダグラスがまだ構造化された笑いのテクニックを洗練していなかったため、概して陽気で騒々しいものでしたが、やや画一的でした。しかし、60年代になると、 男性と女性の両方から、くすくす笑いや甲高い笑い声など、より個性的な反応が聞こえるようになりました。反応ははるかに秩序立って組織化されていました。実際、笑い声のトラックを聞くだけで、ショーが制作された正確な年がわかります。」[ 14 ]
2003年にダグラスが亡くなって数か月後、息子のボブは父親の発明の長所と短所についてコメントした。
一部の番組では、それが乱用されていました。彼らは笑い声をどんどん増やそうとし、やり過ぎてしまうのです。彼らはもっと面白くなると思っていたのですが、そうではありませんでした。多くのプロデューサーは、笑い声をセリフよりも大きくしてしまうことがあり、それでは台無しです。笑い声は道具です。音楽や効果音、セリフと同じように。すべてが組み合わさって、番組の流れをスムーズにし、心地よいペースを作り出します。すべてはタイミングです。スキルと少しの幸運があれば、うまく作られた笑い声トラックは、より大きな芸術作品に貢献する芸術作品になり得ます。私たちは長い間この業界にいて、業界のニーズを満たしています。私たちは番組の主要な要素になるとは思っていません。それは、素晴らしいテレビ番組を作るためのパズルのピースの一つにすぎません。[ 73 ]
キャロル・プラットは、2002年6月にアメリカン・テレビジョン・アーカイブとのインタビューでダグラスの発言を裏付け、プロデューサーたちはより大きく、より長い笑いを常に求めていたと述べた。
最初はひどかった！笑えば笑うほど、大声で笑えば笑うほど、ジョークが面白くなるという状況になってしまった。でも、それは間違いだった。だからこそ、マスコミや一般大衆は笑いそのものに批判的になったのだ。笑いが多すぎたからだ。今でもそうせざるを得ないショーはあるが、今は少ない方が良い。熱意は抑えるべきかもしれないが、音量は抑えるべきではない。プロデューサーやショーによっては、音量をささやき声まで下げようとするものもあるが、それは大きすぎるよりも大きな不快感を与える。ジョークはジョークだが、今の観客はより洗練されていると感じている。初期の頃のように、手取り足取り教えられることはないようだ。今は、観客の反応でジョークを印象づけようとする点では、軽いアプローチを取っている。特に生放送のショーでは、少し控えめにしても良いと思う。ショーの流れに身を任せ、観客に語らせればいい。[ 6 ]
再録音ミキサーで「笑い声ボックス」の伝統を受け継いでいる人はほとんどいない。ボブ・ダグラスの他に、ロサンゼルスを拠点とするミキサーのボブ・ラ・マスニー、サウンド・ワンのジャック・ドナートとジョン・ビッケルハウプトは現在、観客の笑い声を加えることを専門としている。現代のデジタル機器はダグラスのオリジナルの機器ほど扱いにくいものではないが、ビッケルハウプトは「それらはかなり匿名で、ラベルのないノブとボタンが付いています。私たちはある種の謎めいた存在であり続けたいと思っています 。舞台裏の男のような感じです。あまりそれについて話したくありません」と認めた。[ 74 ]ビッケルハウプトはさらに、「ほとんどの場合、私たちがやっていることはスタジオの観客を再現することではなく、観客の笑い声はすでにそこにあります。しかし、編集で番組の一部が削除されたり、番組を時間枠に収めるためにセリフが削除されたりすると、 笑い声マシンを使って笑い声と笑い声の間の橋渡しをしなければなりません」と付け加えた。[ 55 ]『ママと恋に落ちるまで』で使われた静かな笑い声のトラックについて、ビッケルハウプトは、プロデューサーたちはますます「 70年代、80年代、90年代によく見られた、あの大勢の観客の騒々しい音を避けるようになっている。もっと控えめなトラックを求めている」とコメントした。[ 74 ]ビッケルハウプトは最後に、「私は素晴らしい仕事をしている。一日中座ってコメディに取り組んでいると、落ち込むことはあり得ない。人に仕事は何なのかと聞かれたら、『笑う』と答える」と締めくくった。[ 55 ]
「Just Shoot Me!」（生放送と録画された観客の反応を使用したマルチカメラシリーズ）のクリエイターであり、「Modern Family」（生放送または録画された観客の笑い声を使用しないシングルカメラシリーズ）の共同クリエイターでもあるスティーブン・レビタンは、「適切に使用すれば、笑い声担当者の仕事はサウンドトラックを滑らかにすることであり 、それ以上ではない」とコメントした。フィル・ローゼンタールは、「 Everybody Loves Raymond 」では「笑い声を操作することはほとんどなかった」と認めた。「過去に、生放送の観客からの笑いがほとんどなかったため、『甘味料』が大量にかけられた番組に携わったことがある。エグゼクティブプロデューサーは、『心配しないで。 誰がそのジョークを気に入るか知っているか？ミスター・スウィートマンだ』と言うだろう」ビッケルハウプトはこの見解を認め、観客の反応をすべて作り出したことが何度もあることを認めた。[ 74 ]逆に、ブレイディ・バンチの生みの親であるシャーウッド・シュワルツの息子、ロイド・J・シュワルツは、著書『ブレイディ、ブレイディ、ブレイディ』の中で、自身が監督デビュー作であるブレイディ・バンチ（シーズン4エピソード23「トップの部屋」）の笑い声トラックが「他のブレイディ・バンチのエピソードよりもかなり大きかった」と認めている。シュワルツはさらに、「今となっては少し恥ずかしいが、演出されたジョークを視聴者に確実に理解してもらいたかったのだ」と付け加えた。[ 75 ]
ミネソタ大学のアメリカ研究および美術史の教授であるカラル・アン・マーリングは、ダグラスの発明について懸念を表明した。
ほとんどの批評家は、笑い声トラックはメディア史上最悪の出来事だと考えている。なぜなら、笑い声トラックは観客を、 たとえ実際にはそれほど面白くなくても、何かが面白いときに教えられなければならない羊のように扱っているからだ。おそらく、笑い声トラックはコメディ、特にシチュエーションコメディを変えてしまった。つまり、背景で人々が狂ったように笑っていれば、少なくとも最初の2、3回は、どんなものでも爆笑ものだと通用してしまうのだ。まるでドラマショーの最中に、突然背景から「うわー、怖い！」とか「あ、彼は罪悪感があるように見える！」という声が聞こえてくるようなものだ。笑い声トラックを使うなら、これは次の論理的なステップのように思える。笑い声トラックのない番組の知的な力を証明するには、『ザ・シンプソンズ』を見ればよい。脚本が素晴らしい。彼らは笑いのために努力している。そして観客はそこに座って、お漏らししてしまう。これは、笑い声トラックを使うべきではない理由の素晴らしい例だ。私が笑い声トラックになろう。」[ 73 ]
マーリング氏は、録音された笑い声は、政治的なメッセージや商業的なメッセージも含め、物事を無批判に受け入れる社会的な傾向の表れだと懸念していると付け加えた。「これはアメリカ人の気概と自分で考える能力の衰退の一種です」と彼女は述べた。「確かに根付いていますが、だからといって良いことではありません。私たちは毎日、良くないことをたくさんやっています。これもその一つです。」[ 73 ]