アイルランドの伝統音楽

アイルランド伝統音楽（アイリッシュ・トラッド、アイルランド・フォーク・ミュージック、その他のバリエーションとも呼ばれる）は、アイルランドで発展したフォーク・ミュージックのジャンルです。

WHグラッタン・フラッドは著書『アイルランド音楽の歴史』（1905年）の中で、ゲール語圏のアイルランドでは一般的に少なくとも10種類の楽器が使われていたと記している。それらは、クルイト（小さな擦弦ハープ）とクレアセアック（通常30弦の大きなハープ）、ティオンパン（弓またはピックで演奏する小さな弦楽器）、フェアダン（横笛）、ブイン（オーボエまたはフルート）、グスブイン（ファゴットのようなホルン）、ビーンブアバルとコーン（ホーンパイプ）、クイスレンナ（バグパイプ– グレート・アイリッシュ・ウォーパイプを参照）、ストックとストルガン（クラリオンまたはトランペット）、クナマ（ボーン）である。^{[1] 8世紀には}フィドルが使われていたという証拠もある。 ^[1]

18 世紀のアイルランド民俗音楽のコレクションはいくつかあるが、バラッド印刷業者がダブリンに定着したのは 19 世紀に入ってからである。重要な収集家には、コルム・オ・ロクライン、ジョージ・ペトリー、エドワード・バンティング、フランシス・オニール、ジェームズ・グッドマンなどがいる。民俗音楽の伝統ではソロ演奏が好まれるが、バンドまたは少なくとも小規模のアンサンブルは、少なくとも 19 世紀半ばからアイルランド音楽の一部であったと思われるが、これは民族音楽学者の間でも大きな論争の的となっている。

アイルランドの伝統音楽は、西ヨーロッパのほとんどの国の土着のフォークミュージックよりも、映画、ラジオ、マスメディアの勢力に強く抵抗してきました。第二次世界大戦の終わりから 50 年代後半まで、フォークミュージックは軽視されていました。Comhaltas Ceoltóirí Éireann (アイルランドの伝統音楽協会) とFleadh Cheoil (音楽祭)の人気が、音楽の復活を後押ししました。1959年に米国でClancy Brothers と Tommy Makem が成功した後、アイルランドのフォークミュージックが再び流行しました。Delia Murphyなどの歌手の豊かで感傷的なスタイルは、Dublinersなどのギター主体の男性グループに取って代わられました。アイルランドのショーバンドはポップミュージックとフォークダンスの曲をミックスして発表しましたが、これらは 70 年代に消滅しました。Chieftains とその後のミュージシャンやグループの国際的な成功により、アイルランドのフォークミュージックは世界的なブランドになりました。

歴史的に、米国のオールドタイム音楽の多くは、文化の伝播の結果として、アイルランド、イングランド、スコットランドの音楽から生まれました。1970年代までに、アイルランドの伝統音楽は再び米国、さらにはオーストラリアやヨーロッパの音楽に影響を与えました。アイルランドの伝統音楽は、ロックンロール、パンクロック、その他のジャンルと融合されることもありました。

アイルランドのダンス音楽は等尺性で、コールアンドレスポンスに似た小節単位のメロディックフレーズのパターンを中心に構築されている。一般的なパターンは、Aフレーズ、Bフレーズ、Aフレーズ、部分解決、Aフレーズ、Bフレーズ、Aフレーズ、最終解決であるが、これは普遍的ではない。たとえばマズルカでは、部分解決と最終解決の前にAフレーズを繰り返すのではなく、Cフレーズが使われる傾向がある。多くの曲には、AパートまたはBパートの冒頭につながる弱起音がある。マズルカとホルンパイプにはスイング感があり、他の曲にはストレートな感じがある。^[2]

曲は典型的には2部構成で、2つ（場合によってはそれ以上）のパートに分かれており、各パートは4小節から8小節で構成される。パートはAパート、Bパートなどと呼ばれる。各パートは2回演奏され、曲全体はAABB、AABB、AABBと3回演奏される。多くの曲ではAパートとBパートの両方に同様のエンディングフレーズがあり、ホーンパイプでは各パートの後半が同一であることが一般的である。さらに、ホーンパイプでは各パートの最後に3つの8分音符または4分音符があり、その後に弱起音が続き、Aパートの最初に戻ってBパートに入る。多くのエアはAABA形式である。^[3]

エアは通常単独で演奏されるが、ダンス曲は通常セットと呼ばれる2〜4曲のメドレーで演奏される。^[3]

アイルランド音楽は一般的に旋法であり、イオニア、エオリアン、ドリアン、ミクソリディアン旋法、およびそれらの音階のヘクサトニック版とペンタトニック版が使用されています。曲によっては臨時記号が使われています。^[4]

歌手や楽器奏者は、装飾音、ロール、カット、クラン、スライドなどを使ってメロディーを装飾することが多い。^{[3] [4]}

ウーリアンパイプはドローンとレギュレーターを使って倍音のバックアップをとったり、フィドラーは演奏中にダブルストップをよく使ったりするが、アイルランド音楽ではメロディーが重視されるため、ハーモニーはシンプルに保たれるか、存在しないことが多い。^{[4]通常、楽器は主役の演奏者に合わせて厳密に}ユニゾンで演奏される。伝統音楽では真の対位法はほとんど知られていないが、ブズーキやギター奏者の伴奏では即興の「対旋律」がよく使われる。西洋の多くのフォークミュージックとは対照的に、曲には決まったコード進行がなく、伴奏者の多くはパワーコードを使ってメロディーで調性を定義したり、部分和音と鳴り響くドローン弦を組み合わせて調性の中心を強調したりする。多くのギタリストはDADGADチューニングを使用するが、これはブズーキのGDADチューニングと同様、これらのアプローチを柔軟に使用できるためである。^[5]

すべての伝統音楽と同様に、アイルランドのフォークミュージックはゆっくりと変化してきました。ほとんどのフォークソングは200年未満の歴史です。その古さを測る基準の1つは、使用されている言語です。現代のアイルランドの歌は、英語とアイルランド語で書かれています。最も古い歌や曲のほとんどは田舎発祥で、古いアイルランド語の伝統に由来しています。現代の歌や曲は都市や町発であることが多く、アイルランドの歌はアイルランド語から英語に移行しました。^[要出典] 1900年代後半、フランク・ハートは都会のパブシーン向けに、より下品な歌を作曲しました。このジャンルは、田舎から町へと自然に移行しました。

無伴奏のボーカルはsean nós (「古いスタイル」)と呼ばれ、伝統的な歌唱の究極の表現と考えられています。これは通常、ソロで演奏されます (ごくまれにデュエットとして)。Sean -nós の歌唱は装飾が高度で、声は音域の上限近くに配置されます。トム レニハンなどの真のsean-nós歌手は、各節のメロディーを変えますが、歌詞に干渉するほどではありません。歌詞はメロディーと同じくらい重要であると考えられています。

Sean-nós には、liltingと呼ばれる非語彙的語彙が含まれる場合があり、これは「diddly die-dely」などの音によっても表されます。

非ショーン・ノスの伝統的な歌唱では、伴奏が使われる場合でも、ショーン・ノスの歌唱から派生した装飾パターンや旋律の自由度が使用され、一般的に、同様の声の配置が採用されています。

カオイネイド（アイルランド語: [kˠiːnʲə(w)]）は、アイルランド語で嘆きを意味し、悲しみや痛みを強調した歌詞が特徴的な歌である。この単語は英語化されて「keening」となった。伝統的に、カオイネイドの歌には、政治的または経済的な理由で移住を余儀なくされた後にアイルランドを嘆く歌詞が含まれていた。この歌は、家族の死や愛する人からの音信の欠如を嘆くこともある。アイルランド音楽では、カオイネイドの伝統はかつては広まっていたが、18世紀以降は衰退し始め、20世紀半ばまでにほぼ完全に消滅した。カオイネイドの歌の例には、「Far Away in Australia」、「The Town I Loved So Well」、「Going Back to Donegal」、「Four Green Fields」などがある。 ^[6]いくつかのアイルランドの情報源によると、カオイネイドの歌手はもともと葬儀で亡くなった人を嘆くために報酬を受け取っていた。 ^{[誰？ ]}

アイルランドの伝統音楽とダンスは、ホームパーティー、カントリーダンス、ケイリーダンス、舞台公演や競技会、結婚式、聖人の日やその他の行事など、さまざまな場面で演奏されてきました。アイルランドのダンス音楽の最も一般的な場面はセイシウンで、ダンスがまったく行われないことがほとんどです。

伝統的なダンスミュージックにはリール（²
₂または⁴
₄）、ホーンパイプ（⁴
₄スイング八分音符付き）、ジグ（ダブルジグとシングルジグは⁶
₈ジグはダンス用に様々な形をしています。スリップジグとホップジグは一般的に⁹
₈時間。^{[3] [4]}

後にレパートリーに加わったのはワルツ（³
₄ドニゴール州では、同じ拍子で2拍目にアクセントがあるマズルカが演奏される。ドニゴール州は「ハイランド」でも有名で、スコットランドのストラススペイのアイルランド版のようなものだが、時折スコッチスナップが入るリールに近い感じである。^[3]

ポルカは、²
₄アイルランド南部のコーク州とケリー州の境界にあるスリアブ・ルアクラ地域でよく見られる曲。マンスター特有のリズムのもう1つは、スライド・イン・ザ・¹²
₈時間。^[3]

「スタイル」という概念は、アイルランドの伝統音楽家にとって非常に重要である。19 世紀初頭には、演奏スタイルには地域によって明確な違いがあった。アイルランドの伝統音楽家のアメリカ録音 (例: Michael Coleman 1927) のリリースや、コミュニケーションと旅行の機会の増加により、地域スタイルはより標準化された。それでもなお、ドニゴール (例: Tommy Peoples)、クレア (例: John & James Kelly 兄弟)、スリアブ ルアクラ (例: Jacky Daly) のミュージシャンの演奏スタイルが非常に異なることからもわかるように、地域的な演奏スタイルは残っている。ドニゴールのフィドル演奏は、速くてエネルギッシュなボウイングが特徴で、装飾音の大部分は弓で奏でられる。クレアのフィドル演奏は、よりゆっくりとしたボウイングが特徴で、装飾音の大部分は指使いで奏でられる。ドニゴールでは、弓を使った三連符（3 つの個別の音符を弓の向きを逆にして弾く）がより一般的ですが、クレアでは、指を使った三連符と指を使ったロール（5 つの個別の音符を 1 回の弓のストロークで弾く）が非常に一般的です。

1970 年代と 1980 年代の舞台パフォーマー ( The Bothy BandなどのグループやKevin Burkeなどのソリスト) は、従来の「セット」やダンサー向けの演奏という制約にとらわれず、伝統音楽のレパートリーを使って独自の曲群を創作してきました。Burke の演奏は、彼のクラシック音楽の訓練、伝統的なスライゴのフィドル スタイル、その他さまざまな影響が融合した、個性的でユニークで際立ったスタイルの一例です。^[要出典]

数百年の歴史を持つアイルランドの伝統的なダンス音楽で最もよく使われる楽器は、フィドル、ティンホイッスル、フルート、イリアンパイプです。ボタンアコーディオンやコンサーティーナなどの楽器は、19世紀後半にアイルランドの伝統音楽に登場しました。4弦テナーバンジョーは、1920年代にアメリカのアイルランド人ミュージシャンによって初めて使用され、現在では完全に受け入れられています。ギターは、マイケル・コールマンと彼の同時代人のいくつかの録音で初めて登場した1930年代にまで遡って使用されています。ブズーキが伝統的なアイルランド音楽の世界に入ったのは、1960年代後半になってからでした。

太鼓を意味する「bodhrán」という言葉は、17世紀の英語の翻訳文書で初めて言及されている。^[7]サキソフォンは、20世紀初頭の録音、特にパディ・キロランの「プライド・オブ・エリン・オーケストラ」でフィーチャーされている。 1940年代のケイリー・バンドには、サキソフォンだけでなく、ドラムセットやスタンドアップ・ベースが含まれることが多かった。伝統的なハープ演奏は18世紀後半に廃れ、20世紀半ばにベルファストのマックピーク家、デレク・ベル、メアリー・オハラらによって復活した。ハープはよく耳にするが、アイルランドの伝統的なダンス音楽では脇役に過ぎない。

ピアノは伴奏によく使われます。20 世紀初頭には、マイケル コールマン、ジェームズ モリソン、ジョン マッケナ、PJ コンロンなどの 78rpm レコードでピアノ伴奏が一般的でした。これらの録音の多くでは、バック ピアニストがアイルランド音楽に詳しくなかったため、ピアノ伴奏はひどいものでした。しかし、モリソンはスタジオのピアノ奏者を使うのを避け、自分で選びました。これらのピアノ バック ピアニストが使用したヴァンピング スタイルは、ほぼそのまま残っています。最近では、マイケル オ スイヤバン、ブライアン マクグラス、リアム ブラッドリー、ジョセフィン キーガン、ライアン モロイなどの革新者もいます。

伝統的なレパートリーの中で最も重要な楽器の一つであるフィドル（またはバイオリン - 物理的な違いはない）は、地域によって大きく異なるスタイルで演奏される。^{[8]標準的なGDAEチューニングを使用する。最もよく知られている地域のフィドル演奏の伝統は、}ドニゴール、スライゴ、クレア、およびスリアブ・ルアクラ の各郡のものである。

フィドルはアイルランドに古くから存在しており、アイルランドにおけるフィドルに関する最初の言及は7世紀のオカリーによるものである。^[9] 1674年にリチャード・ヘッドはアイルランドについて「日曜日には、どの畑にもフィドルがあり、少女たちは泡を吹くまで足踏みする」と書いている。これは現代のフィドルがすでにアイルランドに存在していたことを示唆している。アイルランドのバイオリンに関する記述は、ジョン・ダントンの『ティーグ・ランド：または野生のアイルランド人への楽しい散歩』（1698年）にも見られる。ダントンは「日曜日と祝日には、すべての人々が笛吹きとバイオリン弾きとともに村の緑地に出かけた」と述べている。トーマス・ディネリーは1680年にアイルランドを訪れ、音楽について「笛吹き、ハープ奏者、バイオリン弾きとともに夜通しお祭り騒ぎを繰り広げた」と述べている。^[10] 17世紀にはコークの子供たちがアイルランドのバイオリンを習っていたという記述がある^。[11]バイオリンがアイルランドで大量生産されていた頃、地元のメーカーとは対照的に、ダブリンで始まったトーマス・ペリー（弦楽器製作者）、トーマス・モリヌー（弦楽器製作者）、ジョン・ニールなどの製作者たちは、イギリスのバイオリン製作者の技術を大いに参考にしており、そのほとんどはイギリスからダブリンに輸入されていた。^[12] 18世紀にはダブリンで、18世紀に作られた楽器が発掘された。 11世紀にハナミズキで作られ、先端に動物が彫られており、世界最古の弓であると考えられていますが、この弓がどの楽器に属していたかは不明です。また、レンスター書（1160年頃）にもアイルランドのバイオリンの記述があるかもしれません。^[13]

スライゴのフィドルの伝統は、マイケル・コールマン、ジェームズ・モリソン、パディ・キロランといったアメリカを拠点とする演奏家の人気により、おそらく部外者にも最もよく知られている。これらのフィドル奏者は、1920年代から1930年代にかけて、米国でアイルランド音楽を普及させるのに大いに貢献した。他のスライゴのフィドル奏者には、マーティン・ウィンやフレッド・フィンがいる。^[要出典]

クレア出身の著名なフィドル奏者には^、メアリー・カスティー、パディ・キャニー、パトリック・ケリー、ピーダー・オロックリン、マーティン・ヘイズなどが^います。^[要出典]

ドニゴールは、ジェームズ・バーン、ジョン・ドハーティ、トミー・ピープルズを輩出している。^[要出典]

ケリー州とコーク州の間の小さな地域、スリアブ・ルアクラは、ジュリア・クリフォード、その兄弟のデニス・マーフィー、ショーン・マクガイア、パディ・クロニン、パドレイグ・オキーフで知られています。スリアブ・ルアクラ出身の現代のフィドル奏者には、マット・クラニッチやコニー・オコネルがいます。^[要出典]

現代の出演者には、ケビン・バーク、マイレ・ブリートナッハ、マット・クラニッチ、パディ・クローニン、フランキー・ギャビン、パディ・グラッキン、キャサル・ヘイデン、マーティン・ヘイズ、ピーター・ホーラン、ショーン・キーン、マイレアド・ニー・マオナイ、メレアド・ネスビット、ジェリー・オコナー、カオイムヒン・オ・ラグハライ、ドナル・オコナーとポール・オショーネシー。^[要出典]

近年、米国からは^ウィニフレッド・ホラン、ブライアン・コンウェイ、^[14] リズ・キャロル、アイリーン^・アイヴァースなど^、著名なフィドル奏者が数多く登場している。

フルートは、芸術音楽家が木製のシンプルなシステムフルート（円錐形のボアと少ないキーを持つ）を現代のクラシック音楽の金属製ベームシステムフルートに置き換えるようになった19世紀中頃以来、アイルランドの伝統音楽に欠かせないものとなっています。工場でホイッスルが製造されるようになったのは1840年のことで、アイルランドではフェードグ・アイリッシュ・ティンホイッスルが最も人気のある量産モデルでした。^[15]

アルバート方式の木製フルートが金属製ではなく選ばれたのは、当初は「時代遅れ」の廃品であったため、中古で安価に入手できたからであるが、木製楽器は独特の音色を持ち、今日に至るまで伝統的な音楽家の間で広く好まれ続けている。多くの演奏者 (おそらく最も有名なのはジョアニー・マッデン)はウェスタン・コンサート・フルートを使用しているが、他の多くの演奏者は、シンプルなシステムのフルートが伝統的なフルート演奏に最も適していると考えている。ベーム以前の時代のオリジナルのフルートは今も使用されているが、1960 年代以降、多くの職人が木製フルート製作の技術を復活させている。フルートの中にはPVC製のものもあり、これらは木製楽器よりも安価で湿度の変化にはるかに強いため、特に初心者や旅行用楽器として人気がある。

ティンホイッスルまたはメタルホイッスルは、指使いがほとんど同じで、シンプルシステムのフルートの従兄弟とも言える存在で、人気があります。19 世紀、イギリスのマンチェスターで安価な楽器として大量生産されました。クラーク社が最初に製造したホイッスルとほぼ同じものが今でも販売されていますが、C 調のオリジナルバージョンは、伝統音楽の「基本調」である D 調のものにほとんど置き換えられています。もう 1 つの一般的なデザインは、継ぎ目のないチューブでできたバレルをプラスチック製または木製のマウスピースに取り付けたものです。

熟練した職人が、アルミニウム、真鍮、鋼管だけでなく、合成素材や熱帯の広葉樹など、さまざまな素材から上質な特注ホイッスルを製作します。それにもかかわらず、長年のプロの中には、工場で作られた普通のホイッスルを使い続ける人もいます。

アイルランドの小学生は、他の多くの国の小学生がソプラノリコーダーを習うのと同じように、一般的にティンホイッスルの演奏の基礎を教わる。かつては、ティンホイッスルは多くの伝統音楽家から「初心者用のフルート」の一種に過ぎないと考えられていたが、メアリー・バーギンのような才能あるホイッスル奏者の登場で、そのような考え方は消え去った。バーギンの70年代初頭の名盤『Feadóga Stáin』 （アレック・フィンのブズーキ伴奏付き）は、伝統音楽におけるティンホイッスルの地位を一変させたとよく言われている。

一般的なティンホイッスルの派生であるローホイッスルも人気がありますが、セッション演奏ではフルートや通常の D ホイッスルよりも機敏さに欠けると感じるミュージシャンもいます。

著名な現代のフルート奏者（「フルート奏者」または「フルーター」と呼ばれることもある）には、マット・モロイ、ケビン・クロフォード、ピーター・ホラン、マイケル・マクゴールドリック、デシ・ウィルキンソン、コナル・オグラダ、ジェームズ・カーティ、エマー・メイヨック、ジョアニ・マッデン、マイケル・タブリディ、キャサリン・マケボイなどがおり、口笛奏者にはパディ・モロニー、カーメル・ガニング、パディ・キーナン、ショーン・ライアン、アンドレア・コー、メアリー・バージン、パッキー・バーン、コーマック・ブリートナックなどがいます。^{[16] [17] [18]}

ユリアン・パイプ（発音はイリンまたはイリンユン）は複雑な楽器である。伝統によれば、パイプ奏者が楽器をマスターしたと言えるようになるには、7年間の学習、7年間の練習、そして7年間の演奏が必要である。^[19]ユリアン・パイプは18世紀初頭に開発され、その歴史はイギリスとアイルランド両国の同時代の資料からの彫刻や絵画に田園パイプやユニオン・パイプとして描かれている。^[20] その現代的な形は18世紀末までに到来し、18世紀半ばのリムリック出身のパイプ奏者ジャクソン、タンドラジーのパイプ製作者ウィリアム・ケネディ、英国国教会の牧師キャノン・ジェームズ・グッドマン（1828年 - 1896年）とその友人スキバリーン出身のジョン・ヒングストンなどの紳士パイプ奏者によって演奏された。 20世紀には、シェイマス・エニス、レオ・ロウサム、ウィリー・クランシーらが、洗練された華麗な曲や、ジョン・キャッシュやジョニー・ドランら旅回りのパイパーによる派手で装飾的な曲を演奏した。^{[21]ユリアン・パイピングの伝統は、}パディ・モロニー（チーフタンズ）らや、ロウサムやエニスなどのパイパー、研究者で収集家のブレアンダン・ブレスナックを含むパイパーに開かれた組織であるナ・ピオバイリ・ユリアンの結成などによって再び人気が出るまで、ほぼ消滅していた。リアム・オフリンは、パディ・キーナン、デイビー・スピレイン、ジェリー・オサリバン、ミック・オブライエンらとともに、現代の最も人気のある演奏家の一人である。フューリー家、ドラン家、キーナン家など、多くのパヴィー（トラベラー）家は、その中にパイパーがいることで有名である。^[要出典]

ユリアンパイプは、バグパイプの中でも最も複雑な形態の1つです。2オクターブの音域を持つダブルリードのチャンター、3つのシングルリードのドローン、そしてフルセットと呼ばれる完全版では、ダブルリードとキーを備えた3つのレギュレーター（調整器）があり、演奏者の前腕で操作してメロディーの倍音をサポートできます。 (事実上、ユリアン・パイパーは全員、レギュレーターがなく、ベローズ、バッグ、チャンター、ドローンのみで構成されるハーフセットで演奏を始めます。フルセットを演奏しないことを選択する人もおり、レギュレーターをほとんど使用しない人も多くいます。) バッグには、ハイランド・パイプや、スコットランドのスモールパイプ、(レギュレーターを使用して演奏する)パストラル・パイプ、イングランド北部のノーサンブリア・パイプ、およびアングロ・スコットランド国境地帯の両地域で見られるボーダー・パイプを除くほぼすべてのバグパイプのように、演奏者の肺によって空気が充填されるのではなく、肘と脇腹の間に挟んだベローズによって空気が充填されます。

ウーリアン・パイプは、フォン・モールと呼ばれる器楽音楽の形式で重要な役割を果たしている。フォン・モールは、無伴奏の歌唱「アン・ショーン・ノス（古いスタイル）」と密接に関連している。ウィリー・クランシー、レオ・ロウサム、ギャレット・バリーは、当時有名だった多くのパイパーたちの一部であり、パディ・キーナンやデイビー・スピレインなど、今日でも多くのパイパーがこの伝統的な曲を演奏している。^[要出典]

ハープはアイルランドの主要なシンボルの一つです。アイルランドの硬貨に描かれ、ギネスの広告にも使われているケルトのハープは、10世紀という昔から演奏されていました。古代、ハープ奏者は大変尊敬され、詩人や書記とともに、古いゲール人の領主や族長の秩序の最も重要な家臣の中で高い地位を与えられました。おそらく、今日このハープ奏者の伝統を代表する人物は、 18世紀の盲目のハープ奏者、ターロー・オ・キャロランでしょう。彼はアイルランドの非公式な国民的作曲家とみなされることも少なくありません。それより少し前のスライゴ州のハープ奏者、トーマス・コネランは、 「夜明け」や「ラグラン・ロード」、そして「キャロランの夢」などのよく知られた曲を作曲しました。

アイルランド固有のハープ奏法の伝統は、独自の規範と編曲および作曲構造の規則を持つ貴族の芸術音楽であり、現代のアイルランド伝統音楽の祖先である庶民の民俗音楽とはわずかにしか関係がありません。オキャロランなど、ハープ奏法の伝統の最近の代表者の中には、ダブリンの劇場やコンサートホールで聞くことができたヴィヴァルディなどの作曲家によるイタリアのバロック芸術音楽の影響を受けていた人もいます。ハープ奏法の伝統は、それを支えたゲール語の貴族階級よりも長くは続きませんでした。19世紀初頭までに、アイルランドのハープとその音楽は、事実上、消滅しました。ハープ奏法の伝統から生まれた曲は、民俗音楽の伝統に取り入れられた調和のないメロディーとしてのみ生き残ったか、エドワード・バンティング（1792年にベルファスト・ハープ・フェスティバルに参加）のコレクションなどの記譜された形で保存された。これらのコレクションでは、曲は英国化した中流階級と上流階級の客間のピアノに合うように変更されることが多かった。^[要出典]

20 世紀のリバイバリストたちの第一世代は、長い爪で弾く古い真鍮弦のハープではなく、主に指の腹でガット弦 (第二次世界大戦後はナイロン弦に頻繁に置き換えられた) の新ケルト ハープを演奏し、アイルランドの伝統音楽のダンス チューンや歌曲、および見つけられる限りの古いハープ チューンを取り上げ、オーケストラ (ペダル) ハープから派生したテクニックや、古いハープ演奏の伝統やアイルランド音楽の生きた伝統よりも、主流のクラシック音楽と共通することが多いリズム、アレンジ、テンポへのアプローチをそれらに適用する傾向があった。ハープ伴奏のフォーク シンギングというベルファストの別の伝統は、マクピーク家によって保存された。今日では、初期のアイルランド ハープのリバイバルが進み、真鍮、銀、さらには金の弦を使用して中世の楽器のレプリカが演奏されている。このリバイバルは、1930 年代のイギリスのアーノルド・ドルメッチ、 1960 年代のブルターニュのアラン・スティヴェル、1970 年代から現在までのアメリカのアン・ヘイマンなど、多くのミュージシャンの活動を通じて発展しました。 ^{[出典が必要]}

モダンハープの著名な奏者としては、デレク・ベル(チーフタンズ)、ライーズ・ケリー(バンブルビーズ)、グレイン・ハンブリー、マイレ・ニー・チャササイ、メアリー・オハラ、アントワネット・マッケンナ、アイン・ミノーグ、パトリック・ボールなどが挙げられます。^[要出典]

しかし、ハープは、主にソロ楽器演奏、または個々の歌手の唯一の伴奏として、アイルランドの伝統音楽の中でニッチな地位を占め続けています。弦楽器としてのメロディの前景の役割と背景の伴奏の役割は、アンサンブル演奏では ギター、マンドリン、アイルランドのブズーキなどに取って代わられました。

アコーディオンは現代のアイルランド音楽で重要な役割を果たしています。アコーディオンは 19 世紀後半にアイルランドに広まりました。10 キー形式 (メロディオン) は島中で人気があったと言われています。米国では、ジョン・キンメル、フラナガン兄弟、エディ・ハーボーン、ピーター・コンロンによって録音されました。メロディオンは一般的ではありませんが、アイルランドの一部の地域、特にコネマラではジョニー・コノリーによって今でも演奏されています。

現代のアイルランドのアコーディオン奏者は、一般的に 2 列ボタン アコーディオンを好みます。他のヨーロッパやアメリカの音楽伝統で使用されている類似のアコーディオンとは異なり、列は半音ずつ離れて調律されています。これにより、楽器を半音階でメロディーを演奏できます。現在、B/C および C#/D のキーに調律されたアコーディオンが、圧倒的に最も人気のあるシステムです。

B/Cアコーディオンは流れるようなスタイルに向いており、1940年代後半から1950年代にかけてティペラリー州のパディ・オブライエン、 1950年代から1960年代にかけてジョー・バークとソニー・ブローガンによって普及した。ダブリン出身のジェームズ・キーンはこの楽器をニューヨークに持ち込み、1970年代から現在まで影響力のあるレコーディングと演奏のキャリアを維持している。他の有名なB/C奏者には、オファリー州のパディ・オブライエン、ボビー・ガーディナー、フィンバー・ドワイヤー、ジョン・ノーラン、ジェームズ・キーン、ビリー・マコミスキーがいる。^[22]

C#/D アコーディオンはパンチの効いたスタイルに適しており、特にケリー ミュージックのスライドやポルカで人気があります。著名な演奏者には、トニー マクマホン、マーティン オコナー、シャロン シャノン、チャーリー ピゴット、ジャッキー デイリー、ジョー クーリー、ジョニー オリアリーなどがいます。^[要出典]

ピアノアコーディオンは1950年代に非常に人気となり、現在でもケイリーバンドや昔のアイルランドのダンスミュージックで活躍しています。音域が広く、キーの変更が容易で、アクションがより滑らかで、強いミュゼットチューニングが他の楽器とシームレスに融合し、この時期に高く評価されました。^[要出典]ピアノアコーディオンは、アイルランドとスコットランドのトップケイリーバンドの中心人物です。^[要出典] ダーモット・オブライエン、マラキー・ドリス、ショーン・クイン、ミック・フォスターは、この楽器のアイルランドのソロマスターとしてよく知られており、優れた録音があります。^[要出典] 1970年代後半の伝統音楽の最近のリバイバルも、この多用途の楽器への関心を復活させました。^[要出典]ボタンキーアコーディオンのように、ドライチューニング、より軽い演奏スタイル、よりリズミカルに変化するベースという新しい演奏スタイルが登場しました。このモダンスタイルの著名なプレーヤーには、カレン・ツイード（イングランド）とアラン・ケリー（ロスコモン）がいる。^[要出典]

コンサーティーナにはいくつかの種類があり、アイルランドの伝統音楽で最も一般的なのはアングロ システムですが、現在では少数のミュージシャンがイングリッシュ システムを演奏しています。それぞれ構造と演奏テクニックが異なります。アングロ システムの最も顕著な特徴は、蛇腹が圧縮されているか拡張されているかに応じて、各ボタンが異なる音を発することです。アングロ コンサーティーナには通常、音を発するボタンが 2 列または 3 列あり、さらに右手の親指の近くに「エア ボタン」があり、演奏者は音を発することなく蛇腹を膨らませたり空にしたりできます。

2 列のアングロ コンサーティーナには通常、音を鳴らすボタンが 20 個あります。1 列のボタン 10 個は、共通のキー内の音符で構成されます。したがって、2 つの主要な列には、C や G など、2 つの音楽キーの音符が含まれます。各列は 2 つに分かれており、楽器の左側の 5 つのボタンは、そのキーの低音を演奏し、右側の 5 つのボタンは、高音を演奏します。高音のボタンの列は、各手の手首に近い位置にあります。20 キーのコンサーティーナは、臨時記号の範囲が限られているため、アイルランドの伝統音楽での使用は限られています。

3列コンサーティーナには、3列目の臨時記号（つまり、2列目のメインのキーに含まれないシャープとフラット）と冗長音（つまり、メインのキーと重複するが、3列目の最も外側の列にある音）が追加されており、これにより、楽器を事実上どのキーでも演奏できます。ホームキー列では、ボタンを押し、ベローズを圧縮し、同じボタンを押してベローズを伸ばし、次のボタンに移動してこのプロセスを繰り返すなどして、一連の連続音を演奏できます。この配置の結果、演奏者はベローズの方向を変える必要に迫られることが多く、これにより、隣接する2つの音の音が明確に分離されます。これにより、音楽はより明瞭で弾むようなサウンドになり、特にホーンパイプやジグに適しています。

対照的に、イングリッシュ コンサーティーナは、蛇腹の移動方向に関係なく、どのボタンを押しても同じ音を鳴らします。したがって、蛇腹が伸びているときも縮んでいるときも、どの音でも演奏できます。その結果、蛇腹の方向を変えずに連続した音を演奏できます。これにより、蛇腹の方向を変えることで中断することなく、一連の音をスムーズかつ連続的に演奏できます。

アングロの本来の弾力性とイギリスのコンサーティーナ システムの本来の滑らかさにもかかわらず、アイルランドの伝統音楽の熟練した演奏者は、演奏スタイルを適応させることで、それぞれのタイプの楽器で両方の効果を得ることができます。たとえば、アングロでは、さまざまな列の音が部分的に重なり、3 列目には追加の冗長な音が含まれているため、同じ音を複数のボタンで鳴らすことができます。多くの場合、1 つのボタンはベローズ圧縮時に特定の音を鳴らしますが、別の列の別のボタンはベローズ拡張時に同じ音を鳴らします。したがって、列をまたいで演奏することで、演奏者は、音楽の目的がより滑らかな音である場合に、音符ごとにベローズの方向を変えることを避けることができます。同様に、イギリスのシステムは、音符間の本来の滑らかさと連続性を打ち消す演奏スタイルに対応しています。具体的には、音楽がそれを要求するとき、演奏者はベローズの方向を逆にすることを選択し、連続する音符をより明確に発音することができます。^[23]

人気のある^{[誰によると？ ]}コンサーティーナ奏者には、モフセン・アミニ、ニール・ヴァレリー、キティ・ヘイズ、ギアロイド・オハルムフライ、ノエル・ヒル、パドレイグ・リンなどがいます。リアム・クランシー（クランシー・ブラザーズおよびメイクム・アンド・クランシーのメンバー）も、2009年に亡くなるまでコンサーティーナを演奏していました。^[要出典]

4弦のテナーバンジョーは、アイルランドの伝統的な演奏家によってメロディー楽器として演奏され、通常はフィドルの1オクターブ下のGDAEに調律される。この楽器は、アフリカ人奴隷によって開発されていた米国から帰国した移民によってアイルランドに持ち込まれた。アイルランド音楽でかき鳴らされることはほとんどなく（ただし、古い録音ではバンジョーがバック楽器として使用されていることがある）、代わりにピックまたは「指ぬき」を使用してメロディー楽器として演奏される。 ^[24]

ダブリナーズのバーニー・マッケナは、バンジョーの現在の人気の道を切り開いたとよく言われ、2012年に72歳で亡くなるまで、活発に演奏を続けました。著名な演奏者には、キーラン・ハンラハン、チャーリー・ピゴット、ジョン・カーティ、アンジェリーナ・カーベリー、ジェリー・オコナー、エンダ・スケイヒル、ケビン・グリフィン、全アイルランド・フリード・チャンピオンのブライアン・スキャンネルなどがいます。^[要出典]

トム・ハンウェイ^[25]などのいくつかの例外を除いて、5弦バンジョーはアイルランドの伝統音楽においてメロディ楽器としての役割をほとんど果たしていない。マーガレット・バリー、ペッカー・ダン、ルーク・ケリー、アル・オドネル、ボビー・クランシー、トミー・メイケムなどの歌手の伴奏に使用されてきた。

マンドリンはアイルランドの伝統音楽家の間では一般的な楽器となっています。2 つの楽器の音域は同じであり、左手の運指も実質的に同じ (フィドルにはフレットがありません) ため、マンドリン奏者はフィドルの曲を簡単に演奏できます。

アイルランドの伝統音楽には、アコースティック マンドリンのほとんどすべての種類が適しているかもしれませんが、事実上すべてのアイルランドの演奏者は、イタリア スタイルのボウル バック マンドリンやブルーグラス マンドリン奏者に好まれる f 字孔付きのカーブド トップ マンドリンよりも、楕円形のサウンド ホールを備えたフラット バックの楽器を好みます。前者は、セッションで持ちこたえるには音が柔らかすぎることが多く (また、演奏者の膝の上で定位置に留まらない傾向があります)、後者は、伝統的な耳には耳障りで威圧的に聞こえる傾向があります。正式な演奏や録音に非常に好まれるのは、フラット トップの「アイルランド スタイル」マンドリン (第一次世界大戦時代のマーティン陸軍海軍マンドリンを彷彿とさせる) と、1920 年代のギブソン A スタイルなどの楕円形のサウンド ホールを備えたカーブド (アーチ) トップ マンドリンです。National Resophonic の RM-1 などの共鳴マンドリンは、音量が十分で簡単に聞き取れることから、米国でのアイルランドのセッションで使用され始めています。^[要出典]

注目すべきアイルランドのマンドリン奏者としては、アンディ・アーヴァイン（ジョニー・モイニハン同様、ほとんどの場合EをDに下げてチューニングする）^{[26] : 38、} ミック・モロニー、ポール・ケリー、デクラン・コーリー、クローディン・ランギルがいる。ダブリナーズのフィドル奏者ジョン・シーハンとテナーバンジョー奏者のバーニー・マッケナも熟練したマンドリン奏者である。

ギターはアイルランド音楽では伝統的ではないが、現代のセッションでは広く受け入れられている。これらは通常、メロディー奏者や時には歌手のバックを務めるために、ピックでかき鳴らされる。アイルランドのバックでは、基本的な第 1 ポジションまたは第 2 ポジションの「カウボーイ コード」ではなく、ネックの上下にコード ボイシングを使用する傾向がある。ジャズで使用されるコード ボイシングとは異なり、これらのコード ボイシングではバレー フィンガリングがほとんど含まれず、5 フレット以上で止められた弦と組み合わせて 1 本以上の開放弦が使用されることが多い。モーダル (ルートと 3 度なしの 5 度、メジャーでもマイナーでもない) コードは、通常のメジャー コードとマイナー コードと並んで広く使用されており、サスペンデッド コードや、時にはよりエキゾチックな増コードも使用されている。ただし、メジャー セブンス コードとマイナー セブンス コードは、他の多くのスタイルの音楽ほど使用されていない。

理想的には、ギタリストはリズムやテンポをコントロールしようとするのではなく、リードメロディー奏者や歌手に正確に従う。ほとんどのギターパートは、他のアコースティックジャンルのようにメロディーを動かすのではなく、メロディーからインスピレーションと方向性を得ている。^[27]

ダイス・スプルールやザ・ボシー・バンドのマイケル・オ・ドムネイルなど、伝統音楽で活動していた初期の著名なギタリストの多くは、楽器を「DADGAD」チューニングで調律していたが、スティーブ・クーニー、アーティ・マクグリン、ジョン・ドイルなど多くのプレイヤーが「標準」（EADGBE）や「ドロップD」（DADGBE）チューニングを使用している。 ^[要出典]他にも多くの代替チューニングを使用するプレイヤーがいる。これらのチューニングの特徴は、1本以上の開放弦をフィンガーコードの形に合わせて演奏することで、コードのドローン音部分を提供することである。 ^[要出典]

ギタリストやブズーキ奏者は、ハーモニー伴奏の代わりに単音メロディーを演奏することがあるが、2人または3人以上の演奏者がいるライブのアコースティックセッションでは、ドラムの音やバイオリンやペニーホイッスルの鋭い音にかき消されて聞こえるほどの音量を出すのは困難である。^[要出典]

伝統的ではないものの、アイルランドのブズーキ^[26]は現代のアイルランドの伝統音楽界に定着しています。ギリシャのブズーキは1960年代後半にジョニー・モイニハンによってアイルランドの伝統音楽に紹介され、その後ドナル・ルニー、アンディ・アーヴァイン、アレック・フィンによって普及しました。

今日のアイリッシュ・ブズーキは（通常）2本の弦が4コースあり、（通常）G2−D3−A3−D4に調弦されている。低音コースはほとんどの場合ユニゾンに調弦されており、これがアイリッシュ・ブズーキをギリシャのブズーキと区別する特徴の1つであるが、低音のオクターブを好む演奏者もいる。ギリシャのブズーキの丸い譜面板の背面の代わりに、アイリッシュ・ブズーキは通常、平らか軽くアーチ状の背面になっている。1970年にドナル・ルニーのためにアイリッシュ・ブズーキを製作した最初の楽器製作者であるピーター・アブネットは、3枚板の譜面板の背面を製作している。トップは平らか、アーチトップのギターやマンドリンのように彫刻が施されているが、背面とトップの両方を彫刻する製作者もいる。

アレック・フィンとミック・コネリーは、D3−A3−D4に調弦された、古いスタイルのトリクソルド3コース（6弦）楽器の1つであるギリシャのブズーキを今でも使用している唯一の著名な演奏者である。^[要出典]

フレームドラムで、通常は曲げ木とヤギ皮で作られるボドランは、伝統的なダンスミュージックに比較的最近加わった楽器だと考えられている。音楽学者の中には、もともとは聖ステファノの日やその他の準儀式的な行列のレンボーイズに限定して使用されていたと主張する者もいる。1960年代にショーン・オ・リアダによって導入/普及され（ただし、19世紀半ばにはジルを使わずに「タンバリン」を演奏していたという記述もある）、すぐに人気が出た。^[要出典]著名な演奏者には、リアム・オ・マオンライ（ホットハウス・フラワーズ）、ジョニー・リンゴ・マクドナー、トミー・ヘイズ、ベオガのイーモン・マレー、コルム・マーフィー、フロックのジョン・ジョー・ケリー、ザ・コアーズのキャロライン・コアがいる。^[要出典]

ここで、ボーン（細く湾曲した骨または木片 2 個）と「スプーン」についても触れておく必要があります。どちらかのペアを片手に持ち、リズミカルに打ち合わせると、打楽器のようなカチカチという音がします。

パブでの演奏会では、西アフリカのジャンベドラム（低音と高音の両方を鳴らすことができる）やカリブ海のボンゴドラムなど、非伝統的なハンドドラムが使用されることもあります。これらのドラムは、セッション中にボドランのバリエーションとして、またはボドランと組み合わせて使用​​されます。^[要出典]

他のフリーリード楽器ほど伝統が詳しく記録されていないものの、アイルランドのハーモニカの伝統を代表する人物としては、リック・エッピング、ミック・キンセラ、ポール・モラン、ウェックスフォード州出身のマーフィー一家、エディ・クラーク、ブレンダン・パワー（後者はニュージーランド出身）などがいます。^[28] パディ・クランシーは、1960年代初頭にクランシー兄弟とトミー・メイケムの一員として、世界的に有名な最初のアイルランドのフォークハーモニストになりました。

アイルランドの伝統文化への関心の復活は、独立を求める国民主義者の呼びかけと密接に関係しており、1893 年のゲール語連盟の設立によって促進されました。これは、アイルランド語に焦点を当てることでアイルランドの伝統芸術の再発見と肯定を奨励することを目指しましたが、その活動の中心として、1903 年に毎年開催される Feis Ceoil というコンテストも設立されました。

米国では、シカゴなどの大都市のアイルランド人コミュニティでは、伝統的な音楽家が依然として人気を保っていた。フランシス・オニール（1848年 - 1936年）は、アイルランドの伝統音楽の収集家および推進者であり、その活動は「20世紀のアイルランドの伝統的なダンス音楽の発展に多大な影響を与えた」。[ 29 ^]オニールは、膨大な曲集を出版したほか、エジソンの蝋管にアイルランドの音楽家による最も初期の録音を手掛けたとされている。 ^{[30] 1920年代から1930年代にかけては、}エド・リーヴィ、マイケル・コールマン、ジェームズ・モリソン、ジョン・マッケナなどの移民音楽家のレコードが、アイルランドで演奏されていた音楽に新たな息吹を吹き込んだ。^[31]

宗教もまた、アイルランド文化の再発展に役​​割を果たした。英国からの独立の実際の達成は、アイルランド文化をヨーロッパの主流から切り離したいというアイルランドの新興勢力の願望と密接に一致していたが、新しいアイルランド政府はまた、「ジャズダンス」を抑制せよという聖職者の呼びかけや、アイルランドの道徳を軽視するその他の示唆にも耳を傾けた。ただし、公共ダンスホール法が個人のイベント開催の権利を制限したのは 1935 年になってからであった。それ以降、公共の場では許可なく公的な音楽やダンスのイベントを開催できなくなり、そのほとんどは「適切な」人物、多くの場合は教区司祭にのみ許可された。

移民の継続と、聖職者たちが無許可のイベントを閉鎖しようとする必然的な熱意が相まって、結果として伝統的な音楽とダンスはコテージに押し戻され、1960年代初頭に帰国した移民たちがパブのオーナーを説得​​してセッションを主催するまで、そこにとどまっていた。

ショーン・オ・リアダのザ・チーフテンズ、クランシー・ブラザーズ、アイリッシュ・ローヴァーズ、ダブリナーズ、スウィーニーズ・メンは、1960年代のアイルランド民俗音楽活性化の第二波に大きく貢献し、続いてプランクスティ、ボシー・バンド、クラナドが1960年代に登場した。 70年代。この復活は、伝統音楽の保存を目的として 1951 年に設立された音楽家たちの緩やかな運動であるComhaltas Ceoltóirí Éireannによって部分的に支援され、人気の Fleadh Cheoil (音楽祭) につながりました。

1960 年代には、多くの革新的な演奏家が登場した。例えば、クリスティ・ムーアとドナル・ラニーは、最初はデュオとして演奏し、後にその時代で最もよく知られた 2 つのバンド、プランクスティとムービング・ハーツ(1980 年代) を結成した。ザ・クランシーズは、1960 年代前半に米国でこの分野を切り開き、ダブリナーズなどのボーカル グループに影響を与えた。一方、チェオルトイリ・チュアランの器楽音楽は、おそらく最もよく知られたアイルランドの伝統バンド、チーフテンズ (1963 年結成) を生み出した。

1970年代までに、プランクスティとクラナドはアイルランド音楽の大衆化の舞台を整えた。^[32] 1974年に結成されたザ・ボシー・バンドは、その運動の先鋒となり、デビューアルバム「 1975」（1975年）は、多くのファンを魅了した。^[33]彼らの後に現れた新しいグループには、ドナル・ラニーとクリスティ・ムーアによって結成され、ユリアンパイプのデイビー・スピレインをフィーチャーしたムービング・ハーツなどがあり、ロックの世界でこれが事実上実現したのは初めてのことだった。^[34]アイルランド民俗音楽協会は1971年に設立され、^[35]アイルランド伝統音楽アーカイブは1987年に設立された。^[36]

ヴァン・モリソンはトラッド・ロック界でも知られており、ソウルとR&Bを取り入れていることでも知られています。^[要出典]

ケルト・ロックはフォーク・ロックのジャンルであり、アイルランドで開拓されたケルト音楽フュージョンの一形態で、ケルト音楽、楽器編成、テーマをロック音楽の文脈に取り入れている。これは、大成功を収めた主流のケルト・バンドや人気ミュージシャンの発展の重要な基盤であり、さらなるフュージョンを通じて重要な派生作品を生み出したと言える。^[37]このシーンで最も成功した作品は、おそらくシン・リジィだろう。1969年に結成された彼らの最初の2枚のアルバムは、明らかに伝統的なアイルランド音楽の影響が見られ、1972年の最初のヒット・シングル「ウィスキー・イン・ザ・ジャー」は、伝統的なアイルランドの歌のロック・バージョンだった。^{[38]この時点から、彼らはハード・ロックへと移行し始め、ヒット・シングルやアルバムを連発したが、後のアルバム『} Jailbreak 』（1976年）ではケルト・ロックの要素を時折残した。 1970年に結成されたホースリップスは、「ケルトロック」という用語が付けられた最初のアイルランドのグループであり、伝統的なアイルランド/ケルト音楽と楽器、ケルトのテーマとイメージ、アイルランド神話に基づいたコンセプトアルバムを含む作品を制作し、ハードロックサウンドでプログレッシブロックの領域に踏み込んだ。^[39]ホースリップスは、母国を離れることなく成功を収めた最初のメジャーバンドであり、アイルランドやその他の地域でケルトロックのテンプレートを提供していると見なすことができるため、アイルランドロックの歴史において重要なバンドと見なされています。^[40]

伝統音楽、特にショーン・ノスの歌唱は、世紀後半のアイルランドのポピュラー音楽で大きな役割を果たし、ヴァン・モリソン、ホットハウス・フラワーズ、シネイド・オコナーがポピュラーソングで伝統的な要素を取り入れました。エンヤは、ニューエイジとケルトの融合で世界的に大成功を収めました。シェーン・マクゴーワン率いるザ・ポーグスは、アイルランドのフォークとパンクロックの融合に貢献しました。その結果、アイルランド、イギリス、アメリカでトップ10ヒットが生まれました。アフロ・ケルト・サウンド・システムは、 1990年代に ケルトの楽器と西アフリカの影響、ドラムンベースを融合させました。

1980年代の著名なフォークバンドには、デ・ダナン、アルタン、ダーヴィッシュ、パトリック・ストリートなどがあった。この頃アイルランド音楽への関心が高まったことで、メアリー・ブラックやシャロン・シャノンなど多くのアーティストが海外で認知されるようになった。BBCはアイルランド音楽の影響に関するドキュメンタリーシリーズ「ブリング・イット・オール・バック・ホーム」 （ボブ・ディランのアルバムと、アイルランドの伝統音楽が、特にアイルランド人の離散に続いて新世界に広まった方法の両方を指し、それが今度は現代のアイルランドのロック音楽に影響を与えている）を放映した。このシリーズは、アイルランド国外ではあまり知られていない多くのアーティストの知名度を上げることにも役立った。

2000年代には、Beoga、Gráda、Danú、Teadaが、主に伝統的な傾向を持つ最も若い主要なインストゥルメンタルバンドに数えられます。

Flook、Kíla、Gráda、The Dave Munnelly Band など、地元音楽とアイルランド音楽を融合させた音楽を展開しているアイルランドのバンドは他にも数多くあります。

いくつかの組織がアイルランドの伝統音楽の収集と促進に取り組んでいます。これらには、Comhaltas Ceoltóirí Éireann、アイルランド民俗音楽協会、アイルランド伝統音楽アーカイブ、アイルランド世界音楽舞踊アカデミー (リムリック大学) が含まれます。^[41]

地域に焦点を当てた組織としては、コーク県バリーヴォーニーにある伝統芸術と現代芸術の地域文化センターであるIonad Cultúrthaがある。 ^[42]また、音楽や視覚芸術のイベントも開催している。^[要出典]

パブ セッションは現在、田舎や都会のパブでの非公式な集まりで行われるアイルランドの伝統音楽の多くを演奏する場となっている。こうした近代的なパブ セッションの最初のものは、1947 年にロンドンのカムデン タウンにあるデヴォンシャー アームズというバーで行われた(ただし、一部の民族音楽学者は、米国に移住したアイルランド人がそれ以前にセッションを行っていた可能性があると考えている)。この習慣がアイルランドに導入されたのは、その後のことである。1960 年代までには、ダブリンのオドノヒューズなどのパブが独自のパブ セッションを開催していた。

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• アイルランド伝統音楽曲目録 商業録音や曲集に掲載されている曲の出典を特定する、伝統的なダンス曲の検索可能なデータベースです。
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• アイルランド音楽の歴史、WHフラッド著
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