言語にさよなら

言語にさよなら
劇場公開ポスター
監督	ジャン＝リュック・ゴダール
著者	ジャン＝リュック・ゴダール
制作：	アラン・サルド ブラヒム・チオウア ヴィンセント・マラヴァル
主演	エロイーズ・ゴデ カメル・アブデリ リチャード・シュヴァリエ ゾエ・ブルノー
撮影	ファブリス・アラーニョ
編集者	ジャン＝リュック・ゴダール ファブリス・アラーニョ
制作 会社	カナル+ 国立映画・アニメ映像センター
配布元	ワイルドバンチ
リリース日	2014年5月21日（カンヌ） ( 2014-05-21 ) 2014年5月28日（フランス） ( 2014-05-28 )
実行時間	69分
国	フランス スイス
言語	フランス語
興行収入	33,225 枚（フランス） 390,099ドル（米国）

『さらば言葉よ』（フランス語: Adieu au Langage）は、ジャン＝リュック・ゴダールが脚本・監督を務めた2014年のフランス・スイス合作の叙述 エッセイ映画である。エロイーズ・ゴデ、カメル・アブデリ、リチャード・シュヴァリエ、ゾエ・ブリュノー、ジェシカ・エリクソン、クリスチャン・グレゴリが出演し、撮影監督はファブリス・アラーニョが担当した。これはゴダールの42作目の長編映画であり、121作目の映画またはビデオ作品である。この映画が撮影されたスイスのフランス語圏では、「adieu」という言葉はさよならとこんにちはの両方を意味することがある。この映画は不倫をしているカップルを描いている。女性の夫は不倫を発見し、愛人は殺される。2組の俳優がカップルを演じ、彼らの行動は互いに繰り返され、反映される。ゴダールの飼い犬ロキシー・ミエヴィルはこの映画で重要な役割を演じ、カンヌ映画祭で賞を受賞した。ゴダールの映画の多くと同様に、この映画には過去の芸術、哲学、科学の作品、特にジャック・エリュール、アレクサンドル・ソルジェニーツィン、メアリー・シェリーの作品からの引用や言及が数多く含まれている。

ゴダールは2010年に3D映画制作に興味を持ち、アラーニョにカメラテストを依頼した。アラーニョはプロ仕様の3Dカメラの結果に満足せず、Canon 5DとFlip Minosを使用して独自のカスタムリグを構築し、3D撮影の標準的なルールの多くを破った。ゴダールとアラーニョは4年間この映画に取り組み、俳優たちと正式に制作を始める前にそれぞれが独立して映像を撮影した。ゴダールは2Dバージョンの映画を編集し、その後アラーニョと共に色補正とサラウンドサウンドを施して3Dカットを完成させた。

『さよなら、言葉より先に』は2014年のカンヌ国際映画祭のコンペティション部門で初公開され、審査員賞を受賞した。フランスではワイルドバンチ、アメリカではキノ・ローバーが配給し、 2014年の全米映画批評家協会賞で作品賞を受賞した。総じて好評を博し、いくつかの批評家リストでその年のベスト映画の1つに挙げられた。特に、その映像スタイルは賞賛されたが、ストーリーについては理解不能だと感じる者もいたなど批判された。^{[1] [2]}多くの批評家が、この映画のテーマや3Dの使用を分析しようと試みた。

この映画のより手の込んだショットのいくつかは、映画用語の革新的なテクニックと呼ばれています。これには、1 つの途切れないショットが 2 つの別々のショットに分割され、左目または右目で同時に表示され、その後 1 つの 3D ショットに戻る「分離」ショットが含まれます。アラーニョとゴダールは、二重露光の3D 画像や、人間の目には見えにくい視差のあるショットも実験しました。

「言語に別れを告げる」は、不倫関係にあるカップルの 2 つの類似したバージョンを語る実験的な物語です。この 2 つの物語は「1 自然」と「2 メタファー」と名付けられ、それぞれジョゼットとゲデオン、イヴィッチとマーカス、そして犬に焦点を当てています。

映画はニヨン文化センターでの「1 Nature」から始まる。マリーとボーイフレンドという若いカップルが古本スタンドを設置している。別のカップル、デイヴィッドソンとイザベルがやってくる。マリーとボーイフレンド、そして後に登場したイヴィッチという登場人物がデイヴィッドソンに話しかける様子から、彼は教授であることがわかる。デイヴィッドソンは『収容所群島』を振りかざしながら、その著者であるアレクサンドル・ソルジェニーツィンは、本のサブタイトルをGoogleで検索する必要がなかったと述べる。教授は次に、スマートフォンが登場する前、親指は何に使われていたのかとイザベルに尋ね、フランスの童話『親指ホップ』をもじって引用する。教授は、ジャック・エリュールの思想、例えば個人の権利と国家への責任の放棄などについて即興の講義を始める。エリュールは、この状況をアドルフ・ヒトラーの勝利と宣言した。突然、車が近づいてきて、男が降りてきて、ドイツ語で、近くにいたジョゼットに話しかける。男はジョゼットに家に帰るように要求し (男はジョゼットの夫であることをほのめかし)、結果を招くと脅し、引きずり出そうとした後、画面から退いて銃を発砲する。他の登場人物が発砲された場所に駆けつけると、車は去る。ジョゼットは立ち去るが、ずっと見ていたゲデオンが後を追う。ジョゼットが噴水で手を洗っていると、ゲデオンが近づいてきて、「お役に立てれば幸いです」と告げる。

映画は「2 メタファー」に切り替わる。ニヨン湖畔で、デイビッドソンがベンチに座ってニコラ・ド・スタールの複製画の本を眺めていると、マリーとボーイフレンドがアメリカ行きを前に別れを告げにやってくる。デイビッドソンと同じようにトレンチコートと帽子を合わせたイヴィッチがやってくる。2人がイメージの暴虐について話している間に、ドイツ語を話す男がやって来て、シーンは前と同じように展開する。男はイヴィッチに近づき、銃を発砲して立ち去る。前と同じように、男が動揺した女性に近づく。今回は、男が画面外にいて、女が画面に映っている (映画の宣伝に使われた金属の柵の後ろにいるイヴィッチのイメージ)。男のマーカスは柵に手を置いて「お役に立てれば幸いです」と宣言する。

映画は「1 自然」に戻る。ジェデオンとジョゼットは不倫関係にあり、夏に一緒に家に泊まり、文学や家庭内の問題について話し合う。ジェデオンはトイレに座りながらロダンの「考える人」に言及し、排便という行為を通じて人々は平等になると宣言する。ある時点で、シーンはニヨンに移り、マリーは身元不明の男性の遺体を検査する。ジェデオンとジョゼットの不倫に戻ると、ナレーターが人間と犬の関係について話している間、犬のロキシーは田舎をはしゃいでいる。ロキシーはジェデオンとジョゼットの車に迷い込み、彼らは彼を家に連れて帰り、ロキシーと一緒に話を続けます。ジョゼットは、4年前にジェデオンからもらったナイフについて話す。ジェデオンとジョゼットはロキシーを残してフェリーに乗るために出発する。

映画は「2 メタファー」に戻る。冬にマーカスとイヴィッチは同じ家で情事に興じる。二人は絵画や、毛沢東のフランス革命に対する意見やロシア人がヨーロッパ人になることは決してないといった政治問題について語る。二人は一緒にシャワーを浴びながら口論になり、その後シンクに血まみれのナイフが落ちている場面が映る。二人の関係が悪化するにつれ、イヴィッチはマーカスに「お役に立てれば幸いです」と言ったことを思い出させる。マーカスは子供を作るべきだと言う。イヴィッチは犬を飼うべきだと言う。

エピローグ「3 記憶/歴史的不幸」では、ロキシーは再び田舎にいるが、ロキシーの考えを表すナレーション（クリフォード・D・シマックの『タイム・アンド・アゲイン』を言い換え）は、水が彼に何を伝えようとしているのか疑問に思う。ナレーターは、メアリー・シェリーがフランケンシュタインをコロニーの夫婦の家の近くで書いたと述べる。シェリーは田舎で羽ペンとインクで本を書いているところが見られ、バイロン卿とパーシー・シェリーが加わる。姿の見えない男と女（ゴダールとフローレンス・コロンバニ）は水彩絵の具と黒のインクで絵を描いている。彼らはロキシーに部屋から出て行くように命じ、（ドストエフスキーの『悪霊』を言い換えて）キリロフの2つの質問、「大きなものと小さなもの」（あの世と苦しみ）と「平面を深みに当てはめる難しさ」を芸術を創造する行為と比較する。ナレーター（アンヌ＝マリー・ミエヴィル）がロキシーの考えを語る中、ロキシーはソファで眠りにつき、犬の吠え声と赤ん坊の泣き声で映画は終わる。

ゴダールの映画の多くと同様に、『さらば言語』には、物語の中に他の芸術作品や科学作品への数多くの言及が織り込まれている。ボリス・バーネットの『青い海の彼方』、ルーベン・マムーリアンの『ジキル博士とハイド氏』、ジャン＝ピエール・メルヴィルの『恐るべき子供たち』 、アルトゥール・アリスタキスヤンの『ラドーニ』、フリッツ・ラングの『メトロポリス』、ハワード・ホークスの『天使だけが翼を持つ』 、ロバート・シオドマクの『ピープル・オン・サンデー』、アレクサンドル・アジャの『ピラニア3D』、ヘンリー・キングの『キリマンジャロの雪』などの映画のクリップが含まれている。この映画では、ジャン・コクトーの『オルフェウスの遺言』を映像なしで引用しているが^[5]、ナチスドイツやソ連など20世紀の政治的出来事のアーカイブ映像を使用している。^[6]

この映画には、文学、科学、哲学、政治理論の分野の作家たちの言葉が数多く引用されています。直接の引用（登場人物や見えないナレーターによる言い換えが多い）と、場面に映る本のコピーの両方が含まれます。参考文献には、アランの『感情、情念および徴候』、ジャン・アヌイユの『アンティゴネ』、ギヨーム・アポリネールの『アルコール』、ルイ・アラゴンの『エルザ、ジュ・テーム』 、アラン・バディウの『歴史の再生』、サミュエル・ベケットの『イメージ』、ジョセリン・ブノワの『概念：分析入門』、モーリス・ブランショの『忘却を待ちながら』、ホルヘ・ルイス・ボルヘスの『砂の本』、ルイ＝フェルディナン・セリーヌの『教会』および『エリー・フォールへの手紙』 、ジャック・シャルドンヌの『エヴァ、あるいは中断された日記』、ピエール・クラストルの『国家に反対する社会』、ジャン＝ポール・キュルニエの『戦争する世界』、チャールズ・ダーウィンの『人間の由来、性に関する淘汰』、ジャック・デリダなどがある。の『動物である、ゆえに我あり』、フランソワーズ・ドルトの『精神分析の危険に瀕した福音書』、フョードル・ドストエフスキーの『悪霊』、ジャック・エリュールの『ヒトラーの勝利』のどれでしょうか？、ギュスターヴ・フローベールの『感傷教育』、アドリアン・フランス＝ラノールの『ハイデガー：その誤りに還元できない思考』、ディディエ・フランクの『ニーチェと神の影』、ジークムント・フロイトの『精神分析入門講義』、ジュリアン・グリーンの『日記』、ヴィクトル・ユゴーの『償い』、エマニュエル・レヴィナスの『全体性と無限』、セザール・パヴェーゼの『丘の上の家』、エズラ・パウンドの『作品と高利貸し：3つのエッセイ』、マルセル・プルーストの『ジャン・サントゥイユと囚人』、ライナー・マリア・リルケの『ドゥイノの悲歌』、ジョルジュ・サンドのアルフレッド・ド・ミュッセの『エルとルイ』と『手紙』 、ルイ・アントワーヌ・ド・サン＝ジュストの『慣習に関する報告』、ジャン＝ポール・サルトルの『存在と無』、理性の時代、 『嘔吐』と『裏切り者』、メアリー・シェリーの『フランケンシュタイン』、パーシー・ビッシュ・シェリーの『ピーター・ベル三世』、クリフォード・D・シマックの『時と再び』と『都市』、フィリップ・ソレルスの『フィリップ・フォレストとの会見』、ポール・ヴァレリーの『アフォリズム』、フランソワ・ヴィヨンの『吊られた男のバラッド』、ルートヴィヒ・ヴィトゲンシュタインの『哲学探究』、^[​​5] アレクサンドル・ソルジェニーツィンの『収容所群島』、^[7] レオン・ブランシュヴィクの『デカルトとパスカル』、モンテーニュの『詩人の回想録』^[8] 、AEヴァン・ヴォークトの『空Aの世界』^[9]、 VSナイポールの『河の曲がり角』、毛沢東（または周恩来）の有名な「まだ時期尚早だ」という引用、^[10]、 ローラン・シュワルツの『分配理論』、ポール・ディラックの『ディラックのデルタ関数』^[11]、 プラトンの格言「美は真実の輝きである」、ベルンハルト・リーマン、ジャック・ロンドン^[12]、リュック・フェリーの作品^[13]。また、クロード・モネとオーギュスト・ロダンの『考える人』 ^{[12] 、画家}ニコラ・ド・スタールの絵画への言及も含まれている。^[14]

ゴダールは自らの言葉を引用している。「森を見せるというのは簡単だ。だが森が近くにある部屋を見せるのは難しい」というのは、ゴダールが1958年にアレクサンドル・アストリュックの映画『人生』を批評した際の言葉を言い換えたものだ。引用の一部は誤りで、例えばマルセル・プルーストの引用が誤ってクロード・モネのものとされたり、ウィリアム・フォークナーの引用が彼の既知の作品には見当たらないなどである。^[5]

映画の中で流れる音楽には、ピノ・マシが歌うアルフレド・バンデッリの民謡『魔女狩り』がある。また、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの交響曲第7番第2楽章、ギヤ・カンチェリの『愛しき人よ』、ドブリンカ・タバコヴァの『古風な組曲 第2部』、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーの『スラヴ行進曲』、アルノルド・シェーンベルクの『変容の夜』、ジャン・シベリウスの交響曲第2番と『悲しきワルツ』、ヴァレンティン・シルヴェストロフの『聖なる神』の短い断片も流れる。^[5]

• ジョゼット役のエロイーズ・ゴデ
• ゲデオン役のカメル・アブデリ
• リチャード・シュヴァリエ（マーカス役）
• ゾエ・ブルノー（イヴィッチ役）
• デビッドソン役のクリスチャン・グレゴリ
• 夫役のダニエル・ルートヴィヒ
• ジェシカ・エリクソン（メアリー・シェリー役）
• バイロン卿役のアレクサンドル・パイタ
• ディミトリ・バジル（パーシー・シェリー役）
• 犬役のロキシー・ミエヴィル
• 赤毛の少女マリー役のマリー・ルシャ
• ジェレミー・ザンパッティ（青年役）
• イザベル・カルボノー（イザベル役）
• 見えない男を演じるジャン＝リュック・ゴダール
• 目に見えない女性を演じるフローレンス・コロンバニ
• ナレーターとしてのアンヌ＝マリー・ミエヴィル
• ジーノ・シコノルフィ
• アラン・ブラット
• ステファン・コリン
• ブルーノ・アライグレ^{[15] [16] [17]}

ゴダールは2010年のカンヌ映画祭で初めてこの映画の計画を発表し、その際タイトルは『さよなら、言語よ』になるだろうと語った。2010年11月のインタビューで、彼はハンフリー・ボガートとエヴァ・ガードナーをキャストしたいと冗談を言い、「これはもはや同じ言葉を話さない夫婦の話だ。彼らが散歩に連れて行く犬が介入して話しかけてくる」と語った。彼はまた、3Dへの関心と自分の犬を映画の中で使う可能性も明らかにした。ゴダールは当初、主役に大スターを起用したいと考えており^[18]、ソフィー・マルソーとヴァンサン・カッセルに夫婦役を依頼した。カッセルは断り、ゴダールは代わりに無名の俳優を使うことにした。^{[17]その年、ゴダールは引退を考えていたが、長年の撮影監督}ファブリス・アラーニョによると、「彼は映画を作らずには生きていけない」という。^[19]

撮影はスイス国内で行われ、レマン湖近くのニヨン^{[20]やゴダールの自宅である}ロールでも撮影された。^{[17] [21]}ゴダールは最小限の機材と少人数のスタッフで撮影した。スタッフにはアラーニョ、ゴダールの助手ジャン＝ポール・バッタジャ、そして「俳優や小道具が行方不明になったり、通行人が画面に迷い込んだりしないように見張る若者」がいた。機材はすべてバン1台に収まり、3Dカメラ2台、ゴダールが操作する手持ちカメラ、録音機、傘が含まれていた。^[20]ゴダールは「アメリカ映画のように40人までしか撮影できない大規模なスタッフよりも、少人数のスタッフで撮影する方が好きだ。なぜなら、人数が少ないと寂しくなるから」と語った。^[22]映画の撮影は4年かけて行われた。^[23]

ゴダールは、この映画のためにテキストと絵コンテの両方を含む詳細な脚本を書いたが^[24]、伝統的な脚本ではなく、シナリオは「メモやアイデアが書かれた一連の散文」で構成されていた。カメル・アブデリは、脚本を理解するために脚本内のすべての参照をグーグルで検索しなければならなかったと述べた。「シナリオを読むことはできませんでした。感じて見ることができました。」^[25]俳優のダニエル・ルートヴィヒは、「シビュラのテキストと巨匠自身の手作りのコラージュと画像に加えて、脚本はワイルドで混沌としていて素晴らしく示唆に富み、芸術作品です。」と書いた。^[20]

主演女優（エロイーズ・ゴデとゾエ・ブリュノー）と主演男優（カメル・アブデリとリチャード・シュヴァリエ）は、身体的特徴が互いに似ているように配役された。ブリュノーとシュヴァリエのシーンは夏に、ゴデとアブデリのシーンは冬に撮影された。^[26]俳優たちは、度重なる遅延のため、配役が決まった後、撮影開始まで2年半待たされた。 ^[27] 2年間のリハーサルの後、アブデリは撮影初日にパリからロールに向かったが、ゴダールが気が変わったことを知った。^[25]ブリュノーの2014年の回想録『ゴダールを待ちながら』は、この映画の制作過程を記録している。ゴダールは、撮影前夜にシーンを書き直すことが多く、軽微な画面のブロックを除いて、現場での即興を一切許可しなかった。 ^[27]そのような即興の1つは、女優がランプの前に座るというものだったが、その結果、アラーニョが3Dの「魔法」と呼んだレンズフレアが生じた。^[28]ゴデは、ゴダールの演出は「非常に正確で、非常に穏やかだが、明確で、議論の余地はない」と述べた。俳優たちのリハーサル時間は非常に短かったが、アラーニョは各ショットの準備に多くの時間を費やした。^[24]ゴデは、「セットは静かで集中していた。献身的だった。しかし、[ゴダールの]厳しい態度は時折温かい笑顔に溶けた。彼は面白いジョークを思いついたり、私たちに対して非常に思いやりがあることを示したりした。」と述べた。 ^[29]フランスの映画史家フローレンス・コロンバニは、ゴダールの自宅を訪れ映画に出演するよう依頼されたが、ゴダールがセリフを話している間にロレーヌ十字を描く彼女の手を撮影したいだけであることがわかった。^[17]

アラーニョは、自分とゴダールは3Dを典型的な特殊効果や仕掛けとして使いたくなかったと述べている。代わりに、彼らはそれを「新しいものを表現するため」に使いたかったのだ。^[28]複数のカメラが使用されたが、映画の大部分はキヤノン5Dとキヤノン1DCで撮影された。^[23]他のカメラにはGoProやルミックスなどがある。^[26]アラーニョはキヤノンにライカのレンズを使用した。 「キヤノンのレンズは完璧すぎるからです...デジタル的に完璧な人に恋なんてできるでしょうか？ 人は間違いを犯すものです！ ライカのレンズには意図しない不完全さがあります。」^{[22]キヤノンのカメラにより、映画のほとんどを}自然光または利用可能な光源で撮影することができた。ゴダールは、登場人物の影は2Dだが歩道は3Dであるなど、意図的に3D画像用にショットをフレーミングした。映画に出てくる犬はゴダールのペットのロキシー・ミエヴィルで、ゴダールは散歩に連れて行くたびにミエヴィルを撮影していた。ゴダールはこれらのショットに富士フイルムとソニーの民生用カメラを使用した。^[23]アラーニョは、制作が正式に始まる前に、オリーブの木の周りを走り回る2人の子供のショットなど、いくつかの映像を独自に撮影した。^[28]

アラグノは制作中に音声を録音し、後にポストプロダクションでサウンドミキサーを務めた。ゴダールは、アラグノと3D最終カットの作業を始める前に、映画の2Dラフカットを編集した。^{[23]ゴダールは}HDCAMで最初のカットを単独で編集した。アラグノは次のように語っている。

何かを挿入したいときは、画像を重ねます...ジャン＝リュックは編集中の画像を編集コンソールから切り離します。彼は、自分と画像の間に何もないように、コンソールに対して画面を垂直に配置します。編集をするためには、顔を背けなければなりません。彼は編集を非常に素早く決定します。すべての映像を見た後、彼は各シーンのコピーまたは印刷された画像の小さなサムネイルを使用し、各画像をページに貼り付けて本を作ります。^[28]

アラーニョはゴダールの最初のカットを使って、左と右の画像を最初の3Dカットに手動で同期させたが、これには「かなり時間がかかった」と語っている。ゴダールは当初、このカットに失望した。「モノラルサウンドで、色補正はほとんどなかった」のだ。3月18日、アラーニョはパリの映画館でゴダールのためにステレオサウンドトラック付きの3Dカットの上映を手配した。アラーニョによると、彼らは映画の2Dバージョンも編集し、「二重露光のように2つの画像を重ねる」としており、ゴダールはカンヌ映画祭で上映されるバージョンになるのではないかと考えたという。ゴダールはこの上映まで映画の3D映像を見たことがなかったが、最終結果にすぐに満足した。^[28]

最終編集はゴダールの自宅で2週間かけて行われた。彼らはその家を「シェ・レ・アングレー」と呼んでいた。ゴダールとアラーニョは「3台の同期したコンピューターをセットアップした。サラウンドサウンドミックス用にPro Tools 、色補正と3D管理用にDa Vinci Resolve 、そしてDaVinciでレンダリングしたものをProToolsのサウンドミックスと同期させて再生するためにFinal Cutをセットアップした。ミックス、色補正、編集をHD 3Dで同時に行うというアイデアだった。1回のセッションで2分間編集した。」^[28]

『社会主義フィルム』の完成直後（そしてアメリカの3D映画『アバター』の成功後） 、ゴダールはアランゴに3Dのテスト映像を撮るよう依頼した。^{[28]バッタッジャと撮影監督のポール・グリヴァス（ゴダールの甥[31]} ）の助けを借りて、アランゴは3D技術を研究し^[19]、実験し、独自のカスタムカメラリグを作った。彼は「3Dが組み込まれた高価なパナソニックのカメラ」を使用することから始めたが、その結果には満足できなかった。^[28]実験の中で、アランゴは3D撮影の標準的な「ルール」（「2台のカメラの距離は6センチ以上離してはいけない。背景と前景が離れすぎていると、良い作品にはならない」）は面白くないと結論付けた。^[23]アラグノはその後、2台のキヤノン5Dで木でリグを作った。彼は「はるかにラフで表現力豊かだった。通常、2台のカメラを使った3Dでは、視差を最小限に抑えるためにカメラ同士の距離が非常に近い。私が作ったリグでは、2台の5Dが約5センチ離れており、はるかに難しい3D画像が生成された。」と語った。 ^[28]彼のリグでは、カメラの1台が逆さまになっており、「視差を避け、両方のカメラから最高の効果を得るために、センサーを同じ画角で登録して完璧な3Dまたは「不完全な」3Dを実現できるようにした。この調整にはコンピューターは使われておらず、ハンマーとノミだけ。まさに職人技の映画製作だ。」^[22]

アラグノ氏は、2 台のFlip Minoカメラを使用して、1 台のカメラをパンできる別のリグを構築しました。2 人の子供を使ったテストで、アラグノ氏は次のように語っています。

少年に右側のキッチンに行くように指示すると、右のカメラが彼を追いかけ、左のカメラはそこに留まり、3Dが崩れました。少女はあなたの左目にいて、少年は右目にいます。彼がキッチンにいるとき、あなたの脳はどのように見ればよいかわかりませんでした。少し見るのが辛いですが、面白かったです。少年が少女のところに戻ると、2つのカメラは再びクラシック3Dになりました。そこで私はそれをジャン=リュックに見せ、彼はこれを映画に使うことに決めました。

アラグノは2台のカメラの距離についても実験し、業界標準の6センチメートルよりも近づけたり遠ざけたりすることもあった。^[23]アラグノは後にハフィントンポスト紙に「 3Dでしかできないものを3Dで作ることを考え始めた。3Dとは、左と右の2つの画像を意味し、両方を一緒にすることもできるが、一方の画像をもう一方の画像と異なるものにすることもできる」と語った。^[30]

3D画像を分離するこの技術は、映画製作における新しいショットと呼ばれているが、最初の3D長編映画『パワー・オブ・ラブ』のショットと部分的に比較できる。『ディゾルブ』のカラム・マーシュは「映画の語彙が豊かになった。映画製作者には、以前のジャンプカットのような新しい技術という新しいツールが利用可能になった」と述べ、ゴダールは以前の作品で「アイデアを統合する方法、つまり異なる画像を結合して新しいものを作る方法を模索していた。このショットはそれを実現したものである」と述べた。^[32]ハフィントンポストのエリン・ホイットニーは「この瞬間は非常に革新的で珍しいため、ゴダールと彼の撮影監督ファブリス・アラーニョはそれに名前さえ持っていなかった（アラーニョは、より適切な言葉がないため、このショットを「分離」と呼んだ）」と書いた。^[30]ディゾルブのデイヴィッド・エーリッヒは、この技法を「自分で冒険を選ぶ」ショットと呼び、「異なる画像を別々に、しかし同時に見せることで、ゴダールは、視聴者が見た瞬間に別々の画像を比較する方法を編み出した。 『さよなら言語』は、すべてのカットは多孔性であり、記憶に気を取られれば、見ることはただ見ているだけだということを効果的に主張している」と書いている。^[33] フィルム・コメントのエイミー・トービンは、このショットを「気が遠くなるような、目が回るような、物語的に深いシーケンス」と呼び、このショットが終わった後、カンヌ映画祭でのこの映画のプレミア上映で観客が拍手喝采したと伝えている。^[34]フィルム・コメントのジョナサン・ロムニーは、「これはメリエスの時代を代表するカメラ内マジックだ。安っぽいトリックだが、見事にシンプルにやり遂げられ、これまで想像もつかなかった単純な「不適切な」3Dの使用に喜びを見出している」と述べている。^[10]

アラーニョはポストプロダクションで3D映像の実験も行った。これには「2Dと3Dの映像を重ねたり組み合わせたりするテスト。異なる映像を「覆い」、空間の異なる平面で作業したかった」ことや、異なる2D映像を混ぜて二重露光の3D映像を作ったことなどが含まれる。ゴダールは後にこれらのテストの一部を短編映画「Les trois désastres」で使用し、2013年のオムニバス映画 「3x3D」に収録された。^[28]

『さらば言語よ』は2014年5月21日、カンヌ国際映画祭のコンペティション部門でリュミエール劇場で初公開された。ゴダールは映画祭に出席すると見られていたが、上映の数日前に欠席を発表した。彼はラジオ・テレビ・スイスに対し、パルム・ドールは欲しくないと語り、もし受賞したら名誉アカデミー賞の時と同じように税理士に渡すと語った。^[35]その後まもなく、彼は退任する映画祭会長のジル・ジャコブと芸術監督のティエリー・フレモーにビデオレター^{[34]を送り、映画祭を欠席する理由と心境を説明した。ビデオレターは非公開の予定だったが、ジャコブはそれを}「Letter in Motion to Gilles Jacob and Thierry Fremaux」という短編映画として一般に公開した。^{[8] [36]}メインコンペティションの審査委員長ジェーン・カンピオンは「彼が物語を捨て去ったという事実は、まるで詩のようだ。私は目が覚めた。これは自由人だった」と語った。^[37]エイミー・トービンは最初の上映会に出席し、この映画を傑作と呼び、「彼の最も美しい作品かもしれない。軽快でモーツァルト的で、愛についての感情を自由に伝えている」と書いた。^[34] ニューヨークタイムズのマノーラ・ダージスは「ついにコンペティションのラインナップに、1週間ずっと切実に必要とされていたものが加わった。それは、2,300席の満員のリュミエール劇場をほぼ空中に浮かせ、単なる上映を本物の出来事に変えた、スリリングな映画体験だ」と書き、この映画を「深く、刺激的で挑戦的な」と呼んだ。^[14]

レビュー集約サイトRotten Tomatoesでは、73件のレビューで『さよなら、ランゲージ』の支持率は88%、平均評価は10点満点中7.1点となっている。同サイトの批評家総意は「不可解なほど視覚的にスリリングな『さよなら、ランゲージ 3D』は、伝説の監督が未だにその技巧をしっかりとコントロールしながら作り上げた晩年の傑作である」となっている。^[1] Metacriticでは、この映画は28人の批評家による加重平均スコア100点満点中75点であり、「概ね好評」となっている。^[2]

フランスでは、ル・モンド紙のイザベル・レニエが「映画に人生を捧げ、映画の歴史を大きく変えた男による、とても美しい映画」と評した。^[38]リベラシオン紙のジェラール・ルフォールとオリヴィエ・セギュレは、この映画の「目もくらむような技術力」と3Dプロセスへの嘲笑の両方を称賛した。^[39] スレート紙のジャン＝ミシェル・フロドンは、「分離」ショットの結果を、ゴダールが1956年にカイエ・デュ・シネマ誌に書いた「複数の画像」の近似に関する記事と比較し、ゴダールは理論を実践したことで（存在しない）「映画界のノーベル賞」を受賞すべきだと述べた。 ^[40]アントワーヌ・ド・ベックは、この映画は「完全に現代的」であり、現代の真実を語っていることで、フランスのヌーベル・ヴァーグの理想に忠実であり続けていると述べた。 ^[41]雑誌『ベンジン』のジャン＝バティスト・ドゥルセは、この映画は「正当化できるものは何もなく、満足することはないだろう」と書き、下品なユーモアと複雑さを批判したが、「軽妙で、時には感動的だ！」と呼んだ。^[42] 『ル・フィガロ』のエリック・ニューホフは、ゴダールは「インスピレーションを失い」、「愛、カップル、社会について何も学んでいない」「老いた痴呆の青年」であると書き、カンヌ映画祭でのこの映画に対する15分間のスタンディングオベーションを嘲笑した。^[43]

デイヴィッド・ボードウェルは、この映画を「今年見た最高の新作映画であり、これまで見た中で最高の3D映画」と評した。^[26] ニューヨーカー誌のリチャード・ブロディは、この映画の「3D技術は、オーソン・ウェルズの全盛期以来のディープフォーカスカメラワークの進歩だ」と書いた。^[44]バラエティ誌のスコット・ファウンダスは、この映画は「この芸術形態の過去半世紀において、動画の可能性をこれほど試し、再主張した映画監督は一人もいないということを、絶えず再確認させてくれる」と書いた。 ^[7]ニューヨーク・タイムズ紙で、A・O・スコットはこの映画を「不可解で美しい、鮮やかな色彩と心に残る刺激的な一連の映像と対照的に並べられた音楽と文学の断片の嵐」と評した。^[45]ニューヨーク・レビュー・オブ・ブックスのJ・ホバーマンは、この映画を「崇高な体験」と呼び、「この映画を見るのは、初めて映画に遭遇するようなものだ」と述べた。^[46]ジョナサン・ローゼンバウムは、この映画を観て「初めて3Dの本当の可能性を体験したような気がした」と書いている。^[47] RogerEbert.comのスカウト・タフォヤは「ゴダールは3Dを革命的な新しい調査ツール、感覚の驚異へと再調整した。それにふさわしく、『さらば、言葉よ』を観る体験は、まだ名前のついていない新しい時代への激しい再生を脳に強いるようなものだ」と述べている。^[24]シネマスコープ誌のブレイク・ウィリアムズは、この映画をスタン・ブラッケージの『ドッグ・スター・マン』やマイケル・スノーの『脳梁』と比較し、「本来の、そして最も文字通りの意味で『前衛的』な作品」と呼んだ。 ^[11]

批評の中には否定的なものもあった。サンフランシスコ・クロニクル紙のトーマス・リーは「ごちゃ混ぜの映像、迷惑なジャンプカット、気取った哲学や疑似心理学のたわ言がごちゃ混ぜになったこの映画は、間違いなくゴダールの熱狂的なファンには魅力的だろう...しかし、ある程度の一貫性と意味のある思考を好む私たちアメリカ人にとっては、『さよなら、言葉』はひどくがっかりするだろう」と書いた。^[48]スレート紙のダニエル・エンバーは、この映画の支離滅裂な筋書きを批判したが、3Dの革新性は称賛した。^[49]オレゴニアン紙のマーク・モハンは、この映画を「一貫した物語のない音と映像の密集したコラージュで、挑発的でしばしば理解不能な方法で映画と歴史を解体している」と評した。^[12]

『さらば、言葉よ』は2014年最も高く評価された映画の一つで、多くの批評家の年末ベスト映画リストに登場した。^{[50] [51]}この映画をその年のベスト映画に挙げた批評家は、カルロ・シャトリアン、^[52]スコット・ファウンダス、^[53] J・ホバーマン、^[54]ジョン・パワーズ、^[55] ジェームズ・クワント、^[56]ジャン＝フランソワ・ローガー、^[57]ジョナサン・ローゼンバウム、^[58] ダン・サリバン、^[59] エイミー・トービン、^[60] アーモンド・ホワイト、^[61]ブレイク・ウィリアムズである。^[62]カイエ・デュ・シネマ、^[63] フィルムコメント^[64]と英国映画協会のサイト＆サウンドのスタッフは、いずれもこの映画を第2位に挙げている。^[65]

今年のベスト映画の1つとしてこの映画を挙げた他の批評家としては、コン・リスディ^[66] 、マイケル・アトキンソン^[67]、 リチャード・ブロディ^[68] 、デヴィッド・エアレンスタイン[ ^69]、デニス・リム^[59] 、リチャード・コーリス^[70]、マチュー・マシェレ^[57]、ジョナサン・ロムニー^[71]、 モリー・ハスケル^[72]、ミリアム・ベール^[73] 、イグナティ・ヴィシュネヴェツキー[ ^{74] 、} マノーラ・ダージス^[75]、マイケル・フィリップス^[76]、そしてリバース・ショット^[77] 、ヴィレッジ・ヴォイス^[78] 、インディワイヤー^[79] 、シネビュー^[80]、AVクラブ^[81]のスタッフが挙げられる。

2014年の全米映画批評家協会賞では最優秀作品賞に選ばれた。ゴダールは最優秀監督賞で2位、アラーニョは最優秀撮影賞で3位となった。^{[82]フランスでは2014年の}ルイ・デリュック賞にノミネートされたが、『雲とシルス・マリア』に敗れた。^[83] 2016年には、世界中の177人の映画評論家によって21世紀のベスト映画49位に選ばれた。^[84]

2014年のカンヌ映画祭では、グザヴィエ・ドランの『マミー』と共に審査員賞を受賞した。^{[85]ゴダールの愛犬ロキシーは}パルム・ドッグ賞特別賞を受賞した。^[86]その後、2014年ロカルノ国際映画祭の「Fuori concorso」部門、^[87] 2014年トロント国際映画祭の「Masters」部門、^[88] 2014年ニューヨーク映画祭などの映画祭で上映された。^[89]

2014年5月24日、パリのパンテオン劇場で先行上映された。^{[90]フランスでは5月28日に}ワイルドバンチによって劇場公開され^[91]、33,225枚のチケットを売り上げた。^{[92]北米では}キノ・ローバーによって配給され、2015年に3DブルーレイDVDがリリースされた。 ^{[93] [94]}米国では2014年9月27日にニューヨーク映画祭でプレミア上映され、10月29日に劇場公開された。^[89] 2つの劇場で初週末に27,000ドルを稼ぎ、週末のスクリーンあたり平均興行収入で最高を記録した。^[95]米国では390,099ドルを稼いだ。^[96]

多くの映画評論家は『グッバイ・トゥ・ランゲージ』が理解しにくいと不満を述べている。ハリウッド・レポーターのトッド・マッカーシーは「思考の断片しかなく、何も展開されていない」と書いている。 ^[97]オースティン360のチャールズ・イーリーは、サタデー・ナイト・ライブのマイク・マイヤーズのスプロケットのスケッチを見るのと似ていると述べている。^[98]ボードウェルは、他の評論家によるこの映画の浅はかな分析を批判し、「ゴダールにうんざりしている批評家は、批評とは何かという概念があまりにも限定的だと思う」と述べている。^[13]

ボードウェルは、この映画は解釈が難しい登場人物、説明のつかない対立、カメラの外で起こる主要な筋書きなど、不透明だと言っている。ゴダールは、観客が認識できないように登場人物を構図にしたり、画面内外の登場人物のセリフが重なるシーンを撮影したり、シーンに省略記号を使って時間のギャップを作ったりすることもある。また、シーンのセリフが聞こえている間に、黒いフレーム、シーン内のオブジェクト、または風景に切り替えたりすることもある。これらの手法により、この映画は解釈も理解も困難になっている。ボードウェルは、「理解の問題は興味深いものであるべきだ。それは、私たちが当然だと思っている物語の語り方の慣習を思い出させ、物語を紡いだり、解き明かしたりする別の方法へと向かわせる」と考えている。ボードウェルは、「物語を作る過程を妨害したり、邪魔したりすることは、個々のイメージや音に新たな重みを与えることになる。私たちが見たり聞いたりしたものを進行中の筋書きに簡単に結び付けることができないとき、私たちは詩の中の単語や絵画の中の色の斑点のように、それぞれの瞬間をそれ自体の小さな出来事として味わうように仕向けられるのだ」と信じている。^[26]

この「不透明」な技法は、長年ゴダールのトレードマークとなっている。1995 年にジャン=ミシェル・フロドンはボードウェルと同様の複雑さを次のように描写している。

ゴダールの映画を観ていると、その体験に抵抗したくなる瞬間がある。映画が展開するにつれて、突然混乱し、何かが理解できず、足場を失ったように感じる。溺れそうになると、ゴダールは漠然としていて不明瞭だと思うかもしれないが、その後、海の動き/変化があり、次に来る波に身を任せれば、すぐに映画の流れを取り戻すことができる。^[99]

この映画のメッセージについて尋ねられたとき、ゴダールは質問の前提を否定し、「むしろ、それはメッセージの欠如のメッセージだろう。それは日常生活におけるメッセージだ」と主張した。^[22] コリン・マッケイブは、この映画にはストーリーがないと書いている。

代わりに、作者からの引用が重ねられた画像と音のパターンがあります...歴史、とりわけヒトラーとナチズムへの関心があり、イメージと現実を区別しない歴史の理解があり、映画の歴史と近代世界の歴史が互いに絡み合っています。^[100]

この映画のタイトルには二重の意味がある。ゴダールが育ち、暮らしたスイスのフランス語圏ヴォー州では、「adieu」という言葉は「さようなら」と「こんにちは」の両方の意味を持つ^{[8] [101]}「時間帯や声の調子によって」。ゴダールは、この解釈はヴォー州でしか理解されないことを認め、「今日では、話すことは何の関係もなく、言葉はもはや存在しないようだ」と述べた。彼は、言葉がすべての意味を失っており、「私たちは要点を見失っている...私が言語に「さようなら」と言うとき、それは本当に「さようなら」を意味し、自分の話し方に別れを告げることを意味する」と信じていた。しかしゴダールは、言葉と映像を混ぜ合わせた映画のように、映像はまだ意味のあるコミュニケーションができると信じ、イスラム教とキリスト教が特定の映像を禁止している一方で言葉は許可していることを例に挙げた。^[22]ゴダールは、メアリー・シェリーと水彩画を描くシーンで、文章言語と視覚芸術言語の物理的な行為を視覚的に表現したかったと語った。^[8]ボードウェルは、この映画のテーマは「言語が物事との原始的なつながりから私たちを遠ざけるという考え」であると考えている。^[13]

ゴダールが3Dに興味を持ったのは、「まだルールがない分野」であり、その可能性が十分に探求されていないからこそ興味深いと思ったからだ。ゴダールは、映画用カメラのような技術は「文化的なものを明らかにする」、つまり「それが登場した時代について何を意味するか」、またできないことでどのように制限されるかなどだと考えている。シネマスコープ、ドリーショット、クローズアップ、ハイファイなどの映画技法は革新的だと考えられているが、実際には技法に基準やルールを設定することで制限を生み出している。彼は3Dでの自身の実験を、技法に関する「ルール」が存在する前に映画を作ったオーギュスト・リュミエール、ルイ・リュミエール、DW・グリフィスの初期の作品と比較し、「技法が始まったばかりのときは、子供のようにルールを知らない」と述べている。彼のインスピレーションは、鑑賞者が絵画の端の外側の空間の存在を理解する、絵画における遠近法の発明から生まれた。ゴダールは、3D画像の奥行きの錯覚が「フレームの向こう側」にある何かを示唆することを探求したかった。^[22] 3D画像の二重露光のように、この映画には2組のカップルを描いた2つの並行した物語が含まれている。^{[13]ゴダールは、}アルフレッド・ヒッチコックの「何かを理解してもらいたいときは、少なくとも2回は言うべきだ」という理論に従っていた。^[22]

スタジオ・デイリーのブライアント・フレイザーは、ゴダールが3Dの従来の「ルール」を5つの点で破っていると書いている。「彼は画面構成できれいなフレームを保たない」、「彼は低品質のカメラを採用する」、「彼はディープフォーカスの撮影法に傾倒する」、「彼は3D画像をバラバラにしてワンショットで復元する」、「彼はスーパーヒーローやファンタジー映画のような壮大な主題ではなく、ステレオを使用して日常を高めている」 。フレイザーは、ゴダールは「技術を試し、注目を集め、その限界を試し、画像が完全にバラバラになったときに何が起こるかを見たいと思っている」と述べた。 ^[102]ニューヨーカーのリチャード・ブロディは、「飛行感覚を演出したり、視聴者に推進された物体の標的のように感じさせる効果として3Dを使用するのではなく、ゴダールは3Dを使用して、目の前の世界の物質性、物理的特性を強調している」と書いている。^[6]ボードウェルは、「特殊効果で観客を驚かせる」こと以外に、3Dの目的は、通常、物体の奥行きを強調してリアルに表現し、「物語の理解を深める」ことであると述べた。これは通常、画面の一部のみを3Dにし、残りの部分は焦点が合っていない2Dにすることで達成される。『さらば言語よ』では、ゴダールは、観客がフレーム全体をスキャンできるような画像で、深焦点ショットに3Dを使用している。ボードウェルは、ゴダールの3Dの使用は、「概念的構成（言語、プロット、通常の視点など）を剥ぎ取った状態で世界を認識させることを目指している」と書いている。^[13]

ブロディは、ゴダールは「3Dをインディペンデント映画製作の装置として扱い、芸術形式を別の仮想次元へと切り開いた。3Dの使用自体が映画の大きなアイデアだ」と書いている。^{[6]マケイブは、ゴダールは「}ベルトルト・ブレヒトの影響を受けたリアリズムを単に高めるのではなく、観客と距離を置くだけでなく引き付けるために[3D]を使用している」と書いている。^[100] アーモンド・ホワイトは、ゴダールは「デジタル3Dの流行を利用して、男性と女性がどのようにコミュニケーションをとるかを考え、その後、犬の忠誠心を遊び心を持って観察し、現実とデジタル現実が混同されている時代に、純粋な信仰、純粋な好奇心、そして自分自身の無関心さを示している」と書いている。ホワイトは、この映画の3Dの使用は、この技術の視覚的な深さをあざけり、代わりに「性的、政治的、芸術的関係のダイナミクス」などの人間の経験の深さを調べるために使用されていると考えている。^[103]

ロキシー・ミエヴィルはカップルと一緒に登場し、映画の最後には姿を見せないゴダールとアンヌ＝マリー・ミエヴィルも登場する。ゴダールと長年の仕事上および恋愛上のパートナーであるミエヴィルはロキシーの共同所有者であった。^{[10]映画の製作中、ゴダールはミエヴィルについて頻繁に話していた。}リベラシオンのオリヴィエ・セギュレは、映画のほとんどのシーンはゴダールとミエヴィルが私生活で共有していた場所で撮影されており、2組のカップルの会話は彼らの会話に基づいている可能性があると指摘した。^[21] NPRのインタビューを受けたボードウェルは、ロキシーのショットについてゴダールは「観客に世界をある種ありのままに見させようとした…映画全体を通して、動物の意識は人間よりも世界に近い、言語は人間とそこに実際にあるものとの間に障壁やフィルターやスクリーンを設ける、というヒントがある。そして映画は言語、会話、印刷されたテキストなどで満ち溢れているが、それでも、観客に私たちがどのようにコミュニケーションをとるかについての多くの一般的概念を削ぎ落とし、世界を新鮮な目で見てほしいという気持ちがあると思う」と解釈した。^[104]ゴダールは、ロキシーの目を通して世界を見たのは部分的には真実であり^[8]、ロキシーは夫婦が対立しているときに「バランスを取り戻し」、夫婦が「貴族」や「聖職者」を代表しているのに対し、ロキシーは「平民」を代表していると語った。^[22]マッケイブは、ロキシーは映画の中で「受け入れられる社会性のイメージを提供している」と書いた。^[100]ロキシーとのシーンで、ナレーターが世界動物福祉宣言について語るが、ブロディはこれを「ゴダールの歴史的楽観主義の稀な兆しだ。ロキシーは、恋人同士の和解ではなく、ゴダールと現代、次世代との和解の代理人であるかのようだ」と呼んでいる。^[6]

ジョナサン・ロムニーは、映画を見ながら一つ一つの言及を書き留めるのが難しかったと述べ、「命題、暗示、音、イメージが次から次へと押し寄せ、それぞれが直前のものに新たな層を積み上げていくか、あるいは激しく消し去っていく。たとえ最も初歩的または暫定的な方法であっても、そのすべてを理解しようとすることは苦悩を誘発するプロセスである」と書き、「監督が読んだものをすべて読めば、ゴダールの映画をより理解できるかもしれないが、そうすると、監督が読んだのと全く同じ方法ですべてを読み、同じつながりを作らなければならない」と述べた。^{[10]テッド・フェントは、「ゴダールの作品のオリジナルの情報源を知ることは、脚注がたくさんある}『荒地』を読むのと同じくらい、映画やビデオを『解き明かす』のに役立つように思えることが多い」と書いた。^[5]

ブロディは、ゴダールが前作でも参照した多くの要素が「自己言及的で回想的なタッチ」になっていると指摘している。また、彼は視覚的な参照を映画の政治的テーマと関連づけ、第 1 部のナチスドイツとソ連のアーカイブ映像を、第2 部のテレビ画面に映し出された古典映画のシーンと比較している。歴史的映像は「今日の政治、物語、さらにはアイデンティティにまで大きな影響を与え続けているようだ」が、ハリウッド映画は現代の映画の登場人物に「映画史、ハリウッドの黄金時代、そして現代人を圧倒し畏怖させる古典的ヨーロッパ映画の光の中で生きる」よう強いる。 ^[6]ゴダールが使用する手法の 1 つは、物語のシーンを突然「脱線、ファウンド フッテージのコラージュ、インタータイトル、またはシーンで言及された何かによって引き起こされたと思われるその他の素材」にカットすることである。ボードウェルはこれを、エッセイ映画でよく使われる「連想形式」と呼んでおり、小説家ジョン・ドス・パソスがアメリカ三部作で新聞記事を使ったのと似ているとしている。^[26]

この映画は、20世紀の多くの歴史的出来事、特にヒトラーの台頭、共産主義、テクノロジーを検証している。ゴダールは、ジャック・エリュールの1945年のエッセイ「ヒトラーの勝利か？」^[5]から長い一節を引用している。エリュールは「ヒトラーは言ったことをすべて実行した」と書き、個人が国家に絶対的な権力を与えることの危険性を検証している。エリュールは「国家が権力として征服したものは、決して負けない。それがヒトラーの2度目の勝利だ」と結論付けている。^[105]インディワイアのエリック・コーンは、スマートフォンでエリュールのエッセイが読み上げられる様子は「情報化時代を、知的思考がデジタルの進歩によって均質化される前の意識の死にゆく息吹として描いている」と述べ、この映画は「人類は、知る必要があると思うすべてのことを教えてくれるデバイスによって制限されてきたことを示唆している」と書いている。^[106]

アフリカへの短い言及もある。^[6]ジョセリン・ベノワの「先生、アフリカについての概念を生み出すことは可能でしょうか？」^[5]ブロディは、この言及は「20世紀に誤って片隅に追いやられ、最近になって前面に出てきた政治的危機に対処するという点で、現代哲学、そして現代芸術の貧弱さを示唆している」と述べた。^[6]ホワイトは、この映画のフランケンシュタインへの言及は「時事的な複雑さを理解する必要性に混乱し、自分たちを怪物やゾンビに堕落させる21世紀の衝動の予言である。罪悪感に苛まれた私たちの時代が、道徳的想像力ではなく現実を装うテクノロジーに後退しているのは哀れだ」と考えている。^[103]ブロディは、この言及を「本自体が政治的な隠喩と歴史的イメージの創造行為である」ことを示唆していると解釈した。^[6]マケイブは、この映画はゴダールの「極端なカルヴァン主義」の最も強烈な例であり、「この映画は、とりわけ、世界の罪と人間の救いようのない堕落に対して激しく非難する老プロテスタント牧師の作品であると感じずにはいられない」と書いている。^[100]