現代フォークミュージック

現代フォークミュージック
2007年クリアウォーターフェスティバルでのピート・シーガー
その他の名前	フォークミュージック、フォークリバイバルミュージック
文体の起源	フォークミュージック（アメリカ、イギリス、アパラチア、ケルト） ルーツの復活 昔の音楽
文化的起源	20世紀初頭
代表的な楽器	民族楽器を見る
派生形	スキッフル 田舎の民俗 ポップ
サブジャンル
プログレッシブフォーク アメリカの原始的なギター オタク フィルク
フュージョンジャンル
アンチフォーク フォークバロック フォークメタル フォークパンク フォークロック フォークポップ フォークトロニカ インディーフォーク ジャズフォーク ネオフォーク サイケデリックフォーク
その他のトピック
民俗音楽の伝統の一覧 ブルーグラス 国 ブルース フォークブルース

現代フォーク音楽は、 20世紀半ば以降に出現した、伝統的なフォーク音楽に関連するさまざまなジャンルを指します。20世紀半ばから、伝統的なフォーク音楽から新しい形式のポピュラーフォーク音楽が進化しました。このプロセスと期間は（第二次）フォークリバイバルと呼ばれ、1960年代に頂点に達しました。この新しい形式の音楽の最も一般的な名前も「フォーク音楽」ですが、区別するために「現代フォーク音楽」または「フォークリバイバル音楽」と呼ばれることがよくあります。^[1]この移行は米国に集中しており、アメリカンフォーク音楽リバイバルとも呼ばれています。^{[2]フォーク}ロック などのフュージョンジャンルもこの現象の中で進化しました。現代フォーク音楽は、一般的に伝統的なフォーク音楽とは異なるジャンルですが、英語名、演奏者、会場が伝統的なフォーク音楽と同じであることが多く、個々の曲でさえ、2つの音楽の融合である場合があります。

第一次フォークリバイバルのロマン主義的ナショナリズムが芸術音楽に最も大きな影響を与えたのに対し、20世紀後半の「第二次フォークリバイバル」は、コンサート、レコーディング、放送を通じて売り出されたアーティストによる新しいジャンルのポピュラー音楽を生み出した。このリバイバルの初期の人物の1人はウディ・ガスリーで、1930年代から1940年代にかけて伝統的な歌を歌い、また独自の曲も作曲した。英国では、フォークリバイバルによってドノヴァンなどのシンガーソングライターの世代が育ち、ドノヴァンは1960年代に最初の名声を獲得した。フォークリバイバルは、ゴードン・ライトフット、レナード・コーエン、ジョニ・ミッチェル、バフィー・セントマリーなど、国際的に成功したカナダ初のフォークの波を生み出した。

1940年代から1960年代初期にかけて登場した主な演奏家には、ウディ・ガスリー、ピート・シーガー、フィル・オクス、ジョーン・バエズ、ボブ・ディランなどがいた。1960年代半ばから1970年代初期は、音楽、政治、ライフスタイル、カウンターカルチャーの大きな変化があった時期だった。フォークミュージックもそれと関連して、同時期に急速な進化、拡大、多様化を遂げた。大きな変化は、ボブ・ディラン、ジョーン・バエズ、ジュディ・コリンズ、ピーター・ポール&マリーなどの定評ある演奏家の進化、およびロックやポップスと融合した新しいジャンルの創出によって起こった。この時期、「プロテスト・ミュージック」という用語は、時事的な政治テーマを持つフォークミュージックを特徴付けるためによく使われた。カナダのアーティスト、ゴードン・ライトフット、レナード・コーエン、ブルース・コックバーン、ジョニ・ミッチェルは、このような融合を代表し、米国で大きな人気を博しました。1970年代以降、フォーク音楽は、ジョニ・ミッチェル、ニール・ヤング、ハリー・チャピンなどの新しいシンガーソングライターによって活気づけられました。

フォークの他のサブジャンルには、アンチフォーク、フォークパンク、インディーフォーク、フォークトロニカ、フリークフォーク、アメリカーナ、およびフォークメタル、プログレッシブフォーク、サイケデリックフォーク、ネオフォークなどのフュージョンジャンルがあります。

「現代フォーク音楽」の定義は、一般的に曖昧で多様である。^{[3]ここでは、}伝統的なフォーク音楽 ではなく、フォークと呼ばれる音楽すべてを指すと解釈されているが、 20世紀半ばのフォークリバイバルから始まり、その後発展した一連のジャンルを指す。ミュージシャンでシンガーソングライターのヒュー・ブルーメンフェルドによると、アメリカのフォークシーンについて「音楽だけの問題ではない。定義は、政治的、社会的、経済的、そして美的である。しかし、定義できないとしても、少なくともフォーク音楽ファンを自認する人々が一般的に何を聴いているかを説明することはできる」という。^[4]ブルーメンフェルドは、フォーク音楽を定義するのは難しいと考えているが、観察された一貫性をいくつか挙げている。

• 一般的には、英国と米国のアコースティック音楽や伝統音楽を取り入れたアングロ・アメリカン音楽です。
• 音楽的には、その起源は主に西ヨーロッパにあり、言語的には主に英語に基づいています。他の音楽モードや言語は、それぞれの文化の中で伝統的であると考えられていても、正しいか間違っているかは別として、「ワールドミュージック」として分離され、グループ化される傾向があります。
• このモデルに対する数少ない例外は、主に英米世界の政治的/歴史的状況とフォークファンの人口統計に由来しており、ケルト音楽、ブルース、一部の中南米音楽、ネイティブアメリカン音楽、クレズマーなどです。

第二次世界大戦後、ヨーロッパ、カナダ、アメリカでフォークリバイバルが起こり、1960年代を通じて発展したが、この音楽の主題は当時の政治的、社会的風潮に影響されていた。『The North American Folk Music Revival』によると、「フォークミュージックのリバイバルは...北東アメリカの都市現象として始まり、大陸全土の都市から西ヨーロッパにまで広がり」、その「愛好家」は一般的に中流階級の大学生であった。フォークミュージックの楽器は国や地域によって異なるが、北米のフォークリバイバルの音楽では「アコースティックギター、ハーモニカ、バンジョー、マンドリン、オートハープ、バイオリン、アコーディオン」が使用される傾向があった。^[5]

フォーク リバイバルのロマン主義的ナショナリズムが芸術音楽に最も大きな影響を与えた一方で、20 世紀後半の「第二次フォーク リバイバル」は、コンサート、レコーディング、放送を通じてアーティストが売り出される新しいジャンルのポピュラー音楽を生み出しました。これは、伝統音楽が別のジャンルと見なされるようになった後も「現代フォーク音楽」として残るジャンルです。このリバイバルの初期の人物の 1 人はウディ ガスリーで、1930 年代と 1940 年代に伝統的な歌を歌い、独自の曲も作曲しました。収集家、演奏家、作曲家としてのガスリーの友人や信奉者の中には、ピート シーガーがいました。

アメリカのフォークリバイバルの著名人には、エリザベス・コットンやオデッタがいる。ギターとバンジョーの演奏家で、ギターのフィンガーピッキングの「コットンスタイル」を開発したコットンは、マイク・シーガーの協力を得て、1958年に初のアルバム『Freight Train and Other North Carolina Folk Songs and Tune』をリリースした。このアルバムでは、フォークミュージックによく見られるもう1つの要素である、オープンキーにチューニングされたギターの使用についても明らかにしている。^[6]オペラ歌手としての経歴とブルースやフォークソングを融合させたことで知られるオデッタは、公民権運動で特に活躍しており、それが彼女の音楽にも反映されている。^[7]コットンとオデッタはともに、第1回ニューポートフォークフェスティバルで演奏した。

1930年代にはジミー・ロジャース、1940年代にはバール・アイヴス、1950年代初頭にはシーガーのグループであるウィーヴァーズとハリー・ベラフォンテ、そして1950年代後半にはキングストン・トリオやその他のプロの商業グループが人気を博した。商業化をこの段階の始まりと定義する人々の中には、1958年にキングストン・トリオが商業的にヒットした『トム・ドゥーリー』がこの時代の始まりであると考える者もいる。^[3] 1963年から1964年にかけて、ABCテレビ局はこの種のフォーク音楽に特化したテレビシリーズ『フーテナニー』を放映し、関連雑誌『ABC-TV フーテナニー』も発行した。1950年以降、『シング・アウト!』、『ブロードサイド』 、『リトル・サンディ・レビュー』といった雑誌が、フォーク・リバイバル志向のレコード会社と同様、伝統曲と作曲曲の両方を広めるのに貢献した。

英国では、フォーク・リバイバルによって、ウォーターソン兄弟、マーティン・カーシー、ロイ・ベイリーなどの若いアーティストや、バート・ヤンシュ、ラルフ・マクテル、ドノヴァン、ロイ・ハーパーなどの一世代のシンガーソングライターが育まれ、7人とも1960年代に最初の注目を集めました。ボブ・ディラン、ポール・サイモン、トム・パクストンは1960年代初頭にしばらく英国を訪れ、特に最初の2人は、そこで聞いた伝統的な英国の素材を後年活用しました。

1950年、著名なアメリカの民俗学者で伝統歌曲の収集家であるアラン・ローマックスがイギリスを訪れ、AL「バート」ロイドとユアン・マッコールと会った。この出会いは、第二次イギリスフォークリバイバルの始まりとされている。ロンドンでは、同僚たちがバラード・アンド・ブルース・クラブをオープンし、後にシンガーズ・クラブと改名した。おそらくイギリス初のフォーククラブだったが、1991年に閉鎖された。1950年代から1960年代にかけて、フォークリバイバル運動はイギリスとアメリカの両方で勢いを増していった。

カナダの田舎の多くでは、1950年代まで、世界的に人気のジャズやスウィングよりも伝統音楽やカントリーフォークが主流の音楽スタイルでした。伝統フォークは、初期のカナダのテレビでもこの優位性を持ち込み、初期の放送ではカントリーをテーマにした番組が数多く放送されました。 たとえば、「オール・アラウンド・ザ・サークル」（1964年 - 1975年）では、ニューファンドランド島の伝統的なアイルランド系およびイギリス系の音楽を紹介しました。しかし、これらの中で最も重要なのはドン・メッサーの「ジュビリー」（1957年 - 1973年）であり、田舎のカントリーフォークと、都会のコーヒーショップやフォーククラブから生まれたフォークリバイバルとの間の溝を埋めるのに役立ちました。この番組は、カントリーフォーク歌手のストンピン・トム・コナーズとキャサリン・マッキノンのキャリアをスタートさせるのに貢献しました。

フォークリバイバルは、ゴードン・ライトフット、レナード・コーエン、イアン＆シルヴィア、ニール・ヤング、ジョニ・ミッチェル、バフィー・セントマリーなど、国際的に成功したカナダ初のフォークの波を生み出した。^[8]同時に、ジル・ヴィニョーなどのケベックのフォークシンガーソングライターや、ラ・ボティーヌ・スリアンテなどのグループがフランス語圏で同様の活動を行っていた。英語圏のカナダのフォークアーティストは、1970年代にラジオやテレビにいわゆる「カナダコンテンツ」規則が導入されるまで、より多くの聴衆を求めて米国に移る傾向があった。同時に、カナダのフォーク音楽は、専門的なフォークフェスティバル（ 1958年のミラミチフォークソングフェスティバルに始まる）の台頭、ロック、ポップ、イージーリスニングのラジオ局でのラジオ放送の増加、 1971年のフォークアーティストオブザイヤーに対するジュノー賞の導入、さらには1973年の学術誌「カナディアンフォークミュージックジャーナル」の創刊などにより、より形式化され商業化されました。1960年代半ばから後半にかけては、フォークのフュージョン形式（フォークロックなど）が、それまでのフォークミュージックでは見られなかったほど注目を集めましたが、1960年代前半は、音楽シーンにおける非フュージョンフォークミュージックの隆盛の頂点だったと言えるでしょう。

大恐慌の間、フォークミュージックは、困難な時代と貧困の厳しい現実を表現する俗語化された歌詞を通じて、貧困と一般大衆の無力化という社会的現実を反映していた。ガスリーのような作家によって伝統的なスタイルで新たに作曲された曲も多く、ユーモアと風刺的な調子も特徴としていた。当時のフォークミュージックの聴衆のほとんどは労働者階級であり、これらの曲の多くは社会秩序への抵抗と政府への怒りを表現していた。^[9]

「60年代」に最も関連のある音楽、政治、ライフスタイル、カウンターカルチャーの大きな変化は、1960年代後半から1970年代の最初の1、2年の間に起こった。フォークミュージックも、それと関連して急速な進化、拡大、多様化を経験した。大きな変化は、ボブ・ディラン、ジョーン・バエズ、ジュディ・コリンズ、ザ・シーカーズ、ピーター・ポール＆マリーなどの定評あるパフォーマーの進化、そしてロックとポップスを融合した新しいジャンルの創造によって起こった。この進化の多くは1960年代初頭に始まり、1960年代中期から後半にかけて顕著になった。この進化の「試練の場」の1つは、ニューヨークのグリニッチビレッジだった。ディランの電子楽器の使用は、特にアルバム『ジョン・ウェズリー・ハーディング』によって、フォークロックとカントリーロックのジャンルの幕開けに貢献した。^{[10] [11]}

これらの変化は、伝統的なフォーク音楽からのさらなる脱却を意味した。シーガーの「ターン！ターン！ターン！ 」などのヒット曲を出したバーズは、フォークロックという新しい用語の象徴となった。バリー・マグワイアはニュー・クリスティ・ミンストレルズを脱退し、 1965年に「イヴ・オブ・デストラクション」を録音した。 ^[12]サイモン＆ガーファンクルやママス＆パパスなどの他のアーティストは、フォークの影響を受けた分類が難しい新しい音楽を生み出し、フォークロックの議論によく含まれるようになった。^{[10] [13]}

この時期、「抗議音楽」という用語は、時事的な政治的テーマを盛り込んだフォークミュージックを特徴づけるためによく使われた。大学のキャンパスで公民権運動とフォークミュージックが融合したことで、ボブ・ディランのようなアーティストや彼のブランドの抗議音楽の人気が高まった。^{[14]フィル}・オクス、バフィー・セントマリー、アーロ・ガスリー、トム・パクストンなどのフォークシンガーやソングライターがウディ・ガスリーの足跡をたどり、「抗議音楽」や時事的な歌を書き、アメリカの公民権運動やベトナム戦争に関連する反戦運動など、さまざまな運動への支持を表明した。^[15]ディランの「風に吹かれて」などの歌は公民権運動のアンセムとなり、彼はキューバ危機に関する「激しい雨が降る」など、当時の他の多くの時事問題についてバラードを歌った。ディランは「愛とセックス以外にも、この世には大切なことがある」と語ったと伝えられている。^[14] ジョーン・バエズやジュディ・コリンズに代表されるように、主に伝統的な楽曲を歌ってキャリアをスタートさせた多くのパフォーマーが、独自の楽曲を書き始めた。

カナダのミュージシャン、ゴードン・ライトフット、レナード・コーエン、ブルース・コックバーン、ジョニ・ミッチェルは、こうした融合の代表的アーティストであり、米国で絶大な人気を博した。4人は最終的にカナダ勲章を授与された。サンフランシスコのアシッドロックバンドの多くは、アコースティックフォークやブルースの演奏からスタートした。スマザーズ・ブラザーズのテレビ番組には、かつてブラックリストに載っていた ピート・シーガーなど、多くのフォークミュージシャンが出演した。^[16]

ボニー・コロクは、シカゴを拠点とするアメリカのフォークミュージックの シンガーソングライターで、1971年にレコーディングデビューしました。1968年にメラニーは、フォークとポップスを融合した人気曲を数曲収録した最初のアルバムをリリースしました。

1960年代半ばから後半にかけて、土着の（ヨーロッパの、そして象徴的にイギリスの）歌に重点を置いたイギリスのフォークロックが発展した。イギリスのフォークロックの重要な瞬間は、フェアポート・コンベンションのアルバム『リージュ・アンド・リーフ』のリリースだった。ギタリストのリチャード・トンプソンは、バンドの音楽にはそれに応じた「イングリッシュ・エレクトリック」スタイルが必要だと宣言し、ベーシストのアシュリー・ハッチングスは、フォークロックスタイルで演奏されるより伝統的なレパートリーを追求するためにスティールアイ・スパンを結成した。トンプソン自身がグループを脱退した後、トンプソンと妻のリンダは、フォークロックとアートロックを融合させたデュオとして6枚のアルバムをリリースした。フェアポート・コンベンション、ペンタングル、アラン・スティヴェル、ミスター・フォックスの作品には、伝統的な音楽形式の電化が含まれていた。

1970年代以降、フォーク音楽は、スティーブ・グッドマン、ジョン・プライン、エミルー・ハリス、ジョニ・ミッチェル、ジョン・デンバー、ハリー・チャピンなど、新しいシンガーソングライターによって活気づけられました。イギリス諸島では、1980年代初頭のザ・ポーグス、 1990年代のアイルランドのザ・コアーズが、伝統的な曲をアルバムチャートに復活させました。ザ・コアーズは1990年から2006年まで活動し、ケルト音楽とポップ音楽を演奏し、両者の融合を生み出しました。キャリー・ニューカマーは、 1984年にストーン・スープで登場し、1991年から個別に演奏しています。ブランディ・カーライル、パティ・グリフィン、ライジング・アパラチアは、  2019年頃の人気フォークアーティストです。

1980年代には、ワシントン・スクエアーズが「懐かしい」フォーク音楽を演奏した。スザンヌ・ヴェガはフォークやプロテスト・フォーク志向の音楽を演奏した。^[17] ニッターズはカウパンクやフォークパンクを広め、それが最終的にオルタナティブ・カントリーへと進化した。最近では、同じ精神がミランダ・ストーンやスティーブ・アールなどのアーティストによって受け入れられ、拡大されている。

1990年代後半には、エリザ・カーシー、ケイト・ラスビー、スパイアーズ・アンド・ボーデンなどの若い世代のアーティストを通じて、フォーク音楽が再び主流の音楽に影響を与えた。1990年代から2000年代にかけてカナダで最も売れたフォークグループは、ニューファンドランド出身のケルト風ロック調のグレート・ビッグ・シーで、カナダで4枚のアルバムがプラチナ認定されている。

Korpiklaani、Skyclad、Waylander、Ensiferum、Ithilien、Finntrollなどのフォークメタルバンドは、多くの場合、フィドル、ティンホイッスル、アコーディオン、バグパイプなどの楽器を含め、さまざまな伝統の要素を融合しています。フォークメタルは、異教に触発されたテーマ を好むことが多いです。

ヴァイキングメタルは、アルバムにフォークのインタールードを取り入れたフォーク的なスタンスで定義されます（例：かつてはフォークメタルで現在は実験的なバンドであるUlverの最初の2枚のアルバムであるBergtattとKveldssanger）。フォークロックとインディーフォークのバンドであるMumford & Sonsは2007年に結成され、2010年に有名になりました。Shenandoah Runは、1960年代の現代アメリカのフォークミュージックを現代のリスナーに届けるために2011年に結成されました。^[18]

フィルク音楽は、様式的にも文化的にもフォークミュージックとみなすことができる（ただし、その起源となった「コミュニティ」であるSFファンダムは、珍しく、完全に現代的なものである）。^[19] ネオフォークは1980年代に始まり、伝統的なヨーロッパのフォークミュージックと、ポストインダストリアル音楽、歴史的な話題、哲学的解説、伝統的な歌、異教を融合させた。このジャンルは主にヨーロッパのものだが、他の地域にも影響を与えている。異教フォークミュージックは、ドイツ、イギリス、スカンジナビア諸国、スラブ諸国で有名で、デビッド・スミス（別名ダム・ザ・バード）のような歌手や、ダンハイム、フォーン、オムニア、ワードルナ、アルコナなどのバンドがいる。ほとんどのバンドは、フォークというジャンルを、メタルやエレクトロニカなどの他の音楽ジャンルと組み合わせている。^[20]

アンチフォークは1980 年代にニューヨークで始まりました。フォークパンクは、初期にはローグフォークと呼ばれていましたが、フォークミュージックとパンクロックの融合です。1980年代にロンドンを拠点とするアイルランドのバンド、ザ・ポーグスによって開拓されました。インダストリアルフォークミュージックは、通常他のジャンルで言及されるフォークミュージックの特徴であり、関連する抗議音楽を含む、インダストリアルな環境やトピックに関する音楽をカバーしています。

その他のサブジャンルには、インディーフォーク、プログレッシブフォーク、フォークトロニカ、フリークフォーク、アメリカーナ、フォークメタル、サイケデリックフォーク、ネオフォークなどのフュージョンジャンルがあります。

フォークとエレクトロニックミュージックの要素をミックスした音楽、または「フォークトロニカ」^[21]（または「エスニックエレクトロニカ」）は、さまざまな影響と音の選択を伴うアコースティック楽器の使用を特徴としています。 ^{[21] [22] [検証が必要]} アッシュゲートポピュラー音楽学研究コンパニオンは、フォークトロニカを「機械的なダンスビートとアコースティックロックやフォークの要素を組み合わせたあらゆる種類のアーティストを包括する[用語]」と説明しています。^[23]

1993年のウルトラマリンのアルバム『Every Man and Woman is a Star 』は、新しい音楽の先駆者として認められている。田園的なサウンドが特徴で、ヴァイオリンやハーモニカなどの伝統的な楽器にテクノやハウスの要素を取り入れている。^[24]サンデータイムズカルチャーの現代音楽百科事典によると、このジャンルの必須アルバムは、フォーテットの『Pause』（2001年）、トゥンの『Mother's Daughter and Other Songs』（2005年）、カリブーの『The Milk of Human Kindness』（2005年）である。^[25]

より「ワールドビート」の影響を受けたエレクトロニック・フォーク・アーティストとしては、ブリン・ジョーンズのプロジェクトMuslimgauze (1999 年に亡くなる前)、アジアのアンダーグラウンド・ムーブメントのアーティスト( Cheb i Sabbah、Asian Dub Foundation、Joi、State of Bengal、Transglobal Underground、Natacha Atlas )、Shpongle、Home Sweet Somewhere、Mavka、Ott、Zavoloka、Linda George、Banco de Gaia、AeTopus、Zingaia、Afro-Celt Sound System、Métisse、A Tribe Called Red、Go_A 、そしてYat-Kha (Ivan Sokolovsky と共演^[26] )の初期の作品などが挙げられます。

カントリー フォークというジャンル名はかなり漠然としているが、少なくとも 1970 年代半ば以降は頻繁に使われている。熱心なファンにとって、このカテゴリには主に、ディランの死後、ディランや他の 1960 年代後半から 1970 年代のアーティストのカントリー ロック サウンドに影響を受けたが、少し後にレコーディングした、より穏やかでアコースティック主体のサウンドを好み、歌詞に集中できる、ポスト ディランのシンガーソングライターの作品が含まれる。1960 年代のディランの同時代人のレコーディングにおける「カントリー フォーク」と「フォーク」音楽とを区別する重要な要素は、カントリーやブルーグラス音楽の楽器 (マンドリン、バンジョー、フィドル、レゾフォニック ギターやエレクトリック スチール ギター) がミックスに再び取り入れられたことである。カントリー ロックが都会の聴衆の間で成功したことで、このハイブリッド音楽への道が開かれたのである。愛好家にとって、カントリー フォークをカントリーのサブジャンルと見なすのは不正確です。なぜなら、カントリー フォークは主にカントリー ミュージックの聴衆を対象としていないからです。

初期の代表的なカントリーフォークアーティストには、ハリー・マクリントック、^{[27] [28]} ジョン・プライン、ケイト・ウルフ、ナンシー・グリフィスなどがおり、いずれも前述の楽器をバックに、思慮深い歌詞とアレンジを披露するシンガーソングライターたちである。1980年代までには、ラウンダーやシュガーヒルなどのレコードレーベルがカントリーフォークアーティストのレコーディングを専門に行うようになった。

このカテゴリーは、1970年代末にカントリーロック自体の運気が衰えたため、主流市場から離れた他のアーティストのポスト・カントリーロックの軌跡と重なる。エミルー・ハリスはネオ・トラディショナル・カントリーへ、クリス・ヒルマンはプログレッシブ・ブルーグラス、兄弟ハーモニーデュオ（ハーブ・ペダーセンと）、ベーカーズフィールド・リバイバルへと移行した。1990年代初頭までに、これらのサウンドやその他のサウンドは、オルタナティブ・カントリーミュージックやアメリカーナに分類される音楽の融合に影響を与えたが、「カントリーフォーク」はアイリス・デメント、ケイト＆アンナ・マクギャリグル、ジリアン・ウェルチなどの歌手のより穏やかなサウンドに対して引き続き使用されている。

1970年代においても、カントリーフォークのアコースティックで初期のカントリーミュージックに影響を受けたサウンドは、1960年代以降の他のスタイルのシンガーソングライターの音楽とは一線を画していたが、プログレッシブカントリーミュージック（クリス・クリストファーソン、タウンズ・ヴァン・ザント、ガイ・クラークなど）、アウトローカントリー（ビリー・ジョー・シェイバー、ウェイロン・ジェニングス、ウィリー・ネルソン、ジョニー・キャッシュ）、プログレッシブブルーグラス（トニー・ライスのアルバム『Cold on the Shoulder』と『Native American』）、その他のカントリーロックに影響を受けたレコーディング（トム・ラッシュの『 Tom Rush and Merrimack County』、ゴードン・ライトフットとジミー・バフェットの1970年代のカタログ）のサウンドとさまざまな程度で重なり合っていた。しかし、これらのどれも特に「カントリーフォーク」として売り出されたり受け入れられたりしたわけではない。それでも、これらのアーティストや他の多くの初期のアーティストによる、後年の控えめでアコースティック主体のカントリー風の録音は、一部の情報源によって、時として漠然と、しかし不正確ではない程度に、カントリー フォークとして定義されることがあります。

最近では、ブランディ・カーライル、ジェイソン・イズベル、パーカー・ミルサップ、パティ・グリフィン、アマンダ・シャイアーズなど、カントリー・フォークとして分類される音楽を演奏するアーティストの大半がアメリカーナのジャンルに定着しており、両方のジャンルのカテゴリーで グラミー賞を受賞したサラ・ジャロスなど、フォークとアメリカーナの両方のアーティストとして区別されるアーティストも数人いる。

ヨーロッパでは、「フォーク」という用語は、特別な現代的なジャンルに対してのみ使用されます (伝統的なフォークは、フォークロアまたは国民音楽と呼ばれます)。

チェコのフォークミュージックは、チェコの伝統音楽や作詞家、「トランピング」ミュージック、英語のカントリーや現代フォークミュージック、霊歌や伝統音楽、ブルーグラス、シャンソンなどから影響を受けています。20世紀後半には、公式のポップミュージックやロックミュージックなどとは対照的に、同様のジャンルがすべて抗議のマルチジャンルとして共存していました。1967年以来、「ポルタ」フェスティバルがこのジャンルの中心となり、当初はカントリー＆ウエスタンとトランピングミュージックのフェスティバルとして定義されていました。アコースティックギターは、これらすべての最も典型的な楽器でした。

• ドナルドソン、レイチェル・クレア（2011年5月）、Music for the People: the Folk Music Revival And American Identity, 1930–1970 （PDF）（博士論文）、テネシー州ナッシュビル：ヴァンダービルト大学
• ギリランド、ジョン(1969)。「風に吹かれて: ポップがフォークミュージックを発見」(オーディオ)。ポップクロニクル。ノーステキサス大学図書館。