音楽におけるバイオリン

バロック時代以来、ヴァイオリン（バロック・ヴァイオリン）は、いくつかの理由から、クラシック音楽において最も重要な楽器の1つとなっています。 ^{[ 1 ]} ヴァイオリンの音色は他の楽器よりも際立っており、メロディーラインを演奏するのに適しています。熟練した演奏者の手にかかれば、ヴァイオリンは非常に機敏で、速くて難しい音の連続を演奏することができます。

ヴァイオリンは非常に表現力豊かな楽器とされており、しばしば人間の声に近いと感じられます。これは、ビブラートをかけたり、音程や音色を微妙に変化させたりできるためと考えられます。多くの著名な作曲家がヴァイオリン協奏曲やヴァイオリンソナタのレパートリーに貢献してきました。

バイオリンはオーケストラの重要な楽器であり、通常は第1バイオリンと第2バイオリンの2つのパートに分かれています。作曲家はしばしば第1バイオリンに旋律を割り当て（第1バイオリンにはより高度な技術を要する楽曲が与えられることが多い）、第2バイオリンは第1バイオリンよりも低い音域で和音、伴奏パターン、または旋律を演奏します。弦楽四重奏も同様に、第1バイオリンと第2バイオリンのパートに加え、ビオラパート、そしてチェロや、まれにコントラバスなどの低音楽器パートがあります。

現代のクラシック・ヴァイオリニストの中には、即興演奏をクラシック音楽演奏の不可欠な要素として再び取り入れる者もいる。彼らはカデンツァに独自の即興演奏や装飾を加え、さらにはコンサート全体を即興演奏で構成することさえある。こうしたヴァイオリニストには、アルジェリア系フランス人のジル・アパップ、フィンランドのヴァイオリニスト兼作曲家ペッカ・クーシスト、オーストラリアのヴァイオリニスト兼作曲家ルパート・ギュンターなどが挙げられる。

1920年代から1930年代初頭にかけて、バイオリンはポピュラー音楽、特にダンス音楽において欠かせない楽器でした。ダンスオーケストラには通常2、3本のバイオリンが用いられていましたが、上流階級のオーケストラでは6、7本ものバイオリンが使われることもありました。1935年にスウィング・ミュージックが登場すると、バイオリンは他の弦楽器と同様に、スウィングのサウンドには不向きとみなされ、ポピュラー音楽から姿を消しました。バイオリンがポピュラー音楽に再び登場するのは、1960年代後半になってからのことです。

バイオリンは、ギターやベースギターといった他の楽器に比べてロック音楽での使用頻度は非常に低いものの、近年は主流のポップミュージックにますます取り入れられるようになっている。ファイナルファンタジーやアンドリュー・バードといったインディーズアーティストもバイオリンへの関心を高めており、一部では「バイオリンダイ」と呼ばれるインディーロックのサブジャンルが生まれている。

バイオリンは、ヴァネッサ・メイ、ボンド、ミリ・ベン・アリ、イエローカード、ナイジェル・ケネディ、ボイド・ティンズリーとジャン＝リュック・ポンティを擁するデイヴ・マシューズ・バンドといった主流のポップ・アーティストでも使用されています。U2もバイオリン、特にエレクトリック・バイオリンを頻繁に使用しています。バイオリンは、チェロ・ロックと呼ばれる巨大な現象の一部でもあります。 1960年代と1970年代に大ヒットしたモータウンのレコーディングは、トレードマークのテクスチャの一部として弦楽器に大きく依存していました。少なくともロックンロール運動とは別の初期のポップ・ミュージックのジャンルは、かなり伝統的なオーケストラ、時には大規模なオーケストラを使用する傾向がありました。例としては、ビング・クロスビーのようなアメリカの「クルーナー」が挙げられます。

1960年代から1970年代にかけて、弓で演奏する弦楽器はあらゆるジャンルの音楽録音で広く用いられ、非常に人気がありましたが、1970年代前半から中頃にかけて音楽シーンに猛烈な勢いで登場したディスコ音楽もまた、楽曲の中で弦楽器を多用していました。実際、当時のディスコ／ダンスミュージックのほぼすべてが、楽曲やアレンジに弦楽器を取り入れていました。1980年代初頭にディスコが急激に衰退し始めると、弦楽器の使用はディスコ音楽だけでなく、当時のあらゆるジャンルのポピュラー音楽でほぼ完全に姿を消し、ディスコの人気が相対的に低下した直後にはさらに顕著になりました。1980年代には、伝統的な弦楽器をほとんど、あるいは全く使用せずに弦楽器を模倣したエレクトロニックミュージックが台頭しました。そして今、ポップミュージックにおいて弦楽器が復活を遂げようとしています。

インド、パキスタン、トルコ、アラブのポップミュージックは、ソロ演奏とアンサンブルの両方で、バイオリンの音色に満ちている。

ヴァイオリンをソロ楽器として用いたジャズ演奏に関する最も初期の記録は、20世紀初頭の数十年間に遡ります。最初の偉大なジャズ・ヴァイオリニストは、ヴァイオリンの暗黒の天使として最もよく知られるエディ・サウスでした。 スウィング時代や戦後には、ステファン・グラッペリ、スタッフ・スミス、レイ・ペリー、レイ・ナンス、クロード・“フィドラー”・ウィリアムズなど、多くの優れた即興演奏のヴァイオリニストが活躍しました。

他の多くのクラシック音楽の楽器と同様に、ヴァイオリンは、より粗雑な形状で民俗音楽に使われていた遠い祖先から派生したものです。ルネサンス後期、主にイタリアで集中的な発展を遂げたヴァイオリンは、音量、音色、演奏性において向上し、芸術音楽において非常に重要な楽器となっただけでなく、民俗音楽家にも大変魅力的な楽器となりました。民俗楽器として、ヴァイオリンは最終的に非常に広く普及し、時にはそれ以前の弓奏楽器に取って代わりました。民族音楽学者は、ヨーロッパ、アジア、アメリカ大陸の多くの地域でヴァイオリンが使用されていることを確認しています。

多くの民俗音楽の伝統では、曲は楽譜に書き記されるのではなく、歴代の音楽家によって暗記され、口承によって伝えられていく。

民族楽器として演奏される場合、バイオリンは英語では通常フィドルと呼ばれます。

フィドルと一般的なバイオリンの違いの一つは、アメリカのフィドル演奏（例えば、ブルーグラスやオールドタイムミュージック）に見られる。これらのスタイルでは、ブリッジを削ってカーブを少し緩やかにすることがある。これにより、弦のペアを交互に動かすシャッフルボウイングに必要な可動域が狭まる。

演奏会場では、フィドルはたいてい1本しか演奏されないが、一部のスタイルでは2本のフィドルを演奏することもある。対照的に、バイオリンはしばしばセクション編成で演奏される。つまり、交響楽団では、複数の奏者が同じ楽器を演奏する。これは、電子増幅技術が普及する以前は、楽器の数を増やすことでしか音を増強できなかったためである。イタリア語の「ripieno」は「詰め物」（料理用語で言えば「詰める」）と訳せる。複数の楽器が音を「豊かにする」からである。

インドのバイオリンは、西洋音楽で使用される楽器と基本的には同じ楽器ですが、いくつかの点で異なります。この楽器は、第4弦と第3弦（西洋のバイオリンではG弦とD弦）、および第2弦と第1弦（A弦とE弦）がサ・パ（ド・ソ）のペアになるように調律されており、同じ音色でありながら1オクターブずれています。これは、CGCGやAEAEといった一般的なスコルダトゥーラやフィドルのクロスチューニングに似ています。主音のサ（ド）は固定されておらず、ボーカリストやリードプレイヤーに合わせて可変的に調律されます。

楽器の持ち方は、西洋音楽とインド音楽で異なります。インド音楽では、演奏者は床に胡坐をかき、右足を前に伸ばして座ります。楽器のスクロールは足の上に置きます。インド音楽の特性上、この姿勢は演奏に不可欠です。手は指板全体を自由に動かすことができ、左手の位置も決まっていないため、バイオリンを安定した動かない状態に保つことが重要です。

バイオリンはインド古典音楽において非常に重要な楽器です。インドの伝統にバイオリンをもたらしたのは、ムトゥスワミ・ディクシタルの兄弟であるバルスワミ・ディクシタルだと考えられています。バイオリンは主に声楽家の伴奏として用いられ、その音色は歌手の歌声を引き立てますが、ソロ演奏されることも少なくありません。

ソロ・ヴァイオリンのコンサートでは、ヴァイオリニストは通常​​、タブラ、ムリダンガム、ガタムなどの打楽器の伴奏を受ける。

バイオリンはインド映画音楽においても主要な楽器の一つです。VSナラシムハンは南インド映画界を代表する人物の一人で、数々のヒット曲を生み出しています。

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