ブロードウェイ劇場

ブロードウェイシアター（^{[nb 1]}またはブロードウェイ）は、ニューヨーク市マンハッタンのミッドタウンにあるブロードウェイ沿いのシアターディストリクトとリンカーンセンターにある、それぞれ500席以上の専門劇場41館で上演される演劇のジャンルである。 ^{[1] [2]}ブロードウェイとロンドンのウエストエンドを合わせると、英語圏で最も商業的なライブシアターのレベルが高い。^[3]

ブロードウェイ大通りは地区の名を冠しているが、タイムズスクエアと密接に結びついている。ブロードウェイ自体にある劇場は、ブロードウェイ劇場、パレス劇場、ウィンターガーデン劇場の3つだけだ。残りは、タイムズスクエアから1ブロック南の西41丁目にあるネダーランダー劇場から、ブロードウェイの両側に沿って北に53丁目まで、西65丁目のリンカーンセンターにあるビビアン・ボーモント劇場まで、番号の付いた交差点にある。例外もあるが、「ブロードウェイ劇場」という用語は、主に500人以上の座席がある会場を指すのに使われる。ニューヨーク市のより小さな劇場は、場所に関係なくオフブロードウェイと呼ばれ、座席が100席未満の非常に小さな会場はオフオフブロードウェイと呼ばれ、この用語は非営利、前衛的、または伝統的な劇場の会場の外で行われる作品にも適用される。 ^[4]

シアターディストリクトはニューヨーク市で国際的に有名な観光名所です。ブロードウェイリーグによると、ブロードウェイのショーは2022～2023年と2023～2024年の両シーズンで約15億4000万ドル相当のチケットを販売しました。両シーズンとも劇場への入場者数はそれぞれ約1,230万人でした。^[5]

ブロードウェイのショーのほとんどはミュージカルです。歴史家のマーティン・シェフターは、 「ロジャース＆ハマースタインの作品で頂点に達したブロードウェイミュージカルは、アメリカの大衆文化に多大な影響を与えた」と主張し、ニューヨーク市を世界の文化の中心地にすることに貢献しました。^[6]

ニューヨーク市初の重要な劇場は18世紀半ばの1750年頃に設立された。俳優兼マネージャーのウォルター・マレーとトーマス・キーンが、ロウアー・マンハッタンのナッソー・ストリートにある劇場に常駐劇団を設立したのである。収容人数は約280人で、ウィリアム・シェイクスピアの戯曲や『乞食オペラ』などのバラッド・オペラを上演した。^[7] 1752年、ウィリアム・ハラムは兄弟のルイスをマネージャーとして、イギリスから12人の俳優の一団を植民地に派遣した。彼らはバージニア州ウィリアムズバーグに劇場を設立し、『ヴェニスの商人』と『解剖学者』で開幕した。一団は1753年にニューヨークに移転し、『デイモン』や『フィリダ』などのバラッド・オペラやバラッド・ファルスを上演した。

独立戦争の間、ニューヨーク市では演劇が中断されていました。しかし戦争が終わった後、1798年に2,000席のパーク劇場が現在のパークロウのチャタム通りに建設され、演劇が再開されました。^[7] 2番目の大きな劇場であるバワリー劇場は1826年にオープンし、^[8]他の劇場も続いてオープンしました。

1840 年代までに、P.T. バーナムはロウアー マンハッタンで娯楽施設を経営していました。1829 年、ブロードウェイとプリンス ストリートの交差点にニブロス ガーデンがオープンし、すぐにニューヨークの最高のナイトスポットの 1 つになりました。3,000 席の劇場では、あらゆる種類のミュージカルや非ミュージカルのエンターテイメントが上演されました。1844 年、パルモズ オペラ ハウスがオープンし、わずか 4 シーズンだけオペラを上演した後、破産してバートンズ シアターという名前で演劇の会場として再ブランド化されました。アスター・オペラ・ハウスは1847年にオープンした。1849年、バワリー劇場の下層階級の観客が、アスター・プレイスの上流階級の観客のスノッブな態度に反発して暴動が起きた。「1849年のアスター・プレイス暴動の後、ニューヨーク市の娯楽は階級によって分割された。オペラは主に上流中流階級と上流階級向け、ミンストレル・ショーとメロドラマは中流階級向け、コンサート・サロンでのバラエティ・ショーは労働者階級とスラム街の中流階級向けだった。」^[9]

ウィリアム・シェイクスピアの戯曲は、この時期にブロードウェイの舞台で頻繁に上演されたが、最も有名なのは、ハムレット役で世界的に知られたアメリカ人俳優エドウィン・ブースによるものである。ブースは1865年にウィンターガーデン劇場で有名な100回連続公演でこの役を演じ（この公演は、ブースの兄弟ジョン・ウィルクス・ブースがエイブラハム・リンカーンを暗殺するわずか数か月前に終了した）、後に自身のブース劇場（この劇場は、一時期、兄弟のジュニアス・ブルータス・ブース・ジュニアが経営していた）でこの役を再演している。この時代にニューヨークで出演した他の著名なシェイクスピア劇作家には、ヘンリー・アーヴィング、トマゾ・サルヴィーニ、ファニー・ダヴェンポート、チャールズ・フェヒターがいる。

ニューヨークの劇場は、1850年頃から、より安価な不動産を求めて、ダウンタウンからマンハッタンのミッドタウンへと徐々に移転していった。19世紀初頭、現在の劇場街を構成するエリアは、少数の家族が所有し、いくつかの農場で構成されていた。1836年、コーネリアス・ローレンス市長は42番街をオープンし、マンハッタンの住民に「純粋できれいな空気を楽しんでください」と呼びかけた。 [10]それから約60年後、演劇起業家オスカー・ハマースタイン1世は、西42番街に象徴的なビクトリア劇場を建設した。 [ ^{10 ]}

ブロードウェイ初の「ロングラン」ミュージカルは、 1857年の『エルフ』で、50回上演された。1870年、ブロードウェイの中心はユニオンスクエアにあり、世紀の終わりまでには多くの劇場がマディソンスクエアの近くにあった。1900年代初頭にはタイムズスクエア地区に劇場ができて、1920年代と1930年代に多くの劇場がスクエア周辺に建てられた後、ブロードウェイの劇場はそこに集約された。ニューヨークでの公演はロンドンに比べてずっと遅れをとっていたが、 ^[11]ローラ・キーンの「ミュージカル・ブルレッタ」である『セブン・シスターズ』 （1860年）は、253回の上演でそれまでのニューヨークの記録を破った。

現代のミュージカルの概念に則り、物語を伝えるのに役立つダンスとオリジナルの音楽を加えた最初の演劇作品は、 1866年9月12日にニューヨークで初演された『ブラック・クルック』だと考えられています。この作品は5時間半の長さでしたが、その長さにもかかわらず、記録破りの474回の公演が行われました。同じ年、『ブラック・ドミノ/ビトウィーン・ユー、ミー・アンド・ザ・ポスト』は、自らを「ミュージカル・コメディ」と名乗った最初のショーでした。^[12]

トニー・パストールは1881年にユニオンスクエアの1ブロック東に初のボードビル劇場をオープンし、リリアン・ラッセルがそこで公演を行った。コメディアンのエドワード・ハリガンとトニー・ハートは、1878年（ 『マリガン・ガード・ピクニック』）から1890年までブロードウェイでミュージカルを制作し、主演を務めた。脚本と作詞はハリガン、音楽は義父のデイヴィッド・ブラハムが担当した。これらのミュージカル・コメディは、ニューヨークの下層階級の日常生活から取り上げた登場人物や状況を取り入れており、ボードビルやバーレスクからより教養の高い形式への大きな前進を表していた。これらのミュージカルでは、以前のミュージカルで主役を務めていたアマチュア、多くの場合は売春婦ではなく、質の高いプロの歌手（リリアン・ラッセル、ヴィヴィアン・シーガル、フェイ・テンプルトン）が主役を務めた。

交通の便が改善され、ニューヨークの貧困が減り、街灯のおかげで夜間の移動が安全になったため、増え続ける劇場の潜在的観客の数は飛躍的に増加した。演劇は上演時間を延ばしても観客を呼び込めるようになり、利益と作品の価値が向上した。 19 世紀後半にはイギリスと同様に劇場が浄化され、売春が減って女性の劇場通いが減った。ギルバートとサリバンの家族向けの喜劇オペラのヒット作は、 1878 年の『HMS ピナフォア』に始まり、ニューヨークに輸入された (作者本人によるものや、無許可の無断制作によるものも多数)。ニューヨークでは、レジナルド デコベンの『ロビン フッド』 (1891 年) やジョン フィリップ スーザの『エル キャピタン』 (1896 年)などのアメリカの作品や、オペラ、バレエ、その他のイギリスやヨーロッパのヒット作によって模倣された。

チャールズ・H・ホイトの『チャイナタウン旅行』（1891年）は、1893年に603回上演された『アドニス』を抜いて657回上演され、ブロードウェイのロングラン・チャンピオンとなった。『チャイナタウン』自体は、1921年にミュージカル『アイリーン』 （1919年）に抜かれ、ブロードウェイ最長上演ミュージカルとなり、さらに早い1920年3月には『ライトニング』（1918年）に抜かれ、ブロードウェイ最長上演ショーとなった。1896年、劇場オーナーのマーク・クローとAL・アーランガーはシアトリカル・シンジケートを設立し、その後16年間、米国のほぼすべての合法的な劇場を支配した。^[13]しかし、小規模なヴォードヴィルやバラエティハウスが急増し、19世紀末までに オフ・ブロードウェイが確立した。

『クーンタウンへの旅』（1898年）は、ブロードウェイ劇場で完全にアフリカ系アメリカ人によって製作・上演された最初のミュージカル・コメディ（ミンストレル・ショーのルーチンに大きく影響を受けている）であり、ラグタイム風の『クロリンディ：ケークウォークの起源』（1898年）や大成功を収めた『ダオメーにて』（1902年）が続いた。1890年代から1900年代初頭にかけて、ニューヨークのティン・パン・アレーで書かれた曲で構成されたミュージカル・コメディが何百本もブロードウェイで上演され、ガス・エドワーズ、ジョン・ウォルター・ブラットン、ジョージ・M・コーハンなどの作曲家が関わっていた（『リトル・ジョニー・ジョーンズ』（1904年）、『ブロードウェイから45分』（1906年）、『ジョージ・ワシントン・ジュニア』 （1906年））。それでも、第一次世界大戦までは、いくつかの例外を除いて、ロンドン上演に比べてニューヨークでの公演は比較的短期間であり続けた。 ^{[11] 1900年から1901年にかけて上演された}『フロロドラ』 をはじめ、いくつかの非常に成功したイギリスのミュージカルはニューヨークでも引き続き大きな成功を収めた。

20世紀初頭には、19世紀後半に人気を博した大陸のオペレッタの翻訳に加えて、1910年代にはPG・ウッドハウス、ガイ・ボルトン、ハリー・B・スミスなどの作家による「プリンセス・シアター」ショーが上演された。ヴィクター・ハーバートの作品には、現代的な設定の親密なミュージカル劇や、一連の有名なオペレッタ（『フォーチュン・テラー』（1898年）、 『おもちゃの国のベイブス』（1903年）、『モディスト夫人』（1905年）、『赤い風車』（1906年）、『いたずらなマリエッタ』（1910年））が含まれていた。^[14]

ブロードウェイのショーは、レッドミルから始まり、劇場の外に電光看板を設置した。色付きの電球はすぐに切れてしまうため、白色のライトが使用され、ブロードウェイは「グレートホワイトウェイ」というあだ名が付けられた。1919年8月、俳優組合はすべてのプロのプロダクションに標準契約を要求した。ストライキですべての劇場が閉鎖された後、プロデューサーは同意せざるを得なかった。1920年代までに、シューバート兄弟が台頭し、エルランガーシンジケートから劇場の大半を買収した。^[15]

この時期、ウィンチェル・スミスとフランク・ベーコンによる劇「ライトニング」は、700 回の公演を達成した最初のブロードウェイ ショーとなりました。その後、ライトニングは 1,000 回公演を達成した最初のショーとなりました。ライトニングは、 1925 年に エイビーの「アイリッシュ ローズ」に公演回数で抜かれるまで、ブロードウェイで最も長く上演されたショーでした。

映画は舞台に挑んだ。当初、映画は無声で、競争相手は限られていた。1920 年代の終わりには、『ジャズ シンガー』のような映画が同期音声付きで上映され、批評家たちは映画が生の演劇に完全に取って代わるのではないかと考えた。生のボードビルは、当時のボードビルのスターや有名コメディアンを起用したこれらの安価な映画には太刀打ちできなかったが、他の劇場は生き残った。狂騒の 20 年代のミュージカルは、ボードビル、ミュージック ホール、その他の軽い娯楽から借用し、筋書きを無視してスター俳優や女優、華々しいダンス ルーチン、ポピュラー ソングを強調する傾向があった。

フローレンツ・ジーグフェルドは、豪華なセットと凝った衣装を特徴とする、毎年ブロードウェイで華やかな歌とダンスのレビューをプロデュースしましたが、さまざまなナンバーを結びつけるものはほとんどありませんでした。1920年代の典型的な作品は、サリー、レディ・ビー・グッド、サニー、ノー・ノー・ナネット、ハーレム、オー・ケイ！、ファニー・フェイスなどの明るい作品でした。彼らの台本は忘れられがちだったかもしれませんが、ジョージ・ガーシュイン、コール・ポーター、ジェローム・カーン、ヴィンセント・ユーマンズ、ロジャース＆ハートなどによる不朽のスタンダードを生み出し、ノエル・カワード、ジークムント・ロンバーグ、ルドルフ・フリムルはビクター・ハーバートの流れを継いでいました。生の演劇は映画の発明後も生き残りました。

こうした比較的軽薄な娯楽を捨て、ドラマを一歩前進させた『ショウボート』は、 1927年12月27日にジーグフェルド劇場で初演された。この作品は脚本と音楽の完全な融合を表しており、音楽、セリフ、舞台設定、動​​きを通して語られるドラマチックなテーマは、これまでのミュージカルよりもシームレスに織り合わされている。572回上演された。^[16]

1920年代には、ユージン・オニールの登場により、アメリカの劇作家の新時代も生まれました。オニールの戯曲『地平線の彼方』、『アンナ・クリスティ』、『毛深い猿』、『奇妙な幕間』、 『喪服の女はエレクトラになる』は、ブロードウェイにシリアスな演劇を好む観客がいることを証明し、オニールの成功は、エルマー・ライス、マクスウェル・アンダーソン、ロバート・E・シャーウッド、クリフォード・オデッツ、テネシー・ウィリアムズ、アーサー・ミラーなどの主要な劇作家や、ジョージ・S・カウフマン、モス・ハートなどの喜劇作家に道を開いたのです。古典作品のリバイバルもブロードウェイの観客に人気があり、特に『ハムレット』と『リチャード三世』のジョン・バリモア、『ハムレット』、『真面目が肝心』、 『から騒ぎ』のジョン・ギールグッド、 『シラノ・ド・ベルジュラック』のウォルター・ハンプデンとホセ・フェラー、『オセロ』のポール・ロブスンとフェラー、 『リチャード二世』とジョージ・バーナード・ショーの戯曲のモーリス・エヴァンス、そして『ロミオとジュリエット』、 『アントニーとクレオパトラ』 、『キャンディダ』などの戯曲のキャサリン・コーネルが人気を博した。

1930年、シアター・ギルドによる『Roar, China!』はブロードウェイで初めてアジア系キャストが多数を占める演劇となった。^[17]

第二次世界大戦が近づくと、ヨーロッパにおけるナチズムの台頭とアメリカの不介入の問題を扱ったブロードウェイのドラマが12本制作された。最も成功したのは、1941年4月に初演されたリリアン・ヘルマンの『ライン河の番人』^{だった。 [18]}

大恐慌の不況の時代を経て、ブロードウェイ劇場は1943年に2,212回上演された大ヒット作『オクラホマ!』で黄金時代を迎えた。ジョン・ケンリックのブロードウェイミュージカルに関する著作によると、「毎シーズン、新しい舞台ミュージカルの曲がヒットチャートのトップに躍り出た。大衆の需要、好景気、そして豊富な創造的才能がブロードウェイを活気づけた。今日に至るまで、1950年代のショーはミュージカル劇場のレパートリーの中核をなしている。」^[19]

ケンリックは「1960年代後半は文化的激動の時代だった。こうした変化は、舞台裏の関係者や観客を含む多くの人々にとって苦痛なものとなった」と述べている。^[20] 1970年代について、ケンリックは「伝統的なブックミュージカルが流行に戻ったように思われたが、批評家や観客が複雑なシグナルを発しながら10年が終わった」と書いている。^[21]

ケン・ブルームは「1960年代と1970年代には、タイムズスクエア周辺地域の衰退とブロードウェイで上演される正規のショーの減少が見られた」と述べている。^[22]比較すると、1950年から1951年のシーズン（5月から5月）には94の作品がブロードウェイで上演されたが、1969年から1970年のシーズン（6月から5月）には59の作品が上演された（うち15作品は再演）。^{[23] [24]} 1920年代には70から80の劇場があったが、1969年までに36の劇場が残っていた。^[25]

この時期、ブロードウェイの多くの作品は観客動員数の低さから苦戦し、その結果、そのような作品は凡庸であると認識されるようになった。このため、補助金なしでは苦戦する可能性が高い文化的価値の高い作品を支援する目的で劇場開発基金が設立され、消費者に割引価格でそれらの演劇のチケットを提供した。^[26]

1982年初頭、パブリックシアターを設立した演劇プロデューサー兼ディレクターのジョー・パップが「劇場を救え」キャンペーンを主導した。^{[27]これは}俳優組合の支援を受けた非営利団体で、マンハッタンの裕福な開発業者による劇場の取り壊しから劇場を守ることを目的としていた。^{[28] [29] [30] [31]}パップは資金を提供し、広報担当者と有名な俳優を募集し、この活動のために音響、照明、技術スタッフを提供した。^[29]

パップの要請により、1982年7月、第97議会で「HR6885、ニューヨーク市のブロードウェイ/タイムズスクエア劇場地区を国定史跡に指定する法案」が提出された。^[32]この法案は、米国政府から一定の資金と援助を市に提供し、同地区の保存を支援するものであった。^[32]エド・コッホ市長の政権とマンハッタン開発企業による強い反対とロビー活動に直面し、法案は可決されなかった。Save the Theatresキャンペーンは、その後、劇場地区を登録歴史地区として設立することを支援することに力を注いだ。^{[33] [34]} 1983年12月、Save the Theatresは「ブロードウェイ劇場地区、保存開発管理計画」を作成し、地区内の各劇場が歴史的建造物に指定されることを要求した。^[34]エド・コッホ市長は最終的に、パップを含む劇場諮問委員会を設立することで対応した。^[29]

ニューヨーク市でのCOVID-19パンデミックにより、ブロードウェイの劇場は2020年3月12日に閉鎖され、上演中または開演中だった16のショーが中止となった。ブロードウェイリーグの閉鎖は最初は4月、次に5月、6月、9月、2021年1月と延長され、^[35]その後2021年6月1日まで延長された。^[36]当時のアンドリュー・クオモ知事は、2021年5月19日にニューヨークのほとんどのセクターの制限が解除されると発表したが、ブロードウェイ劇場は物流上の理由からこの日にすぐに公演を再開することはできないと述べた。2021年5月、クオモはブロードウェイ劇場の再開が9月14日に許可されると発表し、リーグは秋のシーズンに公演が再開されることを確認した。^[37]

スプリングスティーン・オン・ブロードウェイは、 2021年6月26日にセント・ジェームズ劇場で1,721人のワクチン接種済みの観客に向けて開幕し、公演を再開した最初のフルレングスのショーとなった。 ^{[38]その後、} Pass Overは8月4日に最初のプレビューを行い、2021年8月22日に開幕し、開幕した最初の新作劇となった。 ^{[39] [40]} HadestownとWaitressは、2021年9月2日に公演を再開した最初のミュージカルであった。 ^[41]第74回トニー賞も延期され、トニー賞のノミネートは2020年10月15日に発表され、 ^[42] 2021年9月26日に行われた^{。 [43] 2021年7月30日、すべてのブロードウェイ劇場で観客に}COVID-19の完全なワクチン接種の証明を求めることが発表された。この規則は12歳以上のゲストに適用された。 12歳未満の人は、新型コロナウイルス検査で陰性であること（公演開始時間の72時間以内にPCR検査、または公演開始時間の6時間以内に抗原検査）の証明が必要だった。11月8日からは、5～11歳の人も少なくとも1回のワクチン接種の証明を提示できるようになった。12月14日からは、ニューヨーク市のワクチン接種義務に従い、5～11歳のゲストは2022年1月29日までに少なくとも1回のワクチン接種を受けることが義務付けられ、その時点で完全なワクチン接種を受ける必要があった。 ^[44]ワクチン接種義務は4月30日まで続き、 ^{[45] [46]}出席者は7月1日までマスクを着用する必要もあった。 ^[47]

COVID-19による閉鎖中、シュバート・オーガニゼーション、ネダーランダー・オーガニゼーション、ジュジャムシンは、少なくとも1つの劇場に黒人演劇界の著名人の名前を付けるなど、劇場の人種的、文化的多様性を高めることを誓約していた。^[48]ジュジャムシンが所有するオーガスト・ウィルソン劇場は、 2005年に黒人劇作家オーガスト・ウィルソンにちなんで改名されていた。 ^[49]シュバート夫妻は2022年3月、当時改装中だったコート劇場を俳優ジェームズ・アール・ジョーンズにちなんで改名すると発表した。^{[50] [51]} 2022年6月、ネダーランダーズはブルックス・アトキンソン劇場をレナ・ホーンにちなんで改名すると発表した。^{[52] [53] [49]}ジェームズ・アール・ジョーンズ劇場は2022年9月に再開館し、^[54]レナ・ホーン劇場は同年11月に再開館した。^[55]

例外もあるが、無期限公演のショーは一般的に火曜日から土曜日の夕方に上演され、午後7時または8時に「開演」する。午後の「マチネ」公演は水曜日と土曜日は午後2時、日曜日は午後3時である。これにより、1週間に8公演が行われることになる。このスケジュールでは、ほとんどのショーは月曜日には上演されず、その日はショーと劇場は「休演」となる。^{[56] [57]}これらのショーの俳優とスタッフは、日曜日の夕方から月曜日の夕方までを週末とみなす傾向がある。トニー賞授賞式は、このスケジュールに合わせて通常6月の日曜日の夕方に開催される。

近年、いくつかのショーは火曜日の開演時間を1時間早めて午後7時に変更しました。^[56]この変更の根拠は、平日にショーを観る観光客が減るため、火曜日の観客動員数は地元の観客に大きく依存するというものでした。開演が早くなることで、郊外の観客はショー終了後、妥当な時間までに帰宅できるようになります。一部のショー、特にディズニーがプロデュースするショーは、季節に応じてかなり頻繁に公演スケジュールを変更します。これは、ターゲットとする観客へのアクセスを最大化するために行われます。

ブロードウェイのプロデューサーや劇場オーナーのほとんどは、ブロードウェイ リーグ(旧称「全米劇場・プロデューサー連盟」)の会員です。ブロードウェイ リーグは、ブロードウェイ劇場全体の振興、さまざまな劇場組合との契約や組合との協定の交渉、サービス組織のアメリカン シアター ウィングとのトニー賞共同運営を行う業界団体です。リーグと劇場組合は、新しい契約の交渉期間中は対立することもあります。しかし、ニューヨークのプロの劇場を振興するための多くのプロジェクトやイベントでは協力しています。

ブロードウェイ劇場を所有する 4 つの非営利劇団 (リンカーン センター シアター、マンハッタン シアター クラブ、ラウンドアバウト シアター カンパニー、セカンド ステージ シアター)はすべて、リーグ オブ レジデント シアターズに所属しており、他のブロードウェイ劇場やプロデューサーとは別に交渉される劇団組合との契約を結んでいます。(ディズニーもリーグとは別に交渉しており、リヴェントも閉鎖前にそうしていました。)

ブロードウェイの劇場の大半は、3 つの組織によって所有または管理されています。17の劇場を所有する非営利団体シューバート財団の営利部門であるシューバート オーガニゼーション、9 つの劇場を管理するネダーランダー オーガニゼーション、および 7 つのブロードウェイ劇場を所有するATG エンターテインメントです。

ブロードウェイのミュージカルとストレート プレイは、観客を増やしたり、劇場に新しい観客を呼び込むために、よく知られた俳優を主役に起用することがよくあります。映画やテレビの俳優は、ブロードウェイ ショーの再演に頻繁に起用されたり、キャストを去った俳優の代わりとして使われたりします。しかし、主に舞台俳優で、ほとんどの時間を「舞台」で過ごし、スクリーンの役には副次的にしか出演しない俳優もいます。ニューヨーク タイムズのパトリック ヒーリーは次のように指摘しています。

ブロードウェイにはかつて、アダムス・ファミリーのネイサン・レインのように、1年間ショーに出演することを約束した地元出身のスターがたくさんいた。2010年には、レーン氏のような劇場の重鎮がノミネートすらされなかった。その代わりに、映画スターの俳優の多くが他の約束に移らなければならなかったため、ブロードウェイでの短期公演を常に意図していた作品にトニー賞がいくつか授与された。^[58]

マーク・シェントンによれば、「ここ10年ほどで大西洋の両側で商業演劇界に起きた最も大きな変化の一つは、大物スターが舞台に出演するケースが増えたが、彼らが約束する公演期間は短くなったことだ。かつては、プロデューサーはスターに最低6か月、場合によっては1年の出演期間を要求していたが、今では13週間の公演が標準となっている。」^[59]

ブロードウェイオーケストラの最小人数は、音楽家組合（ローカル802、アメリカ音楽家連盟）とブロードウェイリーグとの協定によって定められている。例えば、ミンスコフ劇場のオーケストラの最小人数は18人と定められているが、ミュージックボックス劇場では9人となっている。^[60]

ブロードウェイのショーのほとんどは、プロデューサーや投資家 (「後援者」または「エンジェル」) の利益を目的とした商業作品であるため、上演期間 (上演期間) が決まっています。つまり、上演期間は事前に設定されておらず、批評家の反応、口コミ、ショーの宣伝効果によって決まり、これらがチケットの売り上げを決定します。商業作品への投資には、さまざまなレベルの経済的リスクが伴います。ショーはすぐに利益を上げる必要はありません。「ナッツ」(毎週の運営費) を稼いだり、プロデューサーが許容できる割合で赤字を出したりした場合は、最終的には初期費用を返済して利益が出ると期待して上演を続けることができます。境界線上の状況では、プロデューサーは、ショーが中止されるのを防ぐために、ロイヤルティの一時的な減額または免除、または出演者の組合の許可を得て給与の減額を要求することがあります。劇場のオーナーは、ほとんどの作品で一般に利益を上げていないため、家賃を免除または減額したり、ショーを継続するために資金を貸したりすることがあります。

ブロードウェイのショーの中には、非営利組織が定期購読シーズンの一環として制作しているものもある。リンカーン・センター・シアター、ラウンドアバウト・シアター・カンパニー、マンハッタン・シアター・クラブ、セカンド・ステージ・シアターは、現在ブロードウェイに常設の会場を持つ4つの非営利劇団である。その他の作品は、財政上の問題、出演者の以前の契約、または1つの作品の終了から次の作品の開始までの間に一時的に劇場が空いていることなど、いくつかの理由から「期間限定公演」でブロードウェイで制作されている。しかし、期間限定公演が予定されているショーの中には、批評家の称賛や興行成績の成功を受けて、公演期間を延長したり、無期限公演に変更したりするものがある。これは、2007年の『オーガスト：オーセージ郡』、2009年の『ゴッド・オブ・カーネージ』 、2012年の『ニュージーズ』、2022年の『テイク・ミー・アウト』の場合である。^[61]

歴史的に、ブロードウェイのミュージカルは「ストレート」（つまりミュージカルではない）演劇よりも長く上演される傾向がある。2006年1月9日、マジェスティック劇場で上演された『オペラ座の怪人』は7,486回の公演で『キャッツ』を抜いてブロードウェイ最長上演ミュージカルとなった。^[62] 『オペラ座の怪人』は、35周年を迎えた直後の2023年4月16日に合計13,981回の公演を終えてブロードウェイで閉幕した。^{[63] [64]}

ブロードウェイのショーを観ることは、ニューヨークでは一般的な観光活動である。TKTSのブースでは、多くのブロードウェイやオフブロードウェイのショーの当日券（場合によっては翌日の昼公演のチケット）を20～50％の割引で販売している。^[65] TKTSのブースは、タイムズスクエア、ロウアーマンハッタン、リンカーンセンターにある。このサービスはシアター・デベロップメント・ファンドが運営している。多くのブロードウェイ劇場では、劇場をできるだけ満席にして興行収入を最大化するために、学生向けの特別料金、当日の「ラッシュ」または「抽選」チケット、立ち見席チケットも提供している。^[66]

ブロードウェイリーグによると、ブロードウェイの総観客数は2018～2019年は1477万人で、2017～2018年の1379万人から減少した。^{[67] 2017} ～ 2018年の劇場シーズンにおけるブロードウェイの観客の平均年齢は40歳で、ここ20年近くで最低だった。 [68] 2018年までにブロードウェイのチケットの約20％が海外からの訪問者に販売されたが、多くの訪問者がチケットを使用できなかったと報告している。^[69] COVID-19パンデミック以降初のフルシーズンとなった2022～2023年には、ブロードウェイの劇場で1230万枚のチケットが販売され、そのうち35％が地元住民、17％が海外からの訪問者だった。当時の観客の平均年齢は40.4歳で、観客のほぼ3分の2が女性で、29％が人種的マイノリティだった。^[70]

劇場の分類は、俳優組合の契約書の文言によって定められている。トニー賞の対象となるには、作品は500席以上の劇場で、劇場街で上演される必要があり、これらはブロードウェイ劇場を定義する基準である。オフ・ブロードウェイやオフ・オフ・ブロードウェイのショーは、ブロードウェイのより大きな劇場で可能なパフォーマンスよりも、より実験的で挑戦的で親密なパフォーマンスを提供することが多い。しかし、ミュージカル『ヘアー』、『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』、『春のめざめ』、『ネクスト・トゥ・ノーマル』 、 『レント』 、『アベニューQ』、『イン・ザ・ハイツ』 、『ファン・ホーム』、『コーラスライン』、『ディア・エヴァン・ハンセン』、および『ハミルトン』など、一部のブロードウェイのショーは、オフ・ブロードウェイで上演が始まり、後にブロードウェイに移され、より大きな劇場で親密な体験を再現しようとした。他の作品は、最初にワークショップで開発され、次にブロードウェイに移される前に郊外でトライアウトされる。『メリリー・ウィ・ロール・アロング』は、公式開幕前にブロードウェイで郊外でのオーディションをスキップし、市内でのオーディション（実際にはプレビュー公演）を試みたものの、悲惨な結果に終わったことで有名である。^{[71] [72]}

ブロードウェイ劇場での公演が成功した後、あるいは公演の最中に、プロデューサーは新しいキャストとスタッフで作品を再演することが多く、ブロードウェイ全国ツアーは全国の主要都市の劇場を巡回します。ブロードウェイでの公演が閉幕すると、元のキャストのほとんど、あるいは全員がそのままの状態で、作品全体がツアー会社として再出発することがあり、これが「ブロードウェイ全国ツアー」という名前です。ショーによっては、ニューヨークで公演中かどうかに関係なく、一度に複数のツアー会社が出演することさえあり、多くの会社が他の主要都市で独自の長期公演のために「座る」こともあります。一流都市のブロードウェイ全国ツアーでは、ブロードウェイ作品全体がほぼそのまま移植され、各公演地で何ヶ月も (あるいは何年も) 上演されることがあります。例えば、『オペラ座の怪人』の初のアメリカツアーでは、セット、機材、衣装をすべて輸送するために長さ53フィート（16.1メートル）のセミトレーラー26台が必要で、それらのトラックから荷物を降ろして劇場にすべてを設置するのにほぼ10日かかりました。^[73]

二級都市や小規模都市でも全国ツアーを誘致できるが、これらは「バスとトラック」ツアーになる可能性が高い。^[73]これらは、大規模な全国ツアー公演の縮小版であり、歴史的にはキャストが飛行機ではなくバスで移動し、セットや機材がトラックで移動したことからこの名前が付けられた。このタイプのツアーは、数か月ではなく数週間にわたって行われることが多く、小規模な会場やタイトなスケジュールに対応し、トラックの数を減らすために、物理的な公演規模が縮小されることも多い。^[73] 典型的な二級都市では、通常、最大で約 8 公演 (1 週間) のチケットしか販売できない。^[73] それより小規模な都市では、ツアー公演は週 2 回 (「スプリット ウィーク」) または毎日 (「ワンナイト」) 移動することがある。^[73] 「バスとトラック」ツアーの場合、公演の価値は通常、典型的なブロードウェイ全国ツアーや全国ツアー公演ほど豪華ではなく、俳優は俳優組合のメンバーではあるものの、別の、より利益の少ない組合契約に基づいて報酬が支払われる。ブロードウェイ リーグが主催する「ツーリング ブロードウェイ アワード」は、ブロードウェイのツアー公演における優秀性を表彰するものです。

ブロードウェイの作品とアーティストは、アメリカン・シアター・ウィングとブロードウェイ・リーグによって毎年授与されるアントワネット・ペリー賞（一般に「トニー賞」または「トニー賞」と呼ばれる）によって表彰され、1947年に初めて授与されました。 ^[74]トニー賞はブロードウェイで最も権威のある賞であり、ハリウッド映画作品のアカデミー賞に匹敵します。その重要性は、授賞式ショーが全国テレビで放送され始めた1967年以降に増加しました。テレビの視聴率を向上させる戦略として、有名人がショーの司会者に選ばれることが多く、その中には劇場とほとんどつながりのない人もいます。^[75]最新のトニー賞の授賞式は2024年6月16日に開催されました。ブロードウェイの作品に授与される他の賞には、1955年以来授与されているドラマ・デスク・アワード、1936年に初めて授与されたニューヨーク演劇批評家サークル賞、 1950年に初めて授与されたアウター・クリティックス・サークル賞などがあります。

• 開幕日の後の * は、記載されている作品がまだ開幕しておらず、その劇場で指定された日に公演が予定されていることを示します。
• 終了日の後の*は、その劇場で別の公演が予定されていることを示します。
• 次回公演予定が発表されていない場合は、該当欄は空欄となります。
• 収容人数はインターネット・ブロードウェイ・データベースに掲載されている各劇場の収容人数に基づいています。^[76]

以下のショーは、今後のブロードウェイ公演として確定しています。上演される劇場はまだ不明か、現在別のショーが上演されています。

• アッカーマン、アラン。「リベラリズム、民主主義、そして20世紀アメリカ演劇」アメリカ文学史（2005年）17巻4号、765～780頁。
• ボードマン、ジェラルド.アメリカンミュージカルコメディ（オックスフォード大学出版局、1982年）
• ボードマン、ジェラルド『アメリカン・オペレッタ』（オックスフォード大学出版局、1981年）
• ナップ、レイモンド『アメリカンミュージカルと国民アイデンティティの形成』（プリンストン大学出版、2005年）
• ミデケ、マーティン他著『現代アメリカ劇作家のためのメシューエン演劇ガイド』（2013年）
• モーデン、イーサン。『Anything Goes: A History of American Musical Theatre』（2013 年）
• ルーデーン、マシュー・チャールズ。1960年以降のアメリカ演劇史：批評的歴史(1996)
• シアック、ドン.アメリカの演劇 1900-1990 (2000)
• ステンペル、ラリー。『ショータイム：ブロードウェイミュージカルシアターの歴史』（WW ノートン、2010年）826ページ。
• ウィールズ、ジェラルド・クリフォード。第二次世界大戦以降のアメリカ演劇（1962年）
• ホワイト、ティモシー R.ブルーカラー ブロードウェイ: アメリカの演劇の技術と産業(2014)
• ウルフ、ステイシー。『Changed for Good: A Feminist History of the Broadway Musical』（2010 年）

ウィキメディア・コモンズには、ブロードウェイ劇場に関連するメディアがあります。

• インターネットブロードウェイデータベース
• ブロードウェイの住宅、ニューヨークタイムズ、2010年4月30日