リズム・アンド・ブルース

The great migration of Black Americans to the urban industrial centers of Chicago, Detroit, New York City, Los Angeles, Washington, D.C. and elsewhere in the 1920s and 1930s created a new market for jazz, blues, and related genres of music. The migration of African Americans to urban centers in the 1920s and 1930s helped shape rhythm and blues by blending jazz, blues, and urban influences.^[21] These genres of music were often performed by full-time musicians, either working alone or in small groups. The precursors of rhythm and blues came from jazz and blues, which overlapped in the late-1920s and 30s through the work of musicians such as the Harlem Hamfats, with their 1936 hit "Oh Red", as well as Lonnie Johnson, Leroy Carr, Cab Calloway, Count Basie, and T-Bone Walker. There was also increasing emphasis on the electric guitar as a lead instrument, as well as the piano and saxophone.^[22]

R&Bは1940年代にアフリカ系アメリカ人コミュニティで誕生した。 ^{[ 23 ]} 1948年、RCAビクターは「ブルース・アンド・リズム」という名目で黒人音楽を売り出していた。同年、ルイ・ジョーダンはR&Bチャートのトップ5を3曲で独占し、そのうち2曲は1940年代に人気を博したブギウギのリズムに基づいていた。 ^{[ 24 ]}ジョーダンのバンド、ティンパニー・ファイブ（1938年結成）は、サックスとボーカルを担当するジョーダンと、トランペット、テナーサックス、ピアノ、ベース、ドラムのミュージシャンで構成されていた。^{[ 25 ] [ 26 ]}ローレンス・コーンは、この音楽を「ブギ時代のジャズ色の強いブルースよりも荒々しい」と評した。^{[ 7 ] : 173}ロバート・パーマーはそれを「都会的で、ロックで、ジャズをベースにした音楽 …重く、執拗なビート」と評した。^{[ 27 ]}ジョーダンの音楽は、ビッグ・ジョー・ターナー、ロイ・ブラウン、ビリー・ライト、ワイノニー・ハリスの音楽とともに、1949 年以前はジャンプ・ブルースと呼ばれていた。当時、ポール・ゲイトン、ロイ・ブラウンらは、現在リズム・アンド・ブルースと呼ばれるスタイルでヒットを飛ばしていた。1948 年、ワイノニー・ハリスによるブラウンの 1947 年の録音「Good Rockin' Tonight 」のリメイクは、バンドリーダーのソニー・トンプソンの「Long Gone」が 1 位だったのに続き、チャートで 2 位に達した。 ^{[ 28 ] [ 29 ]}

1949年、「リズム・アンド・ブルース」（R&B）という用語がビルボードのカテゴリー「ハーレム・ヒット・パレード」に取って代わった。^{[ 7 ]}また同年、バンドリーダーでサックス奏者のポール・ウィリアムズが録音した「ハックルバック」がR&Bのナンバーワン・チューンとなり、ほぼ一年中チャートのトップに君臨した。ミュージシャン兼編曲家のアンディ・ギブソンが作曲したこの曲は、際どく下品な内容だったため「ダーティ・ブギー」と呼ばれた。^{[ 30 ]}ポール・ウィリアムズと彼のハックルバッカーズのコンサートは、汗だくで騒々しいもので、何度も中止になった。ロイ・アルフレッド（後に1955年のヒット曲「ロックンロール・ワルツ」を共作）による歌詞は、やや性的な示唆を含んでおり、フィラデルフィアのあるティーンエイジャーは「ハックルバックはとても下品なダンスだった」と語った。^{[ 31 ] [ 32 ]}また1949年には、1920年代のブルース曲「Ain't Nobody's Business 」の新バージョンがジミー・ウィザースプーンのヒット曲で4位となり、ルイ・ジョーダンとティンパニー・ファイブは「 Saturday Night Fish Fry 」で再びトップ5入りを果たした。^{[ 33 ]}これらのヒットレコードの多くは、サヴォイ（1942年設立）、キング（1943年設立）、インペリアル（1945年設立）、スペシャリティ（1946年設立）、チェス（1947年設立）、アトランティック（1948年設立）などの新しい独立系レコードレーベルからリリースされた。^{[ 22 ]}

アフリカ系アメリカ人の音楽は、 1800年代にキューバのコントラダンサ（キューバ国外ではハバネラとして知られる）の人気とともに、アフロキューバンのリズムモチーフを取り入れ始めた。^{[ 34 ]}ハバネラのリズムは、トレシージョとバックビートの組み合わせと考えることができる。

ケークウォーク、ラグタイム、プロトジャズが形成・発展した四半世紀以上にわたり、キューバのジャンルであるハバネラはアフリカ系アメリカ人のポピュラー音楽に常に存在感を示していた。^{[ 35 ]}ジャズのパイオニアであるジェリー・ロール・モートンは、トレシージョ／ハバネラのリズム（彼が「スペイン風」と呼んだもの）をジャズの必須要素と考えていた。^{[ 36 ]}リングシャウトの手拍子や足踏みのパターン、南北戦争後のドラムとファイフの音楽、ニューオーリンズのセカンドライン音楽など、アフリカ系アメリカ人のフォーク音楽の中には、トレシージョに似たリズムの例が見られる。^{[ 37 ]}ウィントン・マルサリスは、トレシージョをニューオーリンズの「クラーベ」と見なしている（ただし、厳密には、そのパターンはクラーベの半分に過ぎない）。^{[ 38 ]}トレシージョはサハラ以南アフリカの音楽伝統における最も基本的な2拍子のリズム単位であり、アフリカ系アメリカ人の音楽におけるその使用は、米国におけるアフリカのリズム保持の最も明確な例の1つである。^{[ 39 ]}トレシージョの使用は、北米の大衆文化に取り入れられたキューバ音楽の連続的な波によって継続的に強化された。1940年、ボブ・ザークはトレシージョのベースラインを持つブギウギである「ラムブギー」をリリースし、歌詞はキューバのリズムの採用を誇らしげに宣言している。

ハーレムに新しいリズムが生まれたんだ、ダンスフロアは熱く燃え上がってるよ！ ルンバのリズムにブギウギを加えて、ほら見て！ ルンブギ、キューバのシンコペーションを取り入れたハーレムの新しい創作、キラーなんだ！ 両足を両側にしっかりと踏みしめて、腰と肩を滑らせる。それから体を後ろに反らせて乗るんだ。ルンブギ、ルンブギ、ブギウギに勝るものはない。ハーレムでもハバナでも、昔のサバンナにキスできるよ。キラーなんだ！^{[ 40 ]}

ミシシッピ川河口の大都市ニューオーリンズを起源とするニューオーリンズ・ブルースは、アフロ・カリブのリズム的特徴を持ち、ミシシッピ・デルタ・ブルースとは明確に区別される。^{[ 41 ]} 1940年代後半、ニューオーリンズのミュージシャンたちは、R&Bがまさに形成され始めた時期に、キューバの影響を特に強く受けていた。^{[ 42 ]} R&Bでトレシージョが初めて使われたのはニューオーリンズである。アルバム『 Don't Explain』でR&Bをサンプリングしたロバート・パーマーは、次のように回想している。

ニューオーリンズのプロデューサー兼バンドリーダーのデイヴ・バーソロミューは、 1949年の自身のレコード「カントリー・ボーイ」でこのフレーズ（サックスセクションのリフとして）を初めて使用し、その後、1950年代のロックンロールで最も多用されたリズムパターンにするのに貢献した。ファッツ・ドミノ、リトル・リチャードなどの数多くのレコーディングで、バーソロミューはこの3音の繰り返しパターンをコントラバスだけでなく、エレキギターやバリトンサックスにも割り当て、非常に重厚な低音を作り出した。彼は、 キューバのレコードでベースパターンとしてこのフレーズを初めて聴いたことを覚えている。^{[ 43 ]}

1988年のインタビューで、バーソロミュー（最初のR&Bスタジオバンドを率いていた）^{[ 44 ]}は、彼が最初にどのようにトレシージョをスウィングのリズムに重ね合わせたかを明らかにした。

私は「ルンバ」のレコードでそのパートをベースが演奏しているのを聴きました。「カントリー・ボーイ」では、ベースとドラムでストレートなスウィングのリズムを演奏し、そのスウィングのリズムの上にサックスが演奏する「ルンバ」のベースパートを書きました。その後、特にロックンロールが登場してからは、「ルンバ」のベースパートをどんどん重くしていきました。コントラバス、エレキギター、バリトンサックスをすべてユニゾンで演奏するようにしました。^{[ 45 ]}

バーソロミューはキューバのソンをルンバという誤称で呼んだが、これは当時よくあることだった。バーソロミューがプロデュースしたファッツ・ドミノの「ブルー・マンデー」は、R&Bにおけるトレシージョのこの今では古典的な使用例のもう1つである。バーソロミューの1949年のトレシージョをベースにした「オー・クバナス」は、アフリカ系アメリカ人とアフロ・キューバンの音楽を融合させようとした試みである。レコードレーベルには、他のどのテキストよりも大きく「マンボ」という単語が目立つように配置されている。ニューオーリンズのピアニスト、プロフェッサー・ロングヘアは、自身の作曲「ミザリー」で、左手でハバネラのようなフレーズを演奏している。^{[ 46 ]}巧みな三連符の使用は、ロングヘアのスタイルの特徴である。

ゲルハルト・クビクは、ニューオーリンズを除いて、初期のブルースには複雑なポリリズムがなく、20世紀初頭のアフリカ系アメリカ人音楽のほぼすべてにおいて、非対称なタイムラインパターン（キーパターン）が非常に明確に欠如していたと指摘している。ニューオーリンズのいくつかのジャンルでのみ、一時的ないわゆる「ストンプ」パターンやストップタイムコーラスの形で、単純なタイムラインパターンの兆候が時折現れる。これらはアフリカのタイムラインと同じようには機能しない。^{[ 47 ]} 1940年代後半、2セルのタイムライン構造がブルースに取り入れられると、この状況はいくらか変化した。バーソロミューやロングヘアなどのニューオーリンズのミュージシャンは、「カーニバル・デイ」（バーソロミュー 1949）や「マルディグラ・イン・ニューオーリンズ」（ロングヘア 1949）などの曲で、キューバの楽器やクラーベパターン、関連する2セルの数字を取り入れた。初期の実験の中にはぎこちない融合もあったが、アフロ・キューバンの要素は最終的にニューオーリンズ・サウンドに完全に統合された。 

1940年代、ロングヘア教授は島々のミュージシャンの演奏を聴き、彼らと演奏し、「ペレス・プラードのマンボレコードの魅力に取り憑かれた」^{[ 48 ]。}特にアフロ・キューバ音楽に魅了された。マイケル・キャンベルは次のように述べている。「ロングヘア教授の影響は …広範囲に及んだ。初期の録音のいくつかで、ロングヘア教授はアフロ・キューバのリズムとリズム・アンド・ブルースを融合させた。最も顕著な例は『ロングヘアのブルース・ルンバ』で、ストレートなブルースにクラーベのリズムを重ねている。」^{[ 49 ]}ロングヘアの独特なスタイルは地元ではルンバ・ブギーとして知られていた。^{[ 50 ]}彼の「ニューオーリンズのマルディグラ」では、ピアニストはルンバ・ブギー「グアヘオ」で2-3クラーベのオンビート/オフビートのモチーフを使用している。^{[ 51 ]}

キューバ音楽のシンコペーションされたストレートな細分化の感覚（スウィングした細分化とは対照的）は、この時期にニューオーリンズのR&Bに根付いた。アレクサンダー・スチュワートは、ポピュラーな感覚は「ニューオーリンズからジェームス・ブラウンの音楽を経て、1970年代のポピュラー音楽へと受け継がれた」と述べ、さらに「第二次世界大戦後にニューオーリンズから生まれた独特のリズム＆ブルースのスタイルは、ファンクの発展に重要な役割を果たした。関連する発展として、アメリカのポピュラー音楽の根底にあるリズムは、三連符やシャッフルの感覚から、均等な八分音符へと、基本的ではあるが一般的には認識されていない変化を遂げた」と付け加えている。^{[ 52 ]}さまざまなファンクのモチーフに関して、スチュワートは、このモデルは「 （クラーベやトレシージョのような）タイムラインとは異なり、正確なパターンではなく、より緩やかな組織原理である」と述べている。^{[ 53 ]}

ジョニー・オーティスは1951年1月にR&Bマンボ「マンボ・ブギー」をリリースした。この曲はコンガ、マラカス、クラベス、マンボサックスのグアヘオをブルース進行で使用している。^{[ 54 ]}アイク・ターナーはエレクトリックギターのインストゥルメンタル「キューバノ・ジャンプ」（1954年）を録音した。この曲はマンボから取り入れた2～3のクラベのフレーズを中心に構成されている。ホーケッツは「マルディグラ・マンボ」（1955年）（若き日のアート・ネヴィルのボーカルをフィーチャー）で、イントロ後のブレイクでペレス・プラードのトレードマークである「ウンッ！」を使用することで、明らかにペレス・プラードに言及している。^{[ 55 ]}

ネッド・サブレットは、「エレクトリック・ブルースのミュージシャンたちはラテン音楽をよく知っていて、ルンバ・ブルースというものが確かに存在した。マディ・ウォーターズやハウリン・ウルフが演奏しているのを聴けば分かる」と述べている。^{[ 56 ]}また、彼はオーティス・ラッシュ、アイク・ターナー、レイ・チャールズを、このフィーリングを取り入れたR&Bアーティストとして挙げている。^{[ 56 ]}

R&Bにおけるクラベの使用は、バックビートの優位性の高まりと、米国におけるキューバ音楽の人気上昇と同時期に起こった。ある意味では、クラベはトレシージョ（3面）にバックビート（2面）が応答する形に要約できる。^{[ 57 ]}

「Bo Diddley beat 」（1955年）は、おそらく3-2クラベとR&B/ロックンロールの最初の真の融合である。Bo Diddleyは、このリフの起源についてさまざまな説明をしている。Subletteは、「当時の状況、特に（レコードで聴かれる）マラカスを考慮すると、『Bo Diddley』はラテン色のレコードとして理解されなければならない。同じセッションで録音された却下された曲は、トラックシートに『Rhumba』とだけ記載されていた」と断言している。^{[ 56 ]} Johnny Otisの「Willie and the Hand Jive」（1958年）も、3-2クラベとR&Bのこの成功した融合のもう1つの例である。Otisはこの曲でキューバの楽器であるクラベスとマラカスを使用した。

アフロキューバ音楽は、クラベのような2セルのリズムパターンや、コンガドラム、ボンゴ、マラカス、クラベスなどのアフロキューバ楽器の採用を通じて、アフリカ系アメリカ人の音楽が「再アフリカ化」される経路となった。ジョン・ストーム・ロバーツによれば、R&Bはキューバの要素を大衆音楽に取り戻す手段となった。^{[ 58 ]}アトランティック・レコードのプロデューサー、アーメット・アーティガンは、「アフロキューバのリズムは、R&Bの基本的な推進力に彩りと興奮を加えた」と述べたと伝えられている。^{[ 59 ]}しかし、ネッド・サブレットが指摘するように、「1960年代までに、キューバは今日まで続く米国の禁輸措置の対象となり、この島国は音楽の源泉として忘れ去られていた。人々がロックンロールの歴史について語り始めた頃には、キューバ音楽は北米の意識から消え去っていた。」^{[ 60 ]}

当初、R&B レコードを購入していたのはアフリカ系アメリカ人だけでした。アトランティック・レコードのジェリー・ウェクスラーによれば、売上はアフリカ系アメリカ人市場に限定されており、白人による販売やラジオでの放送はありませんでした。1950 年代初頭、より多くの白人のティーンエイジャーが R&B に気づき、その音楽を購入し始めました。例えば、ロサンゼルスのアフリカ系アメリカ人地区にあるドルフィンズ・オブ・ハリウッド・レコード・ショップの 1952 年の売上の 40% は白人によるものでした。最終的に、全米の白人のティーンエイジャーは音楽の好みをリズム・アンド・ブルースへと向けるようになりました。^{[ 61 ]}

ニュージャージー州ニューアークを拠点とするサヴォイ・レコードと契約していたジョニー・オーティスは、1951年に「ダブル・クロッシング・ブルース」、「ミストラスティン・ブルース」、「キューピッズ・ブギー」など多くのR&Bヒットを生み出し、いずれもその年にナンバーワンを獲得した。オーティスはその年にトップ10ヒットを10曲獲得した。その他のヒットには「ジー・ベイビー」、「マンボ・ブギー」、「オール・ナイト・ロング」などがある。^{[ 62 ]}ボーカル・カルテットと伴奏ギタリストからなる五人組のザ・クローバーズは、ブルースとゴスペルの独特な組み合わせを歌った。^{[ 63 ]}彼らはアトランティック・レコードから「ドント・ユー・ノウ・アイ・ラブ・ユー」を出し、その年の5位ヒットとなった。^{[ 62 ] [ 64 ] [ 65 ]}また、1951 年 7 月、オハイオ州クリーブランドの DJアラン・フリードは、 WJW (850 AM)で「ザ・ムーンドッグ・ロック・ロール・ハウス・パーティー」という深夜ラジオ番組を開始した。 ^{[ 66 ] [ 67 ]}フリードの番組は、主にアフリカ系アメリカ人の顧客を抱える R&B レコード店を経営するフレッド・ミンツがスポンサーを務めていた。フリードは、自分が流すリズム・アンド・ブルース音楽を「ロックンロール」と呼ぶようになった。

1951年、リトル・リチャード・ペニマンはRCAレコードで、1940年代後半のスター、ロイ・ブラウンやビリー・ライトのジャンプ・ブルース・スタイルでレコーディングを開始した。しかし、1954年にスペシャリティ・レコードの目に留まったデモを録音するまで、世界は彼の新しいアップテンポでファンキーなリズム・アンド・ブルースを耳にすることはなかった。この曲は1955年に彼を一躍有名にし、ロックンロールのサウンドを定義するのに役立った。その後、「Tutti Frutti」^{[ 68 ]}や「Long Tall Sally 」などのリズム・アンド・ブルースのヒット曲が次々と生まれ、ジェームス・ブラウン^{[ 69 ]} 、エルヴィス・プレスリー^{[ 70 ]}、オーティス・レディング^{[ 69 ]}などのパフォーマーに影響を与えた。

Also in 1951, the song Rocket 88 was recorded by Ike Turner and his Kings of Rhythm at a studio owned by Sam Phillips with the vocal by Jackie Brenston. This song is often cited as a precursor to rock and roll or as one of the first records in that genre.^[71] In a later interview, however, Ike Turner offered this comment: "I don't think that 'Rocket 88' is rock 'n' roll. I think that 'Rocket 88' is R&B, but I think 'Rocket 88' is the cause of rock and roll existing".^[72]

Ruth Brown, performing on the Atlantic label, placed hits in the top five every year from 1951 through 1954: "Teardrops from My Eyes", "Five, Ten, Fifteen Hours", "(Mama) He Treats Your Daughter Mean" and "What a Dream".^[63]Faye Adams's "Shake a Hand" made it to number two in 1952. In 1953, the R&B record-buying public made Big Mama Thornton's original recording of Leiber and Stoller's "Hound Dog"^[73] the year's number three hit. Ruth Brown was very prominent among female R&B stars; her popularity most likely came from "her deeply rooted vocal delivery in African American tradition".^[74][75] That same year The Orioles, a doo-wop group, had the number four hit of the year with "Crying in the Chapel".^[76]

Fats Domino made the top 30 of the pop charts in 1952 and 1953, then the top 10 with "Ain't That a Shame".^[77][78]Ray Charles came to national prominence in 1955 with "I Got a Woman".^[79]Big Bill Broonzy said of Charles's music: "He's mixing the blues with the spirituals ... I know that's wrong."^[7]:173

In 1954 the Chords' "Sh-Boom"^[80] became the first hit to cross over from the R&B chart to hit the top 10 early in the year. Late in the year, and into 1955, "Hearts of Stone" by the Charms made the top 20.^[81]

At Chess Records in the spring of 1955, Bo Diddley's debut record "Bo Diddley"/"I'm a Man" climbed to number two on the R&B charts and popularized Bo Diddley's own original rhythm and blues clave-based vamp that would become a mainstay in rock and roll.^[82]

At the urging of Leonard Chess at Chess Records, Chuck Berry reworked a country fiddle tune with a long history, entitled "Ida Red".^[83] The resulting "Maybellene" was not only a number three hit on the R&B charts in 1955, but also reached into the top 30 on the pop charts. Alan Freed, who had moved to the much larger market of New York City in 1954, helped the record become popular with white teenagers. Freed had been given part of the writing credit by Chess in return for his promotional activities, a common practice at the time.^[84]

R&B was also a strong influence on rock and roll.^[85] A 1985 article in The Wall Street Journal, titled, "Rock! It's Still Rhythm and Blues" reported that the "two terms were used interchangeably" until about 1957. The other sources quoted in the article said that rock and roll combined R&B with pop and country music.^[86]

Fats Domino was not convinced that there was any new genre. In 1957, he said, "What they call rock 'n' roll now is rhythm and blues. I've been playing it for 15 years in New Orleans".^[87] According to Rolling Stone, "this is a valid statement ... all Fifties rockers, black and white, country born and city bred, were fundamentally influenced by R&B, the black popular music of the late Forties and early Fifties".^[88]

1956 年、R&B の「トップ スターズ オブ '56」ツアーが行われ、ヘッドライナーはアル・ヒブラー、フランキー・ライモン・アンド・ザ・ティーンエイジャーズ、そしてR&B 音楽の購入者に大人気だった「ブルー・スエード・シューズ」のカール・パーキンスでした。 ^{[ 89 ]}出演者には、チャック・ベリー、キャシー・カー、シャーリー＆リー、デラ・リース、サム「T-バード」ジェンセン、ザ・クレフトーンズ、イリノイ・ジャケのビッグ・ロッキン・リズム・バンドを従えたザ・スパニエルズなどがいました。^{[ 90 ]}ツアーで訪れた都市には、サウスカロライナ州コロンビア、メリーランド州アナポリス、ペンシルベニア州ピッツバーグ、ニューヨーク州シラキュース、ロチェスター、バッファローなどがありました。コロンビアでは、パーキンスが最後の曲を歌い始めたときにコンサートが暴動寸前の騒ぎで終わりました。パーキンスは「危険だった。たくさんの子供が怪我をした」と語っている。アナポリスでは、8,000席の満席公演に50,000人から70,000人が参加しようとした。道路は7時間渋滞した。^{[ 91 ]} 映画製作者たちは、1956年から「リズム・アンド・ブルース」ミュージシャンが「ロックンロール」ミュージシャンとして人気を博したことを利用した。リトル・リチャード、チャック・ベリー、ファッツ・ドミノ、ビッグ・ジョー・ターナー、トレニアーズ、プラターズ、フラミンゴスなどが大スクリーンに登場した。^{[ 92 ]}

1957年にはエルヴィス・プレスリーのレコードが2枚、R&Bチャートのトップ5入りを果たした。「Jailhouse Rock」/「Treat Me Nice」が1位、「All Shook Up」が5位だった。これは、黒人によって生み出された音楽ジャンルにおいて、アフリカ系アメリカ人以外のアーティストが前例のないほど受け入れられたことを示している。[ ^{93 ] 1950} 年代初頭にポップチャートで2曲のヒットを飛ばしたジャズピアニストのナット・キング・コール（1950年に「 Mona Lisa」が2位、1951年に「Too Young」が1位）は、1958年にR&Bチャートで「Looking Back」/「Do I Like It」がトップ5入りを果たした。^{[ 94 ]}

1959年、黒人が所有するレコードレーベル2つがデビューした。そのうちの1つは後に大成功を収めることになる。サム・クックのSarとベリー・ゴーディのモータウン・レコードである。^{[ 95 ]}ブルック・ベントンは1959年と1960年にR&Bチャートのトップに立ち、1位を1曲、2位を2曲獲得した。^{[ 96 ]}ベントンの声には温かみがあり、幅広いリスナーを魅了し、彼のバラードは ナット・キング・コール、フランク・シナトラ、トニー・ベネットなどのパフォーマーと比較された。^{[ 97 ]} 1952年に「 Lawdy Miss Clawdy 」で1位を獲得したロイド・プライスは、1959年に「 Stagger Lee 」のバージョンで1位、「Personality」で5位を獲得し、再び優位に立った。 ^{[ 98 ] [ 99 ]}

ビル・ブラック・コンボの白人バンドリーダー、ビル・ブラックは、エルヴィス・プレスリーのキャリアのスタートを助け、1950年代にはエルヴィスのベーシストを務めていたが、「スモーキー・パート2」で黒人リスナーの間でヒットを飛ばした。このシングルは全米ポップチャートで17位、R&Bチャートで1位を獲得し、100万枚以上を売り上げ、RIAAからゴールドディスクを授与された。^{[ 100 ]}ハイ・レコードは初期のレコードにコンボの写真を掲載しなかった。^{[ 101 ]}

Sam Cooke's number five hit "Chain Gang" is indicative of R&B in 1960, as is pop rocker Chubby Checker's number five hit "The Twist".^[99][102] By the early 1960s, the music industry category previously known as rhythm and blues was being called soul music, and similar music by white artists was labeled blue-eyed soul.^[103][95] Motown Records had its first million-selling single in 1960 with the Miracles' "Shop Around",^[104] and in 1961, Stax Records had its first hit with Carla Thomas's "Gee Whiz (Look at His Eyes)".^[105][106] Stax's next major hit, the Mar-Keys' instrumental "Last Night" (also released in 1961), introduced the rawer Memphis soul sound for which Stax became known.^[107] In Jamaica, R&B influenced the development of ska.^[108][109] In 1969, black culture and rhythm and blues reached another great achievement when the Grammys added the Rhythm and Blues category, giving academic recognition to the category.

By the 1970s, the term "rhythm and blues" was being used as a blanket term for soul, funk, and disco.^[110]

1980年代後半から1990年代初頭にかけて、ヒップホップはアメリカの若者の想像力を掻き立て始めた。R&Bは均質化され始め、R&Bのヒット曲のほとんどは、著名なプロデューサーのグループによって制作された。ヒップホップの台頭により、当時のR&Bアーティストは音楽を売ることも、音楽を聴いてもらうことさえ困難になったが、一部のアーティストは「ヒップホップ」のイメージを採用し、そのように宣伝され、しばしば曲にラッパーをフィーチャーした。テディ・ライリー、ガイ、キース・スウェット、トゥデイはニュー・ジャック・スウィングのヒット曲を獲得した。^{[ 111 ]} 1990年、ビルボードはヒップホップ以外のすべての黒人ポピュラー音楽を分類するためにR&Bを再導入した。^{[ 112 ]}アッシャー、R・ケリー、ジャネット・ジャクソン、TLC、アリーヤ、ブランディ、デスティニーズ・チャイルド、テヴィン・キャンベル、メアリー・J・ブライジなどの新しいアーティストは成功を収めた。LaFace RecordsのCEOであるLA Reidは、 Usher、TLC、Toni Braxtonといった1990年代のR&Bの最大の成功のいくつかを担った。その後、ReidはBoyz II Menのマーケティングを成功させた。^{[ 113 ]} 2004年には、R&Bチャートのトップに立った曲の80%がHot 100でもトップだった。この時期は、 Billboard Hot 100とTop 40 RadioにおけるR&Bとヒップホップの史上最高のピークだった。 ^{[ 114 ]} 2005年から2013年頃まで、R&Bの売上は減少した。^{[ 115 ]}しかし、2010年以降、ヒップホップはR&Bサウンドからヒントを得て、よりソフトで滑らかなサウンドを採用し始め、伝統的なR&BをDrakeのようなラッパーと融合させ、このジャンルに全く新しい扉を開いた。このサウンドは人気が高まり、ヒップホップとR&Bの両方で、それをどのように識別するかについて大きな論争を引き起こしました。^{[ 116 ]} 2010年には、ラモント「ショーボート」ロビンソンによって全米リズム＆ブルース殿堂が設立されました。^{[ 117 ]}

• ギリランド、ジョン（1969）。「ショー1」（音声）。ポップ・クロニクルズ。ノーステキサス大学図書館。
• パーマー、ロバート（1995年9月19日）。ロックンロール：型破りな歴史。ハーモニー。ISBN 978-0-517-70050-1。
• サブレッテ、ネッド（2007）。「キングスメンとチャチャチャ」。エリック・ワイズバード編『もう一度聴く：ポップミュージックの瞬間的な歴史』デューク大学出版局。ISBN 978-0822340416。
• ホワイト、チャールズ（2003）。リトル・リチャードの生涯と時代：公認伝記。オムニバス・プレス。