笑いトラック

笑いトラック（または笑いトラック）は、笑い声（およびその他の観客の反応）で構成されるオーディオ録音で、通常はコメディ作品の独立したサウンドトラックとして使用されます。笑いトラックには、ライブの観客の反応、またはショーに挿入するために作られた人工的な笑い声（録音された笑い声または偽の笑い声）、またはその 2 つを組み合わせたものが含まれます。録音された笑い声を使用して笑いトラックを「盛り上げる」方法は、アメリカの音響技師Charles "Charley" Douglassによって初めて採用されました。

ダグラスの笑い声は、米国の主流テレビの標準となり、1950 年代後半から 1970 年代後半にかけて、ゴールデンタイムのコメディ番組やスケッチ コメディのほとんどで使用されました。ダグラスの笑い声の使用は、ステレオ音声による笑い声が開発された 1980 年代までに減少しました。さらに、シングル カメラのコメディ番組では、観客がまったくいなくなりました。録音された笑い声は、視聴者に笑わせるために使用されています。

ラジオやテレビが登場する前は、観客は他の観客がいる中で生のコメディーパフォーマンスを体験していました。ラジオや初期のテレビのプロデューサーは生番組の録音を使用し、その後のスタジオのみの番組では、笑い声やその他の観客の反応をサウンドトラックに取り入れることで、この雰囲気を再現しようとしました。

フロリダ州のWWJBの元オーナー、ジャック・ダズウェルが最初の「笑いレコード」を制作した。^[1]

1946年、ジャック・マリンはラジオ・フランクフルトからマグネトフォン磁気テープレコーダーと50本のテープリールを持ち帰った。このレコーダーはBASFとAEGが1935年からドイツで製造していた磁気テープレコーダーの1つだった。6.5mmテープは1リールあたり20分の高品質アナログオーディオサウンドを録音できた。その後アレクサンダー・M・ポニアトフは彼の会社アンペックスにラジオ制作用にマグネトフォンの改良版を製造するよう命じた。 ^[2] ビング・クロスビーは最終的にこの技術を採用し、毎週決まった時間に予定されていたラジオ番組を事前に録音した。こうすることで番組を生で演奏したり、西海岸の聴衆のために2度演奏したりするのを回避した。

この録音方法の導入により、ポストプロダクション中にサウンドを追加することが可能になりました。長年のエンジニアであり、レコーディングの先駆者であるジャック・マリンは、クロスビーの番組で笑いトラックが発明された経緯を次のように説明しています。

田舎者のコメディアン、ボブ・バーンズが一度番組に出演し、当時としては極めてきわどく、下品な田舎の農場物語をいくつか番組に盛り込んだ。私たちはそれを生で録音したが、どれも大笑いを誘い、笑いが延々と続いたが、そのジョークは使えなかった。今日ではそれらの物語はそれに比べれば穏やかに思えるだろうが、当時のラジオは状況が違っていたため、脚本家のビル・モローは笑いを取っておいてくれと頼んだ。数週間後、彼の番組はあまり面白くなかったので、彼は笑いを救った部分を入れるよう主張した。こうして笑いトラックが生まれた。^[3]

初期のテレビでは、生放送でない番組のほとんどがシングルカメラの 映画製作技術を使用しており、各シーンを異なるカメラアングルから数回撮影して番組を制作していました。^[3]俳優やスタッフの演技は制御できましたが、生の観客が「正しい」瞬間に笑うとは期待できませんでした。また、観客の笑い声が大きすぎたり、笑いが長すぎたりすると判断されることもありました。^[3]

CBSの音響技師チャーリー・ダグラスはこれらの矛盾に気づき、自ら状況を改善することにした。^[4]ジョークが期待通りの笑いを生まなかった場合、ダグラスは追加の笑いを挿入した。生放送の観客があまりに長く笑い続けた場合、ダグラスは徐々に大笑いを止めていった。この編集技術はスウィーティングとして知られるようになり、録音された笑い声は、実際のスタジオ観客が期待したほど強く反応しなかった場合にその反応を補強するために使用される。^[4]逆に、このプロセスは観客の反応を「デスウィーティング」するために使用することができ、不要な大きな笑い声を抑えたり、不適切な拍手を排除したりして、笑い声をプロデューサーが好むストーリー展開方法に近づけることができる。^[5]

CBSで働いていた頃、ダグラスは直径28インチの大きな木製の車輪と、その外側の縁に接着されたテープのリールからなる試作機を製作した。この機械はキーで操作され、キーが車輪の別の戻り止めに当たるまで再生され、完全な笑い声が再生された。この機械は勤務時間中に製作されたため、ダグラスがCBSを辞めると決めた時、CBSは機械の返還を要求した。試作機は使用開始から数ヶ月で壊れてしまった。^{[6]ダグラスは1953年に自身の技術を拡張し、録音されたライブサウンドトラック（主に}『レッド・スケルトン・ショー』のパントマイム部分）から笑い声や拍手を抽出し、録音した音を巨大なテープレコーダーに取り込むようになった。

録音された笑い声は、1台のカメラで撮影された番組に追加される。笑い声トラックを取り入れた最初のアメリカのテレビ番組は、 1950年のシットコム 「ハンク・マッキューン・ショー」だった。他の1台のカメラで撮影された番組、「プライド・オブ・ザ・ファミリー」（ABC、1953-54年）もすぐにそれに続いたが、 ^{[7] 「ザ・}トラブル・ウィズ・ファーザー」 （ABC 、1950 -55年）、「ザ・ビューラ・ショー」（ABC、1950-52年）、「ザ・ゴールドバーグ家」（複数のネットワーク、1949-56年）など、観客や笑い声トラックを取り入れなかった番組もいくつかある。アンソロジーシリーズの「フォー・スター・プレイハウス」では、時折のコメディエピソードで笑い声トラックや観客を使用しておらず、共同プロデューサーのデヴィッド・ニーヴンは笑い声トラックを「無差別な笑い」と呼び、「もし話題に上ったら、私はその考えを却下するだろう。そんなことは起こらないだろうが。機械的なトリックなしで続けていく」と述べた。^[8]

ラフトラックの登場から間もなく、ルシル・ボールとデジ・アーナズは複数の映画カメラを設置して生の観客を入れて撮影する方法を考案した。この方法はもともと、生のスタジオ観客を入れ、ラフトラックは使用しなかった彼らのホームコメディ『アイ・ラブ・ルーシー』^{で採用された。 [4]}生の観客を入れたマルチカメラ番組では、反応を補うために録画した笑い声を使用することがあった。スケッチコメディやバラエティ番組は最終的に生放送からビデオテープに移行し、番組が放送される前に編集が可能になった。電子ダビングが登場する前に録画された観客番組を物理的に編集すると（当時は4重ビデオテープを使用）、サウンドトラックに凹凸やギャップが生じてしまった。^[9]そこでダグラスがこれらのギャップを埋めるよう求められた。

演者もプロデューサーも、徐々に録音済みの笑い声の力に気づき始めた。^[5]初期のポストプロダクション編集セッションを目撃したコメディアンのミルトン・バールは、あるジョークを指摘して「私たちがここでこれをやっている限り、そのジョークは私たちが望んでいた反応を得られなかった」と言ったことがある。ダグラスがその失敗したジョークの後に心のこもった笑いを挿入した後、バールは「ほら？面白いって言ったでしょ」とコメントしたと伝えられている。^[3]コメディアンのボブ・ホープは、テレビスペシャルの1つに取り組んでいるときに、ダグラスの手を自分の手で取り、指を柔らかくする効果を生み出すためにこすり始め、「よし、さあ、笑わせてくれ」と言った。^[10]

メディアが進化するにつれ、生放送のテレビ放送に伴う制作費は高騰した。『アイ・ラブ・ルーシー』や『エド・サリバン・ショー』のように、観客がいるスタジオで撮影することにも限界があった。観客の半分は、座っている場所から番組を見ることができないのだ。ダグラスは、番組全体を通して、ゼロから反応をシミュレートするために雇われた。^[10]プロデューサーはすぐに、観客なしで番組を撮影し、ポストプロダクションで反応を調整する方がはるかに簡単であることに気付いた。監督は当初、反応を挿入する余地を与えなかったため、甘味を加えることが難しく、会話がかき消されてしまった。観客の反応カードには、笑いが無理やりで不自然な感じがすると何度も書かれていた。^[10]脚本家は次第に笑い声に必要なスペースを意識するようになり、それに合わせて脚本のタイミングを合わせるようになった。監督は次第に、まだ聞かれていない観客の反応のための余地を残し、プロデューサーはポストプロダクションの予算を組んだため、ダグラスは編集が楽になった。^[5]

1950年代から1960年代にかけて制作されたテレビのコメディ番組のほとんどは、シングルカメラの手法を採用し、笑い声で観客の不在をシミュレートしていた。^[7]プロデューサーはマルチカメラ形式に幻滅した。当時の共通認識は、生の観客は緊張し、神経質で、合図で笑うことはめったにないというものだった。^[11]

ネットワークの調査によると、笑い声は、シングルカメラの番組をコメディとしてブランド化するために必須であることがわかった。笑い声のトラックがあるとコメディの成功率が高まるかどうかを調べる実験は、1965年にCBSが新しいシングルカメラのシットコム「ホーガンズ・ヒーローズ」を、笑い声トラックありとなしの2つのバージョンで視聴者をテストしたときに行われた。番組のユーモアがやや頭脳的だったこともあり、笑い声トラックなしのバージョンは失敗し、笑い声ありのバージョンは成功した。番組は笑い声トラック付きで放送され、CBSはその後すべてのコメディに笑い声トラックを使用した。^[3]

シットコムの笑い声は番組のスタイルによって異なっていた。番組が奇抜であればあるほど、笑い声もより目立つものとなった。『奥さまは魔女』、『マンスターズ』、『ジニーの夢』、『ビバリーヒルズ青春白書』などの番組は笑い声に大きく依存していたが、『アンディ・グリフィス・ショー』、『ゆかいなブレディー家』、『三人の息子』などのより控えめな番組では、笑い声はより抑制されていた。 『ゲット・スマート』などの特定の番組では、シリーズが進むにつれて笑い声がより目立つようになり、『M*A*S*H』などの番組では、シリーズがよりドラマチックになるにつれて笑い声が抑えられ、手術室のシーンでは笑い声はまったくなかった。^[10]

1960年代半ばまでに、米国のほぼすべてのシットコムは1台のカメラで撮影され、笑い声のトラックが取り付けられました。ジョーイ・ビショップ・ショー、ディック・ヴァン・ダイク・ショー、ルーシー・ショーなど、スタジオの観客を使用しながらも、実際の笑い声を「スウィートニング」で増幅した番組はほんの一握りでした。^[5]

1950年代後半から1970年代前半にかけて、ダグラスは費用がかかり骨の折れる笑いビジネスを独占していた。^[12] 1960年までに、米国のほぼすべてのゴールデンタイムの番組はダグラスによって盛り上げられた。「笑いを入れる」段階になると、プロデューサーはダグラスに、要求された笑いをいつどこに挿入するかを指示した。^[13]必然的に、ダグラスとプロデューサーの間に意見の相違が生じたが、最終決定権はプロデューサーにあった。^[13]指示を受けた後、ダグラスはプロデューサーやスタジオにいる他の誰からも見えないところで、観客を作り上げることに取り組んだ。^[13]

評論家のディック・ホブソンは1966年7月のTVガイドの記事で、ダグラス一家は「街で唯一の笑いのネタ」だと評した。^[13]ダグラスは自分の仕事について秘密主義で有名だったため、テレビ業界で彼が発明品を使っているのを見た人はほとんどいなかった。 ^[14]テレビ業界で最も話題になる人物の一人だった。^[11]

ダグラスは1960年8月にノースリッジ・エレクトロニクスを設立した。この社名はロサンゼルス郊外のサンフェルナンド・バレーにちなんで名付けられた。ダグラス一家はそこに住み、南京錠をかけたガレージで事業を営んでいた。 ^[13]彼らのサービスが必要になると、彼らは編集室に機器を運び込み、電源を入れて作業に取りかかった。^[13]制作スタジオは、ポストプロダクション中にダグラスがスタジオからスタジオへと行き来して作り笑いをミックスするのを見るのに慣れていった。^[12]

ダグラスが開拓した技術的進歩は、チェンバレン・ミュージック・マスターやメロトロンなどの楽器に見られるものとよく似ていた。^[15]彼の洗練されたユニークな装置は、業界では「ラフ・ボックス」という愛称で呼ばれていたが、南京錠でしっかりと施錠され、高さは2フィート以上あり、オルガンのように作動した。^[13]ダグラスは、タイプライターに似たキーボードを使用して、笑いのスタイル、性別、年齢を選択し、ペダルを使用して反応の長さを計った。機械の中には、くすくす笑ったり、よろめいたり、腹の底から笑い声を発するさまざまな録音が入っていた。32のテープ・ループに320の笑い声が録音されており、1ループに10個ずつ入っていた。各ループには、端から端までつなぎ合わされた最大10個の観客の笑い声が含まれ、同時に回転しながらキューを待っていた。^[13]テープはループされていたため、笑い声は同じ順序で繰り返し再生された。音響技師はシットコムを見て、たとえ初めて見るエピソードであっても、次に繰り返される大笑いがどれなのか正確に把握していた。ダグラスは、長さの長いものも短いものも含め、さまざまな笑い声を頻繁に組み合わせていた。注意深い視聴者は、より多様な観客の効果を出すために彼が笑い声を混ぜ合わせようとしていることに気付くことができた。^[11]ダグラスの笑い声は、単に笑っている観客を録音したものではなく、注意深く生成され、ミックスされており、いくつかの笑い声には「ジョークを早く理解した男」や「主婦のくすくす笑い」、「ジョークは理解していないがとにかく笑っている人」など、詳細な特徴が与えられており、これらがすべてブレンドされ、重ね合わされて、問題の番組に反応している実際の観客のような錯覚を生み出していた。男性の深い笑い声が新しい女性の笑い声に置き換えられたり、甲高い女性のくすくす笑い声が男性のクスクス笑いに置き換えられたりした。 [ ^11]あるプロデューサーは、甲高い叫び声を出す女性の笑い声が頻繁に聞こえることに気付き、彼女を「ジャングル・レディ」と呼んだ。ダグラスに定期的に苦情を申し立てた結果、その笑い声はレギュラーラインナップから外された。^[13]

ループには30秒間の「笑い」トラックもあり、これは個々の人が静かに笑うものだった。この「笑い」トラックは笑いを静めるために使用され、常にバックグラウンドで再生されていた。ダグラスが心からの笑いを挿入したとき、彼は笑いトラックの音量を上げて最終ミックスをスムーズにした。この笑いトラックは1967年に45秒に拡大され、後に1970年には60秒に拡大され、1964年、1967年、1970年、1976年に全面的に見直された。ダグラスは、視聴者が時間とともに進化すると信じ、数か月ごとに小さな変更を加えて録音を新鮮に保った。^[13]ダグラスはまた、観客の拍手や「おおー」、「あー」という声、そして座席で動く人々の声（多くのプロデューサーが常に聞こえるようにすることを主張した）を盛り込んだ。^[13]

装置の中身がどのようなものかを知っていたのは、家族の近しい者だけだった^[13] (かつて、「ラフ ボックス」は「世界で最も人気のある、しかしよく隠されたボックス」と呼ばれていた)。^[11]ダグラス家の複数のメンバーが編集プロセスに関わっており、それぞれがジョークに対して異なった反応を示した。チャーリー ダグラスは全員の中で最も保守的だったので、プロデューサーはチャーリーの息子で笑い声の選択にもっと寛容なボブに入札することが多かった。^[13]微妙な質感の変化が、笑い声トラックが示唆する倫理的状況に多大な影響を及ぼす可能性がある。^[16] ダグラスは自分で編集していたので、素材をよく知っていた。彼には数十通りの反応があり、それぞれがどこにあるかを知っていた。ダグラスは効果を高めるために、定期的に笑い声をわずかに速くした。彼の仕事はテレビ業界の多くの人々から高く評価された。^[14]ダグラスは長年にわたり、新しい録音を追加し、廃止されていた古いものを復活させ、その後、新しいトラックを廃止しました。1960年代初期のシットコムで聞かれた笑い声は、数年後の1970年代後半に再び浮上しました。特に1970年代から、ダグラスは更新された笑い声トラックと古い笑い声トラックを交互に使用し始め、時には2つを組み合わせることさえありました。^[14]最大40の異なる笑い声クリップを一度に組み合わせて重ねることができ、実際には同じ笑い声が後で個別に聞こえた場合でも、より大きく大きな反応の効果を生み出しました。^[17]公民権運動が勢いを増すにつれて、ダグラスは笑い声トラックをより多様化し始め、白人アメリカ人とは明らかに異なる音を持つ他の文化の人々の笑い声の例を含めました。^[17]

ダグラスの「ラフボックス」は、所有者が保管ロッカーの賃料を支払わなかったため、2010年にオークションで未公開で購入された。後にカリフォルニア州サンディエゴのアンティークロードショー^{の2010年6月のエピソードで議論され、実演され、その価値は1万ドルと評価された。 [18]}

笑い声のトラックの組み込みは、20 世紀半ばには実写番組を超えて、ゴールデン タイムの厳選されたテレビ アニメ シリーズにも広がりました。この傾向は、シリーズの最初の 4 つのエピソードに限定されていたものの、ロッキーとブルウィンクル ショー(ABC、1959 ～ 1961 年、NBC、1961 ～ 1964 年) で顕著に始まりました。この先駆的な取り組みの後、ハンナ バーベラは同様のアプローチを採用し、1970 年頃までゴールデン タイムのアニメ作品に包括的な笑い声を組み込みました。

ハンナ・バーベラによる笑い声トラックの利用例としては、高く評価されたシリーズである原始家族フリントストーン（ABC、1960～66年）やトップ・キャット（ABC、1961～62年）や宇宙家族ジェットソン（ABC、1962～63年）が挙げられます。さらに、ハンナ・バーベラの真夏のシットコムであるホエア・ハドルズ? （CBS、1970年）やクレイオ・クレストンとMCAのカルビンと大佐（ABC、1961～62年）などの補助的な作品でも、同様に笑い声トラックが使われていました。笑い声トラックの取り入れは、バナナ・スプリット・アドベンチャー・アワー（NBC、1968～70年）に代表されるように、昼間の番組にも広がり、徐々に業界の慣習に沿うようになりました。

1960年代後半から1980年代前半にかけて、土曜朝のジャンルに合わせたコメディーアニメのかなりの割合で、笑い声を入れることが増えました。この傾向は、 1968年にフィルメーション社が『アーチー・ショー』をデビューさせたことで始まり、その後、ランキン・バス、デパティ・フレレング・エンタープライズ（DFE）、ハンナ・バーベラなどの業界の大手企業がこれに倣いました。しかし、笑い声の急増により目新しさと効果が薄れていくと、アニメーションスタジオは1980年代前半までにこの聴覚的装飾への依存を徐々にやめました。この時代の大団円は、フィルメーション社の『ギリガンズ・プラネット』（CBS、1982～83年）の終了で示されました。これは、笑い声をフレームワークに組み込んだ土曜朝のアニメシリーズの集大成です。

昼間の時間帯だったため、『バナナ・スプリット』は、土曜日の朝の時間帯に放送されるアニメ番組で、チャールズ・ダグラスの笑いトラック技術をハンナ・バーベラが利用する先駆けとなりました。この移行は、 1969年の『スクービー・ドゥー、どこだ?』 (CBS、1969-70)のデビューから始まり、ダグラスの笑いトラックがハンナ・バーベラの土曜日の朝のラインナップに初めて組み込まれたことを記念しました。この革新が好評だったことに勇気づけられ、ハンナ・バーベラは、1970-71年シーズンの自社作品の大半に笑いトラックを組み込みました。笑いトラックの使用範囲の拡大は、ハーレム・グローブトロッターズ(CBS、1970-71)やジョシーとプッシーキャッツ(CBS、1970-71)などのシリーズを含む、ハンナ・バーベラのアニメ作品の幅広い範囲に及びました。ダグラスの技術をこのように戦略的に導入したことは、重要な土曜朝の番組枠でアニメコンテンツのコメディの魅力と視聴者の関心を高めるというハンナ・バーベラの取り組みを反映したものでした。

ピンク・パンサー・ショー（NBC、1969年 - 1978年、ABC、1978年 - 1980年）は、同業他社の中では異例の存在でした。過去に劇場公開された作品の編集版であるこの番組は、30分のショーケースという形式を採用し、DFEのさまざまな劇場用短編映画、たとえば『インスペクター』 、『アリとツチブタ』、『ティファナ・ヒキガエル』 （文化的な感受性によりテレビ放送では『テキサス・ヒキガエル』に改名）を融合しました。注目すべきことに、これらの短編映画のオリジナルの劇場版には笑い声が組み込まれていませんでした。しかし、NBCはテレビ放映にそのような音声要素を含めることを義務付けました。その結果、放送用にコンテンツを適応させるために笑い声が追加されたのですが、これはネットワークの好みと視聴者の期待に基づいた決定でした。その後、1982年にDFEの劇場版がシンジケート化された際、原作の芸術的完全性を保ちつつ、サウンドトラックを元の状態に復元する取り組みが行われた。時が経つにつれ、これらの短編映画の再パッケージ化により劇場版とテレビ版の両方が利用できるようになり、それぞれの反復に伴う多様な聴覚体験が保存されている。この傾向の例外としては、ミスタージョーとクレイジーレッグス・クレインがある。これらはテレビ専用に制作され、劇場公開されることはなかったため、笑い声のトラックのみが存在するバージョンとなっている。 ^[19]

フィルメーションの先例に倣い、プロデューサーのシドとマーティ・クロフトは、ダグラスの笑い声トラック技術をテレビ番組に採用しました。決定的な瞬間は、 1969 年にHR Pufnstufの制作が開始された時でした。エグゼクティブ プロデューサーのサイ・ローズが、笑い声トラックの挿入を主張し、笑い声トラックのないコメディは本質的に不利であると考えました。この説得により、ダグラスの笑い声トラックがHR Pufnstuf に取り入れられ、その後のクロフトの土曜朝のテレビ番組に取り入れられるようになりました。

その後、クロフト兄弟は、ドラマチックな「Land of the Lost」シリーズを除く、土曜朝のテレビ番組のすべてにダグラスの協力を得た。この共同作業は、The Bugaloos、Lidsville、Sigmund and the Sea Monsters、The Lost Saucer、Far Out Space Nutsなど、さまざまな作品に広がった。ハイコンセプトの子供向け番組から生放送のバラエティ番組に移行した後も、クロフト兄弟は音声補正のためにダグラスとの共同作業を続けた。ダグラスの専門知識の恩恵を受けた有名なバラエティ番組には、Donny and Marie、The Brady Bunch Variety Hour、The Krofft Supershow、The Krofft Superstar Hour、Pink Lady and Jeff、Barbara Mandrell and the Mandrell Sisters、Pryor's Place、および1987年のシンジケートコメディDC Follies がある。

土曜日の朝のテレビ番組に笑い声を組み込むという慣習が広まるにつれ、ダグラスはレパートリーをさまざまな子供の笑い声にまで広げていった。「子供の笑い声」と呼ばれるこれらの音声ライブラリへの追加は、1973年のシンジケートテレビスペシャル「ハリウッドボウルでのシドとマーティ・クロフトの世界」のオーディオ強化のために初めて使用されたが、1974年までには「アンクル・クロックス・ブロック」、「ジークムントと海の怪物」 、 「ピンク・パンサー・ショー」、「ロスト・ソーサー」、「ファー・アウト・スペース・ナッツ」など、ほとんどの土曜日の朝の子供番組で聞かれるようになった。^[3]

現在ディズニー・チャンネルが制作しているシットコムやスタジオ制作の笑い声は、主に生観客の前で録音されている。^{[20]ディズニーの最大のライバルである} ニコロデオンは、生観客席を備えた元のスタジオ設備を閉鎖して以来、 「iCarly」や「Victorious」などの番組で笑い声を利用している。

1970年初頭までに、チャールズ・ダグラスの笑いのプロダクション事業は利益がどんどん出るようになり、彼のサービスに対する価格設定を調整する決定が下された。しかし、テレビアニメ番組の経済状況は、予算の制約が厳しいシットコムとは大きく異なっていた。^[21]コスト削減の必要性に応えて、アニメーションスタジオ、特にハンナ・バーベラとランキン・バスは、1971年以降、ダグラスのサービスから徐々に撤退し始めた。

これらのスタジオは、作品に笑い声を組み込む必要性を認識しながらも、笑い声を獲得するための代替手段を模索し、さまざまな戦略を採用して独自にカスタム笑い声トラックをコンパイルしました。このような独自の笑い声トラックの採用は、現代の議論や歴史評論家の間でかなりの論争を引き起こし、その信憑性と美的整合性について疑問が投げかけられました。^[11]

しかしながら、この変化する環境の中で、フィルメーション、デパティ・フレレング・エンタープライズ、シド＆マーティ・クロフト・テレビジョン・プロダクションズなどの企業はダグラスとの協力関係を維持し、土曜朝のアニメコンテンツに笑いを増やすために彼の専門知識を活用し続けました。^[11]

アメリカのアニメ制作の先駆者であるハンナ・バーベラは、ダグラスのサービスの利用方法を大きく転換した。スタジオは笑いトラック現象を受け入れ、最初は『原始家族フリントストーン』、『トップ・キャット』、『宇宙家族ジェットソン』などの高く評価されている番組を含むゴールデンタイムのラインナップにそれを組み込んだ。その後、この慣行は昼間の番組にも広がり、特に1968年にはフィルメーションの『アーチーたち』にインスピレーションを得て『バナナ・スプリット』を導入した。1971年より前は、 『スクービー・ドゥー、どこだ?』、『ハーレム・グローブトロッターズ』、『ジョシーとプッシーキャッツ』などのヒットシリーズは、包括的な笑いトラックが広く普及していることが特徴であった。

1971年から1972年のシーズンの初めに、ハンナ・バーベラがマッケンジー・リピーター機を使った限定的な笑い声トラック機構を導入するという微妙なアプローチを採用した時、重要な転換が起こった。最大5つの効果音を周期的に再生できるこの装置は、ダグラスの独特の笑い声を繰り返し再生することを容易にした。聴覚構成は、軽い含み笑いと心の底から笑う笑いが混ざり合ったもので、時折目立つ女性の笑い声が加わり、すべてが金属的な響きで強調されていた。^{[22] [23]}ハンナ・バーベラ・ハッピー・アワーに代表される折衷的なバラエティ番組は、一時的にダグラスに戻って強化されたが、ハンナ・バーベラはその後10年間、土曜朝の番組の大半でこの修正された笑い声トラックの使用を標準化した。^[14]

ハンナ・バーベラの笑い声トラックの影響は、エピソードの内容を超えて、様々なテレビスペシャル、特にABCサタデー・スーパースター・ムービー（ABC、1972-74）にまで及び、将来のコメディー漫画シリーズを紹介するプラットフォームとして機能しました。スタジオは、新スクービー・ドゥー・ムービーの第2シーズンに代表されるように、笑い声トラックの減速などのテクニックを使用して、コメディー効果を高めることがありました。[ ^11]

1972年、ハンナ・バーベラは『お父さんが家に帰るまで待って』の制作で笑い声トラックのダイナミクスに関する実験を続けた。特筆すべきは、この作品では腹の底から笑う笑い声を追加した修正された笑い声トラックが特徴で、これは彼らの標準的な手法とは明らかに異なるものだった。さらに、この場合の笑い声トラックは制作過程で意図的に速度を落とされており、ハンナ・バーベラのテレビ番組のレパートリーの中では特異な出来事であった。^[11]

ハンナ・バーベラの笑いトラックをフィーチャーした土曜朝の番組:

ゴールデンタイムスペシャル/テレビ映画:

ハンナ・バーベラの笑いトラックは、1981年から1982年のテレビシーズン後に廃止されました。

1994 年、ラフトラックの歴史研究家であり、再レコーディング ミキサーでもあるポール アイバーソンは、ハンナ バーベラ トラックの遺産について次のようにコメントしました。

ハンナ・バーベラの笑い声トラックは、ダグラスの作品以上に笑い声トラックの評判を落とした。同じ笑い声トラックを 5 つほど 10 年間繰り返し使用することは、視聴者がどんなに若くても気づかれないままにはいかない。

アイバーソンはこう付け加えた。

ジョシーとプッシーキャッツのエピソードをジョシーとプッシーキャッツ・イン・アウタースペースと並べて観れば、それは痛いほど明らかだ。絶頂期には事実上土曜の朝を独占していたハンナ・バーベラのような強力な会社が、これほど劣悪な笑い声をこれほど長い間吹き替えることで視聴者を軽視していたのは残念だ。^[11]

クリスマスをテーマにした特別番組で特に有名なアニメーションスタジオ、ランキン/バスは、1971年に土曜朝のアニメシリーズ「ジャクソン5ive」に笑い声のトラックを取り入れるという分野に進出しました。ハンナ・バーベラに似たモデルに倣い、ランキン/バスはチャールズ・ダグラスの膨大なライブラリから笑い声のサンプルを抽出し、それを番組のオーディオトラックにシームレスに統合するという手法を採用しました。

当初、笑いの部分は、音の変調がなく、その使用がやや不調和でした。抑制されたユーモアの例では、不釣り合いなほど激しい反応が引き起こされ、物語の自然な流れが乱されることがよくありました。さらに、会話の途中で笑いが自然に起こり、コメディー効果がさらに損なわれる例もありました。

しかし、スタジオはアプローチを洗練させるという熱意を示し、第 2 シーズンの取り組みにそれが表れています。ダグラスの 1971 ～ 1972 年の最新ライブラリから綿密にキュレーションすることで、ランキン/バスはより繊細で文脈に即した笑いのセグメントを導入しました。特に、改善されたセレクションは、より大きな変調度を特徴としており、番組のコメディのタイミングとのより調和のとれた統合を確実にしています。ランキン/バスが行ったサウンド エンジニアリングの強化により、笑いのトラックとアニメーション シーケンスの同期がさらに最適化されました。

この改良された手法はジャクソン5だけに限定されず、同時にランキン/バスの別の作品であるオズモンズ（ABC、1972年）にも適用されました。ハンナ・バーベラの笑い声によく見られる金属的な音色とは異なり、ランキン/バスはより多様な笑い声のサンプルを提供することで、視聴者の聴覚体験を豊かにしようと努めました。^[11]

最終的に、ランキン/バスによる笑い声トラックの使用は一時的に制限され、前述のシリーズの制作終了とともに中止されました。この決定は、スタジオがテレビ番組制作の文脈内でオーディオ強化のこの特定の側面について行った実験の集大成となりました。^[11]

マペット・ショーの予備的な「サイレント」パイロットから公式シリーズへの移行は、コメディーの表現方法の転換点となった。笑い声を番組の枠組みに組み込むというユニークな方法ではあったが、この番組は前作とは一線を画していた。バラエティ番組に内在するヴォードヴィリアンのエッセンスを取り入れることで、視聴者はマペットのふざけた行動だけでなく、劇場の観客の様子やその反応も垣間見ることができた。^[24]

イギリスのATV エルストリー スタジオに拠点を置く制作チームは、ジム ヘンソンの指導の下、独特の聴覚体験を確実にするための対策を講じました。以前の作品で使用していた事前に録音された笑い声とは異なり、最初のエピソードでは、キャストやスタッフの実際の反応から得た新鮮な笑い声や拍手が細心の注意を払って選ばれました。この斬新なアプローチは、本物らしさの雰囲気を醸し出すだけでなく、視聴者に番組が生の観客の前で演じられているという認識を植え付けました。この錯覚にもかかわらず、ヘンソンは、制作の複雑さを考えると生の観客は現実的ではないことを認め、他のテレビ番組が直面している同様の課題と類似点を挙げました。ヘンソンは、このシリーズはボードビルからインスピレーションを受けているため、笑い声を入れることは必須だったと指摘したが、それは簡単なことではなかったと認めている。「初期のショーを見ると、本当に恥ずかしくなります。後になって笑い声の盛り上げ方がうまくなりましたが、うまくやること、観客が笑っているという現実を作り出すことは常に難しいことです。」^[24]

笑い声の導入には懐疑的な意見もあった。ヘンソンは当初、マペットシリーズとの相性に疑問を抱いており、パイロット版のドライバージョンと笑い声を強調したバージョンの両方を試した後、コメディー効果を高める上での有効性を認めた。笑い声の利用は『マペット・ショー』の特徴的な特徴となり、物語の中で第四の壁を破るキャラクターによって時折認められた。シリーズの第4話では、ゲストのルース・バジから、カエルのカーミットがギャグやルーティンが番組に十分面白いと思うかと尋ねられ、カメラに向かって「それは笑い声次第だ」と答えた。ゲストのスティーブ・マーティンをフィーチャーしたシーズン2のエピソードでは、その夜は番組がキャンセルされ、新しい演技のオーディションが行われたというコンセプトをサポートするために、笑い声を一切使用しなかった。聞こえる笑い声はマペットの出演者自身のものだけだった。^[25]

1981年に『マペット・ショー』が終了した後、その後のマペット作品は製作場所を米国に移した。この移転は、英国でのATVフランチャイズの商業化の終了と、ショーの出資者であるルー・グレード卿がテレビ事業から撤退したことがきっかけとなった。ヘンソンのオリジナルの笑い声トラックがなくなったため、その後の作品では観客の反応をダグラスの専門知識に頼るようになり、この伝統は息子のロバートによってその後のマペット作品にも引き継がれ、ファンタスティック・ミス・ピギー・ショーやマペット30周年記念、ディズニーの後援によるマペット・トゥナイトなどの特別なワンショット作品も含まれる。

録音された笑い声の使用は1960年代にピークを迎えた。しかし、一部のプロデューサーは、生の観客の前で撮影されることを想定していないシットコムの運営に不安を感じていた。その一例が、テレビドラマ「ルーシー」のベテランでルシル・ボールの元夫であるデジ・アーナズで、彼は以前に「アイ・ラブ・ルーシー」の共同プロデューサーを務めていたため、生のシットコムには慣れていた。ボールが「ルーシー・ショー」と「ディック・ヴァン・ダイク・ショー」で成功したのを真似て、アーナズは「The Mothers-in-Law」（NBC、1967年 - 1969年）をプロデュースした。これはデシル・スタジオで生の観客の前で録音されたが、ポストプロダクションで甘いトラックを補うためにダグラスを雇った。^[26] 1年後、「The Good Guys」（CBS、1968年 - 1970年）も同じフォーマットに従おうとした。最初の数話は生で撮影されたが、制作とロケ地の変更により、シーズン1の残りの期間は複数のカメラの使用をやめ、笑い声のみで撮影せざるを得なくなった。この状況はシーズン2まで続いたが、視聴率が低かったため1970年に打ち切りとなった。^[27]

部分的に生の観客の前で収録されるようになった別の番組は、ジョージ・シュラッターのスケッチ・コメディ『ローワン&マーティンのラフ・イン』（NBC、1968年 - 1973年）とそのライバルである『ヒーホー』（CBS、1969年 - 1971年、シンジケーション、1971年 - 1993年）である。ラフ・インは、その制作方法の点で当時の他のコメディ番組の中でも謎の多い番組となった。1967年のパイロット版と最初のシーズンの最初の数エピソードでは、スタジオの観客が舞台上のアンサンブルのコメディー・ルーチンに反応するのを取り上げ、事前に収録されたショットでは主にダグラスの笑い声を使った。最終的に、番組のマラソン・セッションの費用がますます高くなると、シュラッターはもはや観客に収録に参加することを要求しなくなった。代わりに、出演者の親族、スタッフ、それでも参加することを選んだ人々、そして出演者自身がスタジオの観客を構成し、番組はダグラスの笑い声に大きく依存するようになった。ダグラスは観客の反応を真似て、曲に合わせて笑いを多様化させた。彼はこの効果を1973年の番組終了まで、そして『ヒーホー』の初期のシーズンでも使い続けた。^[28]

シングルカメラ方式への風潮に逆らい続けた他の番組としては、ルシールズ・ボールの次の転生したシットコムである『Here's Lucy』（CBS、1968-74年）がある。^[29]当時の他のシットコムとは異なり、『Here's Lucy』は1960年代後半の社会的、文化的時代精神を取り入れた最初のシットコムの1つとなり、ハリウッドの古参からポップやロックのミュージシャン、アスリートまで幅広いゲストスターを起用した（ジョー・ネイマス、ドニー・オズモンド、ペトゥラ・クラークなど）。より都会的な設定を中心にしたエピソードに重点を置いたことで、CBSが1970年代初頭までに目指していたものの先駆けとなった。^[30]

1970年代は、田舎を舞台にした番組（ 『ビバリーヒルズ青春白書』、『グリーン・エーカーズ』、『メイベリーRFD』など）の衰退と、社会問題をテーマにした番組（『オール・イン・ザ・ファミリー』 、『M*A*S*H』、『モード』など）の台頭で始まった。CBSが新しいイメージを刷新するきっかけとなったのは、シットコム『Here's Lucy』の成功と、その新たなヒット作『メアリー・タイラー・ムーア・ショー』（CBS、1970年 - 1977年）であった。このシリーズのパイロット版「Love is All Around」は、当初はシングルカメラ方式で撮影されていた。その結果はムーアやプロデューサーにとって満足のいくものではなく、その後、複数のカメラに切り替えることを決定した。最初の数エピソードは夏の終わりに録画されたため、パイロット版の最初の録画は断熱不良と音声不良のため不評だった。こうして批評家の評価は向上し、番組はその後マルチカメラ形式を採用し、7年間の放送期間中に大成功を収めた。^[31]

ライブ観客の復活が徐々に定着し始めた。多くのシットコムがシングルカメラの映画スタイルのフォーマットから離れ、マルチカメラフォーマットに戻り、ライブスタジオの観客が本物の笑いを提供するようになった。プロデューサーは、コメディのリズムが良く、より良いジョークを書くのに役立つため、その方が楽しいと感じた。クリエイターのノーマン・リアの「オール・イン・ザ・ファミリー」（CBS、1971-1979）は、1971年にこれに倣った。ライブで録画されたリアはより自発的だった。スタジオの観客にパフォーマーのように振舞ってもらい、2人がお互いに信頼関係を築くことを期待した。リアは事前に録画された観客が好きではなかったため、笑い声のトラックは使用されなかった。失敗したジョークを盛り上げる余裕があったポストプロダクションの段階でも使用されなかった（リアは後のシーズンでいくらか容認し、ダグラスが時折笑い声を挿入することを許可した）。^[11]リアーの決断により、番組は大成功を収め、アメリカのシットコムの主流に生の観客が戻ってくるきっかけとなった。彼の主張を明確にするため、毎週のエンドロールで「オール・イン・ザ・ファミリーは生の観客の前でテープに収録された」とアナウンスされたり、生の観客が番組の収録に参加しなくなった番組の最終シーズンには「オール・イン・ザ・ファミリーはスタジオの観客に生で反応してもらうために再生された」とアナウンスされたりした。^[11]

ジャック・クラグマンとトニー・ランドールは、観客がいないのに笑い声を使った『おかしな二人』 （ABC、1970-75）の第 1 シーズンに不快感を示した。共同制作者兼製作総指揮者のギャリー・マーシャルも笑い声を使うことを嫌っており、特に演劇のベテランであるランドールは、笑い声を入れるためにオチの間に数秒待たなければならないというプロセスを嫌っていた。制作チームは、「オスカーの新しい人生」のエピソードで笑い声を完全に省くことを試みたが、このエピソードは笑い声なしで放映された（その後、連続性を保つために笑い声はシンジケーションで追加された）。ABC は第 2 シーズンまでに態度を軟化させ、『おかしな二人』は3 台のカメラで撮影され（前シーズンは 1 台のカメラ）、スタジオの観客の前で舞台劇のように上演された。この変更には、劇場内に新しい、より大きなセットを建設する必要もあった。^[32]観客がいるので、ランドールとクラグマンは、その場しのぎの演技を楽しんだ。台詞を言いそこねたり、台詞を台無しにしたりしても、止まることなくそのまま進んだ（ポストプロダクションでいつでも再撮影できた）。さらに、それは番組に、シーズン 1 では欠けていると思われていた^{[誰？ ]}ある種のエッジを与えた。ただし、最小限のスタッフしかいない静かなスタジオとは対照的に、より大きなサウンド ステージにいたため、俳優たちは台詞を大声で言わなければならなかった。^[33]クラグマンは後に、「番組のリハーサルに 3 日を費やした。初日はテーブルを囲んで座った。脚本を徹底的に分析した。ジョークをすべて取り除き、キャラクターに当てはめた。ジョークを残す唯一の理由は、腐った録音された笑い声のためだ。私はそれが嫌いだった。自宅で番組を見ていると、オスカーが入ってきて「やあ」と言うと笑い声が聞こえる。「おい」と私は思う。「一体何をしたんだ？」私はそれが嫌いです。それは観客を侮辱するものです。」^[34]

シットコム『ハッピーデイズ』（ABC、1974-84年）も『おかしな二人』のシナリオを模倣している。最初の2シーズンは笑い声のみを使用していたが、第3シーズンまでに生の観客に切り替えた。^[11]

しかし、番組は完全に生放送というわけではなかった。オール・イン・ザ・ファミリーを除いて、観客の反応のギャップを埋めるために、ポストプロダクション中に音声調整は必要不可欠だった。テレビ/笑い声トラックの歴史家であるベン・グレン2世は、シットコム「アリス」（CBS、1976-85年）の収録を観察し、音声調整の必要性を指摘した。「俳優たちはセリフを間違え続けた。もちろん、3回目か4回目のテイクでは、ジョークはもはや面白くなかった。それを補うために、最終放送版にはダグラスの笑い声が挿入された。」^[14]

しかし、ジェームズ・コマックのようなプロデューサーの中には、リアのアプローチを踏襲した者もいた。ジャッキー・クーパー主演の短命のシットコム『ヘネシー』に関わったコマックは、ダグラスの笑い声トラックを長年批判しており、笑い声があまりにも予測可能で、シットコムのユーモアの効果を阻害する可能性があると考えていた。^[35]コマックは、代わりに音楽を使って、甘美な笑い声を打ち消した。彼は、控えめな笑い声トラックを特徴とする『エディの父の求愛』（ABC、1969年 - 1972年）でこの手法を試した。コマックがプロデュースしたマルチカメラ番組、例えば『チコ・アンド・ザ・マン』（NBC、1974年 - 1978年）や『ウェルカム・バック、コッター』（ABC、1975年 - 1979年）では、場面転換時にBGMの合図を利用し（笑い声を盛り上げるための明らかな場所）、ポストプロダクション中にダグラスの笑い声が頻繁に使用されないようにした。コマックは後に「笑い声を入れずに番組をやろうとすると、大きな違いが分かるだろう...笑い声は平坦になる。笑い声を入れない唯一の方法は、何かが面白いときにそれを知らせることができる音楽を使うことだ」とコメントした。笑い声を甘くすることについては、「それはプロデューサーの趣味、つまりプロデューサーの道徳観によって決まる...しばらくすると、それが無価値だと分かる。極端な場合、人々はそれを聞いて『なぜ笑っているのか』と言い、番組を止めてしまうだろう」と続けた。^[35]

『おかしな二人』、『メアリー・タイラー・ムーア・ショー』、『ハッピー・デイズ』の他に、ダグラスによって魅力が増した（1970年代末までにプラットによっても魅力が増した）他のライブ・シットコムには、『ポール・リンド・ショー』（ABC、1972～73年）、『ボブ・ニューハート・ショー』（CBS、1972～78年）、『モード』（ CBS 、1972～78年）、『ローダ』（CBS、1974～78年）、『バーニー・ミラー』（ABC、1975～82年）、『ラバーン＆シャーリー』（ABC、1976～83年）、『ソープ』（ABC、1977～81年）、『コメディ・ショップ』（シンジケーション、1978～81年）、『モーク＆ミンディ』（ABC、1978～82年）、『タクシー』 （ABC、1978～82年、NBC、1982～83年）、 『チアーズ』（CBS、1983年）などがある。 （NBC、1982–93）およびそのスピンオフであるフレイジャー（NBC、1993–2004）がある。^[11]

1970年代に有名になった「キャロル・バーネット・ショー」、「フリップ・ウィルソン・ショー」、「ディーン・マーティン・ショー」 （その後成功した「ディーン・マーティン・セレブリティ・ロースト」も含む）などのバラエティ番組でも、スケッチ中に演じられるあまり魅力的でないジョークにダグラスの甘言を使い続けた。^[36]

ゲーム番組は1970年代から1980年代初頭にかけて、参加者や司会者が面白いとされる発言をしたが、観客から小さな反応しか得られなかったときによく流され、面白味を帯びるようになった。ダグラスの笑い声は、チャック・バリスのゲーム番組（ザ・ゴング・ショーやザ・ニューリーウェッド・ゲーム^など[37]）で特に聞かれたが、これらの番組は主に観客を楽しませるために作られており、「賞品」は初歩的なものか嘲笑的なものが多かった。^[38] CBSテレビジョンシティやバーバンクのNBCスタジオで制作されたゲーム番組も、観客の反応を強めるために面白味を帯びることが多く、プレス・ユア・ラック（「ワミー」のコーナーで使用）などの番組もそのひとつだった。典型的なゲーム番組のエンドクレジットでは、番組は録音された歓声や拍手音を使って、エンドクレジット中には聞こえなかった生のスタジオの観客の拍手を盛り上げた。これは、1970年代から1990年代にかけてのCBSやNBCの昼間のゲーム番組や、一部のシンジケートゲーム番組では一般的でした。NBCスタジオバーバンクで収録されたゲーム番組では、観客を盛り上げるために3つの異なる拍手トラックが使用されました。1つは観客が少ない場合、1つは中程度の場合、そして1つは背景に陽気な男性観客がいる大規模な観客の場合です。しかし、多くの子供向けゲーム番組、ほとんどのABCゲーム番組、およびマーク・グッドソンとビル・トッドマンが制作したほとんどの番組（ 『ザ・プライス・イズ・ライト』、『マッチ・ゲーム』、『ファミリー・フュード』など）は、観客がいる状態で収録されましたが、拍手トラックが使用されることはまれでした。

プロデューサーの中には、生の観客を信用しなかったり、観客が同席するには複雑すぎる番組を制作したり、カメラ1台のみの方式を好んだり、観客に生で上映して反応を伺う余裕がなかったりする者もいた。このような場合、ダグラスは笑い声のトラックを一から作り上げた。『ゆかいなブレディ家』、『パートリッジ・ファミリー』、『M*A*S*H』などのシットコムは、放送期間全体を通じてカメラ1台のみの方式を採用した。^{[ 11]} 『ラブボート』や『エイト・イズ・イナフ』などの1時間コメディドラマのいくつかは、笑い声のトラックのみを使用した。^[11]

ライブフィルムから始まり、ビデオテープ、そして観客なしでのスタジオ撮影作品、そして再びライブテープへと進む間に、ダグラスは、単にサウンドトラックを強化したり調整したりすることから、文字通り各パフォーマンスに対する観客の反応全体をカスタマイズするようになり、そして再び、ライブの観客がいる状態で録音されたパフォーマンスを強化したり調整したりするようになりました。^[11]

1970年代のアメリカテレビの絶頂期、チャールズ・ダグラスの笑い声トラック提供の分野での優位性は、1977年までに顕著な課題に直面した。新興の競合企業がダグラスの特徴的な笑い声シーケンスに代わるものを提供し始めたのだ。これらの挑戦者の中で先頭に立ったのは、ダグラスの弟子であり、自らも優れた音響エンジニアであったキャロル・プラットで、彼は自身のベンチャー企業であるサウンド・ワンの設立に乗り出した。^[39]

1960年代初頭からダグラスのもとで修行してきたプラットと弟は、ダグラスの方法論が技術の進歩に遅れをとっており、ダグラスの笑い声の録音の質が明らかに低下していることを認識していた。プラットは、ダグラスのテープライブラリの消耗による音質の劣化に気づき、さらにシットコムのユーモアに対する観客の感性の変化によって、笑い声の増幅にはより繊細で控えめなアプローチが必要になった。^[6]

こうした変化のダイナミクスを認識したプラットは、ダグラスのパラダイムから逸脱し、ダグラスのやや時代遅れのリール式装置とは対照的に、カセットテープ技術を活用した、よりユーザーフレンドリーで技術的に進歩した「ラフボックス」を考案した。さらに、プラットがステレオ録音を先駆的に採用したことは、ステレオテレビ放送の出現と同期しており、特にダグラスがモノラル録音をステレオ形式に改造しようとした努力と比較して、オーディオの忠実度が目に見えて向上した。^[6]

プラットの笑い声トラックの革新は、ダグラスの独特の笑い声シーケンスからの脱却をもたらし、より多様で自然な音のパレットを提供した。認識可能な笑い声の要素を保持しながらも、プラットの作曲はより繊細で抑制されており、ダグラスのいたるところに見られる笑い声トラックに関連するあからさまな親しみやすさを避けている。この変化は、M*A*S*Hやラブボートなどの特定のシットコム作品に共鳴し、特によりドラマチックな物語との音色の互換性から、プラットの作品に引き寄せられた。^{[6] [14] [39]}

10年の終わりまでに、プラットの優位性がダグラスの覇権に取って代わりました。これは、プラットの笑い声が、ライブおよびシングルカメラのシットコム（ラバーン＆シャーリー、ハッピーデイズ、エイト・イズ・イナフ、MTMエンタープライズ制作（WKRP in Cincinnati（CBS、1978-82）、ニューハート（CBS、1982-90））を含む）で広く採用されたことによって証明されました。変化する環境に適応する必要に迫られたダグラスは、再活性化の取り組みに乗り出し、トレードマークである大笑いの名残を残しながら、より新鮮な曲を取り入れて笑い声トラックのライブラリを改良しました。しかし、ダグラスの刷新された作品に対する反応は複雑で、競争が激化する市場におけるプラットの覇権を強調しました。^[14]

笑い声トラックの提供におけるこの画期的な変化は、テレビ業界のより広範な変革と一致しており、特にHBOなどの企業が推進したシングルカメラコメディの出現によって特徴づけられ、より自然な視聴覚美学を優先して従来の笑い声トラックを避けた。Dream OnやThe Larry Sanders Showなどのシングルカメラコメディは笑い声トラックなしで放送されることが許可され、そうすることで批評家から賞賛された。^{[40]同時に、アニメ番組もそれに倣い、時折のパロディを除いて笑い声トラックを完全に放棄した。}スクービー・ドゥーなどの笑い声トラックを使用していたアニメ番組は、1990年代までに笑い声トラックを完全に廃止した。しかし、That's So RavenなどのIt's a Laugh Productionsが制作したシットコムは笑い声トラックを使用している。^[41]

ライブ授賞式を盛り上げるという慣行は、ライブ放送とのシームレスな統合を確保するために技術的な改良が進められているにもかかわらず、存続した。^[14]

現代社会では、フィアネットなどのプラットフォームで放送されている『ホリストン』のようなマルチカメラ・シットコムの復活により、笑い声トラックの利用が復活し、この由緒あるテレビの伝統の永続的な魅力とノスタルジックな響きが強調されている。しかし、シングルカメラ制作への傾向が広まり、視​​聴者の好みも変化していることから、テレビ界における視聴覚的ストーリーテリング様式の多様化が進むことが予想される。^[42]

観客の反応をシミュレートする手法は、最初から議論を呼んでいた。^[43]プロデューサーの少数派は、観客の反応を事前に録音するというアイデアを嫌っていた。^[11]ダグラスは、彼の「笑いボックス」が批評家や俳優から中傷されていることを知っていたが、笑いトラックの使用が標準的な手法になることも知っていた。^[43]業界の主要な専門家は、笑いトラックはゴールデンタイムのテレビでは必要悪であると論じた。録音された笑いがなければ、番組は失敗する運命にあった。^[11]観客の反応がまったくなければ、アメリカの視聴者はコメディとドラマを区別できないと信じられていた。^[5]それでも、笑いトラックを完全にやめてしまったプロデューサーもいた。

• 元子役のジャッキー・クーパーは、笑い声が偽物だと信じていた。クーパーのコメディ/ドラマ『ヘネシー』（CBS、1959-62年）は、1962年に3シーズン放送された後に打ち切られた。最初の2シーズンは、番組は軽い笑い声しか使用していなかったが、最終シーズンとなる3シーズン目では、笑い声は完全に削除された。クーパーは後に「私たちは自分たちの創作物に対する反応をでっち上げているが、人々が本当に笑っているかどうかは分からない」とコメントした。クーパーは最後に「いつも演技だ」と述べた。^[5]
• 1964年9月、デニス・ウィーバー主演のコメディ/ドラマ『ケンタッキー・ジョーンズ』（NBC、1964-65年）は、模擬または生の笑い声を排除しようとした。わずか5話で視聴率が低迷したため、ダグラスが笑い声の追加に起用された。『ケンタッキー・ジョーンズ』は翌年4月に打ち切られた。^[44]
• 『アルビンとチップマンクス』シリーズの制作者ロス・バグダサリアン・シニアは、1961年に『アルビン・ショー』（CBS、1961-62年）の制作が始まったとき、笑い声を入れることを完全に拒否した。バグダサリアンの考えは、番組が面白ければ視聴者は促されなくても笑うだろうというものだった。『アルビン・ショー』は1シーズンで打ち切られた。^[45]
• ピーナッツの制作者チャールズ・M・シュルツは、クリスマスに人気の『チャーリー・ブラウンのクリスマス』（CBS、1965年）の制作中に笑い声を入れることを拒否した。 ^[46]バグダサリアン同様、シュルツも、観客は笑うタイミングを指示されることなく、自分のペースで番組を楽しめるべきだと主張した。CBSの幹部は最終製品を見て愕然とし、この特別番組は失敗するだろうと思った（CBSはシュルツの気が変わった場合に備えて、笑い声を入れたバージョンを制作したが、このバージョンは現在も入手できない）。 ^[要出典] 1965年12月9日に初めて放送されたこの特別番組は、予想外に批評的にも商業的にもヒットした。この成功の結果、その後のピーナッツ特別番組はすべて笑い声を入れずに放送された。 ^[47]
• 『ロッキーとその仲間たち』（ABC、1959年 - 1961年、NBC、1961年 - 1964年、『ブルウィンクル・ショー』として）は当初、ラフトラック付きで放送されたが、制作者のジェイ・ワードとビル・スコットの意に反し、ABCとラフトラックについて争った。番組のユーモアのテンポが速いため、ラフトラックのタイミングが遅くなり、会話が中断されることがあった。 ^{[要出典]スポンサーの}ゼネラル・ミルズの支援を得た後、ワードとスコットはABCを説得し、ラフトラックは第4話で終了した。これらのエピソードの現在のシンジケートプリントにはまだラフトラックが残っているが、その後DVDリリースからは削除された。
• ミュージカルコメディ『ザ・モンキーズ』（NBC、1966年 - 1968年）は、第1シーズンと第2シーズンのいくつかのエピソードで笑い声をフィーチャーしていた。第2シーズンの途中で、モンキーズのバンドメンバーは、視聴者はジョークがどこにあるかわかるほど賢いと信じ、笑い声を削除するよう番組に要求した。ロックバンドが番組を過度にコントロールしようとしていることにすでに腹を立てていたNBCは、笑い声の削除が大きな要因であると述べ、第2シーズンの終了後にモンキーズを打ち切った。 ^[11] ピーター・トークは2013年に「最初からそれを望んでいなかったが、NBCが主張した。第2シーズンでそれが削除されたのは天才的なひらめきだと思った」とコメントした。^[48]
• 2003年にシットコム『ゲット スマート』 （NBC、1965～69年、CBS、1969～70年）の制作について話し合っていたとき、テレビプロデューサーで脚本家のレナード・B・スターンは当初、このシットコムのやや暴力的な性質を理由に「不快」と呼び、笑い声を入れることに反対していた。スターンとメル・ブルックスは折れ、初期のシーズンには多かれ少なかれ調整された笑い声を入れるようになった。後半のシーズンで番組がどんどんキャンプっぽくなるにつれ、笑い声はどんどん邪魔になっていった。『ゲット スマート』でマックスウェル・スマートを演じたコメディアンのドン・アダムスは、笑い声を嫌っていたと伝えられており、再放送で番組を見ない理由として笑い声を挙げた。2003年にこの番組を称える同窓会セミナーで、アダムスは「パイロット版の笑い声には不快感を覚えました。部屋に入ってきて『こんにちは、99!』と言ったものです。 「そして男はクソったれのボタンを押したんだ！『ハロー！』の何が面白いんだ？」^[49] 1995年のエンターテインメントウィークリーのインタビューで、番組の遺産について話していたとき、アダムスは笑い声のトラックは不要であると断言した。逆に、同じインタビューで、エージェント99を演じた女優バーバラフェルドンはより寛容で、「笑い声のトラックは必要です。笑いは笑いを生みます。」と述べた。^[50]
• ビル・コスビーの最初のシットコム『ビル・コスビー・ショー』（NBC、1969年 - 1971年）はコスビーの強い要望により笑い声なしで制作された。コスビーは、笑い声を入れたいというNBCの要望に反対したことが、2シーズン後に番組が打ち切られることになったと述べた。^[11]
• アンディ・グリフィスは当初、 『アンディ・グリフィス・ショー』に笑い声を入れることに抵抗していた。共演者のドン・ノッツは、第4シーズンで生の観客から笑い声に切り替える『スティーブ・アレン・ショー』のアンサンブルキャストの一員だった。ノッツは、人工的な観客の反応が番組の衰退の一因になったと感じており、それがグリフィスの意見にも影響を与えた。グリフィスは笑い声の代わりに、完成したエピソードを観客の前で上映し、その反応を録音して、それを番組のサウ​​ンドトラックに挿入することを主張した（この方法は、その後のテレビコメディではより一般的になった）。初期のエピソードには、こうした観客のカスタム反応が含まれているが、グリフィスの実験は費用がかかりすぎたため、ネットワーク側はダグラスの笑い声を主張した。グリフィスは最終的に、笑い声は控えめに使うという理由で妥協した。^[51]
• 『M*A*S*H』（CBS、1972年 - 1983年）の共同制作者ラリー・ゲルバートは当初、笑い声なしで番組を放送することを望んでいた（「実際の朝鮮戦争と同じように」と彼は冷たく言った）。CBSは当初この案を拒否したが、妥協案が成立し、ゲルバートと共同制作者のジーン・レイノルズが希望すれば手術室のシーンで笑い声を省略できることになった。「我々はネットワークに、医師が手術をしている手術室のシーンではいかなる状況でも笑い声は入れないと伝えた」とゲルバートは1998年に語った。「300人もの人が、誰かの内臓を縫い合わせるのを見て笑っているなんて想像しにくい」。^[52]シーズン1 - 5ではダグラスのより侵入的な笑い声を使用し、シーズン6 - 11ではゲルバートとレイノルズの離脱によりシリーズがシットコムからコメディドラマに移行した際にキャロル・プラットの静かな笑い声を使用した。いくつかのエピソード（「OR」、「ザ・バス」、「クォ・ヴァディス、キャプテン・チャンドラー」、「インタビュー」、「視点」、「夢」など）では笑い声が省略されている。シーズン11のほぼ全エピソードでも同様で、135分のシリーズ最終回「さよなら、さよなら、そしてアーメン」も含まれる。^[11]笑い声は、番組の国際放送やシンジケート放送でも省略されている。あるとき、英国での放送中に笑い声が誤ってオンのままになってしまい、視聴者が不快感を表明したため、ネットワーク側は後に「技術的な問題」について謝罪した。一方、 DVDリリースでは、視聴者はすべてのエピソードを笑い声ありまたはなしで視聴できる（ただし、フランス語とスペイン語のトラックにはこのオプションがない）。英国のDVD評論家は笑い声を悪く言い、「録音された笑い声は、最良の状況でも邪魔になるが、M*A*S*Hのような番組では、それはまったく邪魔だ」と述べている。耐えられない。」^[53]「あれらは嘘だ」とゲルバートは1992年のインタビューで語った。「存在しない人たちに笑い声を出させるために、いつボタンを押すかをエンジニアに指示しているようなものだ。まったく不誠実だ。我々が放送していた頃の最大の番組は『オール・イン・ザ・ファミリー』と『メアリー・タイラー・ムーア・ショー』で、どちらも生放送のスタジオ観客の前で収録されていたので、笑い声が出るのは当然だった」とゲルバートは続けた。「しかし、我々の番組は映画番組で、韓国のど真ん中で撮影されたはずだった。だから、私がいつもネットワークに尋ねていたのは、『この笑っている人たちは誰だ? どこから来たんだ? 』だった」ゲルバートはCBSを説得して、笑い声のありとなしで番組をプライベート試写会でテストさせた。その結果、観客の楽しみ方に目に見える違いはなかった。「それで彼らが何と言ったか知っていますか？」とゲルバートは言った。「『違いがないのだから、そのままにしておきましょう！』笑い声トラックを擁護する人たちにはユーモアのセンスがないのです。」 ^[54]ゲルバートは「私はいつもそれが番組の価値を下げていると思っていた。放送局は自分たちのやり方でやっていた。彼らが夕食代を払っていたのだ」と状況を要約した。^[55]
• 警察手続きドラマのパロディであるシットコム『ポリス・スクワッド!』は、6つのエピソードのいずれにも笑いトラックを使用していませんでした。笑いトラックを使用しないという決定は、制作者であるザッカー、エイブラハムズ、ザッカーの3人組の強い要望によるもので、番組のユーモアのほとんどは、さまざまなシーンの前景または背景で起こる出来事から生まれたものでした。^{[56] [57]}
• もう一つの風刺的な警察コメディ「スレッジ・ハンマー！」（ABC、1986-88年）では、最初のシーズンの最初の13話で笑い声のトラックが使用されたが、制作者のアラン・スペンサーはこれを認めなかった。ABCと何ヶ月も争った後、スペンサーは第14話「スレッジの現状」から笑い声の追加をやめることができた。^[58]
• シットコム「ダイナソー」 （ABC、1991-94）には当初、笑い声のトラックが含まれていた。共同プロデューサーのブライアン・ヘンソンとマイケル・ジェイコブスの主張により、番組の人気が高まるにつれて、笑い声のトラックは最終的に削除された。^[要出典]
• スポーツナイト（ABC、1998年 - 2000年）は、番組制作者のアーロン・ソーキンの意に反して、初回は笑い声のトラックが挿入されていたが、シーズンが進むにつれて笑い声のトラックは控えめになり、第2シーズンの開始時に完全に削除された。 ^[要出典]各エピソードの一部は観客の前で撮影され、残りは観客なしで撮影されたため、場合によっては連続性を保つために笑い声のトラックが必要であった。
• 2020年に復活した『セイヴド・バイ・ザ・ベル』は、ライブの観客と笑い声のトラックを完全に削除したシングルカメラのシットコムであり、これがオリジナルシリーズとの大きな違いです。

20 世紀後半、イギリスのほとんどのシットコムは、自然な笑いを提供するために、生の観客の前で録画されました。伝統的にスタジオでの作業の前に録画される屋外で録画されたシーンは、スタジオの観客に再生され、放送エピソード用に彼らの笑い声が録音されます (時折、番組全体がこの方式で録画されることがあり、たとえば、後のシリーズのLast of the Summer WineやKeeping Up Appearances など)。

生の観客を使った例外として注目すべきは、テムズテレビのケニー・エヴェレット・ビデオ・ショーである。この番組の笑い声は、スタジオの制作スタッフによるスケッチに対する自発的な反応で構成されていた。この手法は、番組がより大きなスタジオ施設に移り、音楽からコメディーに重点が移った後も、4年間の放送中ずっと維持された。エヴェレットがBBCで後に制作したシリーズ（ケニー・エヴェレット・テレビ・ショー）は、生のスタジオ観客の前で収録された。^[要出典]

1980年代初頭、コメディ番組は笑い声を録音して放送するのがBBCの方針だったが、プロデューサーたちは必ずしもこれが番組に合っているとは考えていなかった。^{[59]その結果、} 『銀河ヒッチハイク・ガイド』の笑い声は第1話で録音されたが、放送前に削除された。^[59] 『リーグ・オブ・ジェントルメン』は当初笑い声を録音して放送されたが、番組の第2シリーズ以降は削除された。^[60]

風刺番組『 Spitting Image』のパイロット版も、セントラル・テレビの強い要望により、笑い声を録音して放送された。しかし、番組プロデューサーは笑い声なしの方が番組の出来が良いと感じたため、この案は却下された。その後の1992年（選挙特集）と1993年（2話）の放送では、スタジオの観客の前で生放送され、パロディーの「クエスチョン・タイム」も含まれていたため、笑い声を録音した。^[61]

『オンリー・フールズ・アンド・ホーシズ』のほとんどのエピソードにはスタジオの観客が登場する。例外として、クリスマス特別番組の「ハル・アンド・バック」、「ロイヤル・フラッシュ」、および「マイアミ・トワイス」の第 2 部では、笑い声がまったくなかった。DVD リリースでは、「ロイヤル・フラッシュ」(20 分以上の映像を削除するように編集された) に笑い声のトラックが追加され、「マイアミ・トワイス」の第 2 部 (第 1 部と結合して「マイアミ・トワイス: ザ・ムービー」を制作) にも同様に笑い声が追加された。^{[引用が必要]}

1990 年代後半から、ロイル・ファミリーやオフィスなどのコメディが、観客の笑い声のないシネマ・ヴェリテスタイルの先駆けとなった。 ^[要出典]これは 21 世紀のシットコムにもほぼ引き継がれた。グリーン・ウィングは、そのシュールな性質もあって観客の笑い声は出ないが、ジョークの直後にそのエピソードの映像がスローダウンするという珍しいラズィ技法を採用している。ミセス・ブラウンズ・ボーイズやスティル・オープン・オール・アワーズは、スタジオの観客を前にした古い形式への注目すべき回帰である。^[要出典]

現代のカナダのテレビコメディーでは、笑い声トラックの組み込みを避ける傾向が一般的です。ただし、注目すべき例外もあり、シットコム「マニアック・マンション」（1990～1993年）や子供向け番組「ヒラリアス・ハウス・オブ・フライテンシュタイン」（1971年）など、カナダ発祥で笑い声トラックがないにもかかわらず、米国での放送では笑い声トラックの要素が追加されました。

カナダのテレビにおける笑い声トラックの利用の進化は、子供向けスケッチ コメディ シリーズ「You Can't Do That on Television」（1979 ～ 1990 年）の軌跡によってさらに例証されます。地元で放映された番組としての最初のシーズンには笑い声トラックはありませんでしたが、カナダのネットワーク放送に移行したときに「Whatever Turns You On」というタイトルで笑い声トラックが導入されました。主に子供の笑い声で構成され、時折大人の反応が入るこの笑い声トラックは、番組のユニークな性質を強調していました。ただし、笑い声トラックの一貫性と効果はシーズンによって変化しました。

笑い声のトラックの導入と質には、シリーズ全体を通じて顕著な変動が認められます。1981 年のエピソードは、笑い声のサンプルの多様性が際立っており、本物の聴覚体験に貢献しています。対照的に、米国のケーブル チャンネルであるニコロデオンでのシリーズ初放送と同時期の 1982 年シーズンでは、使用される笑い声の種類が減少しました。さらに、 Happy DaysやWhat's Happening!!などの米国の人気シットコムで使用されている笑い声のトラックを彷彿とさせる、キャロル プラットの笑い声のトラックが導入されたことで、明確なトーンの変化がもたらされました。

その後、笑い声トラックの構成が調整され、繰り返しの問題を軽減し、聴覚の多様性を高めることを目指しました。特に、1982 年シーズンの後半では、笑い声トラックの組み込みに加えて、さまざまな笑い声サンプルがブレンドされました。ただし、笑い声トラックの品質は変動し、1983 年のトラックは明らかに抑制され、編集が不十分でした。

これらの欠点を是正する努力は 1984 年までに成果をあげ、笑い声トラックは 1982 年シーズンで使用されたものと似たものになりましたが、クスクス笑い声トラックは含まれていませんでした。特に、1986 年に導入された新しい子供向け笑い声トラックは、明らかに若い世代の笑い声サンプルを特徴とし、このシリーズのターゲット層の共感を得ることを目指していました。

1989 年に復活したこのシリーズでは、1981 年と 1986 年の両方のバージョンの笑い声トラックを使用するハイブリッド アプローチを採用し、カナダのテレビ番組制作の文脈における笑い声トラックの美学の継続的な進化と適応を強調しました。

中国本土初のマルチカメラコメディ『 I Love My Family』では、スタジオの観客を生中継した。 『iPartment』などのシングルカメラコメディでは、笑い声のトラックを使用した。 ^[要出典]

笑い声のトラックは、コメディー効果を出すためにバラエティ番組でよく使用されます。例としては、Super Sunday、Kangxi Lai Le、Variety Big Brother、Home Runなどがあります。^[要出典]

アルゼンチンなどラテンアメリカのいくつかの国では、笑いトラックの代わりに、コメディーの状況が笑いに値するときはいつでも、指示に従って笑うために特別に雇われたオフスクリーンのスタッフを配置している。レイドーレス（「笑い者」）として知られる年長の笑い者は、他の全員に笑うタイミングを合図する。メキシコなどの他の国では、観客の反応がないコメディーには、観客に敬意を表して笑いトラックがないと公言されており、最も有名なのはチェ・チェスピリト監督の番組であるエル・チャプリン・コロラドや エル・チャボ・デル・オチョで、開始クレジットでアナウンサーが「観客への敬意として、この番組には笑いの録音はありません」と述べている。^[62]

フランスのテレビコメディの世界では、笑い声を入れないのが一般的な慣例となっている。しかし、ジャン＝リュック・アズレーが指揮をとるAB Productionsの作品では、この傾向から大きく逸脱し、その代表的な例としては、Hélène et les Garçonsやその後のスピンオフシリーズが挙げられる。相互に関連しているこれらのシリーズは、約 20 分間の長さや主に 1 台のカメラによるセットアップなど、シットコムの慣例に準拠していることが特徴で、スタジオの観客の存在を避けている。観客が生で参加しないのは、編集スケジュールが厳しく、主要撮影セッションが短縮されるなど、制作上の緊急性から生じたもので、観客の本物の笑い声を取り入れることは不可能であった。

これらの作品に対する批判は、演出や演技の欠陥から、非プロの俳優の起用まで、さまざまな側面に集中していました。さらに、シットコム、メロドラマ、ティーンドラマの要素を組み合わせたアメリカのテレビシリーズの形式を模倣しようとする試みは、かなりの批判を招き、特に、録音された笑い声に過度に依存しているという認識に向けられました。この模倣は、フランスのテレビコメディの真正性と文化的特異性を薄め、代わりに大西洋を越えた規範に大きく影響された定型的なアプローチを支持するものと見なされました。

ダグラスの笑い声トラックの継続的な重要性を測るため、1974年にパーソナリティと社会心理学ジャーナルに研究が発表され、人々はジョークの後に録音された笑い声が続くとさらに笑いやすくなるという結論が出された。^[63] ザット・ガールの共同制作者サム・デノフは1978年に「笑いは社交的だ。人と一緒にいると笑いやすくなる」とコメントした。デノフは「映画館では笑い声トラックは必要ないが、家でテレビを見ているときはおそらく一人か数人しかいないだろう」と付け加えた。^[4]

ダートマス大学の心理学教授ビル・ケリーは、特に米国のシットコムにおける笑いトラックの必要性を評価した。彼は「他の人の前では、面白いことに笑う可能性がはるかに高い」と述べた。ケリーの研究では、笑いトラックを使用する『となりのサインフェルド』のエピソードに対する学生の反応と、使用しない『ザ・シンプソンズ』を観ている学生の反応を比較した。脳スキャンの結果、他の人の笑い声を聞いても聞いていなくても、視聴者は同じものを面白いと感じ、脳の同じ領域が活性化することがわかった。それにもかかわらず、ケリーは笑いトラックに価値を見出していた。「うまくやれば、笑いトラックは何が面白いのかを人々に示し、彼らを助けることができます」とケリーはコメントした。しかし、うまくやらないと、笑いトラックに気づいて不自然で場違いに感じられます。」^[63]

事前に録音された笑い声というアイデアは、誕生以来、支持者と反対者がいた。

シド・アンド・マーティ・クロフト兄弟の製作総指揮者、サイ・ローズは、 HR パフンスタフ、ザ・ブガルーズ、ジークムント・アンド・ザ・シー・モンスターズなどの人形劇で笑い声のトラックを使用するようクロフト兄弟を説得した。ローズは次のように述べた。

笑いトラックは大きな議論の的となり、彼ら[クロフト夫妻]はそれをやりたくないと言ったが、ナイトタイムの番組での経験から、ナイトタイムは笑いトラックを使い始め、それが定番となった。なぜなら、視聴者が番組を観ると、笑いトラックのおかげで毎回大笑いするからだ。そして、面白い番組なのに笑いトラックがないために笑いが起こらないと、ハンディキャップになる。だから私は彼らを説得した。良いか悪いかは別として。^[64]

2000年にシド・クロフトは「我々はそれ（笑い声）に反対していたが、シットコムに出演していたサイ・ローズは、番組が作られると子供たちはいつ笑えばいいのか分からなくなると感じた」とコメントした。^[65]マーティ・クロフトは次のように付け加えた。

結局のところ、悲しいことですが、面白いときはそれを伝えなければなりません。そして笑い声のトラックについては、[ローズ]は正しかったです。笑い声のトラックは必要不可欠でした。私たちはいつも本物の笑い声、本物の観客を求めていました。コメディでは、笑い声がないと大変なことになります。笑い声が聞こえないと面白くないからです。そして、それが[家庭の]観客がこれらの番組を見るようにプログラムされていたのです。^[66]

2006 年にThe Bugaloos DVD 解説トラックの制作技術について話し合ったとき、イギリスのシリーズ スターであるキャロライン エリスとジョン フィルポットは、当時イギリスでは珍しく、軽蔑されることが多かった笑い声トラックについて言及しました。「私はアメリカの録音された笑い声が好きではありませんでした。時々やりすぎだからです」とエリスは言いました。しかし、それは「反応の雰囲気」を作るのに役立っていると付け加えました。フィルポットは、イギリスの視聴者とは異なり、当時のアメリカの視聴者は笑い声を聞くことに慣れていたと付け加え、「録音された笑い声に合わせて笑うように促されると、もっと心から笑えると思います」と述べました。^[67]クロフト兄弟のHR Pufnstufを初めて見た時、ゆかいなブレディ・バンチのスター、スーザン・オルセンは笑い声のトラックを「威圧的」と表現し、「8歳の時、ただ『あのひどい録音された笑い声はなくなるの?!』と思っていたのを覚えている」と語った。またオルセンは、この番組のばかばかしさを楽しむには娯楽目的の薬物使用が必要だったと付け加え、「私は向精神薬とクロフトの娯楽を組み合わせようとしたことは一度もない。笑い声が私を悪いトリップに導くのではないかと恐れている」と語った。^[68]

2007年のインタビューで、フィルメーションのプロデューサー兼創設者であるルー・シャイマーは、アーチー・ショーでの笑い声の使用を称賛した。「なぜ笑い声を使ったのか？」とシャイマーは尋ねた。「なぜなら、笑い声を使うと、視聴者は（自宅で）見ている他の人たちと一緒に笑いたくなるからです。そして、観客は、ただの傍観者ではなく、番組の一部になったように感じるのです。」シャイマーは、アーチー・ショーが笑い声を使った最初の土曜朝のアニメであることを認めた。 ^[69]

テレビと笑い声トラックの歴史家であるベン・グレン2世は、現在使用されている笑い声トラックは、過去の「気楽な」笑い声とは根本的に異なるとコメントしています。

今日のシットコムは、ほとんどが機知に富んだ応酬に基づいており、ミスター・エド、マンスターズ、奥さまは魔女のエピソードで見られるような突飛な状況や視覚的なギャグに頼ることはもうありません。そして、今日の抑えられた笑い声はそれを反映しています。一般的に、笑い声は以前よりはるかに攻撃的ではなく、より抑制されています。抑えきれない腹の底から笑ったり、大笑いしたりすることはもうありません。それは「知的な」笑い声です。より上品で、より洗練されています。しかし、決してそれほど楽しいものではありません。昔の笑い声には、楽観的で気楽な雰囲気がありました。今日では、反応は、その響き方からして、ほとんどが「滑稽」です。昔は、観客が本当に楽しんでいると、それが伝わってきました。観客はそれほど自意識過剰ではなく、好きなだけ大声で笑う自由を感じていました。おそらく、それが現代文化の反映なのでしょう。 1950年代の笑い声は、ダグラスがまだ体系的な笑いのテクニックを洗練していなかったため、ややありきたりではあったものの、概して明るくて騒々しいものだった。しかし、60年代には、男性と女性の両方から、くすくす笑ったり、ケタケタ笑ったりといった、より個性的な反応が聞かれるようになった。反応ははるかに秩序があり、組織的だった。私は実際に、笑い声のトラックを聞くだけで、番組が制作された正確な年をあなたに伝えることができる。」^[14]

2003 年にダグラスが亡くなってから数か月後、息子のボブは父親の発明の長所と短所について次のようにコメントしました。

いくつかの番組では、笑い声を乱用していました。彼らは笑い声をどんどん増やしたがり、やりすぎていました。彼らは笑い声を増やせばもっと面白くなると思っていたのですが、そうではありませんでした。多くのプロデューサーは、笑い声をセリフよりも大きくしてしまい、番組を台無しにしていました。笑い声はツールです。音楽や効果音、セリフと同じです。すべてが組み合わさって番組の流れを作り、テンポ良くします。すべてはタイミングです。スキルと少しの運があれば、うまくできた笑い声は芸術作品となり、より大きな芸術作品に貢献することができます。私たちは長い間この業界にいて、笑い声は業界のニーズを満たしています。私たちは番組の主成分になることを望んでいません。それは素晴らしいテレビ番組を作るためのパズルの一部にすぎません。^[70]

キャロル・プラットは2002年6月のアメリカテレビアーカイブとのインタビューでダグラスのコメントを認め、プロデューサーたちはいつももっと大きな、もっと長い笑い声を望んだと語った。

最初はひどいものでした。笑えば笑うほど、笑い声が大きくなるほど、ジョークが面白くなるという段階になっていました。しかし、そうではありませんでした。そのため、マスコミ、メディア、一般大衆は笑いをまったく許さなくなりました。笑いが多すぎるからです。笑いを要求される番組はまだありますが、今は笑いが少ないほうが良いです。熱意は少なくてもいいと思いますが、音量は小さくないと思います。プロデューサーや番組によっては、ささやき声程度まで音量を下げようと試みたところもありますが、音量が大きすぎるよりもイライラするのです。ジョークはジョークですが、今では大衆はより洗練されていることに気づきました。初期の頃のように、手取り足取り教え込まれているようには見えません。今では、観客の反応でジョークを印象づけるという点では、軽いアプローチをとっています。特に生の観客がいる番組では、少し控えてもいいと思います。番組に合わせて、観客に語ってもらいましょう。^[6]

リレコーディングミキサーで「笑いボックス」の伝統を受け継ぐ者はほとんどいない。ボブ・ダグラスに加え、ロサンゼルスを拠点とするミキサーのボブ・ラ・マスニー、サウンド・ワンのジャック・ドナートとジョン・ビッケルハウプトが現在、観客を喜ばせることに特化している。現代のデジタル機器はダグラスのオリジナルの機器ほど扱いにくいものではないが、ビッケルハウプトは「[ラベルのない]ノブやボタンがあり、かなり目立たない。私たちは、カーテンの後ろの男のようなミステリアスなままでいたい。あまりそれについて話すのは好きではない」と認めた^。[71]ビッケルハウプトは「ほとんどの場合、私たちがやっていることはスタジオの観客を再現することではなく、観客の笑い声はすでにそこに存在している。しかし編集で、番組の一部が削除されたり、番組を時間枠に合わせるためにセリフが削除されたりする場合、笑い声と笑い声の間の橋渡しを笑いマシンでカバーしなければならない」と付け加えた。^[54]ビッケルハウプトは、『ママと恋に落ちるまで』で使われた静かな笑い声について、プロデューサーたちは「70年代、80年代、90年代に一般的だった、大勢の観客の騒々しい音を避けるようになってきています。彼らはもっと控えめな笑い声を求めています」とコメントした。 ^[71]ビッケルハウプトは「私は素晴らしい仕事をしています。一日中座ってコメディに取り組んでいれば、落ち込むことなどあり得ません。人々に職業は何かと聞かれたら、私は『笑うことです』と答えます」と結論付けた。 ^[54]

「Just Shoot Me!」 (観客の反応をライブおよび録画した映像で撮影したマルチカメラシリーズ) の制作者であり、「モダン・ファミリー」(シングルカメラシリーズとしてライブまたは録画した観客の笑い声を利用しない) の共同制作者であるスティーブン・レヴィタンは、「適切に使用された場合、笑い担当の役目はサウンドトラックを滑らかにすることであり、それ以上のものではありません」とコメントした。フィル・ローゼンタールは、 「みんな愛してる」で「笑いを操作したことはめったにない」と認めた。「過去に、主に生きている観客がほとんど笑わなかったため、甘味料を多めにかけた番組に携わったことがある。製作総指揮者は『心配しないでください。そのジョークを気に入るのは誰か知っていますか? スウィートマンさんです』と言っていました」 。ビッケルハウプトもこの見解を認め、観客の反応をすべて自分が作り上げた場面が数多くあることを認めた。^[71]逆に、『ゆかいなブレディ』の製作者シャーウッド・シュワルツの息子ロイド・J・シュワルツは著書『ゆかいなブレディ』の中で、監督デビュー作『ゆかいなブレディ』 (シーズン4、エピソード23「Room at the Top」)の笑い声が「他の『ゆかいなブレディ』のどのエピソードよりもかなり大きかった」と認めている。シュワルツは「今では少し恥ずかしいが、作り出した観客に自分が演出したジョークを全て理解してもらいたかった」と付け加えた。^[72]

ミネソタ大学のアメリカ研究と美術史の教授であるカラル・アン・マーリング氏は、ダグラスの発明について懸念を表明した。

批評家の大半は、笑いトラックはメディア史上最悪のものだと考えている。なぜなら、笑いトラックは観客を、何か面白いことがあったら教えてもらわなければならない羊のように扱うからだ。たとえそれが実際にはそれほど面白くなくても。笑いトラックはおそらくコメディ、特にシチュエーション コメディを変えた。つまり、少なくとも最初の 2、3 回は、バックグラウンドで狂ったように笑っている人がいれば、何でも非常に面白いものとして受け取られるのだ。まるでドラマ番組の途中で、突然バックグラウンドから「おお、これは怖い！」とか「ああ、彼は有罪のようだ！」という声が聞こえるかのようだ。笑いトラックを使うなら、それが論理的な次のステップのように思える。笑いトラックのない番組の知的な力を証明するには、ザ シンプソンズを見るだけで十分だ。脚本が素晴らしい。彼らは笑いのために働いている。そして観客は座っておしっこを漏らす。これは笑いトラックを入れてはいけない理由の素晴らしい例だ。笑いトラックを私にやらせてくれ。」^[70]

マーリング氏は、録音された笑い声は、商業的なメッセージだけでなく政治的なメッセージも含め、物事を無批判に受け入れるという社会全体の傾向の兆候であると懸念していると付け加えた。「これは、アメリカ人の勇敢さと自分で考える能力の衰退の一種です」と彼女は述べた。「確かに根付いていますが、だからといって良いことではありません。私たちが毎日やっていることで良いことではないことはたくさんあり、これはその1つです。」^[70]

• 人工的な群衆の騒音
• クラック
• ノディーズ
• スタジオ観客

• neatorama.com の「人工甘味料: 缶詰の笑いの物語」
• TVParty.com – 笑いトラック
• Newyorktimes.com – チャールズ・ダグラス
• 缶詰の笑い声：再構築された歴史 - テレビ史家ベン・グレン2世へのインタビュー
• 笑い声トラックは本物の笑い声の代わりにはならない
• チャーリー・ダグラスの笑いトラック鑑賞ページ