ドキュメンタリー映画

初期の映画（1900年以前）は、出来事を映し出すという斬新さが特徴でした。列車が駅に到着する様子、船が桟橋に接岸する様子、工場労働者が仕事を終えて退勤する様子など、一瞬の出来事がワンカットで撮影されました。これらの短編映画は「アクチュアリティ映画」と呼ばれ、「ドキュメンタリー」という言葉が生まれたのは1926年のことです。オーギュスト・リュミエールやルイ・リュミエール兄弟が制作した初期の映画の多くは、技術的な制約から1分以下の長さでした。

多くの人々を映した映画（例えば、工場から出てくる場面など）は、商業的な理由で制作されることが多かった。撮影された人々は、報酬を支払ってでも、自分たちが映っている映画を見たいと熱望していたのだ。中でも有名な作品の一つに、1時間半を超える『コーベット対フィッツシモンズ戦』がある。エノック・J・レクターは、先駆的なフィルムループ技術を用いて、1897年に行われた有名なボクシングの試合の全編を全米の映画館で上映した。

1896 年 5 月、ボレスワフ・マトゥシェフスキはワルシャワとサンクトペテルブルクの病院で数件の外科手術をフィルムに記録した。1898 年、フランスの外科医ウジェーヌ＝ルイ・ドワイヤンはマトゥシェフスキとクレマン・モーリスを招き、自身の外科手術を記録させた。彼らは 1898 年 7 月より前にパリで一連の外科映画の撮影を開始した。^{[ 12 ]}最後のフィルムを撮影した 1906 年まで、ドワイヤンは 60 件以上の手術を記録した。ドワイヤンは、最初のフィルムによって、自分が気づいていなかった職業上の誤りを修正する方法を学んだと述べている。1906 年以降、ドワイヤンは科学的な目的で 15 本のフィルムを 3 つの編集版にまとめ、そのうち 2 本が現存している。6 本のフィルムからなるシリーズ「被膜に包まれた腫瘍の除去」（1906 年）と、4 本のフィルムからなる「頭蓋内手術」（1911 年）である。これらとドワイエンの他の5本の映画が現存している。^{[ 13 ]}

1898 年 7 月から 1901 年にかけて、ルーマニアの教授ゲオルゲ・マリネスクは、ブカレストの神経科クリニックでいくつかの科学映画を制作しました。^{[ 14 ]}有機性片麻痺の歩行障害(1898 年)、有機性対麻痺の歩行障害(1899 年)、催眠療法で治癒したヒステリー性片麻痺の症例( 1899 年)、進行性運動失調の歩行障害(1900 年)、筋肉の病気(1901 年)。これらの短編映画はすべて保存されています。教授は自身の研究を「映画を用いた研究」と呼び、その結果を数枚の連続したフレームとともに、1899年から1902年にかけてパリの雑誌『ラ・セメーヌ・メディカル』に掲載した^{。[ 15 ]} 1924年、オーギュスト・リュミエールはマリネスクの科学映画の功績を認め、「 『ラ・セメーヌ・メディカル』を購読していた頃、神経疾患の研究における映画の使用に関するあなたの科学報告を拝見しましたが、当時は他の関心事があり、生物学的研究を始める余裕がありませんでした。これらの研究を忘れていたので、思い出させてくれて感謝しています。残念ながら、あなたの道を辿った科学者は多くありません。」^{[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ]}

旅行記映画は20世紀初頭に非常に人気がありました。配給会社はしばしばそれらを「風景映画」と呼んでいました。風景映画は当時最も人気のある映画ジャンルの1つでした。^{[ 19 ]}風景映画の概念を超えた重要な初期の映画は『In the Land of the Head Hunters』（1914年）で、ネイティブアメリカンの生活を真実に再現したという設定で、原始主義と異国情緒を取り入れた演出された物語でした。

瞑想は別の分野である。パテ社は20世紀初頭、こうした映画を世界的に最も有名に製作した会社だった。その鮮やかな例として、『雪に覆われたモスクワ』（1909年）が挙げられる。

この時期には、伝記ドキュメンタリーも登場した。例えば、パテ社のブカレスト支社が公開した長編映画『エミネスク＝ヴェロニカ＝クレアンガ』（ 1914年）は、作家のミハイ・エミネスク、ヴェロニカ・ミクレ、イオン・クレアンガ（いずれも制作当時は故人）の関係を描いたものである。

キネマカラー（ 『王と女王と共にインドを旅する』 （1912年）で知られる）やプリズマカラー（『プリズマと共にどこへでも』（1919年）や5巻構成の長編映画『バリの未知の世界』（1921年）で知られる）といった初期のカラー映画技術は、旅行記を用いて新しいカラー技術を宣伝した。一方、テクニカラーは、主にハリウッドのスタジオに自社の技術を劇映画に採用してもらうことに注力した。

また、この時期には、フランク・ハーレー監督の長編ドキュメンタリー映画『サウス』（1919年）が公開された。この映画は、帝国南極横断探検隊を題材にしたもので、1914年にアーネスト・シャクルトンが率いた南極探検隊の失敗を記録した作品である。

プロパガンダ映画の伝統は、観客に特定の主張を納得させることを明確な目的として制作された映画から成る。最も有名で物議を醸したプロパガンダ映画の一つは、レニ・リーフェンシュタールの映画『意志の勝利』 （1935年）である。これは1934年のナチ党大会を記録したもので、アドルフ・ヒトラーの依頼で制作された。左派の映画監督ヨリス・イヴェンスとアンリ・ストルクは、ベルギーの炭鉱地帯を題材にした『ボリナージュ』 （1931年）を監督した。ルイス・ブニュエルは「シュールレアリスム」的なドキュメンタリー『ラス・ウルデス』（1933年）を監督した。

パレ・ローレンツの『平原を耕す鋤』（1936年）と『川』（1938年）、ウィラード・ヴァン・ダイクの『都市』（1939年）は、ニューディール政策の注目すべき作品であり、それぞれ社会意識と環境意識、政府のプロパガンダ、左翼的な視点が複雑に組み合わさっている。フランク・キャプラの『なぜ我々は戦うのか』（1942～1944年）シリーズは、米国政府が国民に戦争の時が来たことを納得させるために委託した米国のニュース映画シリーズである。コンスタンス・ベネットと夫のアンリ・ド・ラ・ファレーズは、バリ島で撮影された長編ドキュメンタリー『レゴン：処女たちの踊り』（1935年）とインドシナで撮影された『キロウ・ザ・キラー・タイガー』（1936年）の2作品を製作した。

カナダでは、ジョン・グリアソンによって設立された映画委員会が、同様のプロパガンダ目的で設立された。同委員会はニュース映画も制作し、それらは各国政府によって、ヨーゼフ・ゲッベルスが主導したナチス・ドイツの心理戦に対する正当な対抗プロパガンダとみなされた。

イギリスでは、ジョン・グリアソンのもとに多くの映画製作者が集まり、ドキュメンタリー映画運動として知られるようになりました。グリアソン、アルベルト・カヴァルカンティ、ハリー・ワット、バジル・ライト、ハンフリー・ジェニングスらは、プロパガンダ、情報、教育を、ドキュメンタリーに対するより詩的な美的アプローチと融合させることに成功しました。彼らの作品の例としては、『ドリフターズ』（ジョン・グリアソン）、『セイロンの歌』（バジル・ライト）、『火は始まった』、『ティモシーの日記』 （ハンフリー・ジェニングス）などがあります。彼らの作品には、 W・H・オーデンなどの詩人、ベンジャミン・ブリテンなどの作曲家、 J・B・プリーストリーなどの作家が関わっていました。この運動で最もよく知られている映画には、『ナイト・メール』や『コール・フェイス』などがあります。

『スミス氏を呼ぶ』 （1943年）は、ステファン・テメルソンが制作した反ナチスのカラー映画^{[ 23 ] [ 24 ] [ 25 ]}であり、ドキュメンタリーであると同時に戦争反対のアバンギャルド映画でもある。

興行収入アナリストは、ドキュメンタリー映画というジャンルが劇場公開においてますます成功を収めていると指摘しており、『華氏911』、『スーパーサイズ・ミー』、『フード・インク』、『アース』、『皇帝ペンギン』、『不都合な真実』などがその代表例である。ドラマチックな物語映画と比べて、ドキュメンタリーは通常はるかに低予算であるため、たとえ限定的な劇場公開であっても高い収益が見込めることから、映画会社にとって魅力的な作品となっている。

ドキュメンタリー映画の性質は、1960年代に導入されたシネマ・ヴェリテのスタイルから過去30年間で拡大しており、携帯用カメラと音響機器の使用により、映画制作者と被写体との親密な関係が可能になった。ドキュメンタリーと物語の境界線は曖昧になり、マーロン・リッグスの『Tongues Untied』（1989年）や『Black Is...Black Ain't』（1995年）のように、表現的、詩的、修辞的な要素を混ぜ合わせ、歴史的資料よりも主観性を強調する非常に個人的な作品もある。^{[ 32 ]}

ヘンリー・ハンプトン監督の画期的な14時間におよぶドキュメンタリー『アイズ・オン・ザ・プライズ：アメリカの公民権運動』（1986年パート1、1989年パート2）、スパイク・リー監督の『 4人の少女』（1997年）、ケン・バーンズ監督の『南北戦争』、そしてユネスコ賞を受賞した奴隷制をテーマにしたインディペンデント映画『500年後』といった歴史ドキュメンタリーは、独自の声だけでなく、独自の視点や見解も表現している。エロール・モリス監督の『シン・ブルー・ライン』のように様式化された再現シーンを取り入れた作品や、マイケル・ムーア監督の『ロジャー＆ミー』のように監督が解釈の主導権を握る作品もある。こうしたドキュメンタリーの商業的成功は、ドキュメンタリー形式におけるこうした物語の変化に起因する可能性があり、一部の批評家は、こうした作品を真にドキュメンタリーと呼べるのかどうか疑問を呈している。批評家は、これらの作品を「モンド映画」や「ドキュガンダ」と呼ぶこともある。^{[ 33 ]}しかし、ドキュメンタリーの主題に対する監督の操作はフラハティの作品以来指摘されており、問題のある存在論的基盤のためにこの形式に固有のものである可能性がある。  

ドキュメンタリー映画制作者は、映画に社会的なインパクトを与えるキャンペーンをますます活用するようになっている。^{[ 34 ]}社会的なインパクトを与えるキャンペーンは、主に観客が参加できる方法を提供することで、社会問題や社会運動に対する人々の意識を関与や行動へと転換し、メディアプロジェクトを活用することを目指している。^{[ 35 ]}このようなドキュメンタリーの例としては、 『Kony 2012』、『Salam Neighbor』、『Gasland』、『Living on One Dollar』、『Girl Rising』などがある。

ドキュメンタリーは、そのジャンルの人気が高まり、DVDが登場したことで経済的に実現可能になったものの、ドキュメンタリー映画製作のための資金調達は依然として困難である。過去10年間で、最大の上映機会は放送市場から生まれており、映画製作者は最大の資金源となった放送局の好みや影響力に左右されるようになっている。^{[ 36 ]}

現代のドキュメンタリーはテレビ番組と一部重複しており、ドキュメンタリーに近いものもあるが、多くの場合、フィクションや演出されたものに偏っている「リアリティ番組」の発展が見られる。「メイキング・オブ」ドキュメンタリーは、映画やコンピュータゲームがどのように制作されたかを紹介する。通常は宣伝目的で制作され、古典的なドキュメンタリーというよりは広告に近い。

現代の軽量デジタルビデオカメラとコンピューターベースの編集技術は、ドキュメンタリー制作者にとって大きな助けとなっており、機材価格の劇的な下落も同様である。この変化を最大限に活用した最初の作品は、マーティン・クナートとエリック・マネスによる『イラクの声』で、戦争中に150台のDVカメラがイラクに送られ、イラク人に配布されて自らの姿を記録した。

エロール・モリス監督の『シン・ブルー・ライン』 （1988年）の公開は、ハイブリッド・ドキュメンタリーの新たな形態の可能性をもたらした。実際、様式化された再現シーンのためにアカデミー賞の対象外となった。従来のドキュメンタリー映画製作は、フィクション映画ジャンルと区別するために、通常、フィクション化の痕跡を取り除いている。観客は近年、メディアの従来の事実報道に対する不信感を強めており、事実を伝える実験的な方法を受け入れやすくなっている。ハイブリッド・ドキュメンタリーは、真実のゲームを取り入れることで、従来の事実報道に挑戦する。事実に基づいているにもかかわらず、ハイブリッド・ドキュメンタリーは、何を理解すべきかを明確に示さず、主題と観客の間で開かれた対話を生み出す。^{[ 37 ]}クリオ・バーナードの『アーバー』（2010年）、ジョシュア・オッペンハイマーの『アクト・オブ・キリング』（2012年）、マッツ・ブリュッガーの『アンバサダー』、アルマ・ハレルの『ボンベイ・ビーチ』（2011年）は、注目すべき例である。^{[ 37 ]}

ドキュフィクションは、フィクション映画とドキュメンタリーという2つの基本的なジャンルを融合させたハイブリッドなジャンルであり、最初のドキュメンタリー映画が制作されて以来、実践されてきた。

フェイクフィクションとは、実際の出来事を意図的にフィクション映画の形で提示し、演出されたもののように見せるジャンルである。この概念は、ピエール・ビスマスが2016年の映画『ロッキー2はどこだ？』を説明するために導入した^{[ 38 ] 。}

DVDドキュメンタリーとは、長さが不定のドキュメンタリー映画であり、DVDで一般向けに直接販売することのみを目的として制作されたものです。これは、テレビや映画館で最初に公開され（いわゆる劇場公開）、その後DVDで一般向けに販売されるドキュメンタリーとは異なります。

テレビや劇場での上映枠確保のコストと難しさが増すにつれ、この形式のドキュメンタリーはますます人気が高まり、受け入れられるようになってきています。また、より専門的なドキュメンタリー、つまり幅広いテレビ視聴者の関心を引かないような作品にもよく用いられます。例えば、軍事、文化芸術、交通、スポーツ、動物などが挙げられます。

コンピレーション映画の先駆けとなったのは、1927年にエスフィル・シューブが『ロマノフ王朝の崩壊』を製作した時である。より最近の例としては、エミール・デ・アントニオ監督によるマッカーシー公聴会を題材にした『議事進行上の注意！』（1964年）が挙げられる。同様に、『最後のタバコ』は、米国議会における様々なタバコ会社幹部の証言と、喫煙の美徳を称えるアーカイブ映像を組み合わせた作品である。

1920年代に初めて登場した詩的ドキュメンタリーは、初期のフィクション映画の内容と急速に結晶化しつつあった文法の両方に対する一種の反動であった。詩的手法は連続編集から離れ、代わりに時間と空間の両方の観点から、連想とパターンによって物質世界のイメージを整理した。よく練られた登場人物、つまり「生き生きとした人々」は存在せず、代わりに、人々は物質世界に存在する他のあらゆる存在と同じように、これらの映画に登場した。映画は断片的で、印象的で、叙情的であった。当時のフィクション映画が好んだ時間と空間の一貫性の破壊は、映画的物語のモダニズム的対抗モデルの要素としても見ることができる。「現実世界」、ニコルズはそれを「歴史的世界」と呼ぶが、断片に分割され、映画形式を用いて美的に再構成された。このスタイルの例としては、アムステルダムを通り過ぎる夏の夕立を記録したヨリス・イヴェンスの『雨』 （1928年）などがある。ラースロー・モホリ＝ナジの『光の戯れ：黒、白、灰色』（1930年）は、彼自身のキネティック・スカルプチャーを撮影し、彫刻そのものではなく、その周囲の光の戯れを強調した作品である。オスカー・フィッシンガーの抽象的なアニメーション映画、フランシス・トンプソンの『ニューヨーク、ニューヨーク』（1957年）は都市交響曲の映画であり、クリス・マルケルの『サン・ソレイユ』（1982年）も挙げられる。      

解説型ドキュメンタリーは、視聴者に直接語りかけ、多くの場合、ナレーションや字幕を用いた権威ある解説という形で、力強い主張と視点を提示します。これらの映画は修辞的であり、視聴者を説得しようとします。（豊かで響きのある男性の声を用いる場合もあります。）（神の声のような）解説は、しばしば「客観的」で全知全能のように聞こえます。映像は必ずしも最重要ではなく、議論を進めるための補助的な役割を果たします。修辞は、映像をある特定の方法で解釈するように執拗に促します。この形式の歴史ドキュメンタリーは、過去の出来事について、問題のない「客観的」な説明と解釈を提供します。

例：テレビ番組や映画では、『バイオグラフィー』、『アメリカズ・モスト・ウォンテッド』、多くの科学・自然ドキュメンタリー、ケン・バーンズの『南北戦争』（1990年）、ロバート・ヒューズの『新しさの衝撃』（1980年）、ジョン・バーガーの『見る方法』（1972年）、フランク・キャプラの戦時中のシリーズ『なぜ我々は戦うのか』、パレ・ローレンツの『平原を砕いた鋤』（1936年）など。

観察型ドキュメンタリーは、被写体を最小限の介入で自然な形で観察しようとするものです。このジャンルで活動した映画制作者たちは、詩的な表現は抽象的すぎると、解説的な表現は教訓的すぎると考えていました。最初の観察型ドキュメンタリーは1960年代に遡ります。こうした作品を可能にした技術革新には、軽量で持ち運び可能なカメラや、音声を同期させるための携帯型録音機器などがあります。このジャンルの映画は、ナレーション、後から挿入されるセリフや音楽、再現シーンなどを避ける傾向がありました。作品の目的は、日常的な状況における個々の人間の性格を、即時性、親密さ、そして明らかにすることでした。

参加型ドキュメンタリーは、映画制作という行為が撮影対象の出来事に影響を与えたり、変化させたりしないことは不可能だと考えている。これらの映画は、人類学者のアプローチである参加観察を模倣している。映画制作者は映画の一部であるだけでなく、映画の中の状況が彼らの存在によってどのように影響を受けたり変化したりするのかも感じ取ることができる。ニコルズは次のように述べている。「映画制作者はナレーションのベールを脱ぎ捨て、詩的な瞑想から離れ、傍観者の立場から降りて、（ほぼ）他の誰とも同じような社会的行為者となる。（ほぼ他の誰とも同じようなというのは、映画制作者はカメラを保持し、それによって出来事に対するある程度の潜在的な力とコントロールを保持しているからである。）」映画制作者と被写体との出会いは、映画の重要な要素となる。ルーシュとモリンはこのアプローチをシネマ・ヴェリテと名付け、ジガ・ヴェルトフのキノプラヴダをフランス語に翻訳した。「真実」とは、絶対的な真実ではなく、出会いの真実を指す。

自己言及的なドキュメンタリーは、自らを世界を映し出す透明な窓とは見なさず、むしろ自らの構築性、そしてそれが表象であるという事実に注目を集めます。ドキュメンタリー映画はどのようにして世界を表象するのでしょうか？この問いは、このサブジャンルの映画にとって中心的なものです。それらは私たちに「ドキュメンタリー全般の信憑性」を問い直すよう促します。あらゆる表現形式の中で最も自己意識的であり、「リアリズム」に対して非常に懐疑的です。ブレヒト的な疎外戦略を用いて私たちを動揺させ、見ているものやその見方を「異化」させることもあります。

パフォーマティブ・ドキュメンタリーは、主観的な経験と世界に対する感情的な反応を重視します。それらは非常に個人的で、型破りであり、詩的であったり実験的であったりする可能性があり、例えばマーロン・リッグスの『Tongues Untied』（1989年）やジェニー・リビングストンの『Paris Is Burning』（1991年）における黒人ゲイ男性の視点のように、私たち自身の視点とは異なる特定の視点から世界を見つめる経験を私たちに体験させるために、出来事を架空的に再現することもあります。このサブジャンルは、特定のグループ（例えば女性、少数民族、ゲイやレズビアンなど）が「自らについて語る」のにも適しています。多くの場合、フィクションやアバンギャルド映画から借用した様々な手法が用いられます。パフォーマティブ・ドキュメンタリーは、個人的な証言や経験を、より大きな政治的または歴史的な現実と結びつけることがよくあります。

ドキュメンタリーは、生徒の教育を目的として世界中の学校で上映されています。子どもたちに様々なテーマを紹介するために用いられ、授業の一環として活用されたり、ある考えを定着させるために何度も上映されたりします。

ドキュメンタリーの翻訳者は、非常に厳しい納期を守らなければならないことが非常に多い。通常、翻訳者は90分の番組の翻訳を5日から7日以内に納品しなければならない。吹き替えスタジオは通常、ドキュメンタリーの翻訳に翻訳者に1週間を与えるが、良い給料を得るためには、翻訳者ははるかに短い期間で翻訳を納品しなければならない。これは通常、スタジオが最終番組をクライアントに早く納品することを決定した場合や、放送局が厳しい納期を設定した場合（例えば、最新ニュースを扱うドキュメンタリーの場合）に起こる。^{[ 39 ]}

もう一つの問題は、ポストプロダクションスクリプトの不足、または文字起こしの質の悪さです。翻訳者が適切に作業を行うには、正確な文字起こしが不可欠ですが、多くの場合、スクリプトが翻訳者に渡されないため、大きな障害となります。ドキュメンタリーは「専門用語や非常に特殊な固有名詞が豊富」という特徴があるためです。^{[ 40 ]}スクリプトが翻訳者に渡されたとしても、通常は文字起こしが不十分であったり、完全に間違っていたりするため、翻訳が不必要に困難で負担の大きいものになります。ドキュメンタリー番組では、信頼できる情報源となるためには、すべての固有名詞と専門用語が正確でなければならないため、翻訳者はすべての用語を自分で確認する必要があります。固有名詞の間違いの例としては、「ジャンゴ・ラインハルトの代わりにジャングル・ラインハルト、ジェーン・オースティンの代わりにヨルン・アステン、オルダス・ハクスリーの代わりにマグナス・アクスル」などがあります。^{[ 40 ]}

ドキュメンタリー番組の翻訳作業では、非常に専門的で、しばしば科学的な用語を扱う必要があります。ドキュメンタリー翻訳者は通常、特定の分野の専門家ではありません。そのため、特定のドキュメンタリー番組の翻訳を依頼された際には、内容を正しく理解し、間違いや不正確な表現のない最終成果物を提供するために、広範な調査を行う必要があります。一般的に、ドキュメンタリーには多くの専門用語が含まれており、翻訳者はそれらを自ら習得しなければなりません。例えば、次のような用語です。

ドキュメンタリー「ビートルズ、レコードブレーカーズ」では、30分足らずの間に甲虫^{を指すのに15種類もの用語（}カミキリムシ、イエヒラタ

これは翻訳者にとって大きな課題となります。なぜなら、非常に専門的な科学用語の意味を訳出する、つまり同等の用語を訳出する必要があり、ナレーターは特定の用語の代わりに一般的な名称を使うことが多く、翻訳者は番組で提示された画像に頼ってどの用語が議論されているかを理解し、それに応じて訳出言語に置き換える必要があるからです。^{[ 42 ]}さらに、少数言語の翻訳者は、別の問題に直面することがよくあります。それは、一部の用語が訳出言語に存在しない場合があることです。そのような場合、翻訳者は新しい用語を作成するか、専門家に相談して適切な解決策を見つける必要があります。また、公式の用語が実際の専門家が使用する用語と異なる場合もあり、翻訳者は辞書で見つけることができる公式の語彙を使用するか、実際の状況で実際の専門家が使用する自然な表現を選択するかを決めなければなりません。^{[ 43 ]}

• グリアソン賞
• アカデミー賞長編ドキュメンタリー賞
• アムステルダム国際ドキュメンタリー映画祭(IDFA) 、ジョリス・イヴェンス賞(ジョリス・イヴェンスにちなんで命名)
• シネマ・デュ・リール賞（グランプリおよびプレミア映画『ロリダン・イヴンズ』/ファースト・フィルム・ロリダン・イヴンズ賞（旧ジョリス・イヴンズ賞）など）
• マーガレット・ミード映画祭 映画製作者賞
• グランプリ、ヴィジョン・デュ・レエル