舞台戦闘

舞台戦闘、格闘技^[1] 、または格闘技の振り付けは、演者に危害を与えることなく肉体的な戦闘の錯覚を作り出すために考案された演劇の専門技術である。これは、ライブの舞台劇だけでなく、オペラやバレエの制作でも採用されている。映画やテレビの出現により、この用語は広がり、以前の舞台でのライブパフォーマンスとは対照的に、撮影された格闘シーンの振り付けも含むようになった。これはスタントの実践と密接に関連しており、俳優にとって一般的な研究分野である。舞台での格闘技のスキルで有名な俳優は、ダンス、体操、または武術のトレーニングの経験を持っていることが多い。

舞台での格闘技や模擬戦闘の歴史は古代にまで遡ることができ、アリストテレスは悲劇とは人々の間の争いであると述べていると引用されている^[2] 。あるいは、人類の起源や霊長類の 誇示行動にまで遡ることができるかもしれない。武士の才能を誇示することは戦士社会では自然なことであり、儀式化された模擬戦闘はしばしば戦いの踊りへと進化する。古代ギリシャのアリストパネスの『リュシストラタ』の男女間の闘争であろうと、ヘロドトスが『歴史』で杖で互いを殴り合うが誰も死なない宗教的な祭りについて語っている古代エジプトであろうと、舞台での戦闘は常に^[要出典]存在してきた。^[3]儀式で市民を犠牲にするのは意味がないため、多くの古代文明は、死や暴力行為を象徴するために、ダンスや、実際に触れることなく誰かの喉や首に武器を突きつけることなど、戦闘の象徴的なジェスチャーに目を向けた。^[要出典]

娯楽のために上演される戦いも、ローマの剣闘士や中世ヨーロッパの裁判決闘などの公開決闘の場合のように、戦闘員にとっては真剣なものである場合がある。中世のトーナメントや馬上槍試合は、競争的な儀式化された模擬戦闘の古典的な例である。マクシミリアン1世の時代の馬上槍試合は、各騎士にかかる莫大な費用とそれに応じた高い名声を伴うスポーツに発展し、現代のF1レースに匹敵すると同時に、高度に専門化された装備によって怪我の危険を最小限に抑えた。

中世後期には、振り付けの有無にかかわらず、フェンシングの舞台化された試合がフェンシングの学校で人気を博しました。ドイツのいくつかのfechtbuch (「戦闘マニュアル」、文字通り「戦い」または「フェンシングの本」) には、真剣な戦闘では実用的ではない、そのようなKlopffechten (「ノックアバウトファイティング」) で使用される派手なテクニック専用のセクションがあり、中世後期のドイツの達人は模擬戦闘 ( fechten zu schimpf、「乱闘」) と実際の戦闘 ( fechten zu ernst、「真剣な戦い」) を区別しています。

ヨーロッパの演劇上の戦闘の歴史は中世演劇にそのルーツを持ち、エリザベス朝の演劇で具体化されている。ウィリアム・シェイクスピアの劇団とロンドンのマスターズ・オブ・ディフェンス武器ギルドの両方に所属していたリチャード・タールトンは、現代的な意味での最初の戦闘監督の一人だった。^[4]劇中で描かれた剣の決闘は、実際の生活でこの娯楽がいかに人気があったかを示している。1615年以前のイギリスでは、多くの劇で決闘が取り上げられ、決闘はショーのハイライトとみなされていた。1615年以降、ジェームズ王が決闘を公に非難し、決闘はプロットに関して最後の手段として使われたのとは対照的である。^[5]

17 世紀後半から 18 世紀初頭にかけて、日本の歌舞伎(立ち回りの「戦闘シーン」)、中国の京劇、インドの演劇など、様式化された舞台戦闘は、何世紀にもわたって伝統的な舞台芸術の定番の要素となってきました。

ヨーロッパの剣術の達人たちは、両手剣、レイピア、小剣などの武器を使った歴史的な剣術の技術を研究し、実験し、俳優にその使い方を指導し始めた。その中でも有名なのは、パリの格闘技監督で武道家のジョージ・デュボアで、彼は剣闘士の戦いやルネッサンス時代のレイピアやダガーの剣術に基づいたパフォーマンスの剣術スタイルを生み出した。エガートン・キャッスルとロンドンのアルフレッド・ハットン大尉も、古代の剣術システムの復活と、俳優へのそのスタイル指導に携わっていた。^[6]

19 世紀後半から 20 世紀初頭にかけて、ヨーロッパ、イギリス連邦、アメリカ合衆国を巡回する演劇作品における剣術のシーンは、通常、「ラウンド エイト」や「グラスゴー テン」などの名前で識別される、「標準戦闘」として知られるいくつかの広く知られている一般的なルーチンを組み合わせて作成されました。

映画におけるフェンシングは、1920年代のダグラス・フェアバンクスの映画にそのルーツがある。この時代に登場した最も有名な格闘技監督の一人は、銀幕や劇場の舞台格闘技、特に剣術に革命をもたらしたパディ・クリーンである。パディは、エロール・フリンの映画などに見られるような派手な剣術スタイルを生み出した。彼は何よりも安全を優先し、次に戦いのストーリーに焦点を当てた。^{[7]パディ・クリーンの弟子である} BHバリーおよびJ・アレン・サデスは、パディの遺産を発展させ続けている格闘技の達人である。バリーは英国格闘技監督協会の設立に協力し、その後、格闘技の演出をより具体的な形にするために米国に渡った。^[8] J・アレン・サデスは、米国で全米格闘技監督養成プログラムを設立し、「劇場のための格闘技監督」（1996年）という本を執筆した。^[9] 格闘技映画は1940年代から独自のジャンルとして登場し、1960年代には ブルース・リーや千葉真一によって人気を博しました。

1960年代半ばから、イギリスの歴史的ヨーロッパ武術（HEMA）復興の先駆者であるジョン・ウォーラーは、舞台や映画の格闘技監督を務め、後に歴史的リアリズムに重点を置いたロンドンの演劇学校で舞台格闘技の教師となった。 ^[10]格闘技振付師の非公式ギルドは、1969年から1996年にかけて英国格闘技監督協会が設立された1970年代に形成され始めた。米国でのトレーニングは、1977年に米国格闘技監督協会が設立されたことで確立された。

これに続いて、舞台戦闘という芸術形式の技術、訓練、作品の質を国内外で維持するために、世界各地でさらなるアカデミーや協会が設立された。これには、 1993 年のBritish Academy Of Stage & Screen Combat (BASSC)と Fight Directors Canada (FDC)、1994 年の Society of Australian Fight Directors Inc. (SAFDi)、1995 年の Nordic Stage Fight Society (NSFS) と New Zealand Stage Combat Society、1996 年の British Academy of Dramatic Combat (BADC、旧 Society of British Fight Directors)、1997 年の Art of Combat、1999 年の New York Combat for Stage & Screen、2004 年の Stage Combat Deutschland、2010 年の Australian Stage Combat Association (ASCA) が含まれる。 2015年の英国舞台戦闘ギルド。2005年時点では、ロンドンのイースト15演劇学校では、演技と舞台戦闘のBA（優等）学位を提供していました。協会の多くは、俳優がどれだけの訓練を受けたかの指標として使用されるさまざまな武器の認定プログラムを提供しています。COVID-19パンデミックの初期には、いくつかの組織が国際的なバーチャルワークショップを含む遠隔/バーチャルトレーニングで大きな進歩を遂げました。^[11]

舞台での戦闘訓練には、平手打ち、パンチ、キック、投げ技、押さえ技などの非武装戦闘スキル、レイピアや短剣、小剣やブロードソードなどの様々な形式のフェンシングの演劇化、および特に棍棒やナイフなどの他の武器の使用、プロレスやさまざまなスタイルの格闘技などのより専門的なスキルが含まれます。ただし、舞台での戦闘には、あらゆる種類の振り付けされた暴力が含まれる可能性があり、選択肢は安全上の懸念と、関与する参加者の能力によってのみ制限されます。注として、これらのテクニックのほとんどは実際の格闘技から採用されていますが、俳優にとってより安全になるように変更されています。たとえば、顔を平手打ちしているという安全な錯覚を作り出す方法はいくつかありますが（これは明らかに戦闘で実際に実行できることです）、これらの方法はどれも被害者の顔に実際に接触することはありません。

何よりも重要なのは、役者と観客の安全である。この必要性から、多くの標準的な格闘技やフェンシングの技が、特に演技用に改良されてきた。^{[12] [13]}たとえば、基本的な剣の攻撃や受け流しの多くは、役者が相手の顔を越えて武器の先端を近づけたり、他の役者の健康と幸福を不注意に危険にさらしたりしないように修正する必要がある。舞台での戦闘における攻撃動作は、演技相手の身体を越えて行われたり、明らかな標的より手前に向けられたりしている。同様に、役者が凶暴な素手での戦闘に従事する場合でも、役者は安全で刺激的な戦闘シーンを確保するために、高度な共謀とコミュニケーションのもとで行動しなければならない。舞台での戦闘の多くの形態において、距離は技術の重要な要素である。多くの攻撃は「距離を離れて」行われるため、一方の役者が誤ってもう一方の役者を攻撃する可能性はない。割り当てられたリハーサル時間と監督の期待を考慮して、特定の演奏者にとって適切な技術レベルを決定するには、かなりの専門的判断が求められます。

舞台での戦闘のもう一つの重要な要素は音です。音は観客にとってアクションの信憑性を高めます。作ることができる音には2種類あります。1つは声による反応です。打撃を受けたときに息を呑む、うめく、またはうなり声を加えることで、戦闘員は動きに命を吹き込みます。もう1つの種類の音は、体の共鳴部分を叩くことによって作られる打楽器のような音です。^[14]これは衝撃が起こる瞬間に合わせて作られ、観客から隠されるように演出されます。これにより、観客は対応する音が聞こえ、反応を見るため、実際に打撃や平手打ちが行われたと信じることができます。

劇のリハーサルにおける戦闘段階は、ファイトリハーサルと呼ばれる。振り付けは通常、段階的に習得され、最初は非常にゆっくりと練習され、その後、劇的に説得力があり、演者と観客にとって安全な速度まで上げられる。^{[15]舞台での戦闘でさえリスクが伴うため、俳優はできるだけ多くの}訓練と経験を積むことが望ましい。毎回、ショーの前に「ファイトコール」または短いリハーサルが行われ、俳優が戦闘中に「マーク」して筋肉の記憶を増やす​​ために確保される。ファイト振り付けを含むショーは、通常、プロのファイト振付師によって訓練および監督され、ファイトコールを指揮し、ショーの期間中俳優が安全でいられるようにするファイトキャプテンも含まれる場合がある。 ^[16]

中世やルネッサンス時代を舞台にした映画の格闘スタイルは、非現実的で歴史的に不正確である可能性があります。ほとんどの格闘技振付師は、格闘シーンを再現するためにアジアの武術とスポーツ フェンシングを組み合わせます。これは通常、監督が要求する格闘の見た目によるものです。監督がストーリーを特定の方法で展開させたい場合、格闘技監督はそのスタイルに合うように格闘技を振り付け、ストーリーを伝えます。

舞台での戦闘では、誤って誰かを刺しても重傷を負う危険がないように、すべての刃先を鈍らせ、先端を丸くする必要があります。さらに、見せかけだけでなく実際に使用される武器は、実戦で使用できるものとして認定されている必要があります。そうすることで、刃が誤って折れるなどの事故を防ぐことができます。

近接武器は大規模な戦闘シーンで使用され、槍、斧、メイス、フレイルなどが含まれます。これらは、安全な距離で作業できる広いプレイスペースで使用するのが最も適した武器です。

クォータースタッフは、武器のサイズが大きいため、広い舞台で行われるショーで使用されます。最も人気のあるクォータースタッフの戦いの 1 つは、17 世紀のバラードのロビン フッドの物語におけるロビン フッドとリトル ジョンの戦いです。現代のクォータースタッフの振り付けには、1447 年頃に始まった日本の武術である天真正伝香取神道流の棒の技法も取り入れられています。このスタイルの例は、 1748 年に書かれた有名な歌舞伎の演目「義経千本桜」に見ることができます。 ^{[引用が必要]}

アジアの武術を舞台で再現することは、多くの場合、映画での表現を模倣することであり、演者自身が持っていない高度なスキルがあるかのように見せかけることも少なくありません。^[17] 多くの場合、実際の武術の実践よりも、アジアの武術映画に触発された様式化された動きで振り付けられています。

クイ・グエンとロバート・ロス・パーカーが率いるヴァンパイア・カウボーイズ・シアター・カンパニーは、精巧な格闘技を基にした戦闘シーンの演出を中心に、新たなジャンルを築き上げました。

ランフォード・ウィルソンの劇『バーン・ディス』にも、合気道や空手の要素を取り入れた戦闘シーンがある。劇自体は武術に焦点を当てているわけではないが、劇の重要な場面で武術を取り入れることは重要である。ミュージカルのシーンで武術が中心に据えられている例としては、スティーブン・ソンドハイムの『カンパニー』（ミュージカル）の「The Little Things You Do Together」が挙げられる。また、デヴィッド・ヘンリー・ホワンの作品にも武術が登場する。

パン・アジアン・レップは、シェイクスピアの戯曲を封建時代の日本に置き換え、適切な剣術のスタイルで『マクベス将軍』を2度上演した。また、同じ戯曲を日本に適応させて、ピン・チョンは黒澤明の『蜘蛛巣城』の舞台版を制作した。

アジアの演劇では、歌舞伎などのジャンルの戦闘シーンは高度に様式化されていることが多いです。

ブロードソードは、ヨーロッパ中世初期によく使われた大きな剣で、その大きさと重さのおかげで両手で扱える大きな柄が特徴でした。刺すのではなく斬るために使われたこの武器は、シェイクスピアの『マクベス』のようなこの時代を舞台にした劇で使われており、 『ロード・オブ・ザ・リング』のようなファンタジー叙事詩にも登場します。

イギリスでレイピアの正しい使い方を教える最初の学校は、1576年にイタリア出身のロッコ・ボネッティによって設立されました。^{[18]ボネッティは劇作家の}ジョン・リリーから借地権を引き継ぎ、ブラックフライアーズに学校を開きました。^[19] レイピアは、斬るよりも突き刺すという利点があり、ブロードソードよりもはるかに小さく軽い武器になることができます。ロミオとジュリエットやハムレットなどのシェイクスピア劇では決闘が行われ、短剣と組み合わせて使用​​されることが多くあります。

小剣は17世紀後半にイギリスとフランスで流行した。^[18]これは突き刺す武器として使われたため、突きを当てる隙間を見つけるために剣の動きは最小限に抑えられた。当時のほとんどの男性は小剣をファッションアクセサリーとして持ち歩いていたため、そのほとんどは優雅に装飾されていた。小剣を使った決闘の例は、 1782年の同名の小説に基づいて1985年に書かれたクリストファー・ハンプトン著の『危険な関係』に見ることができる。

ボウイナイフから飛び出しナイフまで、ナイフを使った格闘スタイルは数多くあります。ナイフを使った格闘は、素早く鋭い動きをします。その一例は、ウエストサイドストーリーのリフとベルナルドの戦いに見ることができます。しかし、演劇では、ジョルジュ・ビゼーが 1875 年に書いたオペラ「カルメン」の第 1 幕のように、ナイフを持った俳優 1 人が武器を持たない相手と戦うことがよくあります。

LLyg 舞台の戦闘で使用される剣と盾は、一般的に丸く、防御および攻撃の武器として使用できるほど十分に強力です。盾を使用する際の重要な要素は、盾の腕を斜め上に持ち、拳が肘よりも高くなるようにすることです。これにより、打撃を受けたときに盾の上部が動かなくなり、盾または打撃に使用した武器が顔に当たる危険を回避できます。剣と盾は、シェークスピアの歴史劇 「薔薇戦争」などの戦闘シーンで見ることができます。

印象的な振り付けとスタントワークによる視覚的なスペクタクルにより、現代のアクション映画の定番となっている。 ^[20]

これは武器を使わない素手格闘技です。素手格闘技の要素には、平手打ち、パンチ、キック、掴み、絞め技、転倒、転がり、組み技などがあります。多くの格闘技監督は、この性質の格闘技を演出するために、乱雑なストリートファイティングと合気道やブラジリアン柔術などの格闘技の組み合わせに頼っています。一般的には、剣が時代遅れになった後の現代劇でより一般的ですが、シェイクスピアの『オセロ』でオセロがデズデモーナを絞め殺す場面など、古い劇でも見られます。

ファウンド オブジェクトとは、伝統的には武器ではないが、シーンの文脈で武器として使用できるオブジェクトのことです。この典型的な例は、誰かの頭にボトルをぶつけることです。すべての舞台での戦闘と同様に、オブジェクトは、受け取る人に実際に危険を及ぼさないように仕掛けられています。ボトルや皿の場合は、実際のガラス ボトルではなく、 砂糖ガラスの型が使用されます。

格闘技の振り付けは、特定の作品の要件に応じて、真のリアリズムから完全なファンタジーまで幅広く変化します。劇場の格闘技監督が厳密なリアリズムを目指さないことが多い最大の理由の 1 つは、体や刃が訓練された格闘家のように動いていた場合、ライブの観客はアクションの「ストーリー」を簡単に追うことができないためです。たとえば、エドモン・ロスタンによる17 世紀のレイピアを使用した『シラノ・ド・ベルジュラック』の作品では、シラノが円形に切りつける攻撃を何度も行うことがあります。しかし、より効率的で実用的な攻撃は、より素早く、より直接的に相手の体に当たることです。しかし、格闘技監督は、攻撃が速すぎると観客がアクションをうまく追えない (観客は薄い刃が空中を舞うのをほとんど見ることができない) ことを知っているので、ほとんどの格闘技の振り付け監督は、観客がストーリーを追えるように選択を行います。もちろん、これは作品、監督、その他のスタイルの選択によって異なります。

ある格闘技振付師の流派によると、演劇などの生の舞台での格闘技の珍しい側面は、観客が俳優が危害を加えられるのではないかと恐れると、模擬的な暴力に対してさえも否定的な反応を示すという。例えば、俳優が本当に顔を平手打ちされたら、観客はその役柄のことを考えるのをやめ、代わりに俳優を心配するだろう。また、大規模な格闘シーンが制御不能に陥っているように見えると、観客は自分の身の安全を心配するかもしれない。したがって、舞台での格闘技は単に安全技術というだけでなく、観客が途切れることなく疑似体験を維持するのにも重要なのである。

中世の演劇にルーツを持つ舞台戦闘は、エリザベス朝の演劇とともに古典演劇の振り付けに入りました(シェークスピアのシンプルでよく見られる舞台指示は、彼らが戦うというものです)。

剣闘シーンのある古典舞台劇：

• ウィリアム・シェイクスピア作『ロミオとジュリエット』（1597年）
• ヘンリー4世（1597年）ウィリアム・シェイクスピア
• ウィリアム・シェイクスピア作『ハムレット』（1600年頃）
• ウィリアム・シェイクスピア作『マクベス』（1605年頃）
• ウィリアム・シェイクスピア作『リア王』（1606年）（コーンウォールと召使、第3幕、エドガーとエドマンド、第5幕）
• トロイラスとクレシダ（1609年）ウィリアム・シェイクスピア
• ジョン・フォード作「彼女が娼婦なのは残念だ」（1630年頃）
• アフラ・ベーン作『放浪者』（1677年）
• Die Räuber (1781)フリードリヒ・シラー作
• シラノ・ド・ベルジュラック(1897)エドモン・ロスタン作

映画は、振り付けされた戦闘という概念を、演劇の戦闘から直接受け継いだ。1920年、ダグラス・フェアバンクスは、映画でフェンシングシーンを制作するために、フェンシングの名人に協力を依頼した最初の映画監督となった。 ^{[21]活劇映画の第二波は、1935年の}エロール・フリンによって始まった。活劇映画への関心が再び高まったのは、1970年代の 『三銃士』（1973年）の登場による。この段階では、監督はある程度の歴史的正確さを目指していたが、2007年のブリタニカ百科事典が述べているように、「映画のフェンシングは、実際のフェンシング技術の表現としては不十分である」。スター・ウォーズの映画では、戦闘シーンの振り付けをボブ・アンダーソンとピーター・ダイアモンド（エピソードIV、V、VI）とニック・ギラード（エピソードI、II、III）が担当しており、ライトセーバー戦闘は既存の格闘技から得た剣術のテクニックを使って描かれることが多いが、ライトセーバーやフォースなどの空想上の武器が使用される。一方、同じくボブ・アンダーソンが振り付けを担当したロード・オブ・ザ・リングのアクションでは、トニー・ウルフが考案した空想上の武器と戦闘スタイルが採用されている。

1970年代から1980年代にかけて、ブルース・リー、ソニー・チバ、ジャッキー・チェン、サモ・ハン・キンポーらは、マーシャルアーツアクション映画の振付と演技の両方で有名になり、映画の格闘技の発​​展に影響を与えた。香港を拠点とする格闘技振付師のユエン・ウーピンは、『グリーン・デスティニー』や『マトリックス』三部作での振付で知られ、これらの作品では、しばしば非現実的な格闘技がバレットタイムなどの演出技法で補完されている。チン・シウトンは、香港のアクション映画の分野では、優雅なワイヤーフー技法の使用で特に知られている。対照的に、ウィリアム・ホッブス監督の格闘技『決闘者』 、ロバート・ブルース監督の格闘技『ワンス・ワー・ウォリアーズ』 、リチャード・ライアン監督の格闘技『トロイ&アイアンクラッド』などの映画は、リアルで骨太な格闘シーンを盛り込むことで広く知られている。ライアンは、 『ダークナイト』のバットマンや、ガイ・リッチー監督の2つのシャーロック・ホームズ映画 におけるシャーロック・ホームズの「予知」スタイルなどのスタイルを考案する創造性でも知られています。

戦闘再現は、歴史再現の一側面であり、戦闘の出来事を描写することを目的とします。戦闘は通常、歴史上の特定の戦闘ですが、「勝者」が事前に決まっていない台本のない戦闘も含まれます。

• 香港アクション映画
• カンフーシアター
• 格闘技映画
• サムライ映画

• ウィリアム・ホッブス『舞台とスクリーンのためのファイト・ディレクション』、ハイネマン（1995年）、ISBN 978-0-435-08680-0。 
• ウルフ・クリスチャン『ステージ・コンバット・ハンドブック』、ルル（2014年）、ISBN 978-1-291-89516-2。 
• Jenn Boughn、『Stage Combat: Fisticuffs, Stunts, and Swordplay for Theater and Film』、Allworth Press (2006)、ISBN 1-58115-461-5。 
• キース・ダックリン、ジョン・ウォーラー『俳優と監督のためのマニュアル』、Applause Books (2001)、ISBN 1-55783-459-8。 
• デイル・アンソニー・ジラード『Actors on Guard: A Practical Guide for the Use of the Rapier and Dagger for Stage and Screen』Theatre Arts Book (1996)、ISBN 0-87830-057-0。 
• マイケル・カークランド、「ステージ戦闘リソース資料：選択および注釈付き参考文献」、Praeger Publishers（2006年）、ISBN 0-313-30710-5。 
• リチャード・レーン『スワッシュバックリング：舞台戦闘と劇場剣術の芸術へのステップバイステップガイド』Limelight Editions（2004年）、ISBN 0-87910-091-5。 
• Meron Langsner、「演劇ホプロロジー：舞台上の暴力のシミュレーションと表現」、Stratos E. Constantinidis 編『Text & Presentation 2006』、McFarland (2007)、ISBN 0-7864-3077-X、9780786430772。 
• メロン・ラングスナー、「なぜ誰もが舞台戦闘を学ぶべきなのか」、ハウルラウンド、「なぜ誰もが舞台戦闘を学ぶべきなのか」
• JD マルティネス、『シェイクスピアの剣：シェイクスピア劇における舞台戦闘振り付けの図解ガイド』、マクファーランド＆カンパニー（1996年）、ISBN 0-89950-959-2。 
• J.アレン・サデス『劇場のためのファイト・ディレクション』、ハイネマン・ドラマ（1996年）、ISBN 0-435-08674-X。 
• リチャード・パラツィオール『劇場型戦闘の教科書』[1]、Weapons of Choice（2009年）、weaponsofchoice.com、 ISBN 978-1-934703-82-3。 
• ジョナサン・ハウエル、「ステージファイティング、実践ガイド」、クロウッド・プレス（2008年）、ISBN 978 1 84797 046 6 
• F. ブラウン・マッカッシュ、「ファイト・コレオグラフィー、実践ガイド」、クロウッド・プレス (2010) ISBN 978-1-84797-2231 

ビデオ

• ベーシックステージコンバットDVD、教育ビデオネットワーク（2004年）。
• Traditioneller Schaukampf für Anfänger nach Dreynschlag、Agilitas TV (2007)。
• BH バリー。「みんなのための戦い」2013