ルネサンス音楽

ルネサンス音楽は伝統的に、他の学問分野で理解されているルネサンス時代よりも後の、15世紀と16世紀のヨーロッパ音楽を指すと理解されている。トレチェント音楽は、14世紀初頭のアルス・ノヴァから始まるのではなく、音楽学では中世音楽の終結部として扱われ、新しい時代は三和音の台頭と、イギリス諸島からブルゴーニュ楽派へのコンテナンス・アングロワーズ様式の普及から始まるとされた。その終わりの適切な分水嶺は、バロック時代の初めに通奏低音が導入された時である。

この時代は、大まかに分けると、初期はギヨーム・デュ・フェイ（ 1397年頃- 1474年）の活躍とカンティレーナ様式の発展に相当し、中期はフランドル楽派とヨハネス・オケゲム（1410年代または1420年代-1497年）やジョスカン・デ・プレ（1450年代後半-1521年）が好んだ4声のテクスチュアが主流となり、対抗宗教改革の時期にはパレストリーナ（ 1525年頃- 1594年）やローマ楽派の華やかな対位法で頂点に達します。

音楽は中世の制約から次第に解放され、音域、リズム、ハーモニー、形式、記譜法においてより多様なものが許されるようになった。その一方で、対位法の規則は、特に不協和音の扱いに関して、より制約を受けるようになった。ルネサンス期には、音楽は個人的な表現の手段となった。作曲家たちは、声楽曲を、自分たちが作曲するテキストをより表現力豊かにする方法を見出した。世俗音楽は宗教音楽の技法を吸収し、逆もまた同様であった。シャンソンやマドリガーレなどの人気の世俗形式は、ヨーロッパ中に広まった。宮廷では、歌手と楽器奏者の両方の名手が雇われた。音楽はまた、印刷された形で入手できるようになり、音楽自体が存在するようになり、より自立したものとなった。

ルネッサンス期には、多くのよく知られた現代楽器 (バイオリン、ギター、リュート、鍵盤楽器など) の先駆的バージョンが新しい形態に発展しました。これらの楽器は音楽的アイデアの進化に応じて改良され、作曲家や音楽家が探求する新しい可能性をもたらしました。ファゴットやトロンボーンなどの現代の木管楽器や金管楽器の初期形態も登場し、音色の範囲が広がり、楽器アンサンブルのサウンドが強化されました。15 世紀には、完全な三和音の音が一般的になり、16 世紀末には教会旋法のシステムが完全に崩壊し始め、機能的調性(歌や曲が音楽の「キー」に基づいているシステム) に取って代わられました。これが、次の 3 世紀にわたって西洋の芸術音楽の主流となりました。

ルネサンス時代から、声楽と器楽の作品、声楽と器楽の混合作品など、記譜された世俗音楽と宗教音楽が大量に残っています。ルネサンス時代には、ミサ曲、モテット、マドリガル、シャンソン、伴奏付き歌曲、器楽舞曲など、幅広い音楽スタイルとジャンルが栄えました。20 世紀後半から、数多くの古楽アンサンブルが結成されました。ルネサンス時代の音楽を専門とするアンサンブルは、歴史的楽器の現代版を使用し、音楽学者がその時代に使用されていたと考える歌唱スタイルと演奏スタイルを使用して、コンサートツアーを開催し、録音を行っています。

ルネサンス音楽の主な特徴は以下の通りである。^[1]

• モードに基づいた音楽。
• 4 つ以上の独立した旋律部分が同時に演奏される、豊かなテクスチャ。これらの絡み合う旋律線は、ポリフォニーと呼ばれるスタイルで、ルネサンス音楽の特徴の 1 つです。
• 音楽の質感において、メロディーラインを対比させるのではなく、融合させる。
• 音楽のスムーズな流れとコード進行を重視したハーモニー。

ポリフォニーの発達は、中世からルネサンス音楽の大きな特徴である楽器の大きな変化をもたらした。ポリフォニーの使用は、より大きなアンサンブルの発達を促し、全音域にわたって調和する楽器セットを必要とした。^[2]

ルネサンス初期のヨーロッパ芸術音楽の最も顕著な特徴の 1 つは、3 度とその転回形である 6 度音程への依存度が高まったことです (中世では、3 度と 6 度は不協和音とみなされ、協和音は完全音程、つまり完全 4 度、完全 5 度、オクターブ、ユニゾンからのみ派生しました)。ポリフォニー(複数の独立した旋律線を同時に演奏する) は、14 世紀を通じてますます精巧になり、声楽曲と器楽の両方で高度に独立した声部が使用されました。15 世紀初頭には単純化が見られ、作曲家は旋律部分の滑らかさを追求することが多くなりました。これは、音楽における声域が大幅に拡大したために可能になりました。それ以前の中世では、声域が狭いためにパートを頻繁に交差させる必要があり、異なるパートを区別するためにパート間のコントラストを大きくする必要がありました。

ルネサンス音楽の旋法的な特徴は、その後のバロック音楽時代に発展した調性的なアプローチに取って代わられたが、ルネサンス時代の終わりごろには、 5度または4度のルートの動きがますます使用されるようになり、崩壊し始めた（詳細は五度圏を参照）。コードのルートが4度間隔で移動するコード進行の例としては、Cメジャーのキーのコード進行がある。「Dマイナー/Gメジャー/Cメジャー」は、すべて3和音、つまり3音コードである。DマイナーコードからGメジャーコードへの動きは、完全4度の間隔である。GメジャーコードからCメジャーコードへの動きも、完全4度の間隔である。これは、後にバロック時代の調性を定義する特徴の1つに発展した。^[要出典]

他の芸術と同様に、この時代の音楽は、近世を特徴づける発展、すなわち人文主義思想の台頭、古代ギリシャと古代ローマの文学と芸術の遺産の復興、革新と発見の増大、商業企業の成長、ブルジョア階級の台頭、そして宗教改革の影響を大きく受けました。この変化する社会から、共通の統一された音楽言語、特にフランコ・フランドル派のポリフォニー様式が生まれました。

1439年の印刷機の発明により、音楽や音楽理論のテキストをより広範囲に、より多くの人々に安価かつ容易に配布できるようになりました。印刷機が発明される前は、書かれた音楽や音楽理論のテキストは手書きでコピーする必要があり、これは時間と費用のかかる作業でした。娯楽として、また教養のあるアマチュアの余暇活動としての音楽の需要は、ブルジョア階級の出現とともに高まりました。シャンソン、モテット、ミサ曲がヨーロッパ中に広まったのと同時に、多声音楽の慣習は流動的なスタイルに統一され、16世紀後半にはジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ、オルランド・デ・ラッスス、トーマス・タリス、ウィリアム・バード、トマス・ルイス・デ・ビクトリアなどの作曲家の作品で頂点に達しました。低地諸国の比較的安定した政治的繁栄と、この地域の多くの教会や大聖堂での音楽教育の盛んなシステムにより、多数の歌手、楽器奏者、作曲家が養成された。これらの音楽家はヨーロッパ全土、特にイタリアで非常に求められ、教会や貴族の宮廷が作曲家、演奏家、教師として彼らを雇った。印刷機によって印刷された楽譜の普及が容易になったため、16世紀末までにイタリアは北方の音楽の影響を吸収し、ヴェネツィア、ローマなどの都市が音楽活動の中心地となった。これは100年前とは状況が逆転した。歌手が楽器の伴奏をつけて演じる劇的な舞台ジャンルであるオペラは、この時期にフィレンツェで生まれた。オペラは古代ギリシャの音楽を復活させようとする意図的な試みとして開発された。^[3]

ルネサンス期を通じて使われ続けた主要な典礼音楽（教会音楽）は、ミサ曲とモテットであり、時代末期には宗教音楽の作曲家が世俗的（非宗教的）音楽（マドリガーレなど）を宗教音楽として採用し始めたため、他のいくつかの発展も見られました。15世紀と16世紀のミサ曲では、モノフォニック（単一の旋律線）とポリフォニック（複数の独立した旋律線）の2種類の音源が使用され、カントゥス・フィルムスの慣習に基づく2つの主な精緻化形式、または1500年頃から始まった新しいスタイルの「浸透的模倣」に基づいて、作曲家はさまざまな声部やパートが他の声部やパートによって演奏される旋律やリズムのモチーフを模倣する音楽を書きました。使用されたミサ曲には、主に次の種類がありました。

• サイクリックミサ（テナーミサ）
• 言い換えマス
• 模造マス

ミサ曲は通常、その曲の出典によって題名が付けられる。カントゥス・フィルムス・ミサでは、同じ単旋律が使用されるが、通常は聖歌から引用され、通常はテノールで、他の声部よりも長い音価で使われることが多い。^{[4]その他の宗教的なジャンルには、}マドリガーレ・スピリチュアルとラウデがある。

この時期には世俗音楽（非宗教音楽）が普及し、さまざまな形式がとられたが、多様性が爆発的に増えたと考えるのは慎重でなければならない。印刷術によって音楽がより広く利用できるようになったため、中世より前の時代よりもこの時代の方がはるかに多くの音楽が残っており、中世後期のポピュラー音楽の豊富な蓄積は失われていると思われる。世俗音楽は教会から独立した音楽であった。主な形式は、ドイツのリート、イタリアのフロットラ、フランスのシャンソン、イタリアのマドリガル、スペインのヴィッランシーコであった。^[1]その他の世俗的な声楽のジャンルには、カッチャ、ロンドー、ヴィルレ、ベルジュレット、バラード、ミュージック・メジュレ、カンツォネッタ、ヴィラネッラ、ヴィロッタ、リュート歌曲などがある。モテット・シャンソンや世俗モテット などの混合形式も登場した。

純粋に器楽の音楽には、リコーダーやヴィオルなどの楽器による協奏曲や、さまざまなアンサンブルによる舞曲などがある。一般的な器楽のジャンルは、トッカータ、プレリュード、リチェルカーレ、カンツォーナである。器楽アンサンブルによって演奏される（または歌われることもある）舞曲には、バス・ダンス（伊：bassadanza）、トゥルディオン、サルタレッロ、パヴァーヌ、ガリアール、アルマンド、クーラント、ブランスル、カナリア、ピヴァ、ラヴォルタがある。多くのジャンルの音楽は、リュート、ビウエラ、ハープ、キーボードなどの独奏楽器用に編曲することができる。このような編曲はインタビュレーション（伊：intavolatura、独：Intabulierung） と呼ばれた。

この時代が終わりに近づくと、モノディ、マドリガル・コメディ、間奏曲など、オペラの初期の劇的前身となるものが聞かれるようになります。

マーガレット・ベントによれば、「ルネサンスの記譜法は、現代の基準からすると規範性が足りず、現代の形式に翻訳すると、規範的な重みを帯び、過剰に指定され、本来の開放性が歪められてしまう」^[5] 。ルネサンス時代の楽曲は、個々のパートでのみ記譜され、スコアは極めて稀で、小節線は使用されなかった。音価は、一般的に、現在使用されているものよりも大きく、拍子の主な単位は、全音符または全音符であった。アルス・ノヴァ（中世音楽を参照）以来そうであったように、各全音符（二重全音符）には、これらが2つまたは3つあり、これは現代の「小節」と同等と見なすことができるが、それ自体は音価であり、小節はそうではない。この状況は、次のように考えることができる。これは、現代音楽で四分音符が八分音符2つまたは八分音符3つに相当し、「三連符」として表記される規則と同じである。同じ計算で、各全音符には、次に小さい音符である「ミニム」（現代の「2分音符」に相当）が 2 つまたは 3 つある可能性があります。

これらの異なる順列は、全音符と半全音符の関係のレベルで「完全/不完全テンポ」、全音符と最少音符のレベルで「完全/不完全プロレーション」と呼ばれ、互いにあらゆる組み合わせで存在した。3対1は「完全」、2対1は「不完全」と呼ばれた。また、特定の音が先行または後続する場合、単一の音符の値が半分または2倍になる（それぞれ「不完全」または「変更」）規則も存在した。黒色の符頭の音符（4分音符など）はあまり出現しなかった。この白い計量記譜法の発達は、羊皮紙ではなく紙の使用が増えたことによるものかもしれない。紙が弱いと、実線の符頭を埋めるのに必要な引っかき傷に耐えられなかったためである。羊皮紙に書かれた以前の記譜法は黒色だった。他の色、そして後には塗りつぶされた音符も日常的に使用され、主に前述の不完全さや変更を強調し、他の一時的なリズムの変化を要求しました。

臨時記号（例えば、音符を変えるシャープ、フラット、ナチュラルの追加）は、今日のギター属楽器の運指記譜法（タブ譜）のように、必ずしも明記されているわけではない。しかし、ルネサンス時代の音楽家は二元的対位法の高度な訓練を受けていたはずで、そのため、臨時記号が書かれていなくても、楽譜を正しく読むために必要なこの情報やその他の情報を持っていた。そのため、「現代の記譜法で必要とされる臨時記号は、対位法に精通した歌手にとっては、記譜がなくても完全に明らかだったはずである」（musica fictaを参照）。歌手は、他のパートを念頭に置いて終止符の公式を考え出すことで自分のパートを解釈し、一緒に歌うときは、ミュージシャンは平行オクターブや平行五度を避けたり、他のミュージシャンの決定を考慮して終止符のパートを変えたりした。^[5]さまざまな撥弦楽器の同時代のタブ譜を通じて、当時の演奏家がどの臨時記号を演奏したかについて多くの情報が得られている。

特定の理論家については、Johannes Tinctoris、Franchinus Gaffurius、Heinrich Glarean、Pietro Aron、Nicola Vicentino、Tomás de Santa María、Gioseffo Zarlino、Vicente Lusitano、Vincenzo Galilei、Giovanni Artusi、Johannes Nucius、およびPietro Ceroneを参照してください。

初期ルネサンス時代の主要作曲家たちも中世後期のスタイルで作曲しており、その意味では過渡期の人物である。レオネル・パワー（1370年代または1380年代頃 - 1445年）は中世後期からルネサンス初期にかけての音楽時代のイギリスの作曲家である。ジョン・ダンステイプルとともに、15世紀初期のイギリス音楽における主要人物の一人である。^{[6] [7]}パワーは、15世紀初期のイギリス音楽の唯一の無傷の資料の一つであるオールド・ホール写本に最もよく表れている作曲家である。彼は、ミサ曲の通常部分を独立した楽章に作曲し、主題が統一され連続した演奏を意図した最初の作曲家の一人である。オールド・ホール写本には、マリアへのアンティフォナである「Alma Redemptoris Mater」に基づいた彼のミサ曲が収められており、そこではアンティフォナは各楽章でテノールの声部で文字通りに述べられ、旋律の装飾はない。これは、彼に帰せられるミサ曲の唯一の周期的構成である。^[8]彼はミサ曲集、断片、単一楽章、その他さまざまな宗教作品を書いた。

ジョン・ダンスタプル（1390年頃 - 1453年）は、中世後期からルネサンス初期にかけてのイギリスのポリフォニー音楽の作曲家である。15世紀初頭に活躍した最も有名な作曲家の一人であり、パワーとほぼ同時代の人で、イギリスだけでなく大陸でも広く影響を与え、特にブルゴーニュ楽派の発展途上のスタイルに影響を与えた。大陸の音楽語彙に対するダンスタプルの影響は、特に彼の（帰属可能な）作品が比較的少ないことを考慮すると、非常に大きい。彼はブルゴーニュ楽派の音楽でそれまで聞いたことのないもの、つまり「イギリスの表情」を持っていることで知られており、これは詩人マルタン・ル・フランが『女傑』の中で使った言葉である。ル・フランは、そのスタイルがデュファイやバンショワに影響を与えたと付け加えている。それから数十年後の 1476 年頃に書かれたフランドルの作曲家で音楽理論家のティンクトリスは、ダンスタプルが与えた強力な影響力を再確認し、ダンスタプルが触発した「新しい芸術」を強調しました。ティンクトリスはダンスタプルをこのスタイルのfons et origo、つまり「源泉と起源」と称賛しました。^{[この引用には出典が必要です]}

コンテンアンス・アングロワーズは、マルタン・ル・フランによって定義されたものではないが、ダンスタプルの完全な三和音（3音の和音）を使用するスタイル上の特徴と、 3度音程への好みを指していると思われる。ダンスタプルがベッドフォード公爵とともに大陸にいたと仮定すると、フランスのフォブルドンを紹介されたはずであり、その響きの一部を借りて、3度と6度（3度音程の例はCとEの音、6度音程の例はCとAの音）を使用して独自の音楽で優雅なハーモニーを生み出した。総合すると、これらは初期ルネサンス音楽を定義する特徴と見なされている。これらの特徴の多くはイングランドで生まれ、19世紀中頃にブルゴーニュ楽派に根付いたと考えられる。

ダンスタプルの作品の写本がイタリア語とドイツ語の写本で多数発見されていることから、ヨーロッパ中で彼の名声が広まっていたことは間違いない。彼の作品とされる作品のうち現存するのはわずか50曲ほどで、その中には完全なミサ曲が2曲、連結したミサ曲が3曲、個別のミサ曲が14曲、等リズムのモテットが12曲、そして『贖いの母』や『慈悲の母』などの聖母交唱が7曲ある。ダンスタプルは、単一のメロディーをカントゥス・フィルムスとして用いたミサ曲を作曲した最初の一人である。この技法の良い例は『ミサ・レックス・セキュロルム』である。彼は世俗音楽（非宗教音楽）を作曲したと考えられているが、現地語で書かれた歌曲で彼の作品であると確実に言えるものはない。

オスヴァルト・フォン・ヴォルケンシュタイン（1376年頃 - 1445年）は、初期ドイツルネサンス期の最も重要な作曲家の一人である。彼は、よく書かれたメロディーと、旅、神、セックスという3つのテーマを使った作品でよく知られている。^[9]

ジル・バンショワ（ 1400年頃- 1460年）はオランダの作曲家であり、ブルゴーニュ楽派の最も初期のメンバーの一人であり、15世紀初頭の最も有名な3人の作曲家の一人である。同時代の学者からは同時代のギヨーム・デュファイやジョン・ダンスタプルよりも下位に位置付けられることが多かったが、彼の作品は死後も引用され、借用され、資料として使われ続けた。バンショワは^{[誰によって？ ]}優れた旋律家であるとみなされており、歌いやすく覚えやすい、注意深く形作られた旋律を書く。彼の曲は死後数十年経ってから複製され、後の作曲家によるミサ曲の資料としてよく使われた。彼の音楽のほとんどは、宗教音楽でさえ、概要が単純明快で、時には禁欲的（修道士のような）である。バンショワとそれ以前の（14世紀）のアルス・サブティリオールの極端な複雑さとの間に、これ以上の対照を想像するのは難しいだろう。彼の世俗歌曲のほとんどはロンドーで、これは 19 世紀に最も一般的な歌曲形式となった。彼はめったに連韻形式では作曲せず、彼のメロディーは一般に、それが付けられている詩の押韻構成とは無関係である。バンショワは宮廷音楽、愛と騎士道の世俗歌を作曲し、彼を雇ったブルゴーニュ公爵たちの期待と好みに応え、その音楽が気に入ったことは明らかである。彼の現存する世俗音楽の約半分はオックスフォード ボドリアン図書館に収蔵されている。

ギヨーム・デュ・フェイ（ 1397年頃- 1474年）は、初期ルネサンス期のフランドル出身の作曲家。ブルゴーニュ楽派の中心人物で、同時代の人々からは15世紀半ばのヨーロッパを代表する作曲家とみなされていた。^[10]デュ・フェイは、宗教音楽ではミサ曲、モテット、マニフィカト、賛美歌、簡単なフォーブルドン調の聖歌、アンティフォン、世俗音楽ではロンドー、バラード、ヴィルレ、その他シャンソン形式の曲など、当時一般的だったほとんどの形式の曲を作曲した。現存するデュ・フェイの作品で特に器楽作品はないが、世俗音楽の一部、特に低音部では楽器が使われているのは確かである。宗教音楽はすべて声楽である。デュ・フェイの作品のほとんどにおいて、実際の演奏では声を補強するために楽器が使われていた可能性がある。^[要出典] 7 つの完全なミサ曲、28 の個別のミサ楽章、ミサ本文で使用される 15 の聖歌の設定、3 つのマニフィカト、2 つのベネディカムス ドミノの設定、15 の交唱設定 (そのうち 6 つはマリアの交唱)、27 の賛美歌、22 のモテット (このうち 13 はより角張った、厳格な 14 世紀のスタイルで等リズムであるが、これは若いデュ フェイの時代にはより旋律的で感覚的な高音優位のパート譜に取って代わられ、フレーズは「下 3 度」の終止符で終わる)、およびデュ フェイの作品であることが確実なシャンソン 87 曲が現存している。^[要出典]

デュ・フェイの作品の多くは、明らかに礼拝用に作られたシンプルな聖歌の編曲で、おそらくは飾り気のない聖歌の代わりとして作られたもので、聖歌の和声化とみなすこともできる。和声化にはしばしば、フォブルドンと呼ばれる平行記譜法が使われ、次の例は、聖母マリアのアンティフォン「アヴェ・マリス・ステラ」の編曲である。デュ・フェイは、15世紀の典礼音楽全般、特にブルゴーニュ楽派で顕著だったこのよりシンプルな作曲様式に「フォブルドン」という用語を使った最初の作曲家かもしれない。デュ・フェイの世俗的（非宗教的）歌曲のほとんどは、14世紀と15世紀のヨーロッパの世俗音楽を支配した形式（ロンドー、バラード、ヴィルレ）に従っている。彼はまた、イタリア滞在中にほぼ確実にイタリア風のバラートを数曲作曲している。モテットの場合と同様、歌曲の多くは特定の機会のために書かれ、多くは年代が特定できるため、伝記的な情報として役立ちます。歌曲のほとんどは 3 声部で構成され、最高声部が支配的なテクスチャを使用しています。歌詞のない他の 2 声部は、おそらく楽器で演奏されたものです。^{[引用が必要]}

デュ・フェイは、アイソリズムなどの中世後期のポリフォニック構造技法を駆使した最後の作曲家の一人であり、^[11]初期ルネサンスの特徴である、より甘美なハーモニー、フレージング、メロディーを採用した最初の作曲家の一人でもある。^[12]大きなジャンル（ミサ曲、モテット、シャンソン）における彼の作品は、ほとんどが互いに似通っている。彼の名声は、彼が取り組んだ形式を完璧にコントロールしていたと認識されていたことと、印象的で歌いやすいメロディーを生み出す才能によるところが大きい。15世紀には、彼は当時最も偉大な作曲家であると広くみなされ、その意見は今日までほぼ受け継がれている。^{[13] [14]}

16 世紀、ジョスカン・デ・プレ(  1450/1455年頃- 1521 年 8 月 27 日) は、徐々にその時代最高の作曲家としての評判を獲得し、その技術と表現の熟達は世界中で模倣され、賞賛されました。バルダッサーレ・カスティリオーネやマルティン・ルター など、さまざまな作家が彼の評判と名声について書いています。

ヴェネツィアでは、1530年頃から1600年頃にかけて、印象的な多声合唱のスタイルが発達し、ヨーロッパに、その頃までに作曲された音楽の中でも最も壮大で響き渡る音楽がもたらされました。ヴェネツィアのサン・マルコ寺院のさまざまな空間に、歌手、金管楽器、弦楽器からなる複数の合唱団が配置されました(ヴェネツィア楽派を参照)。これらの複数の革命は、その後の数十年間にヨーロッパ中に広がり、ドイツで始まり、その後少し遅れてスペイン、フランス、イギリスへと広がり、現在バロック音楽時代として知られる時代の始まりとなりました。

ローマ楽派は、主に教会音楽の作曲家たちのグループで、ルネサンス後期からバロック初期にかけて活躍した。作曲家の多くはバチカンや教皇庁の礼拝堂と直接関係があったが、複数の教会で活動していた。様式的には、同時期に活動していたヴェネツィア楽派の作曲家たちと対比されることが多い。ローマ楽派の作曲家の中で群を抜いて最も有名なのは、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナである。ミサ曲やモテットの多作な作曲家として最もよく知られているが、彼はマドリガーレ奏者としても有名だった。宗教改革反対期にカトリック教会の機能的ニーズと当時の音楽様式を融合させた彼の才能が、彼に永続的な名声をもたらした。^[15]

イギリスにおける音楽マドリガルの短期間だが激しい開花は、主に 1588 年から 1627 年にかけて起こり、その作曲家たちとともにイギリスマドリガル派として知られています。イギリスのマドリガルはアカペラで、主に軽快なスタイルで、一般的にはイタリアの模範をコピーするか直接翻訳したものとして始まりました。そのほとんどは 3 声から 6 声用でした。

ムジカ・レセルバータは、16世紀後半の主にイタリアと南ドイツにおけるアカペラ声楽のスタイルまたは演奏方法であり、歌詞の洗練性、排他性、強烈な感情表現を特徴としています。 ^[16]

アメリカ大陸におけるヨーロッパ音楽の育成は、スペイン人の到来とメキシコ征服の直後の 16 世紀に始まった。ヨーロッパ風に作られていたが、メキシコ固有の言語とヨーロッパの音楽習慣に基づいたメキシコ独自のハイブリッド作品がかなり早くから登場した。ヌエバ エスパーニャの音楽習慣は、その後のバロック音楽とクラシック音楽の時代を通じて、常にヨーロッパの傾向と一致していた。こうした新世界の作曲家には、エルナンド フランコ、アントニオ デ サラザール、マヌエル デ ズマヤなどがいた。^[要出典]

さらに、1932年以降の作家たちは、16世紀後半から17世紀初頭にかけて、いわゆる「セカンダ・プラティカ」（テキストの表現設定によって正当化された、モノラルスタイルと不協和音の扱いの自由を伴う革新的な実践）を観察してきました。^[17]

16 世紀後半、ルネサンス時代が終焉を迎えると、極めてマニエリスム的なスタイルが発達しました。世俗音楽、特にマドリガーレでは、複雑さや極端な半音階へと向かう傾向がありました (ルッツァスキ、マレンツィオ、ジェズアルドのマドリガーレに代表されるように)。マニエリスムという用語は美術史に由来しています。

フィレンツェでは、単純な伴奏に朗唱音楽の形式であるモノディという手段を通じて、古代ギリシャの劇的および音楽的形式を復活させようとする試みが始まりました。それまでのポリフォニックなスタイルとこれほど極端な対比を見つけるのは難しいでしょう。これは、少なくとも当初は世俗的な傾向でもありました。これらの音楽家は、フィレンツェのカメラータとして知られていました。

バロック時代の到来を告げるきっかけとなった音楽の発展のいくつかについてはすでに述べましたが、この変遷のさらなる説明については、アンティフォン、コンチェルタート、モノディ、マドリガーレ、オペラ、および「出典と参考文献」に記載されている作品を参照してください。

多くの楽器はルネッサンス時代に生まれましたが、それ以前に存在していた楽器のバリエーションや改良版もあります。現在まで残っているものもあれば、消滅し、当時の音楽を本物の楽器で演奏するために再現されたものもあります。現代と同様に、楽器は金管楽器、弦楽器、打楽器、木管楽器に分類できます。

ヨーロッパの中世の楽器は、ほとんどの場合単独で使用され、ドローンによる伴奏が付けられることが多かったが、時にはパートで演奏されることもあった。少なくとも13世紀から15世紀にかけて、楽器はオー（大きな音を出す、甲高い、屋外用の楽器）とバス（静かな、より親密な楽器）に分かれていた。^{[18]両方のタイプのアンサンブルで自由に演奏できる楽器は、}コルネットとサックバット、およびタボールとタンバリンという2つのグループだけだった。^[4]

16世紀初頭、楽器は声ほど重要ではないと考えられていました。楽器はダンスや声楽の伴奏に使われていました。^[1]器楽は声楽に従属するものであり、そのレパートリーの多くはさまざまな形で声楽のモデルから派生したもの、またはそれに依存していました。^[3]

ルネッサンス時代には、大きな教会のオルガンから小さなポルタティーヴやリーガルと呼ばれるリードオルガンまで、さまざまな種類のオルガンが一般的に使用されていました。

ルネッサンス時代の金管楽器は伝統的にプロによって演奏されていました。演奏されていた一般的な金管楽器には次のようなものがあります。

• スライドトランペット：現在のトロンボーンに似ていますが、ボディの一部がスライドするのではなく、マウスピースに近いボディの小さな部分とマウスピース自体が固定されています。また、ボディはS字型なので扱いにくいですが、スローダンスミュージックには適しており、最も一般的に使用されています。
• コルネット: 木製で、リコーダーのように演奏します (片方の端から息を吹き込み、外側で指を上下に動かします) が、トランペットのようにカップ型のマウスピースを使用します。
• トランペット: 初期のトランペットにはバルブがなく、倍音列の音色に限られていました。また、さまざまなサイズが作られていました。
• サックバット（時にはサックバットまたはサグバット）：トロンボーンの別名^[19]。15世紀半ばまでにスライドトランペットに取って代わった。^[20]

弦楽器は、宗教的、世俗的を問わず、さまざまな場面で使われてきました。この楽器群には次のようなものがあります。

• ヴィオル: 15 世紀に開発されたこの楽器は、一般的に 6 本の弦を持ちます。通常は弓で演奏されます。構造上の特徴はスペインの撥弦楽器ビウエラ(イタリアではビオラ ダ マノと呼ばれる) に似ていますが、主な特徴はサイズが大きいことです。これにより、演奏者の姿勢が変わり、チェロのように床に置いたり、脚の間に置いたりできるようになりました。ビウエラとの類似点は、鋭いウエスト カット、類似のフレット、平らな背面、薄いリブ、同一のチューニングです。このように演奏される場合、腕で演奏されるヴィオル (ヴィオーレ ダ ブラッチョ) と区別するために「ヴィオラ ダ ガンバ」と呼ばれることもありました。これは、ヴァイオリン ファミリーに進化した楽器です。
• リラ: 構造は小さなハープと似ていますが、はじくのではなく、ピックでかき鳴らします。弦の数は時代によって 4 本、7 本、10 本と異なります。右手で演奏し、左手で不要な音を消します。新しいリラは弓で演奏できるように改良されました。
• アイリッシュ ハープ: スコットランド ゲール語では Clàrsach、アイルランド語では Cláirseach とも呼ばれ、中世にはアイルランドとスコットランドで最も人気のある楽器でした。アイルランドの歴史におけるその重要性から、ギネスのラベルにも記載されており、今日でもアイルランドの国のシンボルとなっています。演奏するには通常、爪弾きます。^{[説明が必要]}大きさは、膝の上で演奏できるハープから床に置くフルサイズのハープまで、多岐にわたります。
• ハーディガーディ: (ホイールフィドルとも呼ばれる) 弦がホイールの上を通過することで弦が鳴らされます。その機能は、クランクで弓 (ホイール) を回転させる機械式バイオリンに似ています。その独特の音色は、主にバグパイプの音に似た一定のピッチを提供する「ドローン弦」によるものです。
• ギターンとマンドーレ：これらの楽器はヨーロッパ全土で使用されていました。マンドリンやギターを含む現代の楽器の先駆けです。
• リラ・ダ・ブラッチョ
• バンドーラ
• シターン
• リュート
• オルファリオン
• ビウエラ
• クラヴィコード
• チェンバロ
• 処女

ルネサンス時代の打楽器には、トライアングル、口琴、タンバリン、ベル、シンバル、ランブルポット、さまざまな種類のドラムなどがあります。

• タンバリン: タンバリンはフレームドラムです。フレームを囲む皮はベラムと呼ばれ、指の関節、指先、または手で表面を叩くことでビートを出します。楽器を振ってタンバリンのジングルまたはペレットベル (どちらかが付いている場合) を「カチャカチャ」と「ジャラジャラ」鳴らすことで演奏することもできます。
• 口琴: 口の形を使ってさまざまな母音を口で発音し、音を出す楽器。楽器の舌の曲がった端にあるループをさまざまな振動のスケールで弾くと、さまざまな音色が出ます。

木管楽器（気鳴楽器）は、パイプ内の空気柱を振動させることで音を出します。パイプに開けられた穴によって、演奏者は空気柱の長さ、つまり音程をコントロールできます。空気柱を振動させる方法はいくつかあり、その方法によって木管楽器のサブカテゴリが定義されます。

演奏者は、横笛のように口の穴に息を吹き込むことも、リコーダー (ダクト フルート) のようにホイッスル マウスピースに息を吹き込むことも、現代のクラリネットやサックスのようにシングル リード マウスピースに息を吹き込むことも、オーボエやファゴットのようにダブル リード マウスピースに息を吹き込むこともできます。ルネッサンス時代の木管楽器には、これら 3 つの音色生成方法がすべて見られます。

• ショーム: 典型的な東洋の^[要説明]ショームは鍵がなく、長さが約 1 フィートで、指穴が 7 つと親指穴が 1 つあります。パイプも木製が一般的で、彫刻や装飾が施されているものが多くありました。ルネッサンス期に最も人気のあるダブルリード楽器で、その輝かしく鋭く、しばしば耳をつんざくような音色から、太鼓やトランペットとともに街中でよく使用されていました。ショームを演奏するには、リード全体を口に入れ、頬を膨らませ、鼻から息を吸いながらパイプに息を吹き込みます。

• リードパイプ：^[21]マウスピースと4つまたは5つの指穴が付いた1本の短い葦で作られ、そこからリードが作られます。リードは小さな舌を切り取って作られますが、ベースはそのまま残ります。サクソフォンとクラリネットの前身です。
• ホーンパイプ: リードパイプと同じですが、端にベルが付いています。
• バグパイプ/ブラダーパイプ: 信者の間では、羊や山羊の皮でできた袋を使うと空気圧が持続し、息を吸わなければならないときには腕の下に挟んだ袋を絞るだけで音を持続できると考えた牧夫が発明したと信じられています。マウスパイプには、パイプの袋の端に蝶番で取り付けられたシンプルな丸い革片があり、逆止弁のような働きをします。リードは長いマウスピースの内側にあります。このマウスピースが金属製で、リードが内側ではなく外側に付いていたら、ボーカルと呼ばれていたでしょう。
• パンパイプ: 片方の端にストッパーが付いていて、もう片方の端が開いている木製の管を複数使用します。各管はサイズが異なり (そのため音色も異なります)、1.5 オクターブの範囲で音を出します。演奏者は希望の管に唇を当てて、息を吹きます。
• 横笛: 横笛は現代のフルートに似ており、栓の付いた端の近くに吹き口があり、本体に沿って指穴があります。演奏者は吹き口から息を吹き、フルートを右側または左側に持ちます。
• リコーダー: リコーダーはルネッサンス時代によく使われた楽器です。リコーダーはリードではなく、笛のマウスピースを主な音源として使います。通常、7 つの指穴と親指穴が付いています。

• 音楽の歴史
• ルネサンス作曲家一覧
• フランスルネサンスの音楽
• エリザベス朝時代の音楽

• アノン。 「セコンダ・プラティカ」。 Merriam-Webster.com、2017 (2017 年 9 月 13 日にアクセス)。
• 匿名。「名前の由来は？」Sackbut.com ウェブサイト、nd (2014 年 10 月 14 日にアクセス)。
• アトラス、アラン W.ルネッサンス音楽。ニューヨーク: WW ノートン、1998 年。ISBN 0-393-97169-4 
• ベインズ、アンソニー編『時代を超えた楽器』ニューヨーク：ウォーカー・アンド・カンパニー、1975年。
• ベント、マーガレット。「古楽の文法：分析の前提条件」。『古楽の調性構造』[第 2版]、クリストル・コリンズ・ジャッド編。^{[ページが必要]}古楽批評と分析 1。ニューヨークおよびロンドン：ガーランド、2000 年。ISBN 978-0-8153-3638-9、978-0815323884 2014年に電子書籍として再発行。ISBN 978-1-135-70462-9  
• ベント、マーガレット。「パワー、レオネル」。グローブ・ミュージック・オンライン、ディーン・ルート編。Sl: オックスフォード・ミュージック・オンライン、nd（2015年6月23日アクセス）。
• ベッサラボフ、ニコラス。古代ヨーロッパの楽器、初版。マサチューセッツ州ケンブリッジ：ハーバード大学出版局、1941年。
• ベッセラー、ハインリヒ。 1950年。「ポソーネの死」。Acta Musicologica、22、fasc。 1 ～ 2 (1 月 ～ 6 月): 8 ～ 35。
• ボウルズ、エドマンド A. 1954.「オーとバ：中世の楽器の分類」。Musica Disciplina 8:115–40。
• ブラウン、ハワード M. 『ルネッサンスの音楽』 ニュージャージー州エングルウッドクリフス：プレンティスホール、1976年。ISBN 0-13-608497-4 
• J. ピーター バークホルダー。「Borrowing」。Grove Music Online。Oxford Music Online、nd 2011 年 9 月 30 日閲覧。
• クラッセン、アルブレヒト。「昨日と今日のセックスの抑制不可能性」。アルブレヒト・クラッセン編『中世と近世のセクシュアリティ』 44～47ページ。Sl: Walter de Gruyter、2008年。ISBN 978-3-11-020940-2 
• エマーソン、リチャード・ケネス、サンドラ・クレイトン・エマーソン。中世ヨーロッパの重要人物：百科事典。[ニューヨーク?]：ラウトレッジ、2006年。ISBN 978-0-415-97385-4 
• フェンロン、イアン編 (1989)。ルネッサンス: 1470 年代から 16 世紀末まで。人間と音楽。第 2 巻。ニュージャージー州エングルウッド クリフス: プレンティス ホール。ISBN 978-0-13-773417-7。
• フラー、リチャード。2010年。ルネサンス音楽（1450-1600年）。GCSE音楽ノート、rpfuller.com（2014年1月14日、2014年10月14日にアクセス）。
• グリーソン、ハロルド、ベッカー、ウォーレン。中世とルネサンスの音楽（音楽文学アウトラインシリーズI）。ブルーミントン、インディアナ州：フランジパニプレス、1986年。ISBN 0-89917-034 -X 
• ジャッド、クリストル・コリンズ編『古楽の調性構造』ニューヨーク：ガーランド出版、1998年。ISBN 0-8153-2388-3 
• ロックウッド、ルイス、ノエル・オレガン、ジェシー・アン・オーウェンズ。「パレストリーナ、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ」。グローブ・ミュージック・オンライン。オックスフォード・ミュージック・オンライン、nd 2011年9月30日閲覧。
• モンタギュー、ジェレミー。「ルネッサンス時代の楽器」。『オックスフォード音楽コンパニオン』、アリソン・レイサム編。オックスフォード音楽オンライン。2011 年 9 月 30 日閲覧。
• マンロウ、デイヴィッド。デュファイの録音ノート：ミス「Se la face ay pale」。ロンドン古楽コンソート。（1974）^{[全文引用が必要]}
• マンロウ、デイヴィッド。『中世とルネサンスの楽器』ロンドン：オックスフォード大学出版局、1976年。
• OED。「ルネサンス」。オックスフォード英語辞典（オンライン版）。オックスフォード大学出版局。 （サブスクリプションまたは参加機関のメンバーシップが必要です。）
• オンガロ、ジュリオ。ルネサンスの音楽。ウェストポート、コネチカット：グリーンウッドプレス、2003年。
• プランチャート、アレハンドロ・エンリケ(2001)。「デュ・フェイ [デュフェイ; デュ・フェイト]、ギヨーム」。グローブ・ミュージック・オンライン。オックスフォード、イギリス:オックスフォード大学出版局。doi :10.1093/ gmo /9781561592630.article.08268。ISBN 978-1-56159-263-0。 (購読、Wikilibrary へのアクセス、または英国の公共図書館の会員登録が必要)
• Pryer A. 1983.「Dufay」。Arnold編『 The New Oxford Companion to Music 』 ^{[全文引用が必要]}。
• リース、ギュスターヴ（1959年）。『ルネッサンスの音楽』 （改訂版）。ニューヨーク市：WWノートン社。ISBN 978-0-393-09530-2。
• ストルバ、マリー（1990）。『西洋音楽の発展：歴史』デュビューク：WCブラウン。ISBN 978-0-697-00182-5レオネル・パワー（1375年頃 - 1445年）は、1410年から1445年にかけてのイギリス音楽を代表する2人の作曲家のうちの1人でした。もう1人はジョン・ダンスタプルでした。
• ストランク、オリバー。音楽史の資料集。ニューヨーク：WWノートン、1950年。
• オルフェオン財団、ウィーン、オーストリア

• パンドララジオ: ルネッサンス時代
• Ancient FM（中世とルネッサンスの音楽を特集したオンラインラジオ）
• 中世とルネサンスの楽器ガイド – 説明、写真、音。
• 「日曜の朝のここ」
• ルネッサンス時代の音楽 5カ国の音楽コレクション
• 「ルネッサンス チャンネル」 – ルネッサンス ミュージック ビデオ
• 「インターネットラジオ以前と以後」 - 中世、ルネッサンス、現代クラシック音楽
• Répertoire International des Sources Musicales (RISM) は、1800 年頃までの音楽原稿の所在を世界中から検索できる無料のデータベースです。
• WQXR: ルネッサンス記譜ナイフ

現代のパフォーマンス

• リンカーン・ウェイツ市長の音楽バンド
• パンタグリュエル – ルネサンス・ムジケ・アンサンブル
• ステラ フォルトゥーナ: 中世の吟遊詩人 (1370)、Cheualrye 再現協会の Ye Compaynye より。写真と音声のダウンロード。
• ザ・ウェイツのウェブサイト – ヨーロッパのルネッサンス市民バンド
• アンサンブル フェリア VI – 6 つの声とヴィオラ ダ ガンバ