無声映画

無声映画とは、同期録音された音声のない映画（より一般的には、聞き取れる会話がない映画）のことである。無声映画は物語や感情を視覚的に伝えるが、さまざまなプロット要素（設定や時代など）や重要な会話のセリフは、必要に応じてインタータイトルカードを使用して伝えることがある。

「無声映画」という用語は、ある意味誤った呼び方である。なぜなら、これらの映画には、ほとんどの場合、生の音声が伴奏されていたからである。1890 年代半ばから 1920 年代後半まで続いた無声時代には、ピアニスト、劇場のオルガン奏者、あるいは大都市ではオーケストラが、映画の伴奏として音楽を演奏していた。ピアニストやオルガン奏者は、楽譜から演奏するか、即興で演奏した。時には、観客のためにインタータイトルカードをナレーションする者もいた。当時は、音声を映画と同期させる技術は存在しなかったが、音楽は鑑賞体験に欠かせない要素とみなされていた。「無声映画」は、同期音声が発明される前の映画の時代を表す歴史的用語として一般的に使用されているが、セリフの代わりに音楽のみのサウンドトラックが伴奏される『街の灯』、『モダン・タイムズ』、 『サイレント・ムービー』などのサウンド時代の映画にも当てはまる。

無声映画という用語はレトロニム（後世に遡って何かを後世のものと区別するために作られた用語）である。1927年の『ジャズ・シンガー』に始まる初期の音声付き映画は、「トーキー」、「サウンド・フィルム」、「トーキング・ピクチャー」などとさまざまに呼ばれていた。映画と録音された音声を組み合わせるというアイデアは映画よりも古く（エジソンが1877年に蓄音機を発表した直後に提案された）、初期の実験では映写技師が音声に合わせてフレームレートを手動で調整していたが、^[1]技術的な課題があったため、同期した会話の導入は、オーディオン増幅管の完成とヴァイタフォン・システムの出現により、 1920年代後半になってようやく実用的になった。^{[2] 10年以内に、大衆娯楽用の無声映画の広範な製作は終了し、映画業界は完全に}音声の時代へと移行し、会話、音楽、効果音の同期した録音が映画に付随するようになった。

初期の映画のほとんどは、その時代に使用されていた硝酸塩フィルムが非常に不安定で燃えやすかったため、物理的劣化により失われたと考えられています。さらに、その時代にはすぐに残る金銭的価値がほとんどなかったため、多くの映画が意図的に破壊されました。米国で制作された無声映画の約75％が失われたとよく言われますが、この推定は数値データがないため不正確です。^[3]

映画の映写は主に魔法のランタンショーから発展したもので、手描きのガラススライドからの画像が壁やスクリーンに映し出されました。 ^[4] 19世紀に写真が登場した後は、静止写真が使用されることもありました。ショーマンのナレーションは、壮大な娯楽上映では重要であり、講演会でも不可欠でした。^[5]

ストロボアニメーションの原理は、1833年に人気の光学玩具であるフェナキスティスコープが導入されて以来よく知られていましたが、映画撮影法の発達は写真乳剤の長時間露光によって妨げられていました。エドワード・マイブリッジが1878年にクロノフォトグラフィーシーケンスを記録するまで、それは続きました。他の人がゾーエトロープで彼の写真をアニメーション化した後、マイブリッジは1880年に独自のゾープロキシスコープアニメーションプロジェクターを使用して講義を始めました。

エティエンヌ＝ジュール・マレーやオットマール・アンシュッツを含む他の先駆的なクロノ写真家たちの仕事により、映画用カメラ、映写機、透明セルロイドフィルムの発展が促進されました。

トーマス・エジソンは蓄音機と同期する映画システムの開発に熱心だったが、最終的には1893年に無音映画鑑賞器として キネトスコープを発表し、その後の「キネトフォン」バージョンは成功しなかった。

映画芸術は「無声映画時代」（映画では 1894 年から1929 年）に完全に成熟しました。無声映画時代（映画では 1910 年代初頭から1920 年代後半）の絶頂期は、芸術的革新に満ちた特に実り豊かな時代でした。クラシック ハリウッド、フランス印象派、ドイツ表現主義、ソビエト モンタージュなどの映画運動はこの時期に始まりました。無声映画の製作者は芸術形式の先駆者であり、20 世紀と 21 世紀の映画製作のほぼすべてのスタイルとジャンルは、無声映画時代に芸術的ルーツを持っています。無声映画時代は、技術的な観点からも先駆的な時代でした。3 点照明、クローズアップ、ロング ショット、パン、連続編集はすべて、1920 年代後半に無声映画が「トーキー」に取って代わられるずっと前から普及していました。一部の学者は、1930年代前半の数年間、映画の芸術的品質が低下し、1930年代半ば頃に映画監督、俳優、制作スタッフが新しい「トーキー」に完全に適応するまで続いたと主張している。^[6]

サイレント映画、特に1920年代に製作されたものの映像品質は高いものが多かったが、これらの映画は原始的であったり、現代の基準からするとほとんど観られないものだという誤解が広く信じられている。^[7]この誤解は、一般大衆がこのメディアに馴染みがなかったことと、業界側の不注意から生じている。ほとんどのサイレント映画は保存状態が悪く、劣化が進んでいる。また、保存状態が良い映画でも、再生速度が間違っていたり、検閲によるカットやフレームやシーンの欠落があったりして、編集が下手な印象を与えることが多い。^{[8] [9]}多くのサイレント映画は、すでに損傷したり放置されたフィルムから作られた第2世代または第3世代のコピーでしか存在しない。^[6]

初期の上映の多くは、フレーム間のストロボの中断が臨界ちらつき周波数を下回ると、画面にちらつきが生じるという問題があった。この問題は、1902年以降に3枚羽根のシャッターが導入され、1フレームあたり2回の中断が解消された。^[10]

もう一つの広く信じられている誤解は、無声映画には色がなかったというものである。実際、無声映画では、発声映画の最初の数十年間よりもカラーがはるかに一般的であった。1920年代初頭までには、映画の80パーセントが何らかのカラーで見られるようになった。通常はフィルムの着色や調色、さらには手作業による着色の形で見られたが、キネマカラーやテクニカラーなどのかなり自然な2色処理も行われていた。^[11]従来のカラー化処理は、サウンド・オン・フィルム技術の採用とともに廃止された。従来のフィルムのカラー化は、すべて何らかの形で染料を使用するものであり、内蔵録音サウンドに必要な高解像度を妨げるため、放棄された。1930年代半ばに導入された革新的な3ストリップ・テクニカラー処理はコストがかかり、多くの制限があったため、カラーが無声映画ほど普及するまでには40年近くかかった。

映画の上映時間が徐々に長くなるにつれ、観客に映画の一部を説明する社内通訳の代わりが必要になった。無声映画にはセリフを同期させる音声がなかったため、スクリーン上のインタータイトルがストーリーの要点を語り、重要なセリフを提示し、時には観客にアクションについて解説するために使われた。タイトルライターは無声映画の重要な専門家となり、ストーリーを作成したシナリオライターとは別人になることが多かった。インタータイトル（当時は一般にタイトルと呼ばれていた）は「アクションについて解説するイラストや抽象的な装飾を特徴とするグラフィック要素であることが多い」 ^{[12] [13] 。}

1895年12月28日にパリでリュミエール兄弟が初めて公開上映して以来、無声映画の上映ではほぼ必ず生演奏の音楽がフィーチャーされるようになった。これは1896年にニューヨーク市のコスターとビアルのミュージックホールで行われた米国初の映画上映によってさらに進んだ。このイベントでエジソンは、すべての上映にオーケストラの伴奏をつけるという前例を作った。^[14]最初から音楽は不可欠であり、雰囲気を盛り上げ、観客に重要な感情的なきっかけを与えると認識されていた。同様の理由で、撮影中にミュージシャンが映画セットで演奏することもあった。しかし、上映会場の規模によって、音楽の伴奏の規模は大幅に変わることがあった。^[4]小さな町や近所の映画館には通常ピアニストがいた。1910年代半ばから、大都市の映画館にはオルガン奏者やミュージシャンのアンサンブルがいた。巨大な劇場用オルガンは、単純なピアノ独奏者とより大規模なオーケストラの間の隙間を埋めるために設計され、幅広い特殊効果を持っていました。有名な「マイティ・ウーリッツァー」などの劇場用オルガンは、バスドラムやシンバルなどの多くの打楽器効果とともに、いくつかのオーケストラの音をシミュレートすることができ、「列車や船の汽笛から車のクラクションや鳥の口笛まで、...中にはピストルの発砲音、電話の呼び出し音、波の音、馬のひずめの音、陶器の割れる音、雷や雨までシミュレートできるものもありました。」^[15]

初期の無声映画の音楽スコアは、即興で作られるか、クラシック音楽や演劇のレパートリー音楽から編纂されたかのいずれかであった。しかし、長編映画が一般的になるにつれ、音楽はピアニスト、オルガン奏者、オーケストラ指揮者、または映画スタジオ自身によって映画音楽から編纂され、映画にはキューシートが同梱された。これらのシートはしばしば長く、注目すべき効果や雰囲気についての詳細なメモが添えられていた。ジョセフ・カール・ブライユがD・W・グリフィスの大作『国民の創生』（1915年）のために作曲したほぼオリジナルのスコアに始まり、最も予算の大きい映画が上映劇場に特別に作曲されたオリジナルのスコアとともに届けられることが比較的一般的になった。^[16]しかし、実際には最初の指定された本格的なスコアは1908年にカミーユ・サン＝サーンスが『ギーズ公の暗殺』^[17]のために、ミハイル・イッポリトフ＝イワノフが『ステンカ・ラージン』のために作曲していた。

オルガン奏者やピアニストが楽譜を使用する場合でも、画面上のドラマ性を高めるために即興的な装飾を加えることがありました。楽譜に特殊効果が示されていない場合でも、オルガン奏者が「疾走する馬」などの珍しい音響効果を奏でることができる劇場用オルガンを演奏している場合は、劇的な馬の追跡シーンで使用されました。

無声映画の絶頂期には、少なくとも米国では、映画が楽器演奏者にとって最大の雇用源であった。しかし、トーキーの導入とほぼ同時期に始まった大恐慌が、多くのミュージシャンに壊滅的な打撃を与えた。

無声映画に音をつける他の方法を考案した国は数多くある。例えばブラジルの初期の映画では、歌手がスクリーンの後ろで歌うオペレッタを撮影したフィタス・カンタータ（歌う映画）が取り上げられた。 ^[18]日本では、映画には生演奏の音楽だけでなく、弁士と呼ばれる生のナレーターが解説や登場人物の声を担当した。弁士は日本映画の中心的な存在となり、外国映画（主にアメリカ映画）の翻訳も担当した。^[19]弁士の人気は、日本で無声映画が1930年代まで存続した理由の1つである。逆に、弁士が語る映画には字幕が付かないことが多いため、現代の観客は、専用の字幕や追加解説がないとストーリーを追うことが難しい場合がある。

無声映画時代の映画音楽はほとんど残っておらず、残っている音楽を正確に再現しようとすると、音楽学者は今でも疑問に直面します。無声映画の現在の再発行や上映で使用されている音楽は、作品の完全な再現、その機会のために新たに作曲されたもの、既存の音楽ライブラリから集められたもの、または無声映画時代の劇場音楽家のようにその場で即興で作られたものである可能性があります。

1960年代から1970年代にかけて、無声映画の音楽への関心はやや廃れてしまった。多くの大学の映画プログラムやレパートリー映画館では、観客は音楽に邪魔されることなく、無声映画を純粋な視覚媒体として体験すべきだと信じられていた。この考えは、当時の無声映画の復刻版の多くに見られる音楽トラックの質の悪さによって助長されたのかもしれない。1980年頃から、無声映画を質の高い音楽スコア（当時のスコアやキューシートの作り直し、または適切なオリジナルスコアの作曲）で上映することへの関心が復活した。この種の初期の取り組みは、1980年にケビン・ブラウンローがアベル・ガンスの『ナポレオン』 （1927年）を復元したもので、カール・デイヴィスのスコアがフィーチャーされている。ブラウンローの復元版を若干再編集してスピードアップしたバージョンは、後にフランシス・フォード・コッポラによって米国で配給され、父カーマイン・コッポラが作曲した生演奏のオーケストラスコアが付けられた。

1984年、プロデューサー兼作曲家のジョルジオ・モロダーによる新しいロック音楽のスコアをつけた『メトロポリス』 （1927年）の編集修復版がリリースされた。フレディ・マーキュリー、パット・ベネター、イエスのジョン・アンダーソンによるポップソングを含んだ現代的なスコアは物議を醸したが、古典的な無声映画の上映に対する新しいアプローチへの扉が開かれた。

今日、多くのソリスト、音楽アンサンブル、オーケストラが、国際的に無声映画の伝統的および現代的なスコアを演奏している。^[20]伝説的な劇場オルガン奏者のゲイロード・カーターは、 2000年に亡くなる直前まで、無声映画用のオリジナルスコアの演奏と録音を続けており、それらのスコアのいくつかはDVDの再発行で入手できる。伝統的なアプローチの提供者としては、オルガン奏者のデニス・ジェームズやピアニストのニール・ブランド、ギュンター・ブッフバルト、フィリップ・C・カーリ、ベン・モデル、ウィリアム・P・ペリーがいる。他の現代ピアニスト、例えばスティーヴン・ホーンやガブリエル・ティボードーは、スコアに対してより現代的なアプローチをとることが多い。

カール・デイヴィスやロバート・イスラエルなどの管弦楽指揮者は、多数の無声映画のスコアを書いて編纂しており、その多くはターナー・クラシック・ムービーズで上映されたり、DVD でリリースされたりしている。デイヴィスは、『ビッグ・パレード』（1925 年）や『肉体と悪魔』（1927 年）などの古典的な無声ドラマの新しいスコアを作曲している。イスラエルは主に無声コメディで活動しており、ハロルド・ロイド、バスター・キートン、チャーリー・チェイスなどの映画のスコアを作曲している。ティモシー・ブロックは、新しいスコアを作曲するほか、 チャーリー・チャップリンのスコアの多くを復元している。

現代音楽アンサンブルは、幅広い音楽スタイルとアプローチを通じて、古典的な無声映画をより幅広い観客に紹介することに貢献しています。伝統的な楽器を使用して新しい作品を作る演奏者もいれば、電子音、現代的なハーモニー、リズム、即興、サウンドデザインの要素を加えて視聴体験を向上させる演奏者もいます。このカテゴリの現代アンサンブルには、Un Drame Musical Instantané、Alloy Orchestra、Club Foot Orchestra、Silent Orchestra、Mont Alto Motion Picture Orchestra、Minima and the Caspervek Trio、RPM Orchestraなどがあります。ドナルド・ソシンと妻のジョアンナ・シートンは、無声映画にボーカルを追加することを専門としており、特に画面上で歌われている曲を実際に演奏されているのを聞くことでより良くなる部分があります。このカテゴリの映画には、ルーペ・ベレスが出演したグリフィスのLady of the Pavements、ドロレス・デル・リオが出演したエドウィン・カレウェのEvangeline、メアリー・フィルビンとヴァージニア・ピアソンが出演したルパート・ジュリアンのThe Phantom of the Operaなどがあります。^[要出典]

無声映画サウンド＆ミュージックアーカイブは、無声映画のために書かれた音楽とキューシートをデジタル化し、演奏者、学者、愛好家が利用できるようにしています。^[21]

無声映画の俳優は、観客が俳優の感情やスクリーン上での演技をよりよく理解できるように、ボディランゲージや表情を強調した。無声映画の演技の多くは、現代の観客には単純すぎる、あるいは大げさすぎると思われがちである。メロドラマ的な演技スタイルは、俳優が以前の舞台経験から受け継いだ習慣である場合もあった。ヴォードヴィルは、多くのアメリカの無声映画俳優にとって特に人気のあった起源である。^[4]映画における舞台俳優の存在が浸透していることが、1917年に監督マーシャル・ニーランが「映画界に登場した舞台俳優が早く引退すればするほど、映画にとって良い」と激怒した原因である。他のケースでは、ジョン・グリフィス・レイなどの監督は、強調するために俳優に実物よりも誇張した表現を要求した。1914年には早くも、アメリカの視聴者はスクリーン上でのより自然な表現を好むことを明らかにしていた。^[22]

1910年代半ば、舞台とスクリーンの違いが明らかになるにつれ、無声映画はヴォードヴィリアン色が薄れていった。D・W・グリフィスなどの監督の作品により、映画撮影は舞台らしさが薄れ、クローズアップの発達により、控えめでリアルな演技が可能になった。リリアン・ギッシュは、この時期の作品により、映画界の「最初の真の女優」と呼ばれている。彼女は、舞台とスクリーンの演技の決定的な違いを認識し、新しい映画演技技法を開拓したからである。アルバート・カペラーニやモーリス・ターナーなどの監督は、映画で自然主義を主張し始めた。1920年代半ばまでに、多くのアメリカの無声映画はより自然主義的な演技スタイルを採用したが、すべての俳優や監督が自然主義的で控えめな演技をすぐに受け入れたわけではなかった。1927年になっても、メトロポリスなどの表現主義的な演技スタイルを特徴とする映画はまだ公開されていた。^[22] グレタ・ガルボは、1926年に最初のアメリカ映画を公開し、自然主義的な演技で知られるようになった。

カリフォルニア大学バークレー校の無声映画学者アントン・ケーズによれば、アメリカの無声映画では、1913年から1921年の間にドイツの無声映画の技法の影響を受けて演技技法が変化し始めた。これは主に、ワイマール共和国からの移民の流入によるもので、「映画監督、プロデューサー、カメラマン、照明および舞台技術者、俳優、女優など」が含まれていた。^[24]

1926年から1930年にかけて、音声付き映画の映写速度が24フレーム/秒（fps）に標準化されるまで、無声映画は年やスタジオによって異なるが、12から40fpsまでのさまざまな速度（または「フレームレート」）で撮影されていた。 ^{[25] 「無声映画の標準速度」は、}リュミエール兄弟のシネマ トグラフの影響で16fpsであると言われることが多いが、業界の慣習はかなり異なり、実際の標準はなかった。エジソン社の従業員であったウィリアム・ケネディ・ローリー・ディクソンは、驚くほど速い40フレーム/秒に落ち着いた。 ^[4]さらに、当時のカメラマンは、クランク技術が正確に16fpsであると主張したが、現代のフィルムの調査により、これは誤りであり、しばしばより速くクランクしていたことが判明している。意図した速度で注意深く上映されない限り、無声映画は不自然に速くまたは遅く見えることがある。しかし、特にコメディやアクション映画では、アクションを加速させるために、撮影中に意図的にクランクを下げるシーンもありました。 ^[25]

セルロースナイトレートベースのフィルムをゆっくり映写すると、各フレームが映写ランプの高熱に長時間さらされるため、火災の危険がありましたが、映画をより速いペースで映写する理由は他にもありました。多くの場合、映写技師は配給会社から音楽監督のキューシートで、特定のリールやシーンをどのくらいの速さで映写すべきかという一般的な指示を受けていました。^[25]まれに、通常は大規模な作品の場合、映写技師用に特別に作成されたキューシートに、映画を上映するための詳細なガイドが記載されていました。劇場はまた、利益を最大化するために、時間帯や映画の人気に応じて映写速度を変えたり、^[26]映画を規定の時間枠に収めたりすることもありました。^[25]

すべての映画用フィルム映写機には、フィルムが動いている間は光を遮る可動シャッターが必要です。そうしないと、画像が動きの方向にぼやけてしまいます。しかし、このシャッターは画像をちらつかせ、ちらつきの少ない画像は見ていて非常に不快です。トーマス・エジソンがキネトスコープ機のために行った初期の研究では、1 秒あたり 46 フレーム未満の速度では「目に負担がかかる」ことが判明しました。^[25]これは、通常の映画館の条件下で投影された画像にも当てはまります。キネトスコープに採用された解決策は、フィルムを 1 秒あたり 40 フレーム以上で再生することでしたが、これはフィルムにとっては高価でした。しかし、2 枚羽根または 3 枚羽根のシャッターを備えた映写機を使用すると、ちらつきの速度はフィルムのフレーム数の 2 倍または 3 倍になります。つまり、各フレームは画面上で 2 回または 3 回フラッシュされます。16 fps のフィルムを映写する 3 枚羽根のシャッターは、エジソンの数字をわずかに上回り、観客は 1 秒あたり 48 枚の画像を見ることになります。無声映画の時代、映写機には3枚羽根のシャッターが一般的に取り付けられていた。24フレーム/秒の標準速度の音声が導入されて以来、2枚羽根のシャッターが35mm映写機の標準となったが、16mmや8mm映写機では3枚羽根のシャッターが標準のままであり、これらは16または18フレーム/秒で撮影されたアマチュア映像を映写するためによく使用される。35mmフィルムのフレームレートが24fpsである場合、フィルム速度は毎秒456ミリメートル（18.0インチ）になる。^[27] 1,000フィート（300メートル）のリールを24fpsで映写するには11分7秒かかるが、同じリールを16fpsで映写するには16分40秒、つまり毎秒304ミリメートル（12.0インチ）かかる。^[25]

1950年代には、無声映画をテレビ放送用に非常に不正確なフレームレートでテレシネ変換した作品が多く、視聴者を遠ざけた可能性がある。 ^[28]フィルム速度は、今日の無声映画の上映において、学者や映画ファンの間ではしばしば頭を悩ませる問題であり、特に2002年のメトロポリスの修復版のような修復済み映画のDVDリリースに関してはそうだ。^[29]

自然な色処理が利用できなかったため、無声映画の時代は、雰囲気や時間帯を表すために、染料に浸してさまざまな色合いに染めることが多かった。手作業による着色は、1895年に米国でエジソンが『バタフライ・ダンス』の厳選された手作業による着色プリントを公開したときにまで遡る。また、カラーフィルムの実験は1909年には早くも始まって​​いたが、業界にカラーが採用され、効果的な処理が開発されるまでには、さらに長い時間を要した。^[4]青は夜の風景、黄色または琥珀色は昼間を表した。赤は火、緑は神秘的な雰囲気を表した。同様に、特殊な溶液によるフィルムの調色（無声映画で一般的に使用されるセピア調など）では、フィルムストック内の銀粒子をさまざまな色の塩や染料に置き換えた。着色と調色の組み合わせは、印象的な効果として使用できた。

エジソン・スタジオの『アナベル・サーペンタイン・ダンス』（1894年）など、一部の映画は手作業で着色されている。この映画では、ブロードウェイ出身の若いダンサー、アナベル・ウィットフォード^[30]が白いベールをかぶっており、踊るにつれて色が変わるように見える。この技法は、1891年に始まったロイ・フラーのライブパフォーマンスの効果を捉えるために考案されたもので、舞台照明に色付きのジェルが使われ、彼女の白いドレスや袖が芸術的な動きに変わった。^{[31]手作業による着色は、ヨーロッパの初期の「トリック」映画やファンタジー映画、特に}ジョルジュ・メリエスの映画でよく使われていた。メリエスは1897年という早い時期から作品に手彩色を施し始めており、1899年の『サンドリヨン』（シンデレラ）や1900年の『ジャンヌ・ダルク』 （ジャンヌ・ダルク）は、色彩が舞台美術やミザンセーヌの重要な部分を占める手彩色映画の初期の事例である。このような精密な色彩付けは、パリのエリザベート・チュイリエの工房で行われ、女性アーティストのチームが、より一般的で安価なステンシルの手法ではなく、手作業で各フレームに色の層を追加した。^{[32]メリエスの『}月世界旅行』（1902年に公開）の新たに修復されたバージョンでは、画像に質感と面白さ​​を加えるために、色彩が豊かに使用されている。^[33]

1908年のフィルム供給カタログに掲載されたアメリカの配給業者のコメントは、無声映画初期の手彩色フィルムの分野でフランスが引き続き優位に立っていたことをさらに強調している。配給業者は、パテ、アーバン・エクリプス、ゴーモン、カレム、イタラ・フィルム、アンブロジオ・フィルム、セリグの「高級」映画をさまざまな価格で販売している。カタログに掲載されている長編でより名声の高い映画のいくつかは、標準的な白黒の「プレーン・ストック」と「手彩色」の両方で提供されている。^[34]たとえば、1907年公開の『ベン・ハー』のプレーン・ストックのコピーは120ドル（現在の米ドルで4,069ドル）で販売されているが、同じ1000フィート、15分のフィルムのカラー版は、1フィートあたり15セント高い150ドルの彩色料を含めて270ドル（9,156ドル）である。^[34]顧客にとって、上記の追加料金の理由は明らかだったと思われるが、配給業者は、カタログに掲載されているカラーフィルムがなぜそれほど高額で、納品に時間がかかるのかを説明している。また、彼の説明は、1908年までの米国におけるフィルムカラーリングサービスの一般的な状況についても示唆を与えている。

映画フィルムの着色は、米国では満足に行うことができない仕事である。1フィートあたり16枚の画像、つまり1,000フィートのフィルムあたり16,000枚の画像を1枚ずつ手作業で着色しなければならない膨大な労力を考えると、どんなに高額でもこの仕事を引き受けるアメリカ人の着色職人はほとんどいない。
映画の着色はフランスで他のどの国よりも急速に進歩したため、当社の着色はすべてパリの最高の着色施設で行われており、米国製映画の着色であっても、他の場所で作業するよりも品質が良く、価格も安く、納品も早いことがわかった。^[34]

1910 年代初頭、長編映画の始まりとともに、色彩は音楽と同じくらい一般的なムード セッターとして使用されるようになりました。監督のD. W. グリフィスは色彩に対して常に興味と関心を示し、多くの映画で特殊効果として色彩を使用しました。1915 年の叙事詩『国民の創生』では、アンバー、ブルー、ラベンダー、そして「アトランタの炎上」や映画のクライマックスのクー クラックス クランの乗車シーンなどの印象的な赤など、多くの色が使用されました。グリフィスは後に、スクリーンの領域で色付きのライトを点滅させて色を表現するカラー システムを発明しました。

サウンド・オン・フィルム技術の発達と業界の受け入れにより、着色プロセスで使用される染料がフィルムストリップ上のサウンドトラックに干渉するため、着色は完全に放棄されました。^[4]

初期のスタジオはニューヨーク市周辺にありました。エジソン・スタジオは最初ニュージャージー州ウェストオレンジ（1892年）にあり、その後ニューヨーク州ブロンクス（1907年）に移転しました。フォックス（1909年）とバイオグラフ（1906年）はマンハッタンで始まり、スタジオはスタテンアイランドのセントジョージにありました。他の映画はニュージャージー州フォートリーで撮影されました。1908年12月、エジソンは映画業界を統制し、小規模な製作者を締め出すためにモーション・ピクチャー・パテンツ・カンパニーの設立を主導しました。「エジソン・トラスト」というニックネームで呼ばれたこの会社は、エジソン、バイオグラフ、エッサネイ・スタジオ、カレム・カンパニー、ジョージ・クライネ・プロダクションズ、ルビン・スタジオ、ジョルジュ・メリエス、パテ、セリグ・スタジオ、ヴィタグラフ・スタジオで構成され、ゼネラル・フィルム・カンパニーを通じて配給を独占していました。この会社は垂直的、水平的独占の両方で業界を支配し、スタジオが西海岸に移転する一因となった。モーション ピクチャー パテント カンパニーとゼネラル フィルム カンパニーは1915 年 10 月に独占禁止法違反で有罪となり、解散した。

タンハウザー映画スタジオは、1909年にアメリカの興行主エドウィン・タンハウザーによってニューヨーク州ニューロシェルに設立された。同社は1910年から1917年の間に1,086本の映画を製作、公開した。これには1914年公開の最初の連続映画『百万ドルの謎^{』も含まれる。 [35]}最初の西部劇は、スタテン島のサウスビーチにあるフレッド・スコットの映画牧場で撮影された。カウボーイやネイティブ・アメリカンに扮した俳優たちが、開拓時代のメインストリート、多種多様な駅馬車、高さ56フィートの柵を備えたスコットの映画牧場のセットを駆け抜けた。島は、サハラ砂漠やイギリスのクリケット競技場など、さまざまなロケ地の代役として十分に機能した。戦争シーンはスタテン島のグラスミアの平原で撮影された。『ポーリンの危難』とそのさらに人気の続編『エレインの冒険』は、主にこの島で撮影されました。エドウィン・S・ポーター・カンパニーによる1906年の大ヒット作『カウボーイの生涯』も同様で、撮影は1912年頃に西海岸に移されました。

以下は、1932年時点で最も高い興行収入を上げていた無声映画時代のアメリカ映画である。記載されている金額は興行収入ではなく、興行収入総額（配給会社の興行収入の取り分）である。^[36]

同期音声映画を作成する試みは 1896 年のエジソン研究所にまで遡りますが、真空管アンプや高品質のスピーカーなどの基本技術が利用可能になったのは 1920 年代初頭になってからでした。その後の数年間は、フォトキネマ(1921)、フォノフィルム(1923)、バイタフォン(1926) 、フォックスムービートーン(1927 )、RCA フォトフォン(1928) など、ディスク上のサウンドとフィルム上のサウンドの競合するいくつかのサウンド形式の設計、実装、販売を競い合いました。

ワーナー・ブラザースは、映画製作の要素としてサウンドを採用し、サウンド・オン・ディスク技術であるヴァイタフォンを活用した最初のスタジオでした。^[4]その後、同スタジオは1927年に『ジャズ・シンガー』を公開しました。これは商業的に成功した最初のトーキー映画となりましたが、1927年と1928年に公開された作品のほとんどは依然として無声映画であり、いわゆるヤギ腺映画（無声映画にトーキー映画の一部が挿入された映画）もありました。したがって、現代のトーキー映画の時代は1929年から始まったと見なすことができます。

サイレント時代の著名な映画の一覧については、映画の始まりから 1928 年までの映画年の一覧を参照してください。次の一覧には、サイレントにするという明確な芸術的意図を持って音声時代に制作された映画のみが含まれています。

• シティ・ガール、 FWムルナウ、1930年
• 地球、アレクサンドル・ドブジェンコ、1930
• 沈黙の敵、H・P・カーバー、1930年^{[37] [38]}
• ボーダーライン、ケネス・マクファーソン、1930年
• 街の灯、チャーリー・チャップリン、1931年
• タブー、FW ムルナウ、1931
• わたしは生まれたが…、小津安二郎、1932年
• 過ぎゆく空想、小津安二郎、1933年
• 女神、呉永港、1934
• 浮草物語、小津安二郎、1934年
• 『おせんの滅亡』溝口健二、1935年
• レゴン、アンリ・ド・ラ・ファレーズ、1935
• 東京の旅館、小津安二郎、1935年
• 幸福、アレクサンドル・メドヴェドキン、1935年
• 宇宙航海、ヴァシリー・ジュラブロフ、1936

サイレント時代の喜劇に敬意を表した映画監督は数人いる。チャールズ・チャップリンの『モダン・タイムス』（1936年）、オーソン・ウェルズの『トゥー・マッチ・ジョンソン』（1938年）、ジャック・タチの『ムッシュ・ユロの休暇』（1953年）、ピエール・エテックスの『求婚者』（1962年）、メル・ブルックスの『サイレント映画』（1976年）など。台湾のホウ・シャオシェン監督の高く評価されたドラマ『三時』（2005年）は中盤の3分の1が無音で、インタータイトルも入っている。スタンリー・トゥッチの『詐欺師たち』は初期のサイレント喜劇風の冒頭の無音シーンがある。ブラジルの映画監督レナート・ファルカオの『マーガレットの晩餐会』（2003年）も無音である。脚本・監督のマイケル・プレッカイティスは『沈黙』（2007年）でこのジャンルに独自の工夫を凝らしている。 『ミスター・ビーン』は無声映画ではないが、テレビシリーズや映画では、この主人公の口数の少なさを利用して、似たようなユーモアを生み出している。あまり知られていない例としては、ジェローム・サヴァリ監督の『ガードバリアーの娘』（1975年）がある。これは無声映画へのオマージュで、インタータイトルを使用し、コメディ、ドラマ、露骨なセックスシーンを織り交ぜている（このため、英国映画分類委員会から映画館の認定を拒否された）。

1990年、チャールズ・レーン監督・主演の『サイドウォーク・ストーリーズ』は、チャールズ・チャップリンの『キッド』をはじめとする感傷的な無声コメディーに敬意を表した低予算作品である。

ドイツ映画『ツバル』（1999年）は、ほとんどが無声映画である。わずかなセリフはヨーロッパの言語の奇妙な組み合わせで、映画の普遍性を高めている。ガイ・マディンは、ソ連時代の無声映画へのオマージュである短編『ハート・オブ・ザ・ワールド』で賞を受賞し、その後、選ばれた上映会でライブのフォーリーアーティスト、ナレーション、オーケストラを取り入れた長編無声映画『 Brand Upon the Brain!』 （2006年）を制作した。 『シャドウ・オブ・ザ・ヴァンパイア』 （2000年）は、フリードリヒ・ヴィルヘルム・ムルナウの古典的な無声吸血鬼映画『吸血鬼ノスフェラトゥ』 （1922年）の撮影を大いに脚色した描写である。ヴェルナー・ヘルツォークは、同じ映画に敬意を表した『吸血鬼ノスフェラトゥ 夜の魔人』（1979年） を自身のバージョンで制作した。

いくつかの映画は、無声映画時代とトーキー時代を直接対比している。『サンセット大通り』は、無声映画スターのグロリア・スワンソンが演じるノーマ・デズモンドのキャラクターを通して、2つの時代の断絶を描き、『雨に唄えば』はトーキーに適応するハリウッドの芸術家を扱っている。ピーター・ボグダノヴィッチの1976年の映画『ニコロデオン』は、 D・W・グリフィスの大作『國民の創生』（1915年）公開に至るまでの、1910年代初頭のハリウッドにおける無声映画製作の混乱を扱っている。

1999年、フィンランドの映画監督アキ・カウリスマキは、セリフの代わりにインタータイトルを使用した無声映画のスタイルをとらえた白黒映画『ユハ』を制作した。国際配給用に、数か国語のタイトルが入った特別公開用プリントが制作された。^{[39]インドでは、}カマル・ハーサン主演の映画『プシュパク』（1988年）^[40]が、セリフが全くないブラックコメディだった。オーストラリア映画『ドクター・プロンク』 （2007年）は、ロルフ・デ・ヒア監督の無声コメディだった。舞台劇は、無声映画のスタイルや素材を参考にしてきた。俳優兼脚本家のビリー・ヴァン・ザントとジェーン・ミルモアは、オフブロードウェイでドタバタ喜劇『サイレント・ラフター』を上演し、無声映画時代へのライブアクションのトリビュートとした。^[41]ジェフ・ソベルとトレイ・ライフォードは、ローレル＆ハーディへのオマージュとして始まった『オール・ウェア・ボウラーズ』 （2004年）で主演を務めた。その後、ソベルとライフォードが実写と銀幕を行き来する等身大の無声映画のシーンを取り入れるようになった。^[42]アニメ映画『ファンタジア』（1940年）は、8つの異なるアニメーションシーンに音楽が設定されているが、セリフが含まれる短いシーンが1つしかないため、無声映画と見なすことができる。スパイ映画『泥棒』（1952年）には音楽と効果音があるが、セリフはなく、ティエリー・ゼノの1974年の『結婚の花瓶』やパトリック・ボカノフスキーの1982年の『天使』も同様である。

2005年、H・P・ラヴクラフト歴史協会はラヴクラフトの物語『クトゥルフの呼び声』の無声映画版を制作した。この映画は時代設定に忠実な撮影スタイルを維持し、「これまでのHPLの映画化作品の中で最高」と評価され、無声映画にするという決定については「見事な発想」とも評された。^[43]

ミシェル・アザナヴィシウスが脚本・監督を務めたフランス映画『アーティスト』（2011年）は、無声映画として上演され、無声映画時代のハリウッドを舞台にしている。また、主人公が出演する架空の無声映画の部分も含まれている。同映画はアカデミー作品賞を受賞した。^[44]

日本の吸血鬼映画 『血塗られた美酒』（2011年）は無声映画のスタイルで作られているだけでなく、生演奏のオーケストラ伴奏付きでツアーも行われた。 ^{[45] [46]} ユージン・チャドボーンはこの映画で生演奏をした人の一人である。^[47]

『ブランカニエベス』は、パブロ・ベルガーが脚本・監督を務めた2012年のスペインの白黒サイレントファンタジードラマ映画である。 ^[48]

2006年に始まり、イザベラ・ロッセリーニとミラ・ジョヴォヴィッチの母ガリーナ・ジョヴォヴィッチの演技をフィーチャーしたアメリカの長編無声映画『サイレント・ライフ』は2013年に初公開された。この映画は、ハリウッド初の「偉大なる恋人」として知られる無声映画界のアイコン、ルドルフ・ヴァレンティノの生涯に基づいている。緊急手術の後、ヴァレンティノは現実感を失い、昏睡状態の視点からハリウッドでの人生の回想を見始める。それは、生と永遠、現実と幻想の間の魔法の入り口である映画館で上映される無声映画としてだった。^{[49] [50]}

『ピクニック』は、2リールの無声メロドラマとコメディのスタイルで作られた2012年の短編映画である。これは、スミソニアンアメリカ美術館のレンウィックギャラリーが企画した2018年から2019年の展示会「ノー・スペクテイターズ：バーニングマンのアート」の一部であった。^{[51]この映画は、カリフォルニア州オークランドの芸術集団ファイブ・トン・クレーンが作った、}キャピトルシアターと呼ばれる12席のアールデコ調の車輪付きミニチュア映画館の中で上映された。

「Right There」は、無声映画のコメディへのオマージュである2013年の短編映画です。

2015年に公開されたイギリスのアニメ映画『ひつじのショーン』は、『ひつじのショーン』を原作としており、好評を博し、興行的にも成功した。アードマン・アニメーションズは、『モーフ』や『ティミータイム』、その他多くの無声短編映画 も制作した。

アメリカ劇場オルガン協会は、無声映画の音楽と、そのような音楽を演奏した劇場オルガンに敬意を表しています。75以上の地方支部を持つこの組織は、劇場オルガンと音楽を芸術として保存し、促進することを目指しています。^[52]

グローブ国際無声映画祭（GISFF）は、映画のイメージと雰囲気に焦点を当てた年次イベントで、毎年評判の高い大学や学術環境で開催され、この分野で活躍する映画製作者の映画を展示および審査するプラットフォームです。^[53] 2018年、映画監督のクリストファー・アニノは、現在国際的な賞を受賞した長編無声映画「Silent Times」を撮影しました。^{[54] [55] [56]}この映画は、デビッド・ブレアが演じるキーストーン警官、チャールズ・チャップリンのキャラクターを演じるエンツィオ・マルチェロなど、1920年代の多くのキャラクターに敬意を表しています。「Silent Times」は、オニロス映画祭で最優秀無声映画賞を受賞しました。ニューイングランドの小さな町を舞台にした物語は、ウェストリー出身のジェフ・ブランシェットが演じる、小物の詐欺師からボードビル劇場のオーナーになったオリバー・ヘンリー3世を中心に展開します。彼は、バーレスクのパフォーマー、パントマイム、浮浪者から上品なフラッパーガールまで、あらゆる階層の人々と知り合いになり、財産が増え、人生がますます制御不能に陥ります。2021年、マルテ・ヴィルツ監督は無声映画「ジェンダー・クライシス」をドイツの映画館で上映し、現在は世界中でオンラインで視聴可能です。この映画は、サムソンとデリラの古代の物語を現代風に語っています。^[57]

2023年のフィリピンのアニメ映画『ディストーション』は、フレデリック・CG・ボロメオ監督によるもので、ストーリー、セリフ、同期したサウンドや音楽を使わず、複数のシーンが一つずつ溶けていくだけの、完全な無声で物語のない初の映画です。他のアニメ映画『使徒』（1917年）や『アクメッド王子の冒険』（1926年）も無声映画とされていますが、それぞれの映画ではセリフのない同期したサウンドと音楽が使われています。

19世紀後半から20世紀初頭にかけて製作された無声映画の大半は失われたと考えられている。米国議会図書館が2013年9月に発表した報告書によると、アメリカの無声長編映画の約70％がこの範疇に入る。^[58]この数字がこれほど高いのには多くの理由がある。一部の映画は意図せず失われたが、ほとんどの無声映画は故意に破壊された。無声映画の終焉から家庭用ビデオの台頭までの間、映画スタジオはアーカイブの保管場所を空けたいという思いから、無声映画を大量に廃棄することがよくあった。無声映画は文化的意義と経済的価値を失い、占めるスペースを正当化できなくなったと想定したからである。さらに、無声映画の撮影と配給に使われた硝酸塩フィルムの脆弱な性質のため、多くの映画が修復不可能なほど劣化したり、火災などの事故で失われたりしている（硝酸塩は非常に可燃性が高く、不適切に保管すると自然発火する可能性があるため）。こうした事件の例としては、1965年のMGM金庫室火災や1937年のフォックス金庫室火災などがあり、どちらも壊滅的なフィルム損失を引き起こした。完全に破壊されなかった多くのフィルムは、部分的にしか残っていないか、ひどく損傷したプリントの形で残っている。MGM火災で失われた『ロンドン・アフター・ミッドナイト』（1927年）など、失われたフィルムの中には、映画収集家や歴史家からかなりの関心を集めているものもある。

失われたと推定される主な無声映画には以下のものがある。

• フェアリーローグとラジオ劇（1908年）
• タイタニック号の惨事の生存者を描いた映画『タイタニック号からの救出』 ^{（1912年） [59]}
• パンチョ・ビリャ自身が主演する『ビリャ将軍の生涯』
• クレオパトラ（1917） ^[60]
• キス・ミー・アゲイン（1925）
• アリラン（1926）
• グレート・ギャツビー（1926年）
• 真夜中のロンドン（1927）
• 『パトリオット』 （1928年）は、最優秀作品賞候補作品の中で唯一失われた作品であり、予告編のみが残っている。
• 紳士は金髪がお好き（1928） ^[61]

失われた無声映画のほとんどは決して回収されることはないが、いくつかは映画アーカイブや個人のコレクションで発見されている。発見され保存されているバージョンは、1920年代と1930年代の家庭用レンタル市場向けに作られた版が、不動産売却などで発見されたものである可能性がある。 ^{[62]古いフィルムストックの劣化は適切なアーカイブ化によって遅らせることができ、フィルムを}安全フィルムストックまたはデジタルメディアに移して保存することができる。無声映画の保存は、歴史家やアーカイブ専門家にとって最優先事項である。^[63]

カナダのユーコン準州ドーソン・シティは、かつて多くの映画の配給ラインの終着点だった。1978年、ドーソン・アマチュア・アスレチック協会の跡地を発掘中に、500本以上の硝酸塩フィルムの山が発見された。同協会は1903年にレクリエーション・センターで映画を上映し始めた。^{[63] [64]}パール・ホワイト、ヘレン・ホームズ、グレース・クナード、ロイス・ウェバー、ハロルド・ロイド、ダグラス・フェアバンクス、ロン・チェイニーなどの作品や、多くのニュース映画が含まれていた。これらのタイトルは、1929年に廃プールの埋め立て地として可燃性の硝酸塩が使用されるまで、地元の図書館に保管されていた。ユーコンの永久凍土の下で50年を過ごしたため、リールは極めて良好な保存状態であったことが判明した。その危険な化学的揮発性のため、^[65]この歴史的発見物は軍用輸送船によってカナダ国立図書館・文書館と米国議会図書館に移送され、保管された（そして安全フィルムに移された）。この発見に関するドキュメンタリー『ドーソン・シティ：凍った時間』が2016年に公開された。^{[66] [67]}

世界中で毎年無声映画祭が開催されている。^[68]

• キャピトルフェスト、ニューヨーク州ローマのキャピトル劇場にて。^[69]
• カンザス無声映画祭、ミズーリ州カンザスシティのカンザスシティミュージックホールにて開催。^[70]
• サンフランシスコ無声映画祭、カリフォルニア州サンフランシスコのカストロ劇場にて開催。^[71]
• トロント無声映画祭、オンタリオ州トロントのフォックス劇場にて開催。^[72]
• フランス、アネールのフェスティバル・ダネール。^[73]
• スコットランドのフォルカークで行われたヒッポドローム無声映画祭。^[74]
• 毎年8月にドイツのボンで開催される国際無声映画祭（Internationale Stummfilmtage）^[75]。
• ポルデノーネ無声映画祭（ポルデノーネ無声映画祭）は、イタリアのポルデノーネで毎年開催される。無声映画の保存、普及、研究を目的とした最初の、そして最大の国際映画祭である。^[76]
• フィンランドのフォルッサで開催されたMykkäelokuvafestivalit（フォルッサ国際無声映画祭）。^[77]
• オランダのアイントホーフェンで開催されたオランダ・サイレント映画祭。^[78]
• イギリスのブリストルで開催されたスラップスティック映画祭。^[79]
• ドイツのカールスルーエで開催されたシュトゥムフィルム・フェスティバル・カールスルーエ。^[80]

ウィキメディア・コモンズの無声映画に関連するメディア

• インターネットアーカイブの無声映画アーカイブ
• 無声映画をお願いします!: 無声映画の歴史における興味深い道