アニメーター

アニメーター

スコットランド系カナダ人のアニメーター、ノーマン・マクラーレンがフィルムに絵を描いているところ、1944年
職業
職業の種類	美術
活動分野	映画、テレビ、インターネット、マスメディア、ビデオゲーム
説明
能力	絵画、美術、演技、コンピュータソフトウェア
雇用分野	アニメーション

アニメーターは、フレームと呼ばれる画像を作成するアーティストです。フレームは、高速で連続して表示されると、アニメーションと呼ばれる動きの錯覚を引き起こします。アニメーターは、映画、テレビ、ビデオゲームなど、さまざまな分野で活躍できます。アニメーションは映画制作と密接に関連しており、映画制作と同様に非常に労働集約的であるため、最も重要な作品のほとんどは複数のアニメーターの協力を必要とします。アニメーション作品の画像やフレームを作成する方法は、アニメーターの芸術スタイルと分野によって異なります。

アニメーターではないが、アニメ制作に携わる他のアーティストには、レイアウトアーティスト (背景、照明、カメラ アングルをデザインする)、ストーリーボード アーティスト(脚本からアクションのパネルを描く)、背景アーティスト(「風景」を描く) などがあります。アニメ映画は、監督、プロデューサー、サウンド エンジニア、編集者など、通常の実写映画と一部の撮影クルーの役職を共有していますが、アニメーションの歴史の大部分において、物理的なセットで見られるクルーの役職のほとんどを必要としなかったという点で根本的に異なります。

宮崎駿監督の映画などの手描きの日本のアニメーション制作では、原画担当がレイアウトと原画の両方を担当します。磯光雄などの日本のアニメーターの中には、自分のシーンに全責任を持ち、単なる原画担当以上の役割を果たす人もいます。

アニメーターは専門分野に分かれることがよくあります。重要な違いの 1 つは、キャラクター アニメーター(キャラクターの動き、セリフ、演技などを専門とするアーティスト) と特殊効果アニメーター(キャラクター以外のあらゆるものをアニメートするアーティスト。最も一般的なのは乗り物、機械、雨、雪、水などの自然現象) です。

ストップモーションアニメーターは画像を描くのではなく、モデルや切り抜きをフレームごとに動かします。^[1]このジャンルの有名なアニメーターにはレイ・ハリーハウゼンやニック・パークがいます。

大手スタジオによる大規模な制作では、各アニメーターには通常、1 人以上のアシスタント、「中間制作者」および「クリーンアップアーティスト」が付きます。これらのアシスタントは、アニメーターが描いた「キー ポーズ」の間に絵を描いたり、スケッチとして使用するには粗すぎるスケッチを描き直したりします。通常、アニメーション業界に進出したい若いアーティストは、これらのカテゴリのいずれかで初めて雇用され、後にフル アニメーターの地位に昇格します (通常は複数の制作に携わった後)。

歴史的に、アニメーションの制作は長くて困難なプロセスでした。特定のシーンの各フレームは手描きされ、セルロイドに転写され、トレースされてペイントされます。完成した「セル」はペイントされた背景の上に順番に配置され、1フレームずつ撮影されました。^[2]

近年、アニメーションの手法は多様化しています。^[3]今日の漫画は、さまざまな方法で作成できますが、主にコンピュータを使用してアニメーションのプロセスを安価かつ迅速にしています。これらのより効率的なアニメーション手順により、アニメーターの仕事は退屈なものではなく、より創造的なものになりました。

一般的に観客は、アニメーションは音がある方がずっと面白いと感じます。声優やミュージシャンなど、他のタレントがボーカルや音楽トラックを提供することもあります。初期のアニメーション映画の中には、ボーカルや音楽のタレントに、既存のアニメーションに録音を同期させるように依頼したものもありました (これは、海外の観客向けに映画を吹き替える場合にも今でも当てはまります)。今日のアニメーション映画の大半では、サウンドトラックはまず映画の主なターゲット市場の言語で録音され、アニメーターはサウンドトラックに作業を同期させる必要があります。

従来の2D から 3Dコンピュータ アニメーションへの移行が進んでいる結果、同じキャラクターを 1 秒間に 24 回 (完成したアニメーションの 1 秒ごとに) 再描画および再ペイントするというアニメーターの従来のタスクは、仮想シーンでキャラクターのさまざまな部分の数十 (または数百) の動きを作成するという現代的なタスクに取って代わられました。

コンピュータ アニメーションへの移行により、多くの追加のサポート職が不可欠となり、その結果、アニメーターは非常に長く高度に専門化された制作パイプラインの 1 つの構成要素に過ぎなくなりました。21 世紀では、ビジュアル開発アーティストが 2D の描画または絵画としてキャラクターをデザインし、それをモデラーに渡して、モデラーがデジタル ポリゴンの集合としてキャラクターを構築します。テクスチャ アーティストは、カラフルまたは複雑なテクスチャを使用してキャラクターを「ペイント」し、テクニカル ディレクターは、キャラクターを簡単に移動およびポーズ付けできるようにリギングを設定します。レイアウト アーティストは、シーンごとに仮想カメラと大まかなブロッキングを設定します。最後に、キャラクターのバグが修正され、シーンがブロックされると、アニメーター (つまり、実際の役職を持つ人) に渡され、特定のシーンごとにキャラクターの仮想の手足、筋肉、および顔の表情の正確な動きの開発を開始できます。

その時点で、現代のコンピュータアニメーターの役割は、伝統的なアニメーションの先人たちの役割といくつかの点で重なる。つまり、ストーリーアーティストのチームによってすでにラフな形でストーリーボード化されたシーンを作ろうとすること、そして、脚本家によってすでに準備され、声優によって録音されたセリフに唇や口の動きを同期させることである。これらの制約にもかかわらず、アニメーターは、各シーンの目的を達成するためにキャラクターの動きを開発する際に、かなりの芸術的スキルと裁量を発揮することができる。ここで、アニメーションの芸術と演技の芸術の間には明らかな類似点があり、俳優も与えられたセリフで最善を尽くさなければならない。これは、アニメーターは「鉛筆を持つ俳優」であるという業界の一般的な言葉によく要約されている。^[4] 2015年、クリス・バックはインタビューで、アニメーターは「マウスを持つ俳優」になったと述べた。^[5]一部のスタジオは、長編映画に演技コーチを招き、アニメーターがそのような問題に対処できるようにしている。各シーンが完成し、「スウェット ボックス」フィードバック プロセスを経て完璧なものになると、結果のデータはレンダリング ファームに送られ、そこでコンピューターが実際にすべてのフレームをレンダリングするという面倒な作業を処理します。完成した各フィルム クリップは品質がチェックされ、フィルム エディターに急いで送られ、クリップをまとめて映画が作られます。

初期のコンピュータ アニメーションは、人間のキャラクターがプラスチックのように見えたり、さらにひどい場合は不気味に見えたり (不気味の谷を参照) するとして厳しく批判されましたが、現代のソフトウェアでは、驚くほどリアルな衣服、髪、肌をレンダリングできます。従来のアニメーションのソリッド シェーディングは、コンピュータ アニメーションでは非常に洗練された仮想照明に置き換えられ、コンピュータ アニメーションでは、実写映画製作で使用される多くのカメラ技術を活用できます (つまり、カメラマンの動きをモーション キャプチャして、現実世界の「カメラの揺れ」をシミュレートします)。その結果、一部のスタジオでは、アニメーターとほぼ同数の照明アーティストをアニメーターとして雇用するようになりました。また、衣装デザイナー、ヘアスタイリスト、振付師、撮影監督が、コンピュータ アニメーション プロジェクトのコンサルタントとして依頼されることもあります。

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