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楽譜とは、歌や器楽曲の音高、リズム、和音を示すために音楽記号を用いる、手書きまたは印刷された音楽記譜法のことです。英語、アラビア語、その他の言語で書かれた書籍やパンフレットといった類似の媒体と同様に、楽譜の媒体は通常紙（あるいは、それ以前の時代にはパピルスや羊皮紙）です。しかし、1980年代以降、楽譜へのアクセスは、コンピュータ画面上での楽譜の表示や、楽曲を電子的に記譜できるスコアライター・コンピュータプログラムの開発、そして場合によってはシンセサイザーや仮想楽器を用いて記譜された音楽を「再生」できる機能などによって大きく変化しました。
「楽譜」という用語は、書かれたり印刷されたりした音楽と、録音物（レコード、カセット、CD）、ラジオやテレビの放送、あるいは演奏の映像やビデオ映像、音声成分も含むライブ演奏の録音を区別するために用いられます。日常的には、「楽譜」（または単に「音楽」 ）は、新作映画、テレビ番組、レコードアルバム、あるいは音楽を伴うその他のユニークなイベントや人気イベントのリリースに合わせて出版される商業用楽譜を指すことがあります。印刷機で印刷された最初の楽譜は1473年に作られました。
楽譜は、西洋古典音楽を独唱者、器楽奏者、または音楽アンサンブルが学習し演奏できるように記譜された基本的な形式です。西洋の伝統音楽やポピュラー音楽の多くは、楽譜を使うのではなく、歌手や演奏家が「耳で覚える」ことで習得されるのが一般的です（ただし、多くの場合、伝統音楽やポピュラー音楽も楽譜の形で入手可能です）。
楽譜という用語は、シートミュージックの一般的な代替用語（より一般的な用語）であり、以下で説明するように、いくつかの種類の楽譜があります。楽譜という用語は、演劇、ミュージカル、オペラ、バレエのために書かれた劇場音楽、オーケストラ音楽、歌曲、またはテレビ番組や映画のために書かれた音楽や歌曲を指す場合もあります。最後の項目については、「映画音楽」を参照してください。
20世紀および21世紀の楽譜では、通常、タイトルページ、表紙、またはタイトルページがない場合は最初のページの上部に曲名または楽曲名が記載されています。曲が映画、ブロードウェイミュージカル、またはオペラからのものである場合は、その曲／楽曲が由来する主要作品のタイトルが記載されている場合もあります。
作詞家または作曲家が判明している場合は、通常、タイトルとともにその名前が記載されます。歌詞が作詞家または作曲家以外の人物によるものである場合は、楽譜に作詞家の名前が記載されることもあります。また、楽曲が出版用に編曲されている場合は、編曲者の名前も記載されることがあります。古い民謡、ブルースやブルーグラスなどのジャンルの伝統的な歌、非常に古い伝統的な賛美歌やスピリチュアルについては、作詞家または作曲家の名前が記載されない場合があります。これは、これらの音楽の作者が不明な場合が多いためです。このような場合、作曲家の名前が通常記載される場所に「伝統的」という言葉が付けられることがよくあります。
歌曲の表紙には、歌詞に登場する人物、舞台設定、出来事などを描いた絵が添えられることがある。器楽曲の表紙には、絵は添えられない場合もある。ただし、作品名や楽章名から舞台設定、登場人物、物語などが連想される標題音楽の場合は、絵は不要である。
楽譜の記譜法は、音楽のジャンルやスタイルによって大きく異なります。ほとんどのクラシック音楽では、メロディーと伴奏パート（存在する場合）は、五線譜の線上に丸い音符の頭を使って記譜されます。クラシックの楽譜では、五線譜には通常、以下のものが含まれます。
やト音記号など）
の調に用いられます。
古典派時代（1750年頃）以降のほとんどの歌曲や楽曲は、テンポをアレグロ（速い）やグラーヴェ（遅い）といった表現（多くはイタリア語）で示し、強弱（音量）も示しています。歌詞がある場合は、旋律の音符の近くに書かれています。しかし、バロック時代（1600年頃～1750年頃）以前の音楽には、テンポや強弱の指示がない場合もあります。当時の歌手や演奏家は、音楽的な経験と知識に基づいて、与えられた歌曲や楽曲をどのようなテンポや音量で演奏または歌うべきかを知っていることが期待されていました。現代クラシック音楽の時代（20世紀と21世紀）、そして場合によってはそれ以前（ドイツ語圏のロマン派時代など）においても、作曲家はテンポの指示にイタリア語ではなく母国語（例：fast、 schnell）を使用したり、メトロノーム記号（例：= 1分間に100拍）を追加したりすることが多かった。
こうしたクラシック音楽の記譜法、特に英語のテンポ指示の使用は、20世紀および21世紀のポピュラー音楽の楽譜にも用いられています。ポピュラー音楽の楽譜では、テンポとジャンル（スローブルースやアップテンポロックなど）の両方が示されていることがよくあります。ポップソングでは、アコースティックギター奏者やピアニストが即興でコード伴奏を演奏できるように、五線譜の上にコード名（例：Cメジャー、Fメジャー、G7など）が記されていることがよくあります。
他の音楽ジャンルでは、異なる楽譜表記法が用いられることがあります。例えばジャズでは、プロの演奏家の多くは「クラシック」スタイルの楽譜を読むことができますが、多くのジャズ曲はコードチャートを用いて記譜されます。コードチャートは、曲のコード進行（例：C、A7、Dマイナー、G7など）とその形式を示します。ジャズのリズムセクション（ピアノ奏者、ジャズギタリスト、ベーシスト）のメンバーは、コードチャートを参考に即興伴奏パートを演奏し、サックス奏者やトランペット奏者などのジャズグループのリード楽器奏者は、コード進行を参考にソロ即興演奏を行います。ポピュラー音楽の楽曲と同様に、ジャズ曲もテンポとジャンル（スローブルースやファストバップなど）を示すことがよくあります。
プロのカントリーミュージックのセッションミュージシャンは通常、ナッシュビルナンバーシステムで記譜された楽譜を使用します。これは、コード進行を数字で示すものです（これにより、バンドリーダーはすぐにキーを変更できます）。文字名、数字、またはローマ数字（例：I–IV–V）を使用したコードチャートも、ブルース、R&B、ロック、ヘビーメタルのミュージシャンによる音楽の記譜に広く使用されています。コードチャートの中にはリズム情報を提供しないものもあれば、スラッシュを使用して小節の拍を示し、リズム記譜を使用して、ソングライターがバンド全員で一緒に演奏したいシンコペーションの「ヒット」を示すものもあります。多くのギタリストやエレキベース奏者は、タブ譜を使用して曲を覚え、曲を記譜します。タブ譜は、演奏者がどのフレットと弦を演奏すべきかをグラフィックで表したものです。「タブ」は、ロックやヘビーメタルのギタリストやベーシストに広く使用されています。多くのポピュラー音楽のスタイルの歌手は、歌詞シートのみを使用して曲を覚え、録音から「耳で」メロディーとリズムを学びます。
楽譜は、歌や楽曲の記録、ガイド、または演奏手段として使用できます。楽譜は、楽譜を読むことができる楽器奏者（ピアニスト、オーケストラ奏者、ジャズバンドなど）や歌手が歌や楽曲を演奏することを可能にします。音楽学生は、さまざまな音楽のスタイルやジャンルを学ぶために楽譜を使用します。楽譜の版の意図された目的によって、そのデザインとレイアウトが変わります。楽譜が音楽史の授業などの学習目的で使用される場合、音符と五線譜は小さくすることができ、編集者はページをめくることを気にする必要はありません。しかし、演奏用の楽譜の場合、音符は譜面台から読みやすくなければならず、編集者は過度なページめくりを避け、ページめくりは（可能であれば）休符または休止の後に行うようにする必要があります。また、厚い製本の楽譜やパート譜は開いたままにならないため、演奏用の楽譜やパート譜は薄い製本にするか、譜面台に開いたままになる製本形式を使用する必要があります。
クラシック音楽においては、作曲家が保管していた可能性のある手書きのスケッチや初期の楽譜、最終的な自筆譜、校正刷りや印刷された楽譜に記された個人的な書き込みなどを研究することで、楽曲に関する信頼できる音楽情報を得ることができる。
楽譜を理解するには、特別なリテラシー、つまり楽譜を読む能力が必要です。しかし、作曲をするのに楽譜の読み書き能力は必須ではありません。楽譜の読み書き能力がなくても、思い浮かんだメロディーを書き留めてくれる代筆者がいれば、音楽を生み出すことができた作曲家や作詞家は数多くいます。例えば、18世紀の盲目の作曲家ジョン・スタンリーや、20世紀の作詞家ライオネル・バート、アーヴィング・バーリン、ポール・マッカートニーなどが挙げられます。また、ブルースやフォークといった伝統的な音楽ジャンルにおいても、楽譜を読むことができず、耳で音楽を演奏したり歌ったりした、多くの優れた作詞家が存在します。
初見演奏のスキルとは、音楽家が初めて楽譜を見ただけで、馴染みのない楽曲を演奏できる能力のことです。初見演奏能力は、プロの音楽家や、クラシック音楽、ジャズ、その他関連ジャンルを演奏する真剣なアマチュアに求められる能力です。さらに高度なスキルとしては、新しい楽曲を見ただけで、実際に演奏したり、演奏や歌を聴いたりすることなく、ほとんど、あるいはすべての音（メロディー、ハーモニー、音色など）を頭の中でイメージできる能力があります。熟練した作曲家や指揮者はこの能力を備えており、ベートーヴェンは歴史上その代表的な例です。
オーケストラ作品、室内楽、ソナタを演奏したり、合唱曲を歌ったりするクラシック音楽家は、演奏時に楽譜を譜面台に置いて（合唱の場合は楽譜フォルダーに入れて）演奏するのが一般的ですが、独奏曲、協奏曲、独唱曲（歌曲、オペラのアリアなど）の独奏演奏では、暗譜が求められるため、楽譜は使用しません。ジャズは主に即興演奏であるため、楽譜（この文脈ではリードシートと呼ばれます）は、メロディー、コード進行、アレンジの基本的な指示を示すために使用されます。ジャズバンドがリードシート、コードチャート、またはアレンジされた楽譜を持っている場合でも、演奏の多くの要素は即興で行われます。
手書きや印刷された楽譜は、他の音楽の伝統においてはそれほど重要ではありません。しかし、伝統音楽や民謡などのジャンルでは、歌手や演奏者は通常、耳で覚えたり、他の人から歌やメロディーを教わったりして歌を覚えます。ポピュラー音楽の多くは何らかの形で楽譜化されていますが、人々が耳で歌を覚えるのはごく一般的です。これは、歌や踊りが口承（聴覚による伝承）によって受け継がれる西洋民謡のほとんどの形態にも当てはまります。民謡やクラシック音楽など、他の文化の音楽も多くの場合、口承で伝えられますが、西洋以外の文化の中には、独自の楽譜や楽譜を発展させたものもあります。
楽譜は新しい音楽のためのプラットフォームであり、作曲の補助手段（つまり、作曲家が音楽を「書き留める」もの）として考えられがちだが、既に存在する音楽を視覚的に記録する役割も果たす。学者をはじめとする人々は、西洋音楽と非西洋音楽を研究、分析、そして再創造的な演奏のために読みやすい形にするために、楽譜の転写を行ってきた。これは、民謡や伝統音楽（例えば、バルトークのマジャール民謡とルーマニア民謡集）だけでなく、ミュージシャンによる即興演奏の録音（例えば、ジャズピアノ）や、楽譜に部分的にしか基づいていない演奏にも適用されている。近年の後者の包括的な例としては、ビートルズが録音したすべての楽曲を楽器とボーカルの詳細まで五線譜とタブ譜に転写しようとする『ザ・ビートルズ：コンプリート・スコアーズ』（ロンドン：ワイズ出版、1993年）が挙げられる。
現代の楽譜には様々な形式があります。楽器や声楽が1つだけの楽曲（独奏楽器のための楽曲やアカペラ独唱のための楽曲など）の場合、楽曲全体が1枚の楽譜として書かれ、印刷されることがあります。器楽曲が複数人で演奏されることを想定している場合、演奏者ごとにパート譜と呼ばれる別々の楽譜が用意されるのが一般的です。これは特に4人以上の演奏者を必要とする楽曲の出版において顕著ですが、総譜も必ず出版されます。声楽曲の歌唱パートは、現代では通常別々に発行されることはありませんが、歴史的には、特に楽譜印刷技術が普及する以前は別々に発行されていました。
楽譜は、個々の楽曲や作品（例えば、ポピュラーソングやベートーヴェンのソナタ）、作品集（例えば、一人または複数の作曲家による作品）、特定のアーティストによる演奏曲などとして発行されることがあります。
楽曲の器楽パートと声楽パートを別々に印刷したものを楽譜と呼びます。慣例として、楽譜は各器楽パートまたは声楽パートが縦に並んだ楽譜（つまり、各パートの楽譜における同時進行する出来事が平行に配置されている）で構成されます。楽譜という用語は、演奏者が1人だけのために書かれた楽譜を指す場合にも使われます。楽譜とパートの区別は、演奏に複数のパートが必要な場合に適用されます。
スコアは様々な形式で表示されます。
総譜とは、楽曲に含まれるすべての楽器や声部の楽譜を一定の順序で並べた大きな楽譜集のことです。指揮者がオーケストラやオペラの稽古や公演を指揮しながら読みやすいように、十分な大きさになっています。指揮者がアンサンブルを率いる際の実際的な用途に加え、総譜は音楽学者、音楽理論家、作曲家、そして特定の作品を研究する音楽学生にも利用されています。
ミニチュアスコアは、フルスコアに似ていますが、サイズが大幅に縮小されています。指揮者が演奏で使用するには小さすぎますが、大規模なアンサンブルやソロ演奏など、楽曲を研究する際には便利です。ミニチュアスコアには、序文などが含まれている場合があります。
研究用スコアは、名称以外はミニチュアスコアと同じサイズで、区別がつかない場合も多い。研究用スコアの中にはオクターヴォ判のものもあり、フルスコアとミニチュアスコアの中間のサイズとなる。特に学術研究用のアンソロジーに収録されている研究用スコアには、楽曲に関する追加の解説や学習のための記号などが含まれている場合がある。
ピアノ譜（またはピアノ編曲譜）とは、特にオーケストラ作品など、複数のパートで演奏されることを想定した楽曲を、ピアノ用にほぼ忠実に編曲したものです。これには、大規模な声楽曲の中の純粋な器楽パートも含まれます（すぐ下の声楽譜を参照）。このような編曲は、ピアノ独奏（両手）またはピアノ連弾（1台または2台のピアノ、4手）用に作成されます。ピアノ連弾用の楽譜では、より完全な表現にするために、特定の箇所に小さな五線譜が追加されることがありますが、演奏中にこれらを含めることは通常、非現実的または不可能です。
声楽譜（下記参照）と同様に、オーケストラの楽譜をこのような小規模な形式に縮小するには、かなりの技術が求められます。なぜなら、縮小版は鍵盤楽器で演奏できるだけでなく、意図された和声、テクスチャー、音型などを十分に表現する必要があるからです。場合によっては、特定の箇所でどの楽器が演奏しているかを示す記号が付けられることもあります。
ピアノ譜は通常、学習や娯楽以外の目的で演奏されることを想定していませんが（フランツ・リストによるベートーヴェンの交響曲の演奏会用編曲は数少ない例外の一つです）、バレエはピアノ譜から最も実用的な恩恵を受けています。なぜなら、ピアニストが1人か2人いれば、最終リハーサルでオーケストラを雇う前に、はるかに低いコストで多くのリハーサルを行うことができるからです。ピアノ譜は、初心者指揮者の訓練にも使用できます。ピアニストが演奏する交響曲のピアノ編曲版を指揮することで、フルオーケストラを指揮するよりもはるかに費用を抑えることができます。オペラのピアノ譜には声楽パートの独立した五線譜は含まれていませんが、音楽の上に歌唱テキストや舞台指示が書き加えられている場合があります。
パート譜とは、特定の楽器のフルスコアから抜粋したものです。オーケストラの演奏家が、フルスコアでは扱いにくい場合に使用します。ただし、実際には、楽曲が長尺で、特定の楽器が演奏時間の大部分を占める場合は、パート譜はかなりの分量になることがあります。
声楽譜（より正確にはピアノ声楽譜）とは、オペラ、ミュージカル、オラトリオ、カンタータなどの声楽曲の総譜を縮小したもので、声部（ソロと合唱）を五線譜上に、オーケストラパートをピアノ編曲版（通常は両手用）で声部パートの下に示します。純粋なオーケストラパートもピアノ用に縮小されます。楽曲の一部がアカペラの場合、リハーサルを容易にするために声部パートのピアノ編曲版が追加されることがよくあります（これはアカペラの宗教楽譜によく見られます）。
ピアノ伴奏譜は、声楽ソリストや合唱団員がオーケストラとは別に楽曲を学び、リハーサルを行うための便利な方法である。ミュージカルのボーカル譜には、キューを除いて、通常は台詞は含まれない。ピアノ伴奏譜は、アマチュア団体や一部の小規模なプロ団体によるオペラ、ミュージカル、オラトリオの演奏にピアノ伴奏を提供するために使用される。これは、ピアニスト1人、またはピアニスト2人で行われる場合がある。2000年代のミュージカルの中には、キーボード奏者がピアノの代わりにシンセサイザーを演奏する場合もある。
関連するものの、あまり一般的ではない合唱譜には、伴奏が簡略化された合唱パートが収録されている。
オルガン譜も同様に存在し、通常はヘンデルの「メサイア」の（後世の編曲による）ものなど、声楽とオーケストラのための教会音楽に関連して用いられる。オルガン譜は、声楽パートの五線譜を含み、オーケストラパートを一人の演奏者に縮小するという点で、ピアノ声楽譜と似ている。声楽譜とは異なり、オルガン譜は、必要に応じて演奏時にオーケストラの代わりとなることを編曲者が意図している場合もある。
あるミュージカルの楽曲を集めたものは、通常「ボーカル・セレクションズ」という名称で出版されます。これは、同じ作品のボーカル・スコアとは異なり、楽曲全体が収録されているわけではなく、ピアノ伴奏は通常簡略化され、メロディーラインのみが記載されています。
ショートスコアとは、多数の楽器のための楽曲を数段の譜表に簡略化したものです。多くの作曲家は、フルスコアで直接作曲するのではなく、作曲中に何らかのショートスコアを作成し、後から完全なオーケストレーションに拡張します。例えば、オペラはまずショートスコアで書かれ、次にフルスコアで書かれ、最後にリハーサル用に声楽譜に簡略化されることがあります。ショートスコアは出版されないことが多く、アンサンブルの種類（例えば吹奏楽）によっては、他のアンサンブルよりもよく使われる場合があります。ショートスコアは予備的な性質を持つため、他の作曲家の未完成作品を完成させたい作曲家にとって主要な参考資料となります（例えば、グスタフ・マーラーの交響曲第10番の第2楽章から第5楽章、またはアルバン・ベルクのオペラ『ルル』の第3幕など）。
オープンスコアとは、多声楽曲の各声部を別々の五線譜に記した楽譜のことです。ルネサンスやバロックの鍵盤楽曲では、より現代的な片手につき五線譜を用いる慣習の代わりに、4段のオープンスコアが用いられることもありました。[ 1 ]また、フルスコア（1つの五線譜に複数のパートが記されている場合もある）と同義語として使われることもあります。
クローズドスコアでは、すべての声部が2つの主要な五線譜（高音部譜と低音部譜）上に表示されます。
バロック時代（1600年頃～1750年頃）の楽譜は、多くの場合、ヘ音記号で書かれた低音部と、楽器で演奏されるか歌われる旋律がト音記号で書かれた上の段（または複数の段）という形式をとっています。低音部には、通常、低音音符の上に数字が書かれており、低音音符の上のどの音程（例えば和音）を演奏すべきかを示しています。この手法は数字付き低音と呼ばれます。数字は、チェンバロ奏者、パイプオルガン奏者、リュート奏者が各低音音符の上でどの音程を演奏すべきかを示しています。
リードシートは、メロディー、歌詞、ハーモニーのみを1つの五線譜に記し、その上にコード記号、下に歌詞を配置するものです。ポピュラー音楽やジャズでよく用いられ、曲のアレンジや演奏方法の詳細を指定することなく、楽曲の本質的な要素を捉えることができます。
コード譜（または単に「譜表」）には、旋律に関する情報はほとんど、あるいは全く含まれておらず、基本的な和声情報のみが記載されています。一部のコード譜には、演奏すべきリズムも示されています。特に、編曲者がリズムセクション全体に演奏させたいシンコペーションの連続した「ヒット」がある場合などに使用されます。それ以外の場合は、コード譜のリズム欄は空白のままにするか、各拍にスラッシュ記号が付けられます。
これは、ジャズやその他のポピュラー音楽を演奏するプロのセッションミュージシャンが使用する最も一般的な楽譜であり、リズムセクション（通常はピアノ、ギター、ベース、ドラムで構成される）が伴奏を即興で演奏するため、また即興演奏を行うソリスト（例えば、サックス奏者やトランペット奏者）が即興演奏の際の参考として使用することを目的としています。
フェイクブックとは、ジャズの楽曲や曲を集めたもので、音楽の基本的な要素だけが記載されています。フェイクブックには、(1) メロディー、コード、歌詞 (ある場合) を含むリードシートのコレクションと、(2) コードのみが記載された楽曲や曲のコレクションの 2 種類があります。コードのみが記載されたフェイクブックは、リズムセクションの演奏者 (特にエレキギター奏者、ピアノ奏者、ベーシストなどのコードを演奏するミュージシャン) が、曲の伴奏パートを即興で演奏する際のガイドとして使用します。コードのみが記載されたフェイクブックは、リード楽器 (サックスやトランペットなど)が即興ソロ演奏を行う際のガイドとしても使用できます。コードのみのフェイクブックにはメロディーが含まれていないため、リード楽器の演奏者はメロディーを知っていることが前提となります。
タブ譜（またはタブ）は、ソロ楽器の楽譜の一種で、どの音を出すかではなく、楽器のどの位置でどの音を出すかを示し、リズムも併せて示します。タブ譜は、ギターやエレキベースの曲や、ロックやヘビーメタルなどのポピュラー音楽のジャンルの楽曲で広く使われています。この記譜法は中世後期に初めて使用され、鍵盤楽器（パイプオルガンなど）やフレット付き弦楽器（リュート、ギター）に使われてきました。 [ 2 ]
歌の楽譜とは、楽譜のない歌詞を印刷したものです。アメリカ音楽の学術研究では、これらの楽譜を「歌集」と呼んでいます。[ 3 ]： 25 19世紀初頭、ニューイングランドでは、人気のあるバラードなどを収録したブロードサイド形式の歌の楽譜が1ペニーで販売されていました。[ 4 ] 20世紀前半には、歌の歌詞は個別に、新聞サイズの紙にまとめて、小冊子にまとめて、また雑誌に掲載されて販売されました。[ 3 ]： 53-54歌の楽譜には、通常、その歌に関連する有名な芸能人の写真や、ミュージカルや映画への言及が含まれていました。[ 3 ]： 58
1930年、アメリカ作曲家・著作者・出版者協会（ASCAP）は、歌譜シートを楽譜の競合相手として認識し、代表者が「今では何千人もの人々がラジオで流行のメロディーを学んでいる。歌詞が5セントか10セントで手に入り、曲調も分かっているので、楽譜を買う必要性はなくなる」と述べた。歌の楽譜は30セントか35セントかかることもあったが、歌譜シートは通常5セントか10セントで売られていた。合唱団はピアニスト用に楽譜を1部、歌手用に歌譜シートを複数部購入した。[ 3 ]： 55
著作権者の許可なく歌詞が印刷された楽譜は、海賊版楽譜と呼ばれます。1890年代初頭のシカゴでは、楽譜の海賊版は些細な問題と見なされていましたが、1929年から1930年代にかけて深刻な問題となりました。[ 3 ]： 25-26海賊版楽譜の最初の出版者と販売者は、1930年2月に著作権侵害で起訴されました。[ 3 ]： 30音楽出版社保護協会と法執行機関の努力、そして合法的な楽譜雑誌の登場により、楽譜の海賊版は1940年代初頭に終焉を迎えました。[ 3 ]： 39-40
最初の本格的な楽譜雑誌は1934年に創刊され、1937年に初版が発行されたライル・エンゲルの『ソング・ヒッツ』は数十年にわたり成功を収めた。 [ 3 ]： 40-41 楽譜雑誌には広告、ゴシップ欄、レコードレビュー、有名人の宣伝用略歴などが掲載されていた。[ 3 ]： 69
楽譜は羊皮紙や紙が筆記に使われるようになる前に開発されました。最も古い楽譜は、紀元前2000年頃にシュメール（現在のイラク）のニップルで作成された楔形文字の粘土板に見られます。この粘土板には、音楽の演奏に関する断片的な指示が記されており、全音階を用いて3度の和音で作曲されていたことがわかります。[ 5 ]
紀元前1250年頃の粘土板には、 より発達した記譜法が示されている。[ 6 ]記譜法の解釈については依然として議論の余地があるものの、この記譜法が竪琴の弦の名前を示しており、その調律法は他の粘土板に記述されていることは明らかである。[ 7 ]これらの粘土板は断片的ではあるが、世界中で発見された最古の記譜された旋律を表している。 [ 7 ]
古代ギリシャの楽譜表記法は、少なくとも 紀元前6世紀から紀元後4世紀頃まで使用されていました 。この表記法を用いた完全な楽曲や楽曲の断片がいくつか現存しています。この表記法は、テキストの音節の上に記号を配置するものです。完全な楽曲の一例として、紀元前2世紀から紀元後1世紀にかけてのものとされるセイキロスの墓碑銘が挙げられます。
古代ギリシア音楽では、クレタ島のメソメデスによる3つの賛歌が写本として現存している。音楽記譜法の最も古い例の一つは、ヘレニズム時代の劇『オレステス』（紀元前408年）のパピルス断片であり、そこには合唱頌歌の楽譜が記されている。古代ギリシアの記譜法は、ローマ帝国の衰退期頃に廃れていったようである。
15世紀以前、西洋音楽は手書きで記譜され、通常は大きな冊子に綴じられた写本に保存されていました。中世の音楽記譜法で最もよく知られている例は、中世の単旋律聖歌の写本です。聖歌記譜法は聖歌の旋律の音符を示していましたが、リズムは示していませんでした。モテットのような中世の多声音楽の場合、各パートは対向するページの別々の部分に書かれていました。この過程は、リズムも示す計量記譜法の出現によって促進され、中世では多声音楽の各パートを同時にではなく順次作曲するという慣習と並行していました（後の時代のように）。スコア形式で各パートをまとめて示した写本はまれで、主にオルガヌム、特にノートルダム楽派のオルガヌムに限られていました。中世において、ある修道院長が、例えば別の町の修道院長が所有する既存の楽曲の写しを希望する場合、写字生を雇って手作業で写し取らせる必要がありました。これは時間のかかる作業であり、転写ミスが生じる可能性もありました。
1400年代半ばに楽譜印刷技術が登場した後も、多くの音楽は18世紀に入ってもなお、作曲家による手書きの楽譜のみで存在し続けていた。
新しい印刷技術を音楽に適用するには、いくつかの困難がありました。音楽を含む最初の印刷本であるマインツ詩篇（1457年）では、楽譜（五線譜と音符の両方）が手書きで追加されました。これは、他の初期印刷本で大文字のために残された余白に似ています。この詩篇は、ドイツのマインツでヨハン・フストとペーター・シェッファーによって印刷され、現在、1冊はウィンザー城に、もう1冊は大英図書館に所蔵されています。後に五線譜は印刷されましたが、写字生は依然として残りの楽譜を手書きで追加しました。可動式活字を使用して音楽を印刷する最大の困難は、すべての要素が整列しなければならないことです。音符の頭は五線譜に正しく整列する必要があります。声楽曲では、テキストは適切な音符に整列する必要があります（ただし、この時代、写本でさえ、これは高い優先事項ではありませんでした）。
楽譜彫刻とは、機械的複製を目的として、高品質の楽譜を描く技術である。最初の機械印刷された楽譜は、グーテンベルクが印刷機を導入してから約20年後の1473年頃に登場した。1501年、オッタヴィアーノ・ペトルッチは、96曲の楽譜を収録した『Harmonice Musices Odhecaton A』を出版した。ペトルッチの印刷方法は、鮮明で読みやすく、優雅な楽譜を生み出したが、印刷機を3回通す必要があり、長く困難な工程であった。ペトルッチは後に、印刷機を2回通すだけで済む方法を開発。しかし、それでもなお、各工程で非常に正確な位置合わせが必要であったため（つまり、音符の頭が五線譜の線と正しく揃うようにするため）、大変な作業であった。これは、広く普及した最初の印刷された多声楽譜であった。ペトルッチはまた、活版印刷による最初のタブラチュアも印刷した。五線譜と音符を一度の刷りで印刷できる単刷印刷は、1520年頃にロンドンで初めて登場した。ピエール・アテニャンは1528年にこの技術を広く普及させ、その後200年間ほとんど変化することなく続いた。
ルネサンス期に多声部のポリフォニー音楽を出版する際の一般的な形式はパートブックでした。この形式では、例えば5声部のマドリガル集の場合、各声部がそれぞれ別のパートブックに別々に印刷され、演奏するには5冊すべてのパートブックが必要でした。同じパートブックは歌手と器楽奏者が使用できました。ルネサンス期には多声部の楽譜が印刷されることは稀でしたが、パートを同時に作曲する手段として（中世後期のように順次ではなく）楽譜形式を用いるようになったのは、盛期ルネサンス音楽の作曲家であるジョスカン・デ・プレの功績とされています。
印刷された楽譜の効果は、印刷された文字の効果と似ており、情報が手書きの写本よりも速く、効率的に、低コストで、より多くの人々に伝わるようになった。さらに、楽譜を購入できるようになった経済的に余裕のあるアマチュア音楽家が演奏活動を行うようになったという効果もあった。これは、音楽業界全体に様々な影響を与えた。作曲家は、アマチュア演奏家向けの楽曲をより多く作曲できるようになり、それらが中流階級に流通・販売されることを確信できるようになったのである。
これは、作曲家が裕福な貴族の庇護だけに頼る必要がなくなったことを意味した。プロの演奏家はより多くの楽譜を自由に使えるようになり、さまざまな国の音楽に触れることができた。アマチュアの数も増え、プロの演奏家は彼らに教えることで収入を得ることができた。しかし、初期の頃は、印刷された楽譜の価格が普及を制限していた。印刷された楽譜の影響を制限したもう一つの要因は、多くの地域で楽譜を印刷する権利が君主によって与えられ、特別な許可を得た者だけが印刷を許され、独占権を持っていたことである。これは、寵愛された宮廷音楽家や作曲家に与えられる名誉（そして経済的恩恵）であることが多かった。
機械による版画は16世紀後半に開発されました。[ 9 ]版画は15世紀初頭から視覚芸術や地図の作成に使用されていましたが、音楽に適用されたのは1581年になってからです。[ 9 ]この方法では、楽譜のページ全体の鏡像が金属板に彫刻されました。次に、溝にインクが塗布され、楽譜が紙に転写されました。金属板は保管して再利用できるため、この方法は音楽彫刻家にとって魅力的な選択肢となりました。初期の版には銅が好んで使われていましたが、18世紀までには、その展延性と低コストのため、ピューターが標準的な材料となりました。 [ 10 ]
版画は19世紀後半まで楽譜印刷の主要な方法であったが、その頃には写真技術の発展によって衰退が加速した。[ 9 ]それにもかかわらず、この技術は今日まで生き残り、ドイツのG.ヘンレ出版社など一部の出版社では今でも時折使用されている。[ 11 ]
楽曲の構成が複雑になるにつれて、正確な楽譜を作成するために必要な技術も複雑化しました。主に印刷された文字を含む文学印刷とは異なり、音楽彫刻は複数の異なる種類の情報を同時に伝達します。音楽家にとって明確であるためには、彫刻技術が絶対的な精度を可能にすることが不可欠です。和音の音符、強弱記号、その他の記譜法は垂直方向に正確に並びます。テキストが含まれている場合は、各音節が割り当てられたメロディーと垂直方向に一致します。水平方向には、拍の細分化は旗とビームだけでなく、ページ上のそれらの間の相対的な間隔によっても示されます。[ 9 ]このような精密なコピーを作成するロジスティクスは、初期の音楽彫刻家にとっていくつかの問題を引き起こし、いくつかの音楽彫刻技術の開発につながりました。
19 世紀の音楽業界は楽譜出版社が支配的でした。世紀半ばには、メロディーの著作権管理は厳格ではなく、出版社は当時流行していた曲の独自のバージョンを印刷することがよくありました。JNパティソンなどの作曲家は、独自の楽譜を出版することで対抗しました。パティソンはマンハッタンのダウンタウン、ユニオン スクエアにあるピアノとオルガンの販売店で活動していました。1885 年以降、ニューヨークの音楽出版は、ティン パン アレーとして知られる作曲家と作詞家のグループによって支配されました。世紀後半に著作権保護法が強化されると、作曲家、作詞家、出版社は相互の経済的利益のために協力し始めました。ニューヨーク市の出版社は声楽曲に注力しました。最大の音楽出版社はニューヨーク市に拠点を構えましたが、商業印刷業者や音楽店と提携していることが多い小規模な地元の出版社は、全国で繁栄し続けました。東欧からの移民は驚くほど多く、その多くがティン・パン・アレーで音楽出版社や作曲家として活躍した。中でも最も有名なのはアーヴィング・バーリンである。ヒット曲を生み出し、プロデューサーとして名を馳せた作曲家たちは、音楽会社のスタッフとして雇われた。
アメリカでは、楽譜産業は黒人顔のミンストレルショーやサロン音楽と並行して発展しました。19世紀後半にはサロン音楽が爆発的に普及し、ピアノの所有と演奏技術は中流家庭にとって必須となりました。19世紀後半、中流家庭が流行の新しい歌や曲を聴きたいと思ったら、楽譜を購入し、自宅でアマチュア的に演奏していました。しかし、20世紀初頭には蓄音機と録音音楽の重要性が飛躍的に高まりました。これに1920年代以降のラジオ放送の人気上昇が加わり、楽譜出版社の重要性は低下しました。最終的に、レコード産業が楽譜出版社に代わって音楽業界最大の勢力となりました。
20世紀後半から21世紀にかけて、楽譜をコンピュータで読み取り可能な形式（楽譜作成ソフトウェアを参照）で表現すること、およびダウンロード可能なファイル形式にすることへの関心が高まった。スキャンした楽譜を「読み取り」、結果を操作できるようにするソフトウェアである音楽OCRは、1991年から利用可能となっている。
1998年、バーチャル楽譜はさらに進化し、デジタル楽譜と呼ばれるものへと発展しました。これにより、出版社は初めて著作権のある楽譜をオンラインで購入できるようになりました。紙の楽譜とは異なり、これらのファイルでは楽器の変更、移調、MIDI（Musical Instrument Digital Interface）再生などの操作が可能でした。この即時配信システムが音楽家の間で人気を博したことで、1990年代後半以降、業界の新たな成長が促進されました。
家庭用コンピュータ向けに提供された初期の楽譜作成プログラムの一つに、1984年に開発され、複数のプラットフォーム向けにリリースされた「Music Construction Set」がある。当時、家庭ユーザーにはほとんど知られていなかった概念を導入したこのプログラムは、マウスなどのポインティングデバイスを使って音符や記号を操作することを可能にした。ユーザーはパレットから音符や記号を「掴み」、五線譜上の正しい位置に「ドロップ」する。このプログラムは、様々な初期のサウンドカードを通して作成した音楽を再生でき、グラフィックプリンタで楽譜を印刷することもできた。
1999年までに、オーケストラの演奏者間で楽譜の表示を調整するシステムと方法がハリー・コニック・ジュニアによって特許取得されました。 [ 13 ]これは、オーケストラの演奏者に、より一般的に使用されている紙の代わりに楽譜を表示するために使用されるコンピュータ画面を備えたデバイスです。コニックは、たとえばビッグバンドでツアーを行うときにこのシステムを使用しています。 [ 14 ] ワイヤレスネットワークとiPadの普及により、同様のシステムが開発されました。クラシック音楽の世界では、一部の弦楽四重奏団がコンピュータ画面ベースのパートを使用しています。コンピュータベースのパートにはいくつかの利点があります。楽譜がコンピュータ画面に表示されるため、ユーザーはコントラスト、明るさ、さらには音符のサイズを調整して読みやすくすることができます。さらに、一部のシステムではフットペダルを使用して「ページめくり」を行うため、演奏者は紙のパートでよくあるように、ページめくり中に演奏を中断する必要がありません。
一般の人々にとって特に実用的な関心事となるのは、パブリックドメインの楽譜を集めたライブラリーを構築しようとする「ムトピア・プロジェクト」です。これは、パブリックドメインの書籍を集めたプロジェクト・グーテンベルクに匹敵するものです。また、「国際楽譜ライブラリー・プロジェクト（IMSLP）」も、パブリックドメインの楽譜すべて、そして自らの音楽を無償で世界に公開することを厭わない作曲家による楽譜を収録した仮想ライブラリーの構築を目指しています。
楽譜作成ソフト（または音楽記譜プログラム）とは、楽譜の作成、編集、印刷を行うためのソフトウェアです。楽譜作成ソフトは、ワープロソフトがテキスト作成において果たす役割と同様に、柔軟な編集機能と自動レイアウト機能を提供し、高品質な印刷結果を生み出します。
現代のデジタルオーディオワークステーション向けの多くのソフトウェア製品、および楽譜作成ソフトウェアを使用する一般的なパーソナルコンピュータでは、演奏者がMIDI対応キーボードやその他のMIDIコントローラーで音符を演奏するか、マウスやその他のコンピュータデバイスを使用して手動で入力することにより、MIDIファイルから楽譜を生成することができる。
楽譜作成ソフトの中には、作曲家や編曲家にとって非常に便利な機能を備えているものがあります。それは、シンセサイザーの音色や仮想楽器を使って、記譜した音楽を「再生」できる機能です。コンピュータソフトが登場する以前は、フルオーケストラを雇う費用が高額だったため、多くの作曲家や編曲家は、ピアノ、オルガン、弦楽四重奏用に編曲することでしか、オーケストラ作品を聴くことができませんでした。楽譜作成ソフトの再生機能は、プロのオーケストラの録音のような繊細なニュアンスには欠けますが、それでも楽曲の音色や楽器間の相互作用を伝えることができます。
