コメディ音楽

コメディ音楽
その他の名前	ミュージカルコメディ
文体の起源	コメディ ポピュラー音楽 フォークミュージック ラグタイム
代表的な楽器	ボーカル 様々な楽器
サブジャンル
パロディ音楽 ノベルティソング
フュージョンジャンル
コメディロック コメディポップ コメディ ヒップホップ コメディ ジャズ コメディの国 アコースティックコメディ コメディラウンジ

コメディ音楽またはミュージカル コメディは、本質的に喜劇的、喜劇的、またはユーモラスな音楽のジャンルです。その歴史は、紀元 1 世紀の古代ギリシャとローマにまで遡り、中世、古典派、ロマン派、そして 20 世紀へと時を遡ることができます。「ミュージカル プレイ」、「ミュージカル コメディ」、「オペレッタ」、「ライト オペラ」など、さまざまな形式のコメディ ミュージカル シアターは、17 世紀後半のイタリアで最初に開発されたコミック オペラから発展しました。20 世紀のコメディに興味を持つ人気音楽アーティストには、アラン シャーマン、フランク ザッパ、タイニー ティム、ベアネイキッド レディース、ランディ ニューマン、"ウィアード アル" ヤンコビックなどがいます。21 世紀のアーティストには、テネイシャス D、フライト オブ ザ コンコルド、ザ ロンリー アイランド、ニンジャ セックス パーティー、ジ アクシス オブ オーサムなどがいます。

コメディ音楽は、その破壊的なメッセージから、しばしばカウンターカルチャーと関連付けられます。 ^[1]コメディ音楽のこの情報提供の性質は、教室内外での学習の向上にも貢献します。^[1]ミュージカル劇場などの娯楽形式にも、コメディ音楽が取り入れられることがよくあります。^[2]

音楽に喜劇的な効果を生み出すために、作曲家たちは、喜劇的なテキストの使用、音楽のパロディ、構文要素の予期しない並置など、いくつかの主要な作曲技法を開発してきました。 ^{[3]コメディ音楽はさらに、}パロディ音楽、ノベルティソング、コメディロック、コメディヒップホップなど、いくつかの種類に分類できます。コメディ音楽専用の賞には、最優秀コメディアルバムのグラミー賞、最優秀映画作品賞（ミュージカル・コメディ部門）、ミュージカルコメディ賞 などがあります。

コメディは、滑稽な、またはユーモラスな状況、あるいは深刻な状況でさえも、軽いまたは風刺的なアプローチで扱う芸術形式です。^{[4]音楽もまた芸術形式であり、}声、楽器、または機械音のリズム、メロディー、ハーモニーに関係しています。^[5]

コメディと音楽の類似点の1つは、どちらもリスナーに心理的、感情的な効果を呼び起こす点ですが、リスナーはなぜ面白いと感じるのか、その理由を完全に理解していません。^[6]エンターテインメントにおけるコメディは、音楽コードが設定され、シーンの象徴的な意味に対する観客の理解を確認し、その理解を覆して観客の反応を弄ぶことでも確立されています。^[7]このように、多面的な音楽体験は、リスナーにユーモアやコメディなどの感情を引き起こす力を持っています。^[8]このタイプの音楽体験は、コメディ音楽として識別できます。

音楽におけるコメディの最初の使用は、1世紀の古代ギリシャとローマにまで遡ることができ、詩人や劇作家がしゃれや言葉遊びで楽しませていました。^[9]

古代ギリシャの喜劇の起源は、紀元前6世紀の陶器に初めて記録されており、その陶器には、馬やサテュロス、誇張された衣装を着た踊り子に扮した役者のイラストが描かれている。^[10]もう一つの起源は、紀元前6世紀のヒッポナクスと紀元前7世紀のアルキロコスによる性的に露骨なユーモアのある詩である。 ^{[10] 3つ目の起源は、}アリストテレスが言及しているように、ディオニュソス祭で歌われた男根歌である。^[10]

喜劇作家にはアリストパネスやメナンドロスがおり、彼らの作品は政治家、哲学者、芸術家仲間を嘲笑した。^[10]

中世には、ミンストレル、トルバドゥール、宮廷道化師が楽器の伴奏とともに、風刺的なものも含めた喜劇音楽を演奏し続けた。特に宮廷道化師は、歌やジョーク、身体を使った喜劇を通じて機知とユーモアを披露し、社会や権威を批判する手段として、公共の広場で活動したり、王や女王の直下で公認の道化師として正式に雇われたりした。^[9]

コミックオペラの形式は17世紀後半のイタリアで初めて発展し、オペラ・セリアの代替としてオペラ・ブッファが誕生した。それはすぐにフランスに伝わり、そこでオペラ・コミックとなり、そして最終的には次の世紀にはジャック・オッフェンバックが最も熟達した実践者となったフランスのオペレッタとなった。多くの国がイタリアとフランスのモデルを自国の音楽の伝統に取り入れ、独自のコミックオペラのジャンルを発展させた。例としては、ドイツのジングシュピール、ウィーンのオペレッタ、スペインのサルスエラ、ロシアのコミックオペラ、イギリスのバラードとサヴォイオペラ、北米のオペレッタとミュージカルコメディなどがある。^[11]

古典派やロマン派の時代には、ハイドン、ベートーヴェン、シューマンなどの作曲家が、喜劇の部分とシリアスな部分を並べて、その対比を際立たせていました。^[3]この手法は並置と呼ばれ、喜劇の基本的な要素です。^[9]ハイドンの1772年の交響曲第45番（告別交響曲）と1792年の交響曲第94番（驚愕交響曲）が最も有名な例です。おもちゃの楽器を使ったおもちゃの交響曲の伝統は、古典派の時代に始まり、19世紀以降も続きました。

コメディ音楽の進歩は何年も続き、20世紀初頭のボードビル芸人がミュージカルナンバーに歌詞を加えるまで続いた。 ^[9] 1923年、エディ・カンターが歌うコメディ音楽の最初のヒット曲の1つ「 Yes! We Have No Bananas 」がリリースされた。

1924年、ビリー・ローズは「スペアミントは一晩ベッドポストの上で風味を失うのか？」と問いかけました。 1958年、この歌はスキッフルの王様、ロニー・ドネガンによって「あなたのチューイングガムは一晩ベッドポストの上で風味を失うのか？ 」として再リリースされました。

1940年代、スパイク・ジョーンズはいくつかの音符をユーモラスな効果音に置き換えるコメディー技法で曲を作った。^[9]続いて1951年にスタン・フリーバーグは当時の商業主義の問題を扱ったカバー曲シリーズをリリースした。 ^[9]

1950年代、フリッツ・シュピーグルはリバプールで「エイプリルフール」コンサートの人気シリーズを企画した。このアイデアはその後、ロンドンのロイヤル・フェスティバル・ホールでジェラルド・ホフヌングによって取り上げられた。^[12] 1956年の「ホフヌング音楽祭」は、ホールの満員の観客と英国中のBBC視聴者に向けて演奏された。 ^[13]その後、1958年に2回目、1961年に3回目のホフヌング音楽祭が彼の死後に追悼として開催された。提供作品には、ドナルド・スワンがハイドンの サプライズ交響曲を改訂してよりサプライズ性のあるものにしたバージョンや^{[14] 、}マルコム・アーノルドのオーケストラと3台の掃除機のために作曲された大序曲（フーバー米大統領に献呈）などがある。^{[15] [16]}ホフヌングの死後、同様のコンサートが彼の未亡人アンネッタによって主催された。

マルコム・アーノルドの「おもちゃのシンフォニー」は、1957年11月28日にロンドンのサヴォイホテルの資金調達ディナーで初めて演奏され、トーマス・アームストロング、エドリック・カンデル、ジェラルド・ホフナング、アイリーン・ジョイス、スチュアート・ウィルソン、レスリー・ウッドゲートを含む著名な作曲家、音楽家、著名人らがおもちゃの楽器を演奏した。^[17]

1958年7月17日、ロイヤル・アルバート・ホールで「マンモス・コンサート・オブ・コミック・ミュージック」が開催された。演奏された曲には、アントニー・ホプキンスのホルンとオーケストラのための協奏曲、スパイク・ヒューズの序曲『マスタードリンカーズ』、ランバート・ウィリアムソンのピアノ調律師とオーケストラのための協奏曲などがあった。^[18]

1960 年代と 1970 年代には、何十年にもわたって活躍したコメディ音楽アーティストが数多く登場しました。これらのアーティストには、アラン・シャーマン、シェル・シルヴァスタイン、フランク・ザッパ、タイニー・ティム、ランディ・ニューマンなどがいます。特に 1970 年には、ラジオ ホストのバレット・ハンセン(通称ドクター・デメント) が登場しました。彼はアマチュア アーティストから送られてきたトラックを演奏しましたが、そのうちの 1 人は 16 歳の「ウィアード・アル」・ヤンコビックでした。

ヤンコビックは1983年に最初のアルバムをリリースし、最終的には14枚のアルバム契約に至ったが、2014年まで完成しなかった。40年以上にわたり、彼は数々のヒットパロディやオリジナルをリリースし、コメディ音楽のジャンルとそれに関連するカウンターカルチャーの主要人物となった。^[9]

1994年、ザ・アクターズ・ギャングのメンバーであるジャック・ブラックとカイル・ガスは、象徴的なコメディロックデュオであるテネイシャスD ^[19]を結成し、 2001年に デビューアルバムをリリースしました。

21世紀の人気ミュージカルコメディーにフライト・オブ・ザ・コンコルドがある。これはニュージーランド出身のミュージシャン、ブレット・マッケンジーとジェメイン・クレメントの2人組で、同名のBBCラジオシリーズ（2004年）とHBOのアメリカのテレビシリーズ（2007年～2009年）のベースとなった。^[20]

2000年代初頭、スティール・パンサーというバンドがロサンゼルスで結成され、 1980年代の典型的なグラムメタルのジャンルとライフスタイルをパロディ化した曲、ライブショー、ビデオを披露した。 ^[21]

2001年、ザ・ロンリー・アイランドはカリフォルニア州バークレーで結成され、メンバーはアキヴァ・シェイファー、アンディ・サムバーグ、ヨルマ・タコーネで、 SNLデジタルショートシリーズに出演し、 「マザーラヴァー」 、 「ディック・イン・ア・ボックス」、 「アイム・オン・ア・ボート」、「アイ・ジャスト・ハド・セックス」などの曲を披露した。^[22]

2000年代後半には、The Axis of Awesome、The Beards、The Kransky Sisters、Tripodなどのバンドによるコメディロックムーブメントがオーストラリアで起こり始めました。^[23]

ミュージシャンのマット・ファーリーは、彼のバンド「モーズ・ヘイヴン」の曲でよく流れる曲はコメディ色の強いタイトルのものしかないことに気づき、2008年にノベルティソングに焦点を切り替えました。^[24]それ以来、ファーリーはトイレットボウルクリーナーズ、パパ・ラッツィ・アンド・ザ・フォトグス、ザ・ベリー・ナイス・インタレストイング・シンガー・マン、ザ・ハングリー・フード・バンドなどのバンド名で、トイレのユーモア、有名人、食べ物 などについて22,000曲以上の曲を書きました。 ^[25]

ロックとシンセポップの影響をよりコメディ的な方向に取り入れ、2009年にダン・「ダニー・セックスバン」・アヴィダンとブライアン・「ニンジャ・ブライアン」・ウェクト^[26]と共にデュオNinja Sex Partyを結成し、オリジナル素材のアルバム5枚、カバーアルバム3枚、再録音アルバム1枚をレコーディングした。アルバムUnder the Covers以来、NSPはバンドTWRPのバックアップを受けている。3枚のアルバムでは、アニメーターでインターネットパーソナリティのアリン・「エゴラプター」・ハンソンとコラボレーションし、ビデオゲームをテーマにしたサイドプロジェクトStarbombを制作した。^[27]

2010年、ラッパーのピーター・「ナイス・ピーター」・シュコフとロイド・「エピック・ロイド」・アールキストは、実在と架空の有名人をラップバトルで戦わせる番組であるウェブシリーズ「エピック・ラップ・バトル・オブ・ヒストリー」を制作した。この番組は7シーズンにわたって放送され、 「ウィアード・アル」・ヤンコビック、スヌープ・ドッグ、Tペインなどのスターが出演した。 ^[28]

2010年代初頭、ナーフ・ハーダーのフロントマンであるパリー・グリップは、動物や食べ物をテーマにした「It's Raining Tacos」、「Space Unicorn」、「Do You Like Waffles?」など、ティーン向けのヒットポップソングを次々とリリースし始め、「YouTubeの「ウィアード・アル」ヤンコビック」というニックネームを得た。^[29]

カウンターカルチャーは、コメディと音楽のそれぞれの性質から、コメディ音楽と関連付けられています。コメディには、アーティストにとって重要な問題、不正、その他のトピックに関する情報をリスナーに提供することを目的とした、進歩的かつ破壊的なメッセージが含まれていることがよくあります。 ^[1]音楽には、幅広いリスナーが簡単に受け入れられる方法で政治問題を説明する力があります。^{[1]コメディと音楽はどちらも、ムーブメントを生み出し、アイデアを広める力があり、}権威への挑戦など、時代を超えてカウンターカルチャーを効果的に提唱することができます。^[1]

「ウィアード・アル」ヤンコビックは、「第一世界の問題」 と題されたコメディ音楽を通じて、上流階級の特権についてのメッセージを広めた。

メイドさんがバスルームを掃除しているのでシャワーを浴びることができません / シャワーを浴びると、1時間後にはお湯が冷たくなり始めます / 2時まで寝ていたので朝食メニューを注文できませんでした / それからパンをお腹いっぱい食べたので、ティラミスを食べる余裕はありませんでした / ああ、ノートパソコンの画面の隅にピクセルが欠けています / 自動販売機に入らないほど小さなお札が財布にありません / 誰かバカが電話で私に電話してきました、何ですって!? 彼らはテキストの書き方を知らないのですか? なんてこった! / 私は先進国の問題を抱えています。^[30]

ケビン・ブラッディ・ウィルソンの曲「リビング・ネクスト・ドア・トゥ・アラン」は、大富豪アラン・ボンドの隣の土地を主張する先住民の家族について歌っている。

彼らはミーカサラからやってきた / 焼け焦げた青いFJで / ユトランド・パレードでオナラしてウンコした / ボンディーズのすぐ隣 / 煙が晴れると声がした: / 「えっと…ここは大丈夫そうだね / 政府に聖地だと伝えよう / すごく簡単だよ」「こんにちは、アラン・ボンドさん、調子はどうだい？ / やあ、僕は君の新しい隣人だ…やあ、友よ、タバコ吸ってる？ / ここは気に入ると思うよ / アランの隣に住んでるんだ」^[31]

コメディと音楽はどちらも、教室の内外での学習効果を高めることがわかっています。^[1]コメディは短期的な問題認識を向上させ、授業中の長時間の注意を引き付けて維持することで生徒の学習を向上させ、継続的なモチベーションと関与を確保します。^[1]音楽は生徒の語彙力と総合的なスキルを向上させ、同時に創造的に考えることを促します。^[1]教育におけるコメディ音楽の導入例としては、英語学習にパロディソングを取り入れることが挙げられます。^[1]

1920年代から1930年代にかけて、ミュージカルはコメディー要素を多く取り入れた娯楽の一形態であった。^[2]ミュージカルの設定では、修辞音楽技法がコメディー効果の創出に貢献しており、その一例がアポシオペシスで、劇的または感情的な効果のために音楽のセリフを突然中断する手法である。^[7]もう1つの貢献側面はダンス、特にタップダンスである。ミュージカルコメディーは、ドラマやキャラクターの発展よりもコメディーとダンスに重点を置いている点で、ブックミュージカルとは異なります。^[2]この時代におけるミュージカルコメディーには、ジョージとアイラのガーシュイン兄弟が創作した作品が含まれており、これらのミュージカルは「ストライク・アップ・ザ・バンド」、「レディ・ビー・グッド」、「オー・ケイ!」、「ガール・クレイジー」、「クレイジー・フォー・ユー」、「オブ・ジー・アイ・シング」である。

音楽に喜劇的な効果を生み出すために、作曲家は以下の主要な作曲技法を開発しました。^[3]

喜劇的な文章や面白い言葉を使うと、すぐにユーモアが伝わります。これは 13 世紀のモテットにまで遡ることができますが、言葉による喜劇のあらゆる側面を初めて深く探求したのは 18 世紀のオペラ・ブッファです。その一例が、 1786 年に作曲されたモーツァルトの「フィガロの結婚」です。

音楽のパロディは、特定のスタイルや特定の音楽作品を風刺するものです。この例としては、1787 年に作曲されたモーツァルトの「音楽の道」が挙げられます。これは無能な作曲家のスタイルをパロディ化したもの、またジークフリート・オクスの「一羽の鳥が飛ぶ」の変奏曲は、変奏ごとに特定の作曲家のスタイルを模倣しています。

予期せぬ統語的要素の並置には、フレーズの長さの変更、メロディーとダイナミクスの驚くべき変化、対照的なテクスチャーなどが含まれます。その一例は、1796年に作曲されたハイドンの交響曲第104番のメヌエットで、ここでは休符とティンパニのクレッシェンドによって音楽の通常の流れが中断されます。

音楽の描写には、楽曲内の特定の出来事や状況を説明する動物や無意味な効果音も含まれます。この例としては、1808 年に作曲されたベートーヴェンの田園交響曲の鳥の鳴き声、1897 年に作曲されたシュトラウスのドン・キホーテの羊の鳴き声、中世イタリアのカッチェにおける狩猟や市場の場面を説明する効果音などがあります。

特定の部分に民俗音楽やポピュラー音楽の技法を取り入れると、ユーモラスな効果が生まれます。この例としては、1786 年に作曲されたハイドンの交響曲第 82 番(通称「熊」) の最後の楽章に組み込まれた不器用な民俗舞踊の技法や、ヒンデミットのピアノ組曲 1922 での シミーの使用が挙げられます。

不一致の使用は音楽のスタイルと技法の対比を生み出し、パロディ的な意図で行われます。その一例は、1774 年に作曲された ハイドンの交響曲第 60 番(通称「イル・ディストラット」) です。

珍しいオーケストラ装置の使用は、驚きの要素を生み出します。その例としては、1774 年に作曲されたハイドンの交響曲第 60 番の最終楽章におけるバイオリンの調律、 1830 年に作曲されたベルリオーズの幻想交響曲の最終楽章におけるコル・レーニョの使用、 1760 年代から 21 世紀までのさまざまなクラシック音楽作品におけるおもちゃの楽器の使用などが挙げられます。

音楽の描写的使用は、有名な喜劇の登場人物を暗示するために使用できます。この例としては、 1913 年に作曲されたエルガーの交響詩「ファルスタッフ」や、1895 年に作曲されたシュトラウスの「ティル・オイレンシュピーゲル」の描写が挙げられます。

テクスチャ、ダイナミクス、リズム、メロディーデザインの珍しい効果の使用により、音楽作品に喜劇的な特徴が生まれます。この例としては、 18 世紀のオペラ ブッファにおけるバス声の誇張された大きな音程や、1785 年に作曲されたモーツァルトの「オペラ監督」における2 人のソプラノの高音域での歌唱が挙げられます。

奇妙な調性と遠い変調の使用は、それぞれ不協和音と遠い和音の動きを生み出します。これらの音楽的手法は、微妙なユーモラスな効果を生み出します。その例としては、ルネッサンスの マドリガルやモテット、バロックの カンタータが挙げられます。

過去のスタイルや技法への言及は新しい文脈で提示され、聴衆が言及されたスタイルや技法に精通していることを前提として演奏されます。この例としては、20 世紀の新古典主義の作曲家ストラヴィンスキーとヒンデミットが 18 世紀の形式や楽器編成を参照したことが挙げられます。

音楽の引用は縦横の順序で混ぜ合わされてメドレーを形成します。ルネサンス時代には、このタイプの音楽作品はクォドリベットと呼ばれていました。ロマン派時代には、これらはオペラで演奏されるメドレーであることがよくあります。この例としては、1875年に作曲されたC.ホプフナーの男声オペレッタ「ルッカのガストシュピール」や、1913年に作曲されたチャールズ・アイヴズの「休日交響曲」などがあります。

ハイドンやベートーベンのような作曲家は、自分の作品がユーモラスであることを示すために、特定の楽章のタイトルを「冗談」を意味する「スケルツォ」と付けることがよくあります。その一例は、 1878 年に作曲された チャイコフスキーの交響曲第 4 番のスケルツォです。

テンポの変更は音楽のペースを決めるだけでなく、雰囲気やスタイルも暗示します。18 世紀後半のハイドンの交響曲の終楽章がその例で、テンポの変更は特徴を表現するために使用されています。

視覚的に珍しい記譜法は、14 世紀後半の複雑なポリフォニー、ルネサンスおよびバロック時代のパズル カノン、 20 世紀の偶然音楽で採用されてきました。その一例は、 14 世紀後半に作曲されたボーデ コルディエのハート型の手稿「Belle bonne」です。

ジャンル指定に特定の用語を使用することで、ある種の音楽がユーモラスであると特定されます。わかりやすい指定にはオペラ・ブッファがあり、微妙な指定にはカンツォネッタ、シャンソネッタ、オペレッタなどがあります。その一例は、シューマンがユーモラスな音楽を表すために「ユーモレスク」という用語を使用したことです。これは、1838 年に作曲された 自身の作品「ユーモレスク」で示されています。

作曲家はパロディを使って特定の演奏スタイルを揶揄します。その例としては、よく知られた曲を真似て従来のクラシック音楽を揶揄したヴィクター・ボルゲや、ワーグナーを風刺したアンナ・ラッセルなどが挙げられます。

風刺的なテキストは、ユーモアを伝えるために器楽作品に組み込まれます。その一例は、「カール・マリア・ウェーバーの生涯」で始まる モーツァルトの魔笛序曲のボーカル編曲です。

音楽作品において偶然性を利用してフレーズを組み合わせる手法は、アルス・コンビナトリアとして知られています。20 世紀には、このジャンルは偶然性音楽または偶然性音楽と呼ばれています。その一例が、 1951 年に作曲されたジョン・ケージの「変化の音楽」です。

ソジェット・カヴァートは、文字の代わりにソルミゼーションの音節を代用して音楽の暗号を作成する技法です。その一例は、1835年に作曲されたシューマンの謝肉祭におけるASCHとSCHAの文字の使用です。

パロディ音楽はコメディ音楽のサブジャンルであり、喜劇や風刺的な要素を取り入れ、元となったオリジナルを再解釈したものである。^[32]

バート・ベイカーはニッキー・ミナージュの曲「アナコンダ」のオリジナルの歌詞を新しいものに置き換えて パロディ化した。

私はジャングルで竹を乾いたまま突き上げている / 私のお尻は2つの巨大な泡みたいに大きい / いつも見せびらかすんだ、だってそれが私の一番の財産だから / でもそれは手術で大きくしたんだ、そう、プラスチックでできている / それは本物じゃない、本物、本物なんだ。^[33]

ピーター・シッケルは、バッハ家の「忘れられた唯一の息子」で ある架空のPDQバッハによって書かれたとされる音楽を作曲し、演奏した。

ノベルティソングはコメディ音楽のサブジャンルであり、ユーモラスでユニークかつ独創的で、メディアで流れる他のものとは違って聞こえる。^[34]

ボブ・ザ・ビルダー / 直せるかな？ / ボブ・ザ・ビルダー / できるよ！^[35]

コメディロックは、若者の愚かさと反抗的な本能が融合した、異端のユーモアに焦点を当てたコメディ音楽のサブジャンルです。^[36]

スティーブン・リンチは「 Grandfather」 という曲の中で祖父の死について歌っている。

おじいちゃんが死んだら / 人生はおかしくなる / おじいちゃんが死んだら / 僕の世界は全部変わる / おじいちゃんが死んだら / 僕は叫んで叫ぶよ / だって僕はめちゃくちゃ金持ちになるんだから。^[37]

コメディヒップホップは、ラップの歌詞と音楽自体にユーモアを取り入れたコメディ音楽のサブジャンルです。 ^[38]

ロンリー・アイランドは2001年に初のコメディヒップホップソング「Ka-Blamo!」をリリースしました。

石炭を採掘しているときに石炭が何であるかを忘れたとき / きっと解雇される、なぜならそれがあなたの仕事だから！ / お尻にモグラがいて、そのモグラがどこにいるのか疑問に思ったとき / あなたはもうおしまい、お尻にモグラがいる。仕事だ！^[39]

最優秀コメディアルバム賞のグラミー賞は、スポークンワード コメディ アルバムとミュージカル コメディ アルバムの両方を表彰するものです。この賞は、米国 国立録音芸術科学アカデミーによって授与され、1959 年に初めて授与されてから現在まで続いています。

ゴールデングローブ賞 ミュージカル・コメディ部門最優秀作品賞は、ミュージカルまたはコメディ映画に贈られる賞です。この賞は米国 ハリウッド外国人記者協会が主催し、1952年に初めて授与されて以来、現在まで続いています。

ミュージカル・コメディ・アワードは、ミュージカル・コメディのジャンルにおける英国の新進気鋭のアーティストと定評のあるアーティストを表彰する毎年恒例のコンテストです。^{[40] [41]} 2008年に創設者のエド・チャペルによって初めて設立されました。^[40]

• ノベルティソング
• アウトサイダーミュージック
• ヴィクター・ボルグは「デンマークの道化王子」と呼ばれ、コメディと音楽を独自に融合させたことで有名です。