パロディ音楽

このギリシャ語の用語が音楽で最初に使われたのは1587年で、ドイツの作曲家ヤコブ・パイクスのパロディ・ミサの表紙に、それまで一般的だったラテン語の表現missa ad imitationemやmissa super…に相当するものとして、借用した音楽素材の出典を明記するために使われていた。このようなギリシャ語の用語への好みは、当時ドイツで強かったルネサンス人文主義の産物であったが、この言葉の使用はまれで、何気ないものであった。「パロディ技法」という用語が歴史的音楽学用語として一般的に使われるようになったのは近代になってからで、特に1913年にペーター・ワーグナーの『ミサの歴史』が出版されてからである。 ^{[ 2 ]}既存の多声テクスチャを借用する慣習は14世紀に遡るが、これらの初期の表現は16世紀の音楽のパロディよりもコントラファクトゥムの技法に近い。 ^{[ 2 ]} 15世紀後半、作曲家たちは、ヤコブ・オブレヒトのミサ・フォルトゥナ・デスペラータやミサ・ローザ・プレイザンテのように、基本的にカントゥス・フィルムス構造の中にポリフォニックモデルの他の声部を取り入れ始めた。^{[ 2 ]}グローブ音楽事典では、マイケル・ティルマスとリチャード・シャーがこのジャンルについて次のように書いている。

パロディ技法の本質的な特徴は、派生作品において単に単一の部分だけを流用して定旋律を形成するのではなく、原曲の全体的要素、すなわち主題、リズム、和音、和音進行が新しい作品に吸収され、古い要素と新しい要素の融合が達成されるように自由な変奏にかけられることである。^{[ 2 ]}

ヴィクトリア、ラッスス、パレストリーナなど、16世紀の最も有名な作曲家の多くは、ミサ曲で幅広い過去の音楽を使用し、既存の世俗的な曲と宗教的な曲の両方を取り入れた。^{[ 2 ] [ a ]}

バロック時代が始まってからも、真剣な意図を持ったパロディは続いた。例としては、J.S.バッハがクリスマス・オラトリオで3つのカンタータを再利用したこと^{[ 4 ]}、そしてロ短調ミサ曲の多くの楽章を再利用したことが挙げられる。ミサ曲は、大部分が彼自身の以前の作品から編纂されたものであった。バッハは、自身の時折の作品をパロディ化することで、それらをより頻繁に使用できるように保存するということを、頻繁かつ体系的に行った^{[ 5 ] 。}

しかし、音楽の流行が変わるにつれて、古い旋法や作曲様式を再利用する必要はほとんどなくなった。^{[ 6 ]} 17世紀半ば以降、作曲家たちは「歌詞と演奏状況に適した独自の音楽的処理」を創造しようとした。^{[ 6 ]}その後、真面目なパロディは20世紀まで稀になった。^{[ 7 ]}

バッハの「農民カンタータ」のパロディ要素は、当時流行していた華麗なダ・カーポ・アリアを揶揄するというユーモラスな意図で作られている。^{[ 7 ]}その後、音楽における「パロディ」は、一般的に、借用または模倣した素材をユーモラスまたは風刺的に扱うことと関連付けられるようになった。18 世紀後半、モーツァルトは、当時の凡庸な作曲家のつまらないメロディーやありきたりな形式をパロディ化した「音楽の冗談」を作曲した。^{[ 7 ]} 1 世紀後、サン＝サーンスは友人たちへの音楽の冗談として「動物の謝肉祭」を作曲した。 ^{[ 8 ]}いくつかの楽章には音楽のパロディが含まれており、よく知られたメロディーのテンポや楽器編成を根本的に変えている。^{[ b ]}バルトークの管弦楽のための協奏曲（1943年）には、ショスタコーヴィチのレニングラード交響曲の主題が登場する（トロンボーンのラズベリー音が続く） 。^{[ c ]}

演劇音楽では、18 世紀のバラッド オペラは、当時の流行のメロディーに風刺的な歌をつけたもので、最も広範な音楽パロディのいくつかが含まれていました。 ^{[ 10 ]}モーツァルトは『コジ・ファン・トゥッテ』で、オペラ セリアのアリアの精緻な荘厳さをパロディ化しました。^{[ 11 ]}彼自身の『魔笛』は、彼の死後数十年にわたってウィーンのパロディの対象となりました。^{[ 11 ]}ワーグナーのパロディは、フォーレとメサジェによる『バイロイトの思い出』 （テーマをダンスのリズムに変えることで『ニーベルングの指環』の音楽をパロディ化したもの） ^{[ 12 ]}から、アンナ ラッセルの『ニーベルングの指環入門』まで多岐にわたります。後者は、模擬的な学術講義形式で、その不条理とされるものを提示することで、指環の言葉と音楽をパロディ化しています。^{[ 13 ] [ d ]}

オッフェンバックは、グルック、ドニゼッティ、マイヤベーアなどの作品を頻繁にパロディ化していたが[ ^{11 ] 、}サン＝サーンス^{[ 8 ]}からソンドハイム^{[ 15 ]}に至るまで、後世の作曲家たちによって自身もパロディ化されている。サヴォイ・オペラでは、サリバンはヘンデル、ベッリーニ、モーツァルト、ヴェルディなどのスタイルをパロディ化した^{[ 16 ]} 。彼自身の音楽はそれ以来ずっとパロディ化されている。よく知られた曲に新しい歌詞をつけてパロディ化することは、 19世紀に流行したイギリスの演劇スタイルであるヴィクトリア朝のバーレスク^{[ 17 ]}やパントマイム^{[ 18 ]}に共通する特徴である。

20世紀には、プロコフィエフの「古典交響曲」やストラヴィンスキーの新古典主義作品「妖精のキス」や「プルチネッラ」などの作品で、真面目なパロディが形を変えて復活した。^{[ 2 ]}しかし、ティルマスとシャーは、これらの作品は「16世紀のパロディの特徴であった作曲家とモデルとの相互作用」を示しているものの、「それとはかけ離れた様式的な二分法」を用いていると指摘している。^{[ 2 ]}同じ著者らは、ピーター・マックスウェル・デイヴィスの楽譜における古い音楽の使用も同様に「16世紀のパロディの目的であった総合的統合とは異質な葛藤を生み出している」と指摘している。^{[ 2 ]}

1940年代、スパイク・ジョーンズと彼のシティ・スリッカーズは、歌詞を変えるのではなく、かつては堅苦しかった古い歌に派手な効果音やコミカルなスタイルを加えることで、独自のやり方でポピュラー音楽をパロディ化した。^{[ 23 ]} 1957年のブロードウェイ・ミュージカル『ジャマイカ』は、当時非常に流行していた商業的なカリプソ音楽をパロディ化した。^{[ 24 ]} 1959年のショー『リトル・メアリー・サンシャイン』は、古風なオペレッタを揶揄した、パロディを多用したミュージカルである。^{[ 25 ]}

コンサートホールやオペラの音楽をパロディ化した作曲家には、ポンキエッリやサリバンなどの作曲家の既存の作品にコミカルな歌詞を付け加えることで知られるアラン・シャーマン^{[ 26 ]}や、サリバン、民謡、ラグタイム、ウィーン・オペレッタをパロディ化したトム・レーラー^{[ 27 ]}などがいる。ピアニストのヴィクター・ボーグも、クラシックやオペラ作品のパロディで知られている^{[ 28 ] 。}

音楽風刺家のピーター・シッケレは、バッハ一族の新たに発見されたとされるPDQバッハというキャラクターを作り出し、その創作活動は音楽学の研究、バロック音楽や古典音楽の慣習をパロディ化し、スラップスティックコメディの要素も取り入れている。^{[ 29 ]}

スタン・フリーバーグは1950年代と1960年代に人気曲のパロディを作り、当時の音楽の慣習を嘲笑した。例えば、エルヴィス・プレスリーの「ハートブレイク・ホテル」のカバーでは、「エコーが多すぎる」と不満を述べている。^{[ 30 ]}バンドリーダーでピアニストのポール・ウェストンと妻で歌手のジョー・スタッフォードは、下手なキャバレー芸のパロディとして音楽デュオ「ジョナサン・アンド・ダーリーン・エドワーズ」を結成した。^{[ 31 ]}イギリスのグループ、バロン・ナイツは1970年代にポップ歌手のパロディで有名になったが、バー・スチュワード・サンズ・オブ・ヴァル・ドゥーニカンは、現在、主にフォーク楽器で幅広いジャンルの人気曲のコメディ・パロディを演奏している。^{[ 32 ]}

さまざまな手法でパロディを手がけたパロディストには、一般的にほとんど変更されていない音楽に新しい歌詞をつけた「ウィアード・アル」ヤンコビックとボブ・リバース^{[ 33 ]}、そして歌詞はそのままに音楽スタイルを変えてラップ、メタル、ロックの曲をラウンジスタイルで演奏するリチャード・チーズとラウンジ・アゲインスト・ザ・マシーンまたはザ・ラウンジ・キトゥンズ^{[ 34 ]}などがいる。ユダヤ音楽ジャンルの先駆的な作曲家兼歌手であるカントリー・ヨッシは、正統派ユダヤ教のテーマを伝えるために、カントリー音楽やその他の主流のヒット曲の歌詞を書き換えている^{[ 35 ] [ 36 ]}。音楽パロディのもう1つの例は、マクドナルドをテーマにした小道具や衣装を使用し、ファストフード業界を風刺する歌詞を変えたブラック・サバスのトリビュートバンド、マック・サバスである^{[ 37 ]} 。21世紀のパロディには、クリスチャンロックと「ボーイバンド」スタイルのポップの両方をパロディ化した2005年のミュージカル「アルター・ボーイズ」がある。^{[ 38 ]}