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『オペラ座の夜』は、イギリスのロックバンド、クイーンの4枚目のスタジオアルバムで、1975年11月28日にイギリスではEMIレコード、アメリカではエレクトラレコードからリリースされた。 [ 1 ]ロイ・トーマス・ベイカーとクイーンがプロデュースしたこのアルバムは、リリース当時、史上最も高額なアルバムだったと言われている。 [ 2 ]
マルクス兄弟の同名映画にちなんで名付けられた『オペラ座の夜』は、1975年に4ヶ月かけて様々なスタジオで録音された。マネジメント上の問題により、クイーンは以前のアルバムで稼いだお金をほとんど受け取っていなかった。そのため、彼らはトライデント・スタジオとの契約を終了し、このアルバムでは同スタジオを使用しなかった（唯一の例外は前年に録音された「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」）。彼らはマルチトラック録音を多用した複雑な制作手法を採用し、バラード、ミュージックホール、船乗りの歌、ディキシーランド、ハードロック、プログレッシブ・ロックなど、幅広いスタイルを取り入れた楽曲を制作した。クイーンは、通常の機材に加えて、コントラバス、ハープ、ウクレレなど、さまざまな楽器も使用した。
『オペラ座の夜』は発売と同時に、クイーンにとって初の全英アルバムチャート1位を獲得し、 4週連続ではないものの全英アルバムチャートで首位を維持した。全米ビルボード・トップLP＆テープ・チャートでは最高4位を記録し、バンドにとって初のプラチナ認定アルバムとなった。また、このアルバムからは、イギリスで最も成功したシングル「ボヘミアン・ラプソディ」が生まれ、同国で初のナンバーワン・ソングとなった。1970年代のシングルの平均尺の2倍の長さにもかかわらず、この曲は世界中で絶大な人気を博した。
『オペラ座の夜』に対する当時の批評は好意的で、そのプロダクションと多様な音楽テーマが称賛され、クイーンを世界的なスーパースターにしたアルバムとして認識された。第19回グラミー賞では、「ボヘミアン・ラプソディ」が最優秀ポップ・ボーカル・パフォーマンス（デュオ、グループ、またはコーラス）と最優秀編曲賞にノミネートされた。[ 3 ]それ以来、クイーンの最高傑作アルバムであり、史上最高のアルバムの1つとして称賛されている。2020年、ローリング・ストーン誌は「史上最高のアルバム500枚」のリストで128位にランク付けした。[ 4 ] 2018年にグラミー殿堂入りを果たした。
「ヒット曲はたくさん出したけれど、お金は全く戻ってこなかった。『オペラ座の夜』が大ヒットしなかったら、僕たちはどこか海の底に消えてしまっていたと思う。だから、このアルバムを作る時は、まさに生きるか死ぬかの瀬戸際だったんだ。」
クイーンの前作アルバム『シアー・ハート・アタック』（1974年）は商業的に成功を収め、バンドはメインストリームの注目を集め、シングル「キラー・クイーン」は全英シングルチャートで2位を獲得した。[ 6 ]アルバムはアメリカで小ヒットし、12位に達したが、「キラー・クイーン」はトップ20入りを果たした。[ 7 ]この成功にもかかわらず、バンドは当時破産状態だった。これは主に、制作会社のためにアルバムを制作し、その会社がレコードレーベルに販売するという契約を結んでいたためである。[ 8 ]このため、クイーンは稼いだお金のほとんどを受け取ることができず、トライデント・スタジオは彼らに週60ポンドを支払っていた。[ 9 ] [ 10 ]ギタリストのブライアン・メイは西ロンドンのアールズ・コートのワンルームに住んでおり、フロントマンのフレディ・マーキュリーは湿気が上がるケンジントンのアパートに住んでいた。[ 11 ]この問題は、最近結婚したベーシストのジョン・ディーコンが、家の頭金に充てるためにマネージャーのノーマン・シェフィールドに4,000ポンドの前払いを拒否されたことで、最終的に転換点を迎えた。 [ 9 ] [ 12 ] [ 13 ]この高まる不満が、マーキュリーが「 Death on Two Legs 」という曲を書くきっかけとなり、この曲は「オペラ座の夜」のオープニングトラックとして使われることになった。[ 14 ]
1974 年 12 月、バンドはジム・ビーチを弁護士として雇い、トライデントとの契約解除に向けて交渉を開始した。[ 15 ] [注 1 ]ビーチがバンドの契約書を精査している間、バンドはツアーを続けた。1975 年 4 月、バンドは初の日本ツアーを開始し、羽田空港で数千人のファンが出迎え、東京の日本武道館で2 回のソールドアウト公演を行った。[ 16 ] 9 ヶ月に及ぶ紛争の後、クイーンはついにトライデントから解放され、イギリスではEMI レコード、北米ではエレクトラ・レコードと直接契約を結んだ。バンドは過去のカタログの権利を取り戻し、かつての出版会社であるフェルドマンは EMI に買収された。[ 9 ]トライデントはクイーンのプロモーションに 20 万ポンド以上を投資していたため、バンドは契約解除のためにその半額を支払う必要があり、次の 6 枚のアルバムから 1% の印税をトライデントに支払わなければならなかった。[ 9 ] [ 17 ]さらに、1975 年 9 月に予定されていたアメリカ ツアーは、トライデントと関係のあるジャック ネルソンが企画したもので、既に会場が予約されチケットも売れていたにもかかわらず、中止せざるを得なかった。このツアーは資金を回収するために必要であり、その中止は大きな痛手となった。[ 15 ] [ 18 ] [ nb 2 ]
資金が底をつきかけていたクイーンは、すぐに新しいマネジメントを探し始めた。候補に挙がったのは、ピーター・ラッジ、当時レッド・ツェッペリンのマネージャーだったピーター・グラント、そして当時エルトン・ジョンのマネージャーだったジョン・リードの3人だった。ラッジはローリング・ストーンズのツアー中で連絡が取れなかったため、グラントに連絡を取った。[ 15 ]クイーンのマネジメントを熱望していたグラントは、バンドがレッド・ツェッペリンのレーベルであるスワン・ソングと契約するつもりで、クイーンの資金を整理する間、ツアーに出るように提案した。[ 15 ]バンドはグラントが自分たちよりもレッド・ツェッペリンを優先するのではないかと恐れ、スワン・ソングとの契約に抵抗があったため、リードに連絡を取った。[ 19 ]リードは当初、別のバンドのマネジメントに懐疑的だったが、それがクイーンだと知ると引き受け、「スタジオに入って最高のレコードを作れ」とアドバイスした。[ 15 ] [ 20 ]
「スタジオでの作業は確かに楽しいですよ。でも、私のキャリアの中で最も大変な部分でもあります。精神的にも肉体的にも本当に疲れます。完全に消耗しきってしまうんです。時々、なぜこんなことをしているのか自問自答します。『シアー・ハート・アタック』の後、私たちは正気を失って、二度とこんなことはしないと誓ったのに。そして、ほら、こんなことになったんです！」
クイーンは、同じくトライデントを離れたプロデューサーのロイ・トーマス・ベイカーとエンジニアのマイク・ストーンと仕事をした。彼らがベイカーと仕事をするのは、1978年の『ジャズ』までこれが最後だった。[ 22 ] [ 23 ] 当時19歳で、『シアー・ハート・アタック』の2曲でテープオペレーターを務めていたゲイリー・ランガンは、このアルバムでアシスタントエンジニアに昇格した。[ 23 ] [ 24 ]当時、このアルバムは史上最も高額なアルバムだったと言われており、推定費用は4万ポンド（2025年の31万700ポンドに相当）だった。[ 25 ] [ 26 ] [ 27 ]
このアルバムは、4か月かけて7つの異なるスタジオで録音された。クイーンは1975年の夏に、後にサリーのリッジ・ファーム・スタジオとなる場所の納屋で1か月間リハーサルを行った。[ 28 ]その後、レコーディング開始前に、グループはヘレフォードシャーのキントン近くの貸家で3週間の作曲とリハーサルを行った。[ 29 ] [注3 ] 1975年の8月から9月にかけて、グループはモンマスシャーのロックフィールドで作業を行った。11月まで続いた残りのレコーディングセッションでは、グループはランズダウン、サーム・スタジオ、ラウンドハウス、スコーピオ・サウンド、オリンピック・サウンド・スタジオでレコーディングを行った。トライデントとの契約が終了したため、レコーディング中はトライデント・スタジオは使用されなかった。アルバムの中でトライデントで録音された唯一の曲は「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」で、これは前年の10月27日に録音されたもので、バンドがシアー・ハート・アタック・ツアーに出発する直前のことだった。[ 31 ] [ 32 ]
バンドは、複雑なボーカルハーモニーのためにマルチトラック録音を必要とした。通常、メイが低音域、マーキュリーが中音域、テイラーが高音域を担当していた（ディーコンは歌わなかった）。16トラックテープを使用していた最初の3枚のアルバムとは異なり、『オペラ座の夜』は24トラックテープを使用して録音された。[ 23 ]ボーカルハーモニーは、特に「ボヘミアン・ラプソディ」で顕著であり、この曲ではマルチトラックボーカルが支配的な精巧なオペラシーケンスが特徴となっている。[ 33 ]同様に、「預言者の歌」には、マーキュリーのボーカルにディレイを使用したアカペラの中間部がある。セルフタイトルの「ギターオーケストレーション」では、メイは自作のレッドスペシャルギターをディーコンが製作したアンプ（ディーシーアンプとして知られ、後にVoxから「ブライアン・メイ」アンプとして市販された）にオーバーダビングした。ギターレイヤリングは、ロックギタリストとしてのメイの特徴的なテクニックの1つである。彼は、この技術はバイオリンの音色を探求する過程で開発されたと述べている。
通常の機材の他に、このアルバムでは様々な楽器が使用された。マーキュリーはほとんどの曲でグランドピアノを使用し、 「Seaside Rendezvous」ではジャングルピアノを演奏した。テイラーは「Bohemian Rhapsody」でティンパニとゴングを使用した。ディーコンは「'39」[ 32 ]でダブルベースを、「You're My Best Friend 」でウーリッツァー・エレクトリックピアノを演奏した。[ 34 ]アルバムのライナーノーツでは、メイは「オーケストラの背景」としてクレジットされている。これは、彼がクイーンの曲では通常見られない多くの楽器を演奏したことを指している。[ 31 ]彼は「Love of My Life」と「'39」でアコースティックギターを、「Love of My Life」でハープを、「The Prophet's Song」でトイコトを演奏した。また、「 Good Company 」では、メイが自身のレッド・スペシャルでディキシーランド・ジャズバンドを再現している。[ 32 ] [ 35 ]
このアルバムは、プログレッシブ・ロック[ 36 ] [ 37 ]、ポップ[ 37 ] 、ヘヴィ・メタル[ 37 ]、ハード・ロック[ 36 ]、アヴァン・ポップ[ 38 ]と関連付けられています。フォーク、スキッフル、ブリティッシュ・キャンプ、ミュージック・ホール、ジャズ、オペラなど、さまざまな影響が見られます[ 36 ] [ 39 ]。各メンバーが少なくとも1曲を作曲しており、マーキュリーが5曲、メイが4曲、テイラーとディーコンがそれぞれ1曲を作曲しています[ 40 ] 。最後のトラックは、イギリスの国歌「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」のインストゥルメンタル・カバーで、メイが編曲者としてクレジットされています。
クイーンの最初の2枚のアルバムでは、同バンドの楽曲の多くは、当時のプログレッシブ・ロックとヘヴィ・メタルを融合させたもので、バンドは「レッド・ツェッペリンとイエスの融合」と評された。 [ 41 ] [ 42 ]『シアー・ハート・アタック』以降、クイーンは日常生活からインスピレーションを得るようになり、より主流の音楽スタイルを取り入れるようになった。 [ 43 ]この傾向は『オペラ座の夜』でも継続された。歌詞のテーマは、SFやファンタジーから失恋やロマンスまで多岐にわたり、[ 44 ]しばしば皮肉めいたユーモアが込められていた。[ 36 ] [ 44 ]ウィニペグ・フリー・プレス紙は、同バンドが「巧妙で、しばしば心に響く歌詞と魅力的なアレンジのメロディーを融合させた」と評した。[ 45 ]
「Death on Two Legs」は、クイーンの最初のマネージャーであるノーマン・シェフィールドに対するフレディ・マーキュリーの憎悪の手紙だと考えられている。シェフィールドは、1972年から1975年にかけてバンドを虐待し、マネージャーとしての役割を悪用したと長年噂されていた。歌詞には「血を吸うヒル」や「腐敗した下水道のネズミ」が登場する。[ 34 ]この曲はシェフィールドに直接言及していないが、アルバム発売の頃にトライデント・スタジオでこの曲の再生を聴いたシェフィールドは、名誉毀損でバンドとレコード会社を訴え、示談で解決したが、この曲との関連性も確認された。[ 46 ] EMIの幹部はこの曲が良いアイデアかどうか確信が持てず、メイは歌詞に不安を感じ、マーキュリーが歌うことに申し訳なく思っていたが、最終的には、何を歌うべきかはソングライターの最終決定だと理解した。[ 34 ] 「ボヘミアン・ラプソディ」と同様に、この曲のギターパートのほとんどは、メイにギターでどのように演奏する必要があるかを説明するために、最初はマーキュリーがピアノで演奏した。ライブ演奏中、マーキュリーは通常、この曲を「とんでもない紳士」に捧げ直したが、このフレーズは1979年のライブアルバム「Live Killers」に収録されたバージョンでは検閲された。ライブアルバム以外では、「昔知っていたクソ野郎」に捧げたと語っていた。「Death on Two Legs」は1981年の「The Game Tour」まで、そしてかなり後までセットリストに残っていたが、その後削除された。ピアノのイントロは「Hot Space」と「Works」ツアーで時折演奏された。
「Lazing on a Sunday Afternoon」は、フレディ・マーキュリーのもう一つの楽曲です。彼はピアノを演奏し、すべてのボーカルを担当しました。リードボーカルはスタジオで歌われ、スタジオ内の別の場所に設置されたブリキのバケツの中でヘッドホンを通して再生されました。バケツからマイクが音を拾ったため、空洞の「メガホン」のようなサウンドになっています。プロデューサーのロイ・トーマス・ベイカーがドキュメンタリー番組「Classic Albums」で説明したように、ギターソロもボーカルトラックに録音されたと言われています。録音できるトラックが他になかったためです。
「I'm in Love with My Car」はテイラーが作詞・作曲・歌唱した。[ 47 ]当初、この曲はメイが冗談で作ったもので、デモ音源を聴いたメイはテイラーが本気ではないと思った。オリジナルのデモではテイラーがギターを演奏したが、後にメイが自身のアルバム『Red Special』で再録音した。リードボーカルはスタジオバージョンとリリースされたすべてのライブバージョンでテイラーが担当した。[ 48 ]曲の最後に聞こえるエンジン音は、当時テイラーが乗っていたアルファロメオで録音されたものである。[ 47 ]歌詞はバンドのローディーの一人、ジョナサン・ハリスに触発されたもので、彼のトライアンフTR4は明らかに「人生最愛の車」だった。この曲は彼に捧げられており、アルバムには「最後までボーイレーサーだったジョナサン・ハリスに捧げる」と記されている。[ 47 ]アルバムの最初のシングルをリリースする段階になると、テイラーは自分の曲をとても気に入っていたので、最初のシングル「ボヘミアン・ラプソディ」の作者であるマーキュリーに、それをB面にすることを許可するように強く勧めた。[ 49 ]この決定は後にバンド内で大きな摩擦の原因となった。なぜなら、それはB面だったにもかかわらず、テイラーにはA面がマーキュリーにもたらしたのと同額の出版印税がもたらされたからである。[ 47 ]この曲は1977年から1981年の間、ライブでよく演奏された。テイラーはドラムを叩きながら歌い、マーキュリーはピアノを演奏し、バックボーカルを担当した。2005年のクイーン＋ポール・ロジャース・ツアーと2008年のロック・ザ・コスモス・ツアーで演奏された。テイラーはクロスとのコンサートやソロツアーでもこの曲を演奏し、ドラムの代わりにリズムギターを演奏した。
「You're My Best Friend 」は、ジョン・ディーコンが作曲した2曲目の曲であり、クイーンのシングルとしては最初の曲である。[ 34 ]彼はピアノを習いながらこの曲を作曲し、レコーディングでは（フレディ・マーキュリーが嫌っていた）ウーリッツァーのエレクトリックピアノを演奏し、後からベースギターをオーバーダビングした。この曲は彼の妻、ヴェロニカのために書かれた。 [ 50 ] [ 51 ]この曲は「ボヘミアン・ラプソディ」に続くアルバムからの2枚目のシングルとしてリリースされ、イギリスでもトップ10ヒットとなり、7位に達した。[ 52 ]
「'39」はメイが「恋人の海賊歌」を作ろうとした試みだった。宇宙探検隊の一団が、彼らの視点では1年間の航海に出発する物語を語っている。しかし、帰還すると、アインシュタインの相対性理論における時間の遅れ効果のために100年が経過しており、残してきた愛する人たちは皆死んでいるか老いていることに気づく。[ 47 ]アルバムではメイが歌い、バックコーラスはマーキュリーとテイラーが担当している。ライブでは、マーキュリーがリードボーカルを務めた。[ 53 ]メイは冗談でディーコンにダブルベースを弾いてほしいと頼んだのだが、数日後、スタジオで楽器を持ったディーコンを見つけ、彼はすでに演奏を覚えていた。[ 54 ]ジョージ・マイケルは1992年4月20日のフレディ・マーキュリー追悼コンサートで「'39」を演奏した。[ 55 ]マイケルはこの曲をクイーンのお気に入りの曲として挙げ、ロンドン地下鉄で路上演奏していたと語った。[ 56 ]最近では、クイーンはアダム・ランバートとの最近のツアー[ 57 ]、そしてランバート以前のポール・ロジャースとのツアー[ 58 ]のセットリストにこの曲を含めている。2005年以降のこれらのツアーでは、アルバムと同様にメイが歌っている。
「Sweet Lady」はMayが作曲した速いロック曲です。[ 47 ]この曲は3/4拍子の珍しいロックスタイルで、ブリッジ部分で4/4拍子に変わります。
マーキュリーが作曲した「Seaside Rendezvous」には、曲の0:51あたりから始まる擬似インストゥルメンタルのブリッジ部分がある。この部分はマーキュリーとテイラーが声だけで演奏している。マーキュリーはクラリネットなどの木管楽器を、テイラーはチューバやトランペットなどの金管楽器、さらにはカズーまで模倣している。この部分でテイラーはアルバムで最高音のC6を出している。「タップダンス」の部分は、マーキュリーとテイラーが指に指ぬきをはめてミキシングデスクで演奏している。マーキュリーはグランドピアノとジャングルホンキートンクの両方を演奏している。
「預言者の歌」はメイが作曲した。彼は、大洪水の夢と人類に対する恐怖、そして人類の共感の欠如について見た後にこの曲を書いたと説明した。[ 47 ]彼は数日かけてこの曲を組み立て、その中にはマーキュリーが歌うボーカル・カノンが含まれている。ボーカル・カノン、そして後にインストゥルメンタル・カノンは、初期のテープ・ディレイ装置によって作られた。8分を超えるこの曲は、クイーンのスタジオ曲の中で最も長い曲でもある。[ 47 ]ギター・ソロの途中で起こるスピードアップ効果は、オリジナルのテープ・プレーヤーを停止した状態で、テープが巻かれたリール・トゥ・リール・プレーヤーを起動することによって実現された。
「Love of My Life 」はクイーンの最もカバーされた曲の1つです（エクストリーム・フィーチャリング・メイ、スコーピオンズ、エレイン・ペイジなど多くのアーティストによるバージョンがあります）。マーキュリーはピアノ（クラシックのソロを含む）を演奏し、多重録音されたハーモニーを含むすべてのボーカルを歌いました。メイはハープ（コードを1つずつ演奏し、テイクを貼り付けてパート全体を構成）、ギブソン・ハミングバード・アコースティック・ギター（日本で購入したもの）、そして彼のレッド・スペシャルを演奏しました。メイは最終的に、ライブ演奏用に12弦アコースティック・ギターで演奏できるように曲をアレンジしました。「Love of My Life」はコンサートで非常に人気があったため、マーキュリーは頻繁に歌うのをやめて観客に歌わせました。南米でのコンサートでは特に好評で、バンドはこの曲を南米でシングルとしてリリースしました。クイーンとポール・ロジャースがこの曲を演奏したとき（特にブライアンのソロ）、彼はほとんど歌詞を歌わず、観客にすべて歌わせ、伝統を継承しました。クイーンとアダム・ランバートがこの曲を演奏した際、ブライアンはフレディの歌声の映像に合わせて演奏した。2004年から2008年にかけてポール・ロジャースと共演した際も、ショーの中でマーキュリーの映像が投影されたが、アダム・ランバートとの共演時のような円形のディスプレイではなかった。
「Good Company」はメイが作詞作曲し、歌も担当し、ボーカルとウクレレも演奏している。レコーディングでは、メイのレッド・スペシャル・ギターとディーシー・アンプを使用したディキシーランド・スタイルのジャズバンドの再現がフィーチャーされている。メイはこの曲を父親のバンジョー・ウクレレで作曲したが、レコーディングには普通のウクレレを使用した。[ 59 ]マーキュリーはこの曲のレコーディングには関わっておらず、リードシンガーが参加していないクイーンの曲としては数少ないものの一つとなっている。
"Bohemian Rhapsody" was written by Mercury with the first guitar solo composed by May. All piano, bass and drum parts, as well as the vocal arrangements, were thought up by Mercury on a daily basis and written down "in blocks" (using note names instead of sheets) on a phonebook. During the recording, the song became affectionately known as "Fred's Thing" to the band, and the title only emerged during the final sessions. The other members recorded their respective instruments with no concept of how their tracks would be utilised in the final mix.
The operatic section was originally intended to be only a short interlude of "Galileos" that connected the ballad and hard rock portions of the song. The interlude is full of "obscure classical characters: Scaramouche, a clown from the Commedia dell'arte; astronomer Galileo; Figaro, the principal character in Beaumarchais' The Barber of Seville and The Marriage of Figaro; and Beelzebub, identified in the Christian New Testament as Satan, Prince of Demons, but in Arabic as "Lord of the Flies". Also in Arabic the word Bismillah', which is a noun from a phrase in the Qur'an; "Bismi-llahi r-rahmani r-rahiim", meaning "In the name of God, most gracious, most merciful".[60]
Despite being twice as long as the average single in 1975 and garnering mixed critical reviews initially, the song became immensely popular, topping charts worldwide (where it remained for a then unprecedented nine weeks in the UK) and is widely regarded as one of the greatest songs in music history.[61] The song was rereleased as a double A-side to "These Are the Days of Our Lives" on 5 September 1991, Mercury's 45th birthday, in the US and on 9 December 1991, after Mercury's death, in the UK.
May recorded a version of "God Save the Queen", the British national anthem, on 27 October 1974 at Trident Studios before their Sheer Heart Attack tour. He played a guide piano which was edited out later and added several layers of guitars.[62] After the song was completed it was played as a coda at virtually every Queen concert.[63] When recording the track May played a rough version on piano for Roy Thomas Baker, producer, and Mike Stone, engineer. He called his own skills on the piano sub-par at the time.[62] He performed the song live on the roof of Buckingham Palace for the Queen's Golden Jubilee in 2002.[64] May has stated that he performed the song on the roof of Buckingham Palace as a homage to Jimi Hendrix's version of "The Star-Spangled Banner".
The album title was inspired by the Marx Brothersfilm of the same name, which the band had watched during recording sessions.[65][66] Subsequently, they became good friends with the film's star Groucho Marx, to the point where Marx sent the band a letter praising their 1976 album A Day at the Races.[67] Marx also invited Queen to visit him at his Los Angeles home in March 1977 (five months before he died). The band thanked him, and performed "'39" a cappella.[68] The cover artwork features the band's logo, which was designed by Mercury, on a white background. The band's next album, A Day at the Races, featured a similar design but on a black background.[66][69]
「ボヘミアン・ラプソディ」は、1975年10月31日にリードシングルとしてリリースされ、B面には「アイム・イン・ラブ・ウィズ・マイ・カー」が収録された。当初、彼らのマネジメントはリリースを拒否したが、ケニー・エヴェレットが自身の番組でこの曲を14回もかけたため、聴衆のこの曲への需要が高まり、バンドのレーベルであるEMIはリリースせざるを得なくなった。[ 23 ] [ 70 ]その後、この曲はイギリスのチャートで9週間1位を獲得し[ 71 ]、アメリカでは9位にまで上昇した。[ 72 ] 2枚目のシングル「ユー・アー・マイ・ベスト・フレンド」は、1976年6月18日にリリースされ、B面には「'39」が収録された。アメリカでは16位[ 73 ]、イギリスでは7位にまで上昇した。[ 74 ]
アルバムは、グループがアルバムをサポートする「A Night at the Opera Tour」に出発する1週間前に完成した。 [ 75 ]ツアー前にセットリストのリハーサルをする時間が必要だったため、36時間のミキシングセッションが行われた。[ 75 ]時間の制約により、グループはエルストリーで3日半しかリハーサルができず、「Bohemian Rhapsody」のミュージックビデオを撮影するために4時間が割かれた。 [ 75 ]ツアーは1975年から1976年にかけて行われ、イギリス、アメリカ、日本、オーストラリアを巡った。
このアルバムは、クイーンの全アルバムの完全再リリースの一環として、1991年9月3日にハリウッド・レコードからボーナス・リミックス2曲を収録してアメリカで初めて再リリースされた。
2002年4月30日、このアルバムはDVDオーディオで再び再リリースされ、標準的なDVDビデオプレーヤー向けに96kHz/24bitリニアPCMステレオミックスとDTS 96/24サラウンドサウンドの5.1チャンネルミックス、DVD オーディオ対応機器向けに96kHz/24bit MLPサラウンドサウンドが収録された。[76] また、1975年のオリジナルビデオ「ボヘミアン・ラプソディ」も収録されている。
2005年11月21日、アルバムとファーストシングル「ボヘミアン・ラプソディ」の30周年を記念して、ハリウッド・レコードのカタログ番号2061-62572-2で再びリリースされました。このリリースには、オリジナルビデオ、新旧のコンサート映像（クイーン＋ポール・ロジャース・ツアーの「'39」や、バッキンガム宮殿の屋上でブライアン・メイが「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」を演奏する映像など）、そしてバンドメンバー4人全員による音声解説を収録したDVDビデオディスクが付属しています。
2010年11月8日、レコード会社ユニバーサルミュージックは、2011年5月に発売予定のアルバムのリマスター版と拡張版の再発売を発表した。これはクイーンとユニバーサルミュージックの新たなレコード契約の一環であり、クイーンとEMIレコードの約40年にわたる関係に終止符を打つものとなった。ユニバーサルミュージックによれば、クイーンの全アルバムは2011年にリマスターされ再発売される予定だった。2012年9月までに再発売プログラムは完了した。[ 77 ]これに伴い、アルバムの5.1チャンネル版がBlu-ray Audioで発売された。
『A Night at the Opera』はイギリスの音楽雑誌で非常に好意的なレビューを受けたが、バンドが最後の瞬間までアルバムのミキシングを行っていたため、一部の雑誌はプレビュー版なしでレビューしなければならなかった。NMEのトニー・スチュワートは、「何よりも、『A Night at the Opera』は、芸術性と効果のバランスを巧みに作り出すという前作の成功を固めたものである。アルバム全体を通して、彼らは個々の作曲能力と演奏技術を圧倒的な効果で披露している」と評した。スチュワートは「Sweet Lady」を「ひどいロックナンバー」であり「それ以外は素晴らしいセットを台無しにしている」と評し、「イギリスのスタジオで制作されたアルバムの中で最も高額なアルバムであるならば、間違いなく最高のアルバムでもある」と結論付けた。[ 78 ] [ 79 ] Melody Makerのハリー・ドハーティは、このアルバムを「間違いなく彼らのこれまでの最高傑作」と呼び、バンドは「スタジオの機材を最大限に活用しただけでなく、それを最も有利に活用した」と書いた。彼は「クイーンはイギリスのロックンロールの将来の方向性を示すことができるだろう。彼らはハードロックだが、幅広い層の聴衆を惹きつけるのに十分なほど商業的だ」と述べた。ドハーティの結論は、『オペラ座の夜』は「ロキシー・ミュージックの『サイレン』と並んで、今年聴いた中で最高のロックアルバムだ」というものだった。[ 80 ]
『レコード・ミラー＆ディスク』誌で、レイ・フォックス＝カミングは、報道関係者向けに開催された試聴会で一度だけ聴いただけでアルバムをレビューしようと試みたが、それでは適切な批評的意見を形成するには「十分ではない」と認めている。しかし、彼は最初の印象を「次から次へと曲が目まぐるしく展開する、驚くべき音楽の奔流…声だけで奏でられるオーケストラ効果は目を見張るほどだが、ソロで聴くにはあまりにも早く現れては消えてしまう」と評した。フォックス＝カミングは、アルバムには「Death on Two Legs」「The Prophet's Song」「Bohemian Rhapsody」の3曲がハイライトであり、唯一の駄作は「Sweet Lady」だと述べた。そして、「全体として、『オペラ座の夜』は『Sheer Heart Attack』よりも速く、派手で、複雑だが、やり過ぎてはいない」と結論づけた。[ 81 ] Soundsの Phil Sutcliffe はカセット コピーでこのアルバムをレビューし、5 つ星の評価を与えた。「この長いアルバムのあらゆる瞬間に注ぎ込まれた途方もない努力が感じられるが、作為的だったり過剰にプロデュースされていると批判する瞬間はほとんどない」。彼は「ボヘミアン ラプソディ」と「預言者の歌」の 2 曲を「良いアルバムを特別なものにしている」と挙げ、後者の曲の歌詞は「魅力的ではない」としながらも、アルバム全体としては「音楽の幅広さと一貫して鋭い歌詞」を強調した。[ 1 ]
アメリカでは、ローリング・ストーン誌のクリス・ニコルソンが、クイーンは他のヘヴィメタル・グループと同様に「ダイナミクスを操作する」傾向があるものの、このジャンルではエリート集団であり、「アコースティック・ピアノ、ハープ、アカペラ・ボーカル、シンセサイザーなしといったありそうもない効果を取り入れることで他とは一線を画している。しかも良い曲ばかりだ」と評した。[ 82 ]ヴィレッジ・ヴォイス誌のロバート・クリストガウは、このアルバムは「実際には6つほどのアーティスティックからヘヴィな『折衷的』モードのどれも失敗しておらず、耳で聞く以上のものを暗示するほどパロディ的なトーンを頻繁に実現している。もし彼らが首尾一貫した傑作を生み出したら、その『それ以上』が何なのか分かるかもしれない」と評した。[ 83 ]ウィニペグ・フリー・プレス紙は、「このグループの可能性は事実上無限であり、クイーンは今日ロック界で活動するごく少数の真に主要なグループの中に最終的に名を連ねる運命にあることを示している」と書いた。[ 45 ]
AllMusic の回顧レビューで、スティーブン・トーマス・アールワインはこのアルバムを「意識的に滑稽で大げさなハードロックの傑作」であり、「ユーモアとダイナミズムを兼ね備えたプログレッシブ・ロック」と評した。アールワインは、クイーンは「他のどの作品でもこのアプローチを上回ったことはない」と感じていた。 [ 36 ]プログレッシブ・ロックの歴史家スティーブン・ラムは、著書『 Citizens of Hope and Glory: The Story of Progressive Rock』の中で、このアルバム自体がプログレッシブ・ロックであるという考えに異議を唱えている。彼は、「プログレッシブ・ロックとは程遠いが、このアルバムはバンド史上最も壮大で野心的な作品であり、素晴らしいソングライティングとプログレの影響に満ちている」と書いている。彼はこのアルバムを「プログレッシブ・ロック運動の最果ての象徴」と評した。[ 92 ]
2002年にアルバムの再発をレビューしたMojoは、それを「帝国の祭典、豊穣の角」と呼び、クイーンを「友情と喜びの絶頂にある、貪欲な競争心を持つ個人主義者の集団」と評した。[ 93 ]シカゴ・トリビューンに寄稿したグレッグ・コットは、このアルバムに非常に肯定的な評価を与え、「A Day at the Races」と並んで「A Night at the Opera」は「バンドが芸術的なピークに達した時であり、4人のメンバー全員が素晴らしい貢献をした」と述べている。[ 94 ]
2004年、デイリー・ヴォールトのジェイソン・ウォーバーグは、このアルバムは「私を完全に圧倒した」と述べ、「『オペラ座の夜』はクイーンをイギリスのヒットメーカーから世界的なスーパースターへと押し上げたアルバムだった。多くの画期的なアルバムと同様に、このアルバムはマイルストーンであると同時に重荷でもあり、その後のすべてのアルバムは、ここで達成した音楽的および商業的な成功と何らかの形で比較された。とはいえ、重要なのは音楽であり、それは実に素晴らしい。」[ 95 ]グルーヴスは、「鋭いオペラ風の間奏、唐突なリズムの変化、 『オペラ座の夜』は慣習を覆し、クイーンを真のスーパースターの稀有なサークルに位置づけている。」と指摘した。 [ 79 ]
2006年のレビューで、Q誌のポール・リースは、『オペラ座の夜』は「デヴィッド・ボウイのソウル・パスティーシュ『ヤング・アメリカンズ』とロキシー・ミュージックの洗練されたアート・ロック『サイレン』と同じ年にリリースされたにもかかわらず、どちらとも同等の評価を受けることはほとんどなかった。しかし、当時も今も、このアルバムはそれらに劣らず大胆で、奔放で、独自の可能性に満ち溢れている」と評した。クイーンは「4枚目のアルバムを超える作品を二度と生み出せなかった」と感じたリースは、「後のアルバムはクイーンの音楽の本質にある魂の欠如を露呈することになる。それらはすべて表面的なもので、感情がこもっていない。彼らは自らを偉大なエンターテイナーと称し、この刺激的な実験の奔流は二度と繰り返されることはなかった。しかし、『オペラ座の夜』は今もなお輝かしく、記念碑的な作品であり、ブリティッシュ・ロック史上最大の贅沢作である」と結論づけた。[ 89 ] 2007年、BBCミュージックのクリス・ジョーンズは、このアルバムの多様な音楽スタイルに注目し、「『Sheer Heart Attack』は19世紀のサロンバラード、20年代のラグタイム、ジミ・ヘンドリックスに関する知識をほのめかしていた。『A Night at the Opera』はオペラ、トラッドジャズ、ヘヴィメタルなどを加えたものだった」と述べている。彼はこのアルバムが「彼らの最高傑作であり続ける」と結論付けている。[ 39 ]
2011年に、初期のクイーンのアルバムのデジタルリマスター版がリリースされ、新たなレビューが相次いだ。Uncut誌は、このアルバムは「彼らの能力に限界がないことを証明した」と述べ、「1曲だけでなく2曲の壮大な叙事詩（『ボヘミアン・ラプソディ』、『預言者の歌』）を収録し、壮大なジェスチャーをふんだんに盛り込んだ『オペラ座の夜』は、瞬く間に名盤としての地位を確立した」と結論付けた。[ 91 ] Pitchfork誌のドミニク・レオーネは、「一切の妥協も費用の惜しみもなく、『オペラ座の夜』はクイーンが頂点に立った作品だ」と述べた。[ 88 ] PopMattersの AJ Ramirez は次のように書いています。「『Death on Two Legs』の実に不吉なハイドラマで幕を開ける（これは、最近解任されたグループのマネジメントに対する反論で、フレディ・マーキュリーが怒りの対象に毒舌を浴びせている）。アルバムは、1920 年代のジャズからスペース フォークの物語、そして最先端の現代ポップ ロックまで、万華鏡のように多様なスタイルへと展開していく。驚くべきことに、ジャンル間の移行はリスナーを混乱させる可能性があるにもかかわらず、どれも不協和音にはなっていない。むしろ、クイーンはショービジネスの歴史にある最高のトリックをすべて駆使して、笑い、悲しみ、壮大さ、そしてスペクタクルをまさに適切なタイミングで聴衆に届けることで成功しているのだ。」彼は、「このようなユニークな音響ビジョンの実現こそが、このアルバムを真の卓越性の領域へと押し上げているのだ… 『オペラ座の夜』は息を呑むような、心を揺さぶる創造物であり、紛れもなくクイーンの最高傑作アルバムである」と述べている。[ 42 ]
1977年、「ボヘミアン・ラプソディ」は、デュオ、グループ、またはコーラスによる最優秀ポップ・ボーカル・パフォーマンス賞と最優秀ボーカル編曲賞の2つのグラミー賞にノミネートされた。[ 96 ]
2003年、ローリングストーン誌は本作を「史上最高のアルバム500枚」リストで230位にランク付けし[ 97 ] 、 2012年のリストでは231位にランク付けし[ 98 ]、2020年のリストでは128位にランク付けした[ 99 ] 。
(*)は順不同リストを表します。
「自分に規律を課しました…例えばボーカルは私の得意分野ですから――特にハーモニーとかそういう類いのものです。『Queen II』では思いっきり暴れましたが、このアルバムでは意識的に自分を抑えました。そのおかげでソングライティングの面が際立ち、これまでで最も力強い曲ができたと思っています。」
—フレディ・マーキュリー[ 21 ]
「これまでで最もヘヴィな曲がいくつか入っている一方で、おそらく最も軽快な曲もいくつか入っている。様々なムードを織り交ぜながら展開していくという点では、 『Sheer Heart Attack』に近いかもしれないが、制作方法は『Queen II』と同じだ。非常に強烈で、幾重にも重なった構成になっている。」
—ブライアン・メイ[ 114 ]
特記のない限り、リードボーカルはすべてフレディ・マーキュリーによるものです。
トラック番号は、アルバムのCD版とデジタル版の両方における番号を指します。
女王
生産
このアルバムには、プログレッシブ・ロック、ポップ、ヘヴィメタルの要素が融合されている。
10月27日：クイーンはトライデント・スタジオで「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」を録音。この曲のアレンジはブライアンのアイデアで、クイーンがコンサートの最後に「何らかの」国歌、つまり荘厳な曲を持つべきだというものだった。
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