オペラ座の夜 (クイーンのアルバム)

オペラ座の夜
スタジオアルバム​ 女王
リリース	1975年11月28日 ( 1975-11-28 )
記録済み	1975年8月24日～11月 1974年10月27日（「女王陛下万歳」）
スタジオ	トライデント（ロンドン） オリンピック（ロンドン） ロックフィールド（モンマスシャー） ランズダウン（ケンジントン） サーム イースト(ロンドン) ラウンドハウス（ロンドン、カムデン） スコーピオサウンド（カムデン）
ジャンル	プログレッシブ・ロック ポップ 重金属 ハードロック アヴァンポップ
長さ	43:08​​
ラベル	エミ エレクトラ
プロデューサー	ロイ・トーマス・ベイカー 女王
女王の年表
シアー・ハート・アタック （1974） オペラ座の夜 (1975) レースの一日 (1976)
「オペラ座の夜」からのシングル
「ボヘミアン・ラプソディ」 公開日: 1975年10月31日 「ユーアー・マイ・ベスト・フレンド」 リリース: 1976年6月18日

『オペラ座の夜』は、イギリスのロックバンド、クイーンの4枚目のスタジオアルバムで、1975年11月28日にEMIレコードから、アメリカではエレクトラレコードから発売された^。ロイ・トーマス・ベイカーとクイーンがプロデュースしたこのアルバムは、発売当時、史上最も高額なアルバムだったと言われている。 ^[2]

マルクス兄弟の同名映画にちなんで名付けられた『オペラ座の夜』は、1975年に4か月間にわたって様々なスタジオで録音された。マネージメントの問題により、クイーンは以前のアルバムで稼いだお金のほとんどを受け取っていなかった。その後、彼らはトライデント・スタジオとの契約を終了し、アルバムのためにそのスタジオを使用しなかった（唯一の例外は前年に録音された「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」）。彼らは、マルチトラック録音を多用した複雑な制作を採用し、曲にはバラード、ミュージックホール、海のシャンティ、デキシーランド、ハードロック、プログレッシブ・ロックの影響など、幅広いスタイルが取り入れられた。通常の機材の他に、クイーンはコントラバス、ハープ、ウクレレなど、多様な楽器も使用した。

『オペラ座の夜』は発売と同時に、クイーンにとってイギリスで初のナンバーワン アルバムとなり、イギリス アルバム チャートで 4 週連続でトップに立った。このアルバムは、米国ビルボードのトップ LP & テープチャートで最高 4 位を記録し、アメリカでバンド初のプラチナ認定アルバムとなった。また、このアルバムからは、イギリスでバンドの最も成功したシングル「ボヘミアン ラプソディ」が生まれ、この曲はイギリスでバンド初のナンバーワン ソングとなった。1970 年代のシングルの平均の長さの 2 倍にも関わらず、この曲は世界中で絶大な人気を博した。

『オペラ座の夜』に対する当時の批評は肯定的で、その作品性と多様な音楽テーマを称賛し、クイーンを世界的なスーパースターとして確立させたアルバムとして認識された。第19回グラミー賞では、最初のシングル「ボヘミアン・ラプソディ」が最優秀ポップ・ボーカル・パフォーマンス（デュオ、グループ、コーラス）と最優秀ヴォイス・アレンジメントにノミネートされた。^[3]それ以来、クイーンの最高傑作、そして史上最高のアルバムの1つとして称賛されている。2020年、ローリング・ストーン誌は「史上最高のアルバム500枚」のリストでこのアルバムを128位にランク付けした。^{[4] 2018年に}グラミーの殿堂入りを果たした。

クイーンの前作『シアー・ハート・アタック』（1974年）は商業的に成功し、シングル「キラー・クイーン」が全英シングルチャートで2位を獲得するなど、バンドは主流の注目を集めた。^[6]このアルバムは米国ではマイナーヒットとなり、12位に達したが、「キラー・クイーン」はトップ20入りを果たした。^[7]この成功にもかかわらず、バンドは当時破産しており、その主な原因は彼らが署名した契約の内容であった。その契約では、彼らがアルバムを制作するのは制作会社で、その会社がレコード会社にアルバムを販売することになっていた。^{[8]つまり、}トライデント・スタジオが彼らに週60ポンドを支払っていたため、クイーンは稼いだお金のほとんどを手にすることができなかった。^{[9] [10]}ギタリストのブライアン・メイは西ロンドンのアールズコートのベッドルーム付きアパートに住んでいたが、フロントマンのフレディ・マーキュリーは上昇湿気に悩まされていたケンジントンのアパートに住んでいた。^{[11]ベーシストの}ジョン・ディーコンが最近結婚したばかりで、マネージャーのノーマン・シェフィールドに家の頭金として4,000ポンドの前借りを拒否されたことで、事態は最終的に転機を迎えた。 ^{[9] [12] [13]この増大するフラストレーションから、フレディは}『オペラ座の夜』のオープニング曲となる「Death on Two Legs 」を書いた。^[14]

1974年12月、バンドはジム・ビーチを弁護士として雇い、トライデントとの契約解除の交渉を始めた。^{[15] [注 1]}ビーチがバンドの契約内容を研究している間、バンドはツアーを続けた。1975年4月には初の日本ツアーを開始し、羽田空港では何千人ものファンがバンドを出迎え、東京・日本武道館ではチケットが完売した2公演を行った。^[16] 9か月に及ぶ争いの後、クイーンはついにトライデントから解放され、イギリスではEMIレコード、北米ではエレクトラ・レコードと直接契約した。彼らはバックカタログの管理権を取り戻したが、かつての出版会社フェルドマンはEMIに買収された。 ^[9]トライデントはクイーンのプロモーションに20万ポンド以上を投資していたため、バンドは契約を買い取るためにその半額を支払う必要があり、次のアルバム6枚からは1%の印税をトライデントに支払わなければならなかった。^{[9] [17]}さらに、1975年9月に予定されていたアメリカツアーは、会場がすでに予約されチケットも販売されていたにもかかわらず、トライデントと関係のあるジャック・ネルソンが企画していたためキャンセルせざるを得なかった。このツアーは資金を回収するために必要だったため、キャンセルは大きな打撃となった。^{[15] [18] [注2]}

資金が底をつき、クイーンはすぐに新しいマネージメントを探し始めた。候補に挙がったのはピーター・ラッジ、当時レッド・ツェッペリンのマネージャーだったピーター・グラント、そして当時エルトン・ジョンのマネージャーだったジョン・リードの3人だった。ラッジはローリング・ストーンズとツアー中だったため連絡がつかず、グラントに連絡を取った。^[15]クイーンのマネージメントに熱心だったグラントは、バンドがレッド・ツェッペリンのレーベルであるスワン・ソングと契約するつもりでいたため、クイーンがツアーに出ている間に自分が資金を整理するよう提案した。^[15]バンドはグラントがレッド・ツェッペリンを優先するのではないかと恐れ、スワン・ソングと契約することに消極的だったため、リードに連絡を取った。^[19]リードは当初、別のバンドのマネージメントをすることに懐疑的だったが、それがクイーンだと知って引き受け、バンドに「スタジオに入ってできる限り最高のレコードを作れ」と助言した。^{[15] [20]}

クイーンは、トライデントから離脱したプロデューサーのロイ・トーマス・ベイカーとエンジニアのマイク・ストーンと仕事をした。彼らがベイカーと仕事をしたのは、1978年の『ジャズ』までこれが最後だった。^{[22] [ 23]} 当時19歳で、『シアー・ハート・アタック』の2曲でテープオペレーターを務めていたゲイリー・ランガンは、このアルバムでアシスタントエンジニアに昇格した。^{[23] [24]}伝えられるところによると、このアルバムは当時史上最も高価なアルバムで、推定製作費は4万ポンド（2024年の価値で42万3800ポンドに相当）だった。^{[25] [26] [27]}

アルバムは4ヶ月間にわたって7つの異なるスタジオで録音された。クイーンは1975年の夏、サリー州の後にリッジファームスタジオとなる納屋で1ヶ月間リハーサルを行った。^{[28]その後、レコーディングが始まる前に、}ヘレフォードシャー州キングトン近郊の借家で3週間の作曲とリハーサルを行った。^{[29] [注3]} 1975年8月から9月にかけて、グループはモンマスシャー州ロックフィールドで作業した。11月まで続いた残りのレコーディングセッションでは、グループはランズダウン、サームスタジオ、ラウンドハウス、スコーピオサウンド、オリンピックサウンドスタジオでレコーディングを行った。トライデントとの契約が終了したため、トライデントスタジオはレコーディング中に使用されなかった。アルバムでトライデントで録音された唯一の曲は「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」で、バンドがシアーハートアタックツアーに乗り出す直前の前年10月27日に録音された。^{[31] [32]}

グループは複雑なボーカルハーモニーを奏でるために多重録音を必要とした。そのハーモニーは典型的にはメイが低音域、マーキュリーが中音域、テイラーが高音域を歌う（ディーコンは歌わなかった）ものであった。16トラックのテープを使用していた最初の3枚のアルバムとは異なり、 『オペラ座の夜』は24トラックのテープを使用して録音された。^[23]彼らのボーカルハーモニーは、多重録音されたボーカルが中心となる精巧なオペラシーケンスを特徴とする曲「ボヘミアン・ラプソディ」で特に顕著である。 ^[33]同様に、「預言者の歌」には、マーキュリーのボーカルにディレイを使用したアカペラの中間部がある。彼らの「ギターオーケストレーション」というタイトルのアルバムでは、メイは自家製のレッドスペシャルギターを、ディーコンが作ったアンプ（後にヴォックス社から「ブライアン・メイ」アンプとして発売された「ディーシーアンプ」として知られる）にオーバーダビングした。ギターのレイヤーは、ロックギタリストとしてのメイの特徴的なテクニックの1つである。彼は、この技術はバイオリンの音色を探している間に開発されたと述べている。^[要出典]

通常の機材のほかに、このアルバムではバンドはさまざまな楽器を使用した。マーキュリーはほとんどの曲でグランドピアノを使用し、 「シーサイド・ランデブー」ではジャングルピアノを演奏し、テイラーは「ボヘミアン・ラプソディ」でティンパニとゴングを使用した。ディーコンは「'39」でコントラバスを演奏し^[32]、「ユーアー・マイ・ベスト・フレンド」ではウーリッツァー・エレクトリックピアノを演奏した。^[34]アルバムのライナーノーツでは、メイは「オーケストラのバックドロップ」にクレジットされているが、これはクイーンの曲では通常見られない楽器を多数演奏したことを示している。^{[31]彼は「}ラブ・オブ・マイ・ライフ」と「'39」でアコースティックギターを演奏し、 「ラブ・オブ・マイ・ライフ」ではハープを、「預言者の歌」ではおもちゃの琴を演奏した。曲「グッド・カンパニー」では、メイがレッド・スペシャルで演奏したディキシーランド・ジャズバンドを再現している。 ^{[32] [35]}

このアルバムはプログレッシブ・ロック、^{[36] [37]} ポップ、^[37] ヘビーメタル、^[37] ハードロック^[36]アヴァン・ポップ^[38]と関連づけられている。フォーク、スキッフル、ブリティッシュ・キャンプ、ミュージックホール、ジャズ、オペラなど、多様な影響が含まれている。^{[36] [39]}各メンバーが少なくとも1曲ずつ作詞しており、マーキュリーが5曲、メイが4曲、テイラーとディーコンが1曲ずつ書いた。^[40]最後の曲はイギリス国歌「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」のインストゥルメンタル・カバーで、メイが編曲者としてクレジットされている。

最初の2枚のアルバムでは、クイーンの曲作りの多くは現代のプログレッシブ・ロックとヘビーメタルを組み合わせたもので、バンドは「レッド・ツェッペリンとイエスの融合」と評されるようになった。 ^{[41] [42]}シアー・ハート・アタックから、クイーンは日常生活からインスピレーションを得て、より主流の音楽スタイルを取り入れるようになり、^[43]この傾向はオペラ座の夜でも引き継がれた。歌詞のテーマはSFやファンタジーから失恋やロマンスまで多岐にわたり、^[44]皮肉なユーモアのセンスがしばしば含まれていた。^{[36] [44]}ウィニペグ・フリー・プレス紙は、このグループが「巧妙で、しばしば心を打つ歌詞と、魅力的に編曲されたメロディー」を融合させていると評した。^[45]

「二本足の死」は、クイーンの初代マネージャーであるノーマン・シェフィールドに対するフレディ・マーキュリーの憎悪の手紙だと考えられている。シェフィールドは、1972年から1975年にかけて、何年にもわたりバンドを虐待し、マネージャーとしての役割を乱用していたとされている。歌詞は「血を吸うヒル」や「腐った下水道のネズミ」に言及している。^[34]曲はシェフィールドに直接言及することはないが、アルバム発売の頃にトライデント・スタジオでこの曲のプレイバックを聞いたシェフィールドは、名誉毀損でバンドとレコード会社を訴え、示談に至ったが、この曲とのつながりも認めた。^[46] EMIの幹部はこの曲が良いアイデアかどうか確信が持てず、メイは歌詞に確信が持てず、フレディ・マーキュリーが歌うことに申し訳ない気持ちになったが、最終的には何を歌うかは作詞家が最終的に決めることだと理解した。^{[34] 「}ボヘミアン・ラプソディ」と同様に、この曲のギターパートのほとんどは、メイにギターでどのように演奏する必要があるかを示すために、当初マーキュリーによってピアノで演奏された。^[要出典]ライブパフォーマンス中、マーキュリーは通常、この曲を「本物のマザーファッカーの紳士」に捧げていたが、この行は1979年のライブキラーズアルバムに登場したバージョンでは検閲されていた。ライブアルバム以外では、彼はこの曲を「私が知っていたマザーファッカー」に捧げたと言っていた。「デス・オン・ツー・レッグス」は、 1981年のゲームツアーまでセットリストに残っていたが、その後削除された。ピアノのイントロは、ホットスペースツアーとワークスツアー中に時折演奏された。^[要出典]

「Lazing on a Sunday Afternoon」は、マーキュリーの別の曲です。彼はピアノを弾き、すべてのボーカルを担当しました。リードボーカルはスタジオで歌われ、スタジオの別の場所にあるブリキのバケツに入れられたヘッドフォンを通して再生されました。マイクがバケツから音を拾い、空洞の「メガホン」のような音になりました。プロデューサーのロイ・トーマス・ベイカーがクラシックアルバムのドキュメンタリーで説明したように、ギターソロもボーカルトラックに録音されたと言われています。

「I'm in Love with My Car」はテイラーが作詞作曲し、歌った。^{[47]この曲は当初、デモ音源を聞いたメイがテイラーが本気ではないと思ったジョークとして受け止められた。テイラーはオリジナルのデモでギターを弾いていたが、後にメイが自身の}Red Specialで再録音した。スタジオ版とリリースされたライブ版では、リードボーカルはテイラーが担当した。^[48]曲の最後のエンジン音は、テイラーが当時愛車としていたアルファロメオで録音された。^[47]歌詞はバンドのローディーの一人、ジョナサン・ハリスにインスピレーションを受けたもので、彼のトライアンフ TR4 は明らかに「生涯の恋人」だった。この曲は彼に捧げられており、アルバムには「最後まで少年レーサーだったジョナサン・ハリスに捧ぐ」と書かれている。^[47]アルバムの最初のシングルをリリースすることになったとき、テイラーは自分の曲をとても気に入っていたため、最初のシングル「ボヘミアン・ラプソディ」の作者であるマーキュリーに、この曲をB面にすることを許可してほしいと懇願した。^[49]この決定は後にバンド内で多くの内部摩擦の原因となった。B面に過ぎなかったにもかかわらず、マーキュリーのA面と同額の出版権料をテイラーが得たからである。^[47]この曲は1977年から1981年の間、頻繁にライブで演奏された。テイラーはドラムでこの曲を歌い、マーキュリーはピアノを弾きバックボーカルを担当した。2005年のクイーン+ポール・ロジャース・ツアーと2008年のロック・ザ・コスモス・ツアーで演奏された。テイラーはクロスとのコンサートやソロツアーでこの曲を再び演奏し、ドラムの代わりにリズムギターを演奏した。

「ユーアー・マイ・ベスト・フレンド」はジョン・ディーコンが作曲した2曲目の曲であり、クイーン初のシングルである。^[34]ピアノを習いながら作曲し、レコーディングではウーリッツァーのエレクトリックピアノ（フレディ・マーキュリーは嫌いだった）を演奏し、レコーディング後にベースギターをオーバーダビングした。この曲は彼の妻ヴェロニカのために書かれた。 ^{[50] [51]}「ボヘミアン・ラプソディ」に続くアルバム2枚目のシングルとしてリリースされ、イギリスでもトップ10ヒットとなり、7位に達した。^[52]

「'39 」はメイが「恋人たちの海賊シャンティ」を作ろうとした曲である。彼らの視点からすると1年間の航海に出た宇宙探検家のグループの物語である。しかし帰還後、彼らはアインシュタインの相対性理論における時間の遅れの影響で100年が経過し、残してきた愛する人たちは皆死んでいるか年老いていることを知る。^[47]アルバムではメイがこの曲を歌い、バックボーカルはマーキュリーとテイラーが担当している。ライブではマーキュリーがリードボーカルを務めた。^{[53]メイは冗談でディーコンに}コントラバスを弾いてくれないかと頼んだが、数日後ディーコンが楽器を持ってスタジオにいるのを見つけたが、彼はすでに弾けるようになっていた。^[54]ジョージ・マイケルは1992年4月20日のフレディ・マーキュリー追悼コンサートで「'39」を演奏した。^[55]マイケルは、この曲を自分のお気に入りのクイーンの曲として挙げ、ロンドン地下鉄でよく路上演奏していたと主張している。^{[56]最近、クイーンは}アダム・ランバートとの最近のツアー^{[57]と、それ以前の}ポール・ロジャースとのツアーのセットリストにこの曲を含めた。^[58] 2005年以降のこれらのツアーでは、アルバムと同じようにメイが歌っている。

「スウィート・レディ」はメイが書いた速いロック曲である。^[47]この曲は、³
₄メーター（⁴
₄橋の上で。

フレディ・マーキュリー作曲の「シーサイド・ランデブー」には、曲の0:51あたりから始まる模擬楽器のブリッジセクションがある。このセクションは、フレディ・マーキュリーとテイラーが声だけで演奏している。フレディ・マーキュリーはクラリネットなどの木管楽器を、テイラーはチューバやトランペット、カズーなどの金管楽器を主に真似している。このセクションでは、テイラーがアルバムの最高音であるC6を演奏している。「タップダンス」の部分は、フレディ・マーキュリーとテイラーが指に指ぬきをはめてミキシングデスクで演奏している。フレディ・マーキュリーはグランドピアノとジャングル・ホンキートンクの両方を演奏している。

「預言者の歌」はメイが作曲した。彼は、大洪水の夢を見た後に、人類とその一般的な共感力の欠如について恐れを抱き、この曲を書いたと説明した。^[47]彼は数日かけてこの曲をまとめ、フレディ・マーキュリーが歌うボーカルカノンも収録されている。このボーカルと後のインストルメンタルカノンは、初期のテープディレイ装置で制作された。^[要出典] 8分を超えるこの曲は、クイーンの最も長いスタジオ曲でもある。^[47]ギターソロの途中で起こるスピードアップ効果は、元のテーププレーヤーが停止しているときに、テープを巻いたオープンリール式プレーヤーを再生することで実現された。

「Love of My Life」はクイーンの最もカバーされている曲の1つです（エクストリーム・フィーチャリング・メイ、スコーピオンズ、エレイン・ペイジなど、多くのアーティストによってカバーされています）。マーキュリーはピアノ（クラシックのソロを含む）を演奏し、多重録音されたハーモニーを含むすべてのボーカルを歌いました。メイはハープ（コードごとに演奏し、テイクを貼り付けて全体のパートを作りました）、ギブソン・ハミングバード・ アコースティック・ギター（日本で購入したもの）、およびレッド・スペシャルを演奏しました。メイは最終的に、ライブパフォーマンス用にアコースティック12弦で演奏できるように曲をアレンジしました。「Love of My Life」はコンサートで非常に人気があったため、マーキュリーは頻繁に歌うのを止めて観客に代えさせました。南米でのコンサートでは特に好評で、バンドはそこでこの曲をシングルとしてリリースしました。クイーンとポール・ロジャースがこの曲を演奏したとき（特にブライアンのソロ）、彼は歌詞をほとんど歌わず、伝統を継承して観客にすべて歌わせました。クイーンとアダム・ランバートが演奏したとき、ブライアンはフレディの歌声の投影に合わせて演奏した。2004年から2008年にかけてポール・ロジャースと演奏したときも、ショー中にフレディの姿が投影されたが、アダム・ランバートのときのように円形のディスプレイではなかった。

「グッド・カンパニー」はメイが作詞作曲し、歌った。メイは全曲ボーカルとウクレレ演奏を担当している。このレコーディングでは、メイのレッド・スペシャル・ギターとディーシー・アンプを使用したディキシーランド・ジャズ・バンドの演奏を再現している。メイは父親のバンジョー・ウクレレでこの曲を作曲したが、レコーディングは普通のウクレレで行った。^[59]マーキュリーはこの曲のレコーディングには関わっていないため、クイーンの曲の中でリードシンガーが参加していない数少ない曲の1つとなっている。

「ボヘミアン・ラプソディ」はマーキュリーが作曲し、最初のギターソロはメイが作曲した。ピアノ、ベース、ドラムのパート、そしてボーカルのアレンジはすべてマーキュリーが毎日考え出し、電話帳に「ブロック」で（楽譜ではなく音名を使って）書き留めた。レコーディング中、この曲はバンド内で「フレッドの歌」として親しまれるようになり、タイトルは最終セッションで初めて明らかになった。他のメンバーは、自分のトラックが最終ミックスでどのように使われるか全く考えずに、それぞれの楽器を録音した。

オペラ部分は、もともと「ガリレオス」のバラード部分とハードロック部分を繋ぐ短い幕間部分のみを意図していた。幕間には「知られざる古典的登場人物がいっぱいだ。コンメディア・デラルテの道化師スカラムーシュ、天文学者ガリレオ、ボーマルシェの『セビリアの理髪師』と『フィガロの結婚』の主人公フィガロ、キリスト教の新約聖書では悪魔の王子サタンとされているがアラビア語では「蝿の王」ベルゼブブなどだ。またアラビア語では「ビスミラー」という単語があるが、これはコーランの一節「ビスミ・ラヒ・ラマニ・ラヒイム」の名詞で、「慈悲深く慈愛に満ちた神の名において」という意味である。^[60]

1975年当時の平均的なシングルの2倍の長さで、当初は批評家からさまざまな評価を受けたにもかかわらず、この曲は絶大な人気を博し、世界中でチャートのトップに立ち（イギリスでは当時前例のない9週間トップを維持した）、音楽史上最高の曲の1つとして広く認められている。^[61]この曲は、1991年9月5日のフレディ・マーキュリーの45歳の誕生日にアメリカで、1991年12月9日、フレディ・マーキュリーの死後にイギリスで、「 These Are the Days of Our Lives 」の両A面として再リリースされた。

メイは1974年10月27日、シアー・ハート・アタック・ツアーの前にトライデント・スタジオでイギリス国歌「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」のカバーを録音した。彼はガイドピアノを弾いたが、これは後に編集でカットされ、ギターの音を何層か加えた。^[62]曲が完成すると、事実上すべてのクイーンのコンサートでコーダとして演奏された。^[63]曲を録音する際、メイはプロデューサーのロイ・トーマス・ベイカーとエンジニアのマイク・ストーンにピアノでラフ・バージョンを演奏した。彼は当時、自分のピアノの腕前は標準以下だと言っていた。^[62] 2002年の女王即位50周年記念では、バッキンガム宮殿の屋上でこの曲を生演奏した。^[64]メイは、バッキンガム宮殿の屋上でこの曲を演奏したのは、ジミ・ヘンドリックスの「星条旗」へのオマージュだと述べた。

アルバムタイトルは、レコーディング中にバンドが観ていたマルクス兄弟の 同名の映画にインスピレーションを得たものである。 ^{[65] [66]その後、バンドは映画の主演である}グルーチョ・マルクスと親しくなり、マルクスはバンドに1976年のアルバム『 A Day at the Races』を賞賛する手紙を送った。^[67]マルクスはまた、1977年3月（死去の5か月前）にクイーンをロサンゼルスの自宅に招待した。バンドは彼に感謝し、「'39」をアカペラで演奏した。^[68]カバーアートワークは、白い背景にフレディ・マーキュリーがデザインしたバンドのロゴが描かれている。バンドの次のアルバム『A Day at the Races』では、同様のデザインが黒の背景に使用されている。^{[66] [69]}

「ボヘミアン・ラプソディ」は1975年10月31日にリードシングルとしてリリースされ、「アイム・イン・ラヴ・ウィズ・マイ・カー」はB面曲だった。マネージメントは当初リリースを拒否したが、ケニー・エヴェレットが番組でこの曲を14回流したところ、観客の需要が高まり、バンドのレーベルであるEMIはリリースせざるを得なくなった。^{[23] [70]}その後、この曲は9週間イギリスのチャートでトップとなり^[71]、アメリカでも9位に達した。^[72]セカンドシングル「ユーアー・マイ・ベスト・フレンド」は1976年6月18日にリリースされ、「'39」はB面曲だった。この曲はアメリカで16位^[73]、イギリスで7位に達した。^[74]

アルバムは、バンドがアルバムをサポートする「オペラ座の夜」ツアーに出発する1週間前に完成した。 ^[75]バンドはツアー前にセットリストをリハーサルする時間が必要だったため、ミキシングセッションは36時間に及んだ。^[75]時間的な制約により、バンドはエルストリーで3日半しかリハーサルできず、そのうち4時間は「ボヘミアン・ラプソディ」のミュージックビデオの撮影に充てられた。 ^[75]ツアーは1975年から1976年にかけて行われ、イギリス、アメリカ、日本、オーストラリアを巡った。

このアルバムは、クイーンの全アルバムの完全再リリースの一環として、1991年9月3日に ハリウッド・レコードによって2つのボーナス・リミックスとともに米国で初めて再リリースされた。

2002年4月30日、アルバムはDVD-Audioで再リリースされ、96kHz/24ビットのリニアPCMステレオミックスと、標準DVD-Videoプレーヤー用のDTS 96/24 サラウンドサウンドの5.1チャンネルミックス、 DVD-Audio対応機器用の96kHz/24ビットMLPサラウンドサウンドが収録された。^[76]また、1975年のボヘミアン・ラプソディのオリジナルビデオも収録されている。

2005 年 11 月 21 日、アルバムとその最初のシングル「ボヘミアン・ラプソディ」の 30 周年を記念して、ハリウッド レコード カタログ番号 2061-62572-2 で再度リリースされました。このリリースには、同じトラック リストの DVD ビデオ ディスクが付属しており、オリジナル ビデオ、新旧のコンサート映像 (クイーン + ポール ロジャースツアーの「'39」や、バッキンガム宮殿の屋上で「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」を演奏するブライアン メイなど)、および 4 人のバンド メンバー全員によるオーディオ コメンタリーが収録されています。

2010年11月8日、レコード会社ユニバーサルミュージックは、アルバムのリマスターと拡張再発行を2011年5月にリリースすると発表した。これはクイーンとユニバーサルミュージックの新しいレコード契約の一部であり、クイーンとEMIレコードの関係がほぼ40年に終わったことを意味した。ユニバーサルミュージックによると、クイーンのすべてのアルバムは2011年にリマスターされ、再発行される予定だった。2012年9月までに再発行プログラムは完了した。^[77]これに伴い、アルバムの5.1チャンネルBlu-rayオーディオでのリリースも行われた。

『オペラ座の夜』はイギリスの音楽雑誌で非常に好意的なレビューを受けたが、バンドが最後の瞬間までアルバムのミックスをしていたため、一部の雑誌は試聴版なしでレビューしなければならなかった。NMEのトニー・スチュワートは「何よりも、『オペラ座の夜』は芸術性と効果学のバランスを巧みに設計した前作の成功を統合したものである。アルバム全体を通して、彼らは個々の作曲能力と音楽的才能を破壊的な効果で示している」と意見を述べた。スチュワートは「スウィート・レディ」を「他の点では素晴らしいセットを台無しにするひどいロックナンバー」と評し、「これがイギリスのスタジオで作られた史上最も高価なアルバムであるならば、間違いなく最高のアルバムでもある」と結論付けた。^{[78] [79]}メロディメーカー誌でハリー・ドハーティはアルバムを「これまでの彼らの最高傑作であることは間違いない」と呼び、バンドは「スタジオのガジェットを最大限に活用したが、それを最大限に活用した」と書いた。彼は「クイーンはイギリスのロックンロールの将来の方向性を示すことができるだろう。彼らはハードロックだが、大規模で幅広い聴衆を獲得するのに十分な商業性を持っている」と述べた。ドハティの結論は、『オペラ座の夜』は「ロキシー・ミュージックの『サイレン』とともに今年聞いた最高のロックアルバムだ」というものだった。 ^[80]

レコード・ミラー＆ディスク誌で、レイ・フォックス＝カミングは、プレス向けに開催されたプレイバック・パーティで一度聴いただけでアルバムを批評しようとしたが、批評家としての適切な意見を形成するには「十分ではない」と認めている。しかし、彼は第一印象について「1つのトラックが次のトラックへとめまぐるしく流れていく、驚くべき音楽の疾走感...オーケストラ効果はすべて声で行われ、目を見張るほどだが、1人で聴くには速すぎてすぐに消えてしまう」と述べた。フォックス＝カミングは、アルバムには「Death on Two Legs」、「The Prophet's Song」、「Bohemian Rhapsody」の3つのハイライトがあり、悪いトラックは「Sweet Lady」の1つだけだと述べた。彼は「全体として、A Night at the OperaはSheer Heart Attackよりも速く、派手で、複雑だが、やり過ぎではない」と結論付けた。^[81]サウンズのフィル・サトクリフはカセットテープからアルバムをレビューし、5つ星の評価を与えた。「この長いアルバムのすべての瞬間に注ぎ込まれた膨大な努力を感じることができるが、不自然だったり過剰に制作されていると批判する瞬間はほとんどない」。彼は「ボヘミアン・ラプソディ」と「預言者の歌」を「良いアルバムを並外れたものにする」2曲として特に挙げたが、後者の曲の歌詞は「魅力的ではない」と述べ、全体としてアルバムの「音楽の幅広さと一貫して鋭い歌詞」を強調した。^[1]

米国では、ローリング・ストーン誌のクリス・ニコルソンが、クイーンは他のヘビーメタル・グループと同様に「ダイナミクスを操作する」傾向があるものの、このジャンルでは一流のバンドであり、「ありそうもない効果：アコースティック・ピアノ、ハープ、アカペラ・ボーカル、シンセサイザーなし。それに良い曲も」取り入れることで他とは一線を画していると述べた。^[82] ヴィレッジ・ヴォイス誌のロバート・クリストガウは、このアルバムは「芸術的なものから重厚なものまで、6つの『折衷的な』モードのいずれも失敗していない...そして、耳に届く以上のものを示唆するのに十分なパロディ調の調子を実現している。彼らが首尾一貫した傑作を生み出せば、その「それ以上」が何なのかがわかるだろう」と感じたと書いている。 ^[83]ウィニペグ・フリー・プレス紙は「このグループの可能性は事実上無限であり、クイーンが今日のロック界で活躍するほんの一握りの真にメジャーなバンドの仲間入りを果たす運命にあることを示している」と書いている。^[45]

オールミュージックの回顧的レビューで、スティーヴン・トーマス・アーレウィンは、このアルバムを「自意識過剰で馬鹿げた大げさなハードロックの傑作」であり「ユーモアとダイナミクスのセンスを備えたプログレッシブ・ロック」と呼んだ。アーレウィンは、クイーンが「彼らのアプローチを他のどこにも上回ったことはない」と感じた。 ^[36]プログレッシブ・ロックの歴史家、スティーヴン・ランベは、著書『Citizens of Hope and Glory: The Story of Progressive Rock』の中で、このアルバム自体がプログレッシブ・ロックであるかどうかに異議を唱えている。彼は「プログレッシブ・ロックからは程遠いが、バンドのこれまでで最も壮大で野心的なアルバムであり、素晴らしい作曲とプログレの影響に満ちている」と書いている。彼は、このアルバムを「プログレッシブ・ロック運動の最も遠い到達点の見事な象徴」と評した。^[92]

1992年にアルバムが再発された際、モジョ誌はこれを「帝国の祭典、豊穣の楽園」と呼び、クイーンを「友情と喜びに満ちた、貪欲な競争心を持つ個人主義者のバンド」と評した。^[93]シカゴ・トリビューン紙のグレッグ・コットは、このアルバムに非常に肯定的な評価を与え、ア・デイ・アット・ザ・レースと並んでア・ナイト・アット・ザ・オペラ座は「バンドが芸術的ピークを迎え、メンバー4人全員が素晴らしい貢献をした」と信じていると述べた。^[94]

2004年、デイリー・ヴォールトのジェイソン・ウォーバーグは、このアルバムに「完全に圧倒された」と述べ、「オペラ座の夜は、クイーンをイギリスのヒットメーカーから世界的なスーパースターに押し上げたディスクだった。多くの画期的なアルバムと同様に、このアルバムはマイルストーンであると同時に重荷でもあり、その後のアルバムはすべて、何らかの形でこのアルバムで達成した音楽的、商業的な成功と比較された。いずれにせよ、重要なのは音楽であり、それはただただ素晴らしい」と述べた。^[95] グルーヴズは、「鋭いオペラ的な間奏、突然のリズムの変化、オペラ座の夜は慣習に逆らい、クイーンを真のスーパースターの稀有な仲間に入れた」と評した。^[79]

2006 年のレビューで、Q 誌のポール・リースは、 『オペラ座の夜』は「ボウイのソウルの模倣作品『ヤング・アメリカンズ』やロキシーの洗練されたアート・ロック『サイレン』と同じ年にリリースされたが、そのどちらにも匹敵する評価を受けることはほとんどなかった。しかし、当時も今も、同じように大胆で、大胆で、その可能性の喜びに満ちている」と述べている。クイーンは「4 枚目のアルバムを超えることは決してなかった」と感じたリースは、「その後のアルバムは、クイーンの音楽の核心にあるソウルの欠如を露呈するだろう。すべて表面的で、感情がない。彼らは自分たちを偉大なエンターテイナーに選び、この実験的な衝動は繰り返されなかった。しかし、『オペラ座の夜』は依然として輝かしく、記念碑的である。これは英国ロックの最も贅沢な作品である」と結論付けている。^[89] 2007年、BBCミュージックのクリス・ジョーンズはアルバムの多様な音楽スタイルに注目し、「シアー・ハート・アタックは19世紀のパーラーバラード、20年代のラグタイム、ジミ・ヘンドリックスの実用的な知識を示唆していた。オペラ座の夜はオペラ、トラッドジャズ、ヘビーメタルなどを加えたものだった」と述べた。彼はこのアルバムが「彼らの最高傑作であり続けている」と結論付けた。^[39]

2011年、クイーンの初期のアルバムのデジタルリマスター版がリリースされ、新たなレビューが相次いだ。Uncut誌は、このアルバムは「クイーンの能力に限界はないことを証明した」と評し、「1つだけでなく2つの記念碑的な叙事詩（「ボヘミアン・ラプソディ」、「預言者の歌」）を収録し、壮大な演出をふんだんに盛り込んだ『オペラ座の夜』は、瞬く間に名盤の地位を確立した」と結論付けた。^[91] Pitchfork誌のドミニク・レオーネは、「一切の手加減をせず、費用を惜しまず、『オペラ座の夜』はクイーンの頂点に立った」と述べた。^[88] PopMattersのAJ Ramirezは、「『Death on Two Legs』の実に不吉なドラマチックな展開（フレディ・マーキュリーが怒りの対象に毒舌を吐き出す、最近解任されたグループの経営陣に対する反論）で幕を開けるこのアルバムは、1920年代のジャズからスペースフォークの物語、最高級の現代ポップロックまで、万華鏡のようなスタイルへと移行する。驚くべきことに、ジャンル間の移行はリスナーを混乱させる可能性もあるが、どれも耳障りではない。むしろ、クイーンは、笑い、心痛、壮大さ、スペクタクルを、まさに適切なタイミングで観客に届けるために、ショービズの歴史に残る最高のトリックをすべて駆使している点で成功している」と書いている。彼は「このようなユニークな音響ビジョンの実現こそが、このアルバムを真の卓越性の領域へと押し上げたものである... 『オペラ座の夜』は息を呑むほどの、魅力的な創作であり、紛れもなくクイーンの最高傑作アルバムである」と述べた。^[42]

1977年、『ボヘミアン・ラプソディ』は最優秀ポップ・ボーカル・パフォーマンス（デュオ、グループ、コーラス）と最優秀ヴォイス・アレンジメントの2部門でグラミー賞にノミネートされた。^[96]

2003年、ローリングストーン誌は、このアルバムを「史上最高のアルバム500選」で230位にランク付けした。 ^[97] 2012年のリストでは231位、^[98] 2020年のリストでは128位にランク付けされた。^[99]

(*) は順序なしリストを示します。

「私は自分を律しました...ボーカルは私の得意分野ですから。特にハーモニーとかそういうのは。Queen IIでは狂ったようにやっていました。でもこのアルバムでは意識的に自分を制限しました。それが曲作りの面をうまく表現していて、私たちが今まで書いた曲の中でも最も力強い曲のいくつかだと思います。」

— フレディ・マーキュリー^[21]

「このアルバムには、これまでで最もヘビーな部分もいくつかあるし、おそらく最もライトな部分もいくつかある。あちこち飛び回ってさまざまなムードを作り出すという点では、他のアルバムよりも『シアー・ハート・アタック』に近いかもしれないが、私たちは『クイーン II』と同じように取り組んだ。非常に強烈で、非常に…階層化されている部分が多い。」

— ブライアン・メイ^[114]

特に記載がない限り、リードボーカルはすべてフレディ・マーキュリーです。

• カセットでは、「Seaside Rendezvous」と「Good Company」の位置が入れ替わり、それぞれの面の長さをほぼ同じに保った。

トラック番号は、アルバムの CD およびデジタルリリースを指します。

女王

• フレディ・マーキュリー–リードボーカル (1、2、4、6–9、11)、バックボーカル (1–9、11)、ベーゼンドルファー ピアノ (1–3、7、9、11)、ジャングルピアノ (7)
• ブライアン・メイ–エレキギター （7以外すべて）、バックボーカル（1、3～6、8、10、11）、アコースティックギター （5、8、9） 、リードボーカル（5、10）、琴（8）、ハープ （9）、ウクレレ（10）
• ロジャー・テイラー–ドラム (1–4, 6–11)、バックボーカル(1, 3–8, 11)、パーカッション (2, 5, 7, 9, 11, 12)、リードボーカル、追加エレキギター (3)
• ジョン・ディーコン–ベースギター (1–4, 6–11)、エレクトリックピアノ (4)、コントラバス (1, 5)

生産

• ロイ・トーマス・ベイカー–制作
• マイク・ストーン–エンジニアリング
• ゲイリー・ライオンズ – エンジニアリング
• ジョン・ハリス –機器管理
• デビッド・コスタ –アートディレクション
• リック・カーティンとブライアン・パーマー – 特別な感謝
• ジョン・リード– マネジメント

• クイーン公式サイト: ディスコグラフィー: A Night at the Opera: ボーナストラック以外のすべてのトラックの歌詞が含まれています。
• Discogsの「A Night at the Opera」（リリースリスト）