木彫りの歴史

木彫りは人類最古の芸術の一つです。クラクトンの槍など中期旧石器時代の木製の槍は、人類が何千年もの間、実用的な木工に携わってきたことを示しています。しかし、ほとんどの環境では木材が比較的急速に腐朽するため、古代の遺物は散在しているだけです。

北米先住民の彫刻には、木製の釣り針やパイプの柄など、多くの日常的な物が含まれています。同様に、ポリネシアの彫刻は、パドルや彼らの商売道具に見られます。ガイアナの原住民は、キャッサバおろし器に刻み込まれた巻物のデザインを施し、ロアンゴ湾の原住民は、ハンモックを背負った人物が浮き彫りに立っているデザインでスプーンを飾りました。^[1]木彫りは、彼らの建築にも見られます。

木の質感は、顔の表情や特徴を表現するときに難しいことがよくあります。しかし、木のざらざらした質感は、年老いた顔のより荒々しい特徴を表現するのに役立ちます。眉毛、溝、しわの「ビートルズ」の例がありますが、これらはすべて木目の自然な欠陥によって強調されています。^{[引用が必要]}

古代の作品では、木の粗い表面はそれほど重要ではなかったかもしれません。なぜなら、人物は保護と色彩の両方のために塗装されることが一般的だったからです^[1]。最も古い時代から、色彩は常に木彫や彫刻の美しさと細部を引き立て、作品に深みと立体感を与える強力なツールでした。

20 世紀初頭、この項目の大半が基づいているブリタニカ百科事典第 11 版では、「近年、彫刻は流行遅れとなっている。作業は必然的に時間がかかり、かなりの技術を必要とするため、費用がかかる。他のより安価な装飾方法が彫刻を以前の地位から追い出している。機械作業には多くの責任があり、村の階級を使ってこの工芸を普及させようとする努力は必ずしも目的を達成していない。請負業者によって押しのけられ、個々の芸術家が徐々に姿を消していることは、遠く離れた場所で行われては決して繁栄できない芸術の存続にとって致命的である」と評されている。^[1]

木彫りの芸術と工芸は、世界中で 多くの木彫り職人が伝統を継承し発展させていることからもわかるように、今も生き続けています。

エジプトの気候は極度に乾燥していたため、この遠い時代の木彫りが数多く現存している。サッカラのホス​​ル・エジプトの墓から出土した木板の中には、第3王朝のものがある。この彫刻はエジプトの象形文字と人物を浅浮き彫りにしたものから成り、そのスタイルは極めて繊細で素晴らしい。板の1つに描かれた椅子の脚は動物の前肢と後肢のような形をしており、これはエジプトで何千年も前から一般的だった形である。^[1]

カイロ博物館には、ギザの大ピラミッドの時代、おそらく紀元前 4000 年頃の男性の像があります。顔の表情と姿勢の写実性は、この時代や他のどの時代のエジプト彫刻家も凌駕していません。像はシカモアの堅いブロックから彫られ、エジプトの慣習に従って腕が接合されています。目には不透明な白い石英の破片がはめ込まれ、まぶたを模して周囲を青銅の線で囲まれています。透明な水晶の小さな円盤が虹彩を形成し、水晶の後ろに固定された磨かれた黒檀の小さな破片が生きているような輝きを与えています。第 4 王朝、第 5 王朝、第 6 王朝は、エジプト彫刻の最も優れた時代です。墓で発見された彫像は、後世には決して到達できなかった自由な扱い方を示しています。それらはすべて肖像画であり、芸術家はモデルにそっくりに表現するために最大限の努力を払いました。これらは、現代の彫像のように単なる芸術作品ではなく、主に宗教的な意味を持っていました（マスペロ）。死者の霊が宿っているかもしれないので、これらのカの彫像の特徴と比率は忠実に模倣されました。^[1]

ヨーロッパの主要な博物館には、エジプトのミイラの例が数多く収蔵されています。顔だけが彫られた人間のミイラのケース^[1]、動物のミイラのケース、時には箱もあり、蓋の上にはミイラの完全な浮き彫りでトカゲの姿が彫られているかもしれません。動物が丸彫りされ、その中がくり抜かれた体がケースそのものとして使われることもありました。

家具では、現代のキャンプ用スツールのような折り畳み式の椅子や、脚の先が獣の頭や足になっている椅子が今も残っている。現在カイロ博物館にある、第 11 王朝と第 12王朝の、ライオンの足で支えられたベッドには、高さ 6 インチまたは 8 インチのヘッドレストがあり、足に松葉杖のような形をしており、今日のニューギニア原住民が使用しているものと非常によく似ており、情景などが輪郭で彫られている。大英博物館には、非常に繊細な人物像が浅浮き彫りで彫られた、4 インチ x 2 1/2 インチの小さな箱がある。この小さな箱は、長さ 3/4 インチのカブリオール脚と、まさにルイ・カンズ風の、かぎ爪足の上に立っている。18 世紀のグルナの、蓮の花の花束を模した柄の香皿や、鋸歯状の縁を持つ水生植物の葉の形をしたボウルがある。王朝時代のもの。小さな柱や蓮の茎を象った鏡の取っ手。その上には、エジプトのビーナスであるハトホルやトイレの神であるベスの頭が乗っていることもある。針刺し。小さな丸い亀の形をしており、裏側にトイレのピンを通す穴が開いていて、これも木製で、先端は犬の頭になっている（XI. 王朝、カイロ博物館）。そして、魚の形をした香水入れ。香水やポマタムの上下の半分は、小さな木製のスプーンで取り出す。スプーンの1つは、満開の蓮から現れたカルトゥーシュの形をしており、もう1つはガチョウの首のような形をしており、3つ目は、口に魚をくわえて走る犬で、魚がボウルになっている。リストは長くなるかもしれないが、キリストの誕生の数千年前に木彫りの芸術がいかに洗練されていたかを示すには十分な内容である。

アッシリア、ギリシャ、ローマの作品については、歴史や推論以外、実際にはほとんど知られていない。アッシリアの工芸品は、ギリシャやすべての古い文明のさまざまな趣味や洗練と歩調を合わせていたと考えて間違いないだろう。かつてギリシャや他の古代の国に存在したローマの木彫の重要な作品は、パウサニアスや他の古典作家の記述からのみ知られている。神々の木像の例の多くは、有史後期まで保存されていた。ローマのウェスタの処女によって守られ、燃えるトロイからアエネアスが持ち帰ったとされるパラディウム、つまり聖なるパラスの像は、これらの木像の1つである。

中世を通じて、大聖堂、修道院、その他教会関連の施設 などで、木で素晴らしい芸術作品が作られました。これらの作品は、職人技と芸術性の両方を示しています。

紀元後 11 世紀の木彫りの作品は、木材が 1,000 年で簡単に腐ってしまうため、珍しいものです。ローマのアヴェンティーノの丘にある聖サビナ教会の正面扉の彫刻パネルは、初期キリスト教の木彫りの非常に興味深い見本で、衣装からわかるように 5 世紀のものです。扉は多数の小さな正方形のパネルで構成されており、各パネルには旧約聖書または新約聖書の場面が細かく彫られています。マケドニアのアトス山にある修道院には、ビザンチン美術 (11 世紀または 12 世紀) の非常に優れた断片が保存されています。これは、浮き彫り彫刻の 2 つのパネル (上下に 1 つ) で構成され、その上には、渦巻き状の葉で動物を飾った柱から伸びる、伝統的な葉の半円形のアーチが載っています。柱頭と台座は正方形で、それぞれの面に人物が彫られています。それは最高の装飾精神で考え出された、素晴らしく素晴らしい作品です。

スカンジナビア諸国では、キリスト教と非キリスト教の両方の優れたデザインの非常に初期の作品がいくつか見つかります。この地域での「洗礼」は、紀元1千年紀のかなり後期に行われたからです。クリスチャニア博物館には、いくつかの素晴らしい椅子があります。コペンハーゲン博物館には、同じスタイルのアイスランドのパネルがあります。アール（紀元1200年）、サウランド、フラア、ソルダー、その他のノルウェーの教会（クリスチャニア博物館）の有名な木製の扉には、ドラゴンと複雑な渦巻き模様があり、このスタイルは、ストックホルムのノルディスカ博物館にある15世紀の戸口や、ごく最近のアイスランドの作品に今でも引き継がれています。これらの初期の時代には、葉のデザインはあまり発達していませんでした。彫刻家は、ほとんど完全に茎に依存していました。この作業スタイルは、17世紀の ビルマの作品に相当します。

この時代の終わりごろ、木彫りは最高潮に達しました。イギリス、フランス、ヨーロッパのチュートン諸国の聖歌隊席、格子戸、屋根、祭壇は、その出来栄え、バランス、バランスにおいて、どの時代でも他に匹敵するものはありませんでした。小さなデザイン、細部、緻密さ、機械的な正確さにおいて、この時代の彫刻家にはライバルがいましたが、建築構想の偉大さ、装飾処理の正当な評価においては、15 世紀の彫刻家が唯一無二でした。

この計画の基調は色彩であったことを常に心に留めておくべきである。この習慣は事実上普遍的であり、これらの古いゴシック教会や大聖堂の効果がどれほど素晴らしかったかを示す十分な痕跡が残っている。豪華な祭服を着た司祭、照明、十字架、旗や香、フレスコ画やダイアパー壁、そしてゴシック芸術の頂点であるステンドグラスは、すべてこれらの美しい色彩彫刻の計画と調和していた。通常使用された色は、赤、青、緑、白、金メッキであった。スクリーンが色彩で塗装されただけでなく、白く塗装された部分には、伝統的なパターンの繊細な線や葉の小枝でさらに装飾されることが多かった。パネルの平らな表面も、繊細なジェッソダイアパーの背景に聖人で飾られ、色彩や金メッキが施されていたことが多かった(サウスウォルド)。ドイツ、フランドル、フランスの三連祭壇画や祭壇画の美しさを超えるものはありません。そこには、金色や鮮やかな色彩に輝く天蓋や尖塔の集まりによる繊細なレース細工の下に、新約聖書の場面が高浮き彫りで彫られています。ドイツでは、赤や緑に染めた透明なニスで金箔の部分を強調することで、金属光沢に特別な色調を与えることで、さらに効果が高まりました。

この偉大な時代に使われたデザイン様式の面白さは、今では廃れた慣習である、請負人に仕事を依頼する現代の習慣ではなく、職人とその部下を直接雇うという慣習に負うところが大きい。彫刻家集団が教会から教会へとどのように旅したかは簡単にたどることができる。ある地区ではデザイナーがブドウの葉の特定の形と配置を採用する一方で、隣接する別の地区ではまったく異なるスタイルが繰り返し登場する。全体の計画はもちろん一人の天才によって立案されたが、各セクション、各部分、各ディテールの実現は個々の職人に任された。したがって、より対称的な時代には見られなかった、ゴシック美術に魅力と興味を与えるその多様な処理、その無限の多様性。ゴシック職人は、デザインにおいて美しいディテールが必ずしも美しい構成を保証するわけではないという根本的な事実を理解し、個々の部分を全体の効果に従属させた。また、彼は現場で彫刻することが多かったが、これは今日ではほとんど行われていない、あるいはまったく行われていない慣習である。あちこちで、何年も前に作られた未完成の作品に出くわします。半分完成したベンチの端、そのまま残されたスクリーンの破片は、少なくとも教会が工房だった時期があったことをはっきりと示しています。

ゴシック デザインは、おおまかに 2 つのクラスに分けられます。

1. 幾何学模様、すなわち網目模様やおむつ模様、そして
2. 葉のデザインには、ルネッサンス時代の機械的なスクロールは原則として存在しません。

15 世紀の格子縞の帯や、特にドイツのパネル細工によく見られる葉の線は、この 2 つの偉大な時代の職人の大きく異なる動機を物語っています。また、ルネッサンスのデザイナーは、パネルの両面を同じように作るのを原則としていましたが、ゴシックの彫刻家は、単一のディテールを繰り返すことはめったにありませんでした。主なラインとグループは一致していましたが、ディテールは異なっていました。数え切れないほどの例の中で、ベルリン美術工芸博物館にある 15 世紀の櫃 (図版 III、図 6)が挙げられます。上部、背面、前面の葉の配置などは、ゴシックの最高の特徴です。

このセクションでは、ヨーロッパ全般の木彫りについて扱っており、特定の国について扱っているわけではないので、ここで挙げた年代は必然的におおよそのものにすぎない。13 世紀は、デザインと処理の両方で優れた技術が使われただけでなく、信仰心が強く表れた世紀でもあった。職人は単に彫刻をしたのではなく、神の栄光のために彫刻をしたようである。これほど繊細に考え出され、美しくカットされた作品は他に類を見ない。この初期ゴシック様式は確かに精巧な仕上げに適しており、この点では木材よりも石材の処理に適していた。しかし、細部にまで行き届いた愛情のこもった配慮は、後の作品には時として見られない宗教的な信仰心を示しているように思われる。ピーターバラ大聖堂には、柱頭(現在は残念ながら中央で分割されている) の非常に優れた例が見られる。4 本の柱のグループから渦巻き模様や葉が伸びている。同時代のイタリアの柱(ヴィクトリア アンド アルバート博物館) と比較すると、前者の方がはるかに優れている。エクセター大聖堂は、卓越した技巧を誇るミゼリコルドを誇っています。人魚、ドラゴン、象、仮面、騎士、その他の主題が葉に取り入れられ、デザインを形成しています。ソールズベリー大聖堂は、その椅子席の肘掛けで有名で、ケント州アディシャムの南翼廊の祭壇壁は、13 世紀の木彫職人の優れた技術を証明するもう 1 つの素晴らしい例です。非常に興味深い椅子席のセットは、初期の歴史は不明ですが、 1868 年頃にケント州バーミング教会に設置されました。本置きの端には 2 つの巻物と、その間に立つ動物が彫られ、椅子席の端には人物の彫刻が施されています。

この時期の葉は、まだ慣習的ではあるものの、より自然に沿った形になりました。ウィンチェスターの聖歌隊席の天蓋には、オークやその他の葉の精巧な彫刻が施されています。イーリーとチチェスターの聖歌隊席、およびウェストミンスター寺院のエドワード3世の墓は、すべてこの時期の優れた例です。エクセターには、高さ57フィート（17メートル）のステープルドン司教（1308-1326）の玉座があり、その完璧なバランスと細部の繊細さにおいて、今なお並ぶものがありません。フランスでは、サン・ブノワ・シュル・ロワール、リジュー、エヴルーの聖歌隊席が、14世紀の優れた例です。しかし、この国の教会でゴシック様式の作品を見ることは現在ほとんどありません。昔のゴシック彫刻家の痕跡を探すには、博物館に行くしかありません。ディジョン美術館にある 2 つの祭壇画は、フランドルの彫刻家ジャック・ド・ベールズ(1301)の作品で、ブルゴーニュ公フィリップ・ル・アルディのために彫刻したもので、デザインと職人技の傑作です。透かし彫りは最高級で、主にダイアペード ジェッソの背景に金箔が施されています。

14 世紀末になると、彫刻家たちは自然の葉の扱いをかなりやめ、より伝統的な形をとるようになりました。オークやカエデはもはや彫刻家にインスピレーションを与えませんでしたが、ブドウの木は絶えず使われました。15 世紀の作品は大量に残っていますが、この時代を素晴らしいものにしたいくつかの美しい作品について簡単に言及することしかできません。

ロッドスクリーンは今ではどこでも見られるようになりました。これは、高さ約 30 フィートの背の高いスクリーンで構成され、その上にロフト、つまり幅約 6 フィート (1.8 メートル) のプラットフォーム ロッドがあり、その両側はギャラリー スクリーンで守られていました。また、その上かその前、身廊に面して、ロッド、つまり両側に聖マリアと聖ヨハネの像がある大きな十字架が置かれていました。このロッド スクリーンは、教会全体に渡って 1 つの連続した長さになることもありましたが (ケント州リーズ)、側廊と内陣のアーチを 3 つの別々の区画に埋めることもよくありました (オックスフォード州ハンドバラ教会)。ロフトには、通常、側廊の壁の厚みに作られた螺旋階段で近づきました。スクリーン自体の下部は高さ約 3 フィート 6 インチ (1.07 メートル) の堅いパネルで覆われ、このパネルの上部はトレーサリーで埋め尽くされていました (ノーフォーク州カーブルック)。一方、パネルの残りの平らな表面には、繊細なジェッソ ダイパーの背景に聖人が描かれていることがよくありました(サフォーク州サウスウォルド)。この時代の終わりに向かって、装飾手段として人物を使用することは一般的ではなくなり、パネルは彫刻された葉で完全に埋め尽くされることもありました (デボン州スイムブリッジ)。ロッド スクリーンの上部は開いたアーチで構成され、その上部は穴あきのトレーサリーで埋め尽くされ、クロケット(ノーフォーク州シーミング)、城壁のある欄間 (エセックス州ヘディンガム城)、または花のついた尖頭 (サフォーク州アイ) で装飾されることがよくありました。縦格子には、葉（チェダー、サマセット）、尖塔（コーストン、ノーフォーク）、天使（ピルトン、デボン）などが絶えず彫られていました。）、またはジェッソの天蓋で飾られたもの（サウスウォルド）もありました。しかし、これらの美しいスクリーンの特徴は、ギャラリーとヴォールトのあるロフトでした。ロフトの床はロッド スクリーンの上部にあり、通常は溝付きヴォールト（ハーバートン、デボン）またはコーブ（エディントン、サマセット）によってバランスが取られ、所定の位置に保たれていました。ヴォールトの最も優れた例はデボンで見ることができます。ホニトンのスクリーンのリブの交差点にある突起と彫刻されたトレーサリーは、他に類を見ません。多くのスクリーンには、ロフトの床の端を形成し、ギャラリーが乗っていた梁が今も残っています。中世のロッド スクリーンの彫刻家が想像力を最大限に発揮し、ゴシック時代全体を通じて見られる最も素晴らしい葉のデザインを彫刻したのはここでした。これらの塊状の型、紋章、帯は、1 本の丸太から彫り出されたように見えるが、実際には必ず部分的に構築され、葉などの大部分は、影を増やすために穴が開けられ、中空の型に入れられた。原則として、その配置は、上部に沿って走る紋章、下端から垂れ下がる小さな紋章、その間の 3 本の葉と蔓の帯 (デボン州フェニトン) から構成される。すべてデボン州のケントン、ボウ、ダートマスの蔓の葉のデザインは、この植物の 3 つの非常に美しい処理を示している。デボン州スイムブリッジでは、非常に手の込んだ組み合わせが見られ、帯を区切る通常の無地のビーズにも、ねじれた葉が彫られている。アボッツ カーズウェルやトットネス周辺地域の他の場所では、彫刻家が葉の中に鳥を取り入れ、最高の効果を上げている。使用されている紋章の種類は非常に多様である。グロスターのウィンチカムのものは、竜とブドウの葉や群葉を組み合わせたもので、ゴシック彫刻家が、現代の最低の職人のように機械的にパターンを繰り返したことが時々あることを示しています。ギャラリーについては、残っているものが少ないため、ほとんど何も語られません。1548年に十字架を破壊する命令が出されたとき、ほとんどすべてが取り壊されました。宗教改革を生き延びた例から、壁龕の下に聖人の彫刻（ウェールズ、ラナンノのセント・アンノ教会）や、彩色された人物像（ウスターのストレンチャム）で飾られていたことは確かです。デボンのアザリントンでは、ギャラリーの正面に王家の紋章、その他の紋章、祈りの言葉が飾られています。サン・フィアクル・ル・ファウエのブルターニュの衝立は、この時代フランスの作品の素晴らしい例ですが、英国の最高の例には及びません。その華やかな線と小さな透かし模様はイングランドで定着することはなかったが、このように彫刻されたスクリーン（デボン州コールブルック）は時々見つかる。

ロッドの大きさが大きすぎる場合、ロッドが置かれているギャラリーに加えて、何らかの支えが必要になることがありました。彫刻が施された梁が使用され、鎖がロッド自体につながっていました。デボン州カロンプトンには、そのような梁が今も残っており、葉が彫刻されています。開いた頂上飾りが下側を飾り、2人の天使が両端を支えています。この特定のロッドは、平均幅18インチ、高さ21インチの2本の頑丈な丸太から彫られた岩、頭蓋骨、骨の土台の上に立っていました。長さは合計で15フィート6インチ (4.72 m) です。上部には丸い穴があり、おそらく照明に使用されていたのでしょう。

ヨーロッパのどの国も、15 世紀に作られたイングランドの屋根に匹敵する屋根を持っていません。ウェストミンスター ホールの大屋根は、今日でも独特のものです。ノーフォークとサフォークにはハンマービーム クラスの屋根がたくさんありますが、サフォークのウールピットの屋根は最高級の品質を達成しています。各ブラケットには力強いデザインの葉が彫刻され、すべての梁の端は盾を持った天使で終わり、垂木には紋章が描かれ、各トラスは天使のコーベルに載った天蓋付きの飾り (人物像を含む) で支えられています。ここでも、イプスウィッチや他の多くの教会と同様に、壁板の下に翼を広げた天使の列があります。屋根に天使がいるというこのアイデアは非常に美しく、色使いによって効果がさらに高まります。キングス リンのセント ニコラス教会の屋根は、タイ ビーム構造の素晴らしい例です。トラスは側面に透かし模様が施され、中央は多かれ少なかれ開いており、梁には頂部と壁面装飾が施され、両側に天使の列がある。デボン州カロンプトンには、彫刻が施されたリブで間隔を空けて支えられた非常に美しい半円形の天井がある。各区画は小さな正方形のパネルに分割され、斜めの頂部リブが交差し、すべての接合部はゴシック職人特有の装飾的な方法で彫刻された突起で飾られている。マンチェスター大聖堂の身廊の屋根はほぼ平らで、これも小さな区画に分割され、突起がある。梁は、各基部に天使がいるコーベルに載った彫刻されたブラケットで支えられている。

15 世紀には、天蓋付きの聖歌隊席の豪華さが増していった。マンチェスター大聖堂 (15 世紀中頃) とウェストミンスター寺院のヘンリー 7 世礼拝堂 (16 世紀初頭) は、7 枚の尖塔と天蓋を密集さ​​せる流行の良い例である。この習慣は、14 世紀のイーリー大聖堂のよりシンプルな美しさとは比べものにならない。アミアン大聖堂の聖歌隊席は、16 世紀初頭にはおそらく世界で最も素晴らしいものだった。大陸では一般的だが、イングランドではほとんど知られていない種類のもので、アーチからアーチが伸び、クロケットとフィニアルで飾られている。端の座席の上の聖櫃細工は、尖塔とフライング バットレスとともに、極めて繊細な細くなる線で屋根に向かって伸びている。ウルム大聖堂の聖歌隊席（イェルク・シルリン・ザ・エルダーの作品）は、ドイツの彫刻家が制作した最も優れた作品の 1 つです。前面パネルには、装飾的な大胆さ、力強さ、個性が際立つ葉が彫刻されています。席の端には、ドイツだけでなくバイエルンやフランスでも時々見られるように、上端に沿って葉や彫刻が彫刻されています。

初期には、聖歌隊席のみが設けられ、身廊はむき出しのままであった。徐々にベンチが導入され、15世紀には一般的となった。B装飾のポピーヘッド形式は完成に達し、聖歌隊席以外の座席にも頻繁に使用されるようになった。この名前は、ベンチの端の上部を仕上げるために頻繁に使用される彫刻が施されたフィニアルを指し、特に英国的な特徴を持つ。デボン州とコーンウォール州ではめったに見られない (デボン州イルジントン)。サマセット州ではより一般的であり、東部諸州では数千の例が残っている。村にふさわしい非常にシンプルな百合の形のポピーヘッドは、ノーフォーク州トランチで完璧に見ることができ、また、彫刻で埋め尽くされたかぎ針編みの円からポピーヘッドが伸びている非常に手の込んだ形は、キングス・リンのセント・ニコラス教会で見ることができる。多くの場合、葉には顔が描かれていたり（ノーフォーク州クレイのセント・マーガレット教会）、ポピーヘッドには人物や鳥だけが描かれていたり（サフォーク州サーストン）、人物がドラゴンの上に立っていたり（ノーザンプトン州グレート・ブリンクトン）、時には伝統的な形から外れて、レモンの輪郭（ベリー・セント・エドマンシス）やダイヤモンド（グロスターシャー州ティルリー）のような彫刻が施された頂部装飾が施されていた。デンマークでは、大きな円の形をした装飾が、イギリスのポピーヘッドの代わりになることがある。コペンハーゲン博物館には、紋章や絡み合うストラップ細工などが彫られたそのような装飾が施された15世紀のベンチエンド一式が所蔵されている。しかし、15世紀の古いベンチエンドは、その装飾をポピーヘッドだけに頼っていたわけではない。側面は、精巧な透かし彫り（ノーフォーク州デニントン）や透かし彫りと家庭の情景（サマセット州ノースキャドバリー）で絶えず装飾されていたり、天蓋細工、控え壁、彫刻が施された壁龕を伴う遠近法の彫刻の塊で構成されていたり、ベンチの端の上部には最高の職人技で丸彫りされた人物像が飾られていたりした。アミアン大聖堂のそのような作品は、構想、デザイン、実行のすべてにおいて驚異的である。ベルリン芸術美術館では、いくつかの美しいベンチ端を見ることができる。ドラゴンの口からは、優れた比率で配置されバランスの取れた伝統的な木が生えている。別のベンチ端には、道化師の口から木が生えている彫刻が施されている。口や目から葉を生やすこの習慣は、ほとんど弁解の余地がなく、決して特定の国や時代に限られたものではなかった。ルネッサンス時代には、同様の処理の例が数多く残っている。

15 世紀以前、イギリスでは説教は一般的な制度となっておらず、説教壇もそれほど一般的ではありませんでした。しかし、ロラード派やその他の宗派が教義を教えるこの方法を用いたことから、説教の価値が認識されるようになり、説教壇は必需品となりました。非常に美しい説教壇がデヴォン州ケントンにあります。これは、一般的なように八角形で、1 本の脚の上に立っています。各角には、尖塔の間に垂直の柱状の葉が彫られており、聖人が描かれたパネルには、彫刻された天蓋と葉が飾られています。ただし、かなり修復されています。サマセット州トラルの説教壇は、その見事な人物彫刻で知られています。大砲の下に立つ大きな人物が、パネルの各側面を埋め尽くしています。一方、他の多くの小さな人物が、全体の印象を豊かにしています。ゴシック様式の響板の例は非常にまれです。ウィンチェスターの聖歌隊席にあるこの像は、説教壇とともに、プライアー・シルクステード（1520年）の時代のもので、彼の判じ絵、つまり撚り合わせた絹糸の束が彫られています。

宗教改革前の 100 年間の洗礼盤の通常の形状はピラミッド型で、突出角のリブは直線で尖端が尖っている (ケント州フリンズベリー) か、曲線の輪郭で尖端が尖っている (カンタベリー州セント・ミルドレッド) ものでした。この形状の大変魅力的な洗礼盤がデヴォン州コールブルックにあります。小さな天使が手を合わせて祈りを捧げている頂上でひざまずいている以外は、非常に簡素です。しかし、最も美しい形状は、尖塔と天蓋の細工を集積したもので、サフォーク州サドベリーにはその素晴らしい例があります。聖霊降臨を暗示して、最上部の尖塔に鳩を彫ることは珍しくありませんでした (ノーフォーク州キャッスルエーカー)。イングランドで最も素晴らしい洗礼盤は、間違いなくサフォーク州アイジフォードの洗礼盤です。高さは約 20 フィート (6.1 メートル) です。高さは 10 メートル、パネルに聖人が描かれ、精巧な幕屋の装飾が彩色され金箔で覆われていた当時、このカバーはゴシック職人技の傑作であったに違いありません。これらのカバーの上部を屋根または壁から突き出た彫刻が施された梁につなぐ紐は、クレーンのようなもの (Salle、ノーフォーク) であり、洗礼の際にカバーを取り外すために使用されました。

ゴシック時代の教卓の多くは今日現存していない。それらは通常、中央の成形された支柱の周りを回転する二重傾斜の机を備えていた。ケント州スワンズコムの教卓には、書架の各面を飾る円形の美しい葉と、両端にソニック トレーサリー細工が施されている。箱型は英国よりもフランスで一般的で、そのような教卓の台座は 3 面以上の枠で囲まれている。6 面の例としてはフランスのヴァンス教会があり、三角形の例としてはブールジュのミューズ教会がある。一方、ケント州レナム教会では 4 面の箱型教卓が今も使用されている。個人的な祈りの目的で使用されるゴシック様式の祈祷机は英国ではほとんど知られていないが、大陸では珍しくない。ブールジュのミューズ教会には美しい見本がある。ひざまずく部分の前面と側面には、15世紀後半のフランスとベルギーでよく見られた、流れるような特徴を持つ小さなトレーサリーが彫られており、高さ6フィート（1.8メートル）の背面には、上下にトレーサリー装飾が施された小さな十字架が彫られています。

ヨーロッパのオボリア大陸でよく見られる 聖体容器について一言述べておくべきでしょう。聖体容器の細長い配置は、輪郭の繊細さにおいて英国の洗礼盤カバーに匹敵します (Muse、ルーアン)。

教会だけでなく、個人の家にも数多くの扉が見られます。サフォークのラヴェンハムは、後者の種類の扉の作品が豊富です。イングランドでは、扉の上部にのみトレーサリーを彫るのが一般的な習慣でしたが (イースト ブレント、サマセット)、テューダー朝時代には、扉全体がリネンフォールドの羽目板で覆われることもありました(セント アルバンズ修道院)。この装飾形式は、イングランドだけでなく大陸でも非常に一般的でした。フランスでは、15 世紀後半の扉は、上部が四角形であるか、角が丸くなっていることが多かったです。これらの扉は通常、ほぼ同じサイズの 6 枚または 8 枚の長方形のパネルに分割されていました。ブールジュ大聖堂の扉の 1 つも同様に処理されており、パネルには、紋章やクロケットで飾られた非常に優れたトレーサリーが施されています。しかし、ルーアンのサン・ゴダール教会のように、より控えめな形式の処理が常に採用されており、上部のパネルのみに網目模様と紋章が彫られ、下部はシンプルなリネンの折り畳みデザインで飾られています。

教会装飾の最も重要な対象である祭壇画は、スペインとヨーロッパのチュートン諸国に期待されます。宗教改革のせいで、この種の作品はイギリスに存在しません。シュレースヴィヒ大聖堂の壮大な祭壇画はハンス・ブルッガーマンの彫刻で、他の多くの作品と同様に、4、5 列に並んだ人物像が描かれたパネルで構成されています。最前列の人物像は完全に別々に彫られており、それ自体が際立っています。一方、背景は人物像や建築物などで遠近法が縮小して構成されています。パネルは天蓋の下にまとめられ、調和のとれた全体を形成しています。この偉大な彫刻家の才能は、生命と動きに満ちた素晴らしい人物像の表情の多様性に表れています。フランスでは、美術館以外に祭壇画が残っているものはほとんどありません。ボーヴェからそう遠くないマリセルの小さな教会には、11 枚のパネルで構成された祭壇画があり、もちろん、十字架刑が主な主題です。また、パリのクリュニー美術館には、アントワープの美しい例が展示されています。上部を飾る透かし彫りのトレーサリーは、後期ゴシック時代に大陸で非常に一般的でしたが、イギリスではほとんど行われなかった、絡み合った円のセグメントで構成されるスタイルの良い例です。スペインでは、バリャドリッドの大聖堂が祭壇画で有名で、アロンソ・カノや他の彫刻家は、非常に写実的な方法で描かれた大きな彫像に頻繁に木材を使用しました。驚くほど生きているような効果がありました。デンマークにも、ドイツの偉大な祭壇画を模倣した有能な木彫り職人の流派がありました。ロスキレ大聖堂には非常に大きくてよく彫られた例が今も残っています。しかし、これらの大きな祭壇画の他に、見る人を驚かせるほどの微細さで彫られた小さな模型もありました。わずか数インチの三連祭壇画や祭壇画などは、驚嘆すべきほどの透かし模様や人物像で埋め尽くされている。大英博物館にはそのような三連祭壇画（フランドル、I 511）がある。1インチか2インチ四方の中央のパネルには、当時の慣習に従って、完全な浮き彫りと遠近法で描かれた人物像がぎっしりと描かれている。これは、聖餐の絵が彫られた半円形の台座の上に置かれている。、さらに人物や動物で装飾されている。全体を含めた高さは約9インチ、三連祭壇画の翼を開いた状態で幅は5インチである。この微細な作品の並外れた繊細さと細部の緻密さは、言葉では言い表せないほどである。ウォレス コレクションには、同じくフランドルの作品で、先ほど言及した才能の応用に匹敵する作品がもう1つある。これらの芸術作品は素晴らしいが、満足させるものではない。目が痛くなり、どうやってこんなものができたのかと不安になり、最初の驚きの後は、大聖堂に十分な規模の同じ芸術作品が半分の労力で彫れたのではないかと思わずにはいられない。

パネル装飾全般に関して言えば、現在検討中の期間の最後の 50 年間に、ほとんどのヨーロッパの彫刻家が従った 3 つのデザイン スタイルがあり、それぞれが大きな評判を得ました。まず、フランスとオランダで非常に一般的だった、発達した形の小さなパネル装飾です。四角い頭のパネルには、派手な特徴を持つ小さなディテールが埋め込まれ、垂直線またはマリオンは、ドイツのシャッセ (Muse Cluny) のように常に従属的であり、エヴルー大聖堂のスクリーン ワークが示すように、場合によっては存在しません。次に、リネンフォールドデザインです。大部分の例は、非常に慣習的な形式ですが、ドーセット州ベアレジスのタッセル付きデザインや、カーンのサン ソヴールのフリンジ ワークは、この大きな表面の非常に装飾的な処理に付けられた普遍的なタイトルを容易に正当化します。16 世紀初頭には、さらに別のパターンが流行しました。デザインの主な線は、時には絡み合った円の形（サリー州ガットン）や、時には主に直線（ロチェスター大聖堂）の平らな中空のモールディングで構成され、その間のスペースは尖端や葉の小枝で埋められます。これは、この偉大なデザイン流派が、新しい芸術、偉大なルネッサンスの到来に抵抗するための最後の苦闘を示しています。このとき以降、ゴシック様式は、さまざまな試みにもかかわらず、二度と家庭の装飾に使われることはありませんでした。信仰の表現において常に比類のないトレーサリー様式、ピナクル、クロケットの線は、一般家庭の装飾には不向きであると広く考えられています。

しかし、16 世紀初頭に終わったこの時代の家庭生活については、遺構がほとんど残っていないため、ほとんど言及することはできない。バイユー、ブールジュ、ランス、そしてとりわけルーアンでは、聖人、司教、処女の像から、中世の宗教的感情が家庭生活にどれほど浸透していたかがわかる。イングランドでは、彫刻が施された隅の柱 (通常は張り出した階を支えるために上部にブラケットが付いていた) が注目に値する。イプスウィッチには、そのような柱がいくつかある。川沿いの一軒の家には、あの有名な主題である、ガチョウに説教するキツネが、偽りの教義の流布を暗示する生々しい彫刻としてある。

マントルピースについては、ルーアン美術館に良い例があります。張り出した角はドラゴンで支えられ、シンプルなモールディングの両端には小さな葉の束が彫られています。これは、15世紀のフランスでは1世紀前のイギリスと同じくらい一般的な習慣でした。たとえば、イーストボーン教区教会のスクリーンの梁などです。

15 世紀の戸棚は、一般的に長方形の平面でした。ドイツとオーストリアでは、上部だけでなく下部も閉じられていることが多く、上部、中間、下部のレールには幾何学模様や葉の帯が彫られていました (ウィーン美術館)。しかし、これらの戸棚の角を切り落とし、家具に 5 面を持たせる習慣もありました。ロック プレートと蝶番の金属細工によってさらに引き立てられた非常に美しい例が、ミューズ クリュニーにあります。また、下部が開いている他の優れた見本が、ロンドンのヴィクトリア アンド アルバート博物館にあります。

箪笥は非常に重要な家具で、非常に精巧な彫刻が施されていることがしばしばある（オルレアン美術館）。クリュニー美術館には素晴らしい箪笥（14​​世紀）があり、正面には12人の鎧を着た騎士が同じ数のアーチの下に立っている彫刻があり、スパンドレルには顔やドラゴンなどが描かれている。しかし、このクラスの最高の作品は15世紀のものであり、ベルリン美術工芸博物館の作品より優れた例はない。正面には生き生きとした狩猟シーンが、葉の模様で非常に装飾的に配置され、上部には兜、紋章、マントが付いた2つの紋章が描かれている。しかし、箪笥の装飾では、人物画の有無にかかわらず、透かし彫りを使用するのが一般的であった。アヴィニョン美術館には後者のクラスの典型的な例がいくつか所蔵されている。

家庭で使用されていた椅子の中には、非常に興味深いものがいくつかある。壁際に置かれた、背もたれの高い羽目板と天蓋の付いた長いベンチの良い例が、パリのクリュニー美術館にある。ルーアンの美術館には、低い羽目板と透かし模様の背もたれが付いた可動式の長い椅子があり、ディジョン美術館には、肘掛けと高い羽目板と透かし模様の背もたれが付いた、当時の典型的な椅子の良い例がある。松などの針葉樹で作られた家具の装飾に見事に適したデザイン様式があった。それは、すでに述べた 10 世紀から 12 世紀の優れたスカンジナビアの装飾にいくらか似ている。美しい輪郭を持つことが多いゴシック様式の葉の模様は、単に浅い深さまで研磨される。影、曲線、ねじれは、V ツールで数回の適切なカットによってのみ強調され、もちろん、色によって全体の効果が大幅に向上した。ベルリン美術館にある15世紀のスイスの扉や、ヴィクトリア＆アルバート博物館にあるドイツ、スイス、チロルの作品は、エリザベス朝の陳腐な形式を避けながらシンプルな装飾を求める人々が今日でも模倣できるようなパターンを提供しています。

宗教改革の悲惨な影響のため、イングランドの彫像作品を大陸のそれと比較するのは難しい。しかし、東部諸州の屋根、サマセットのベンチの端、あるいは国内の多くの場所のミゼリコードを調べると、いかに木彫が装飾の目的で使われていたかが分かる。一般的に彫像作品はそれほど高級なものではなかったとしても、シャーボーンの馬小屋の肘掛けやサマセットのトラルの説教壇には顕著な例外がある。おそらく最も古い例は、しばしば損傷され、しばしば修復された、グロスター大聖堂（12世紀）のノルマンディー公ロバートの彫像で、イングランドで一般的にそうであったように、オーク材で彫られている。バッキンガムのクリフトン・レインズには、13世紀の彫像が2体ある。どちらも、木材の乾燥を容易にし、割れを防ぐために、裏側がくり抜かれている。 13 世紀、14 世紀、15 世紀には、多くの教会や大聖堂のミゼリコルドに、最も鮮明な描写の人物彫刻の例が無数に残されています。しかし、周囲から切り離して円形に彫られた人物彫刻の例はほとんど残っていません。ウェストモーランドの荒野にあるカートメル フェルの小さな礼拝堂には、十字架から作られた主の像があり、長さは約 2 フィート 6 インチ (0.76 メートル) です。十字架はなくなり、腕は折れ、足は焼き払われています。2 つ目の主の像 (元々はケインズ インフェリア教会にあったもの) はカーリーオンの博物館に、3 つ目はリンカンシャーの教会から出土したもので、現在は個人のコレクションになっています。大陸では、最も優れた人物彫刻のいくつかは祭壇画の中に見ることができ、そのいくつかはヴィクトリア アンド アルバート博物館に所蔵されています。 15 世紀のチロルの高浮き彫りのパネルには、聖ヨハネが観客に背を向けて座っている姿が描かれており、遠近法と短縮法の傑作であり、衣服のひだも完璧です。スイス人の手によって石灰で彫られた小さな聖母像についても同じことが言えます。また、ヴュルツブルクの偉大なティルマン リーメンシュナイダー(1460-1531) の作品は、中世の石の彫刻家が木を恥じていなかったことを示しています。

16 世紀初頭、ルネッサンス様式がゴシック様式を排除して浸透し始めました。しかし、このプロセスは突然ではなく、多くの移行作業が行われました。バークシャー州ハーストのロッド スクリーン、ウェストモーランド州カートメル修道院の椅子席、サマセット州の多くの教会のベンチ端がその良い例です。しかし、セントポール大聖堂のような古典的な建物を除いて、新しいスタイルは信仰心の点で古いものに及ばず、セント ポール大聖堂では、グリンリング ギボンズの椅子席の方が周囲の環境によく合っています。したがって、この記事の残りの部分は主に家庭内の作業に費やされ、例の正確な場所を示すことができるのは、個人所有者の所有物でない場合、または一般の人がアクセスできる場合のみです。

16 世紀の最高の作品は、間違いなく大陸にあります。フランス、ドイツ、オランダでは、家の装飾だけでなく家具も無数に生み出されました。新しく発見されたアメリカ大陸の豊かさは、この時代の文明化の影響を助長した要因の 1 つに過ぎず、商業の拡大と並行して洗練を求める欲求が生まれました。木材が豊富な場所では、主に木造で家を建てる習慣が続きました。尖塔の代わりに壁柱が使用され、花瓶やイルカがアカンサスの葉に取って代わり、古い形式のデザインが駆逐されました。木製の家屋の正面は、彫刻家に十分な余地を与えました。以前はビショップスゲートにあり、現在はヴィクトリア アンド アルバート博物館に保存されているサー ポール ピンダーの作品 (1600 年) は、過剰な装飾を施さずに仕上げた良い例です。突き出た上階を支える怪物の形に彫られたブラケットは、ブリストルのセント・ピーターズ病院など、何百もの住宅に見られる典型的なものです。サー・ポール・ピンダーズ邸のパネルも、渦巻き模様に囲まれたジャコビアン様式のメダリオンの良い例であり、装飾的であると同時にシンプルでもあります。

イギリスでは、エリザベス朝やジャコビアンとして知られるあのおなじみのスタイルが、16世紀から17世紀にかけて流行しました。現在では、国内のほとんどの家庭の古いオーク材のチェストには、上部のレールに沿ったおなじみの半円や渦巻き模様、またはパネルのアーチ模様が彫刻されています。下部が固いまたは開いたままで、上部のコーニスが極厚の旋盤加工された手すり子で支えられているコート カップボードは、どこに行っても見かけます。また、本物の椅子も偽物も、通常の平らな浮き彫りで彫られた固い背もたれを持つ椅子は、流行と切り離せないほどの熱狂をもって買われています。4 柱のベッドフレームは、入手困難です。背もたれは通常、小さなパネルに分割されて彫刻が施され、パネルまたはフレームワークのみが装飾されている例で最も効果が現れます。ダイニング ホールのテーブルには、しばしば、蓋付きのカップの形に似た 6 本の頑丈な脚が付いており、アカンサスに似た葉の彫刻が施されていました。部屋は一般にオーク材の羽目板が張られ、時には間隔を置いて平らな付け柱で区切られ、上部のフリーズには渦巻き模様やイルカの彫刻が施されていました。しかし、この時代を際立たせていたのは、暖炉のマントルでした。マントルは常に部屋の主要なものでなければならず、エリザベス朝の彫刻家はこの事実を十分に理解していました。通常、煙突の胸壁から天井まで彫刻を施し、周囲の壁を多かれ少なかれシンプルな羽目板で覆うことにより、設計者は注意を一点に集中させ、高いレベルの結果を生み出すことが多かったのです。カリアティード像、付け柱、フリーズは、良い効果を生み出すために用いられる慣習的な細部の一部でした。最近、ブロムリー バイ ボウの古い宮殿からヴィクトリア アンド アルバート博物館に移されたものほど優れた例は存在しません。マントルの棚の高さは 6 フィート (1.8 メートル) です。床からの高さは 100 フィートで、深い四分円の型で、平らな渦巻き模様で装飾されています。両側の支え柱は、ジャコビアン様式の伝統的な様式で形作られ、頭にイオニア式の柱頭を持つ胸像が飾られています。棚の上の大きな中央パネルには、王家の紋章と支えとマントルが深く彫られており、両側の半円形のアーチ型のニッチには古典的な衣装を着た人物像が置かれています。エリザベス朝の彫刻家はしばしば素晴らしい階段を製作し、時には階段の柱に紋章などを刻んだ紋章の人物像を彫ることもあった。ハイゲートの階段の柱頭には、非常に生き生きと生き生きと彫られた、さまざまな種類のクロムウェル朝の兵士が立っている。しかし、ハットフィールドの美しいギャラリーのような優れた作品があったにもかかわらず、この時代の彫刻は、イングランドに関する限り、他の時代や、ヨーロッパの他の地域で同時期に制作された作品とは比べものにならないものだった。作品の多くは、下手に描かれ、下手に仕上げられている。確かに、最小限のコストで常に優れた装飾効果が得られていたが、下手にカットされたときに最もよく見える作品に、多くの価値を見出すことは難しい。

フランスでは、この平坦でシンプルな処理がある程度使用されていました。ドアはこのように装飾されるのが最も適しており、ジャコビアン様式の特徴である分割された手すり子がよく見られます。デンマークのリンビーにある博物館には、この 2 つの処理方法を組み合わせた非常に優れたキャビネットがいくつかあります。しかし、スイスとオーストリアでは、このスタイルを洗練させ、色を追加することで効果を大幅に向上させました。ただし、最高の大陸デザインは、イタリアの典型的なアカンサスの葉を採用しながらも、線の強さと細部のカットにゴシックの感覚をある程度保持しています。長くて狭いことが多いパネルは、あらゆる種類の家庭用途に一般的に使用されていました。中央にメダリオンがあり、その上と下のスペースに花瓶、イルカ、ドラゴン、または鳥と葉がシンプルに配置されています。

ネーデルラントとベルギーのキャビネットは、デザインの^{優れたモデル}です。これらの家具は通常、2階建てで、美しい成形と彫刻が施されたコーニス、中央の仕切り、台座が付いています。側面の付け柱と、突出部分だけに彫刻が施された小さな隆起したパネルが、非常に調和のとれた全体を構成しています。フランスのキャビネットの一部は、趣味の良い彫刻ではない女像で飾られており、この時代の他のフランスの木工品と同様に、彫刻が多すぎることもあります。ルーアンのサン・マクロの扉は素晴らしいものですが、今日では模倣のモデルとして挙げられることはまずありません。注目すべき扉のセットは、アウデナールデ市庁舎のものです。中央の扉には12枚のパネルがあり、両側の扉には8枚のパネルがあり、それぞれのパネルには控えめな人物を取り囲むルネッサンス風の葉が彫られています。正義宮殿では、ホールの暖炉側全体を占める素晴らしい装飾計画を見ることができます。円形に彫られた 5 つの大きな人物像が、小さな人物像に囲まれ、葉や紋章が描かれています。

ルネッサンス発祥の地であるイタリアには、16 世紀の優れた作品が数多くあります。ラファエロは、非常に重要なデザイン流派を推進し、そのパターンは多くの職人によって使用または改変されました。バチカンにあるラファエロのスタンツェの鎧戸や、ペルージャのサン・ピエトロ・デ・カッシネージ教会の聖歌隊席は、このスタイルの彫刻の最も美しい例です。この作品は、わずかに浮き彫りにされており、ネロの宮殿やその他の場所から新たに発見された古代ローマの壁画の遺跡からラファエロが考案した優美なパターンがクルミ材に彫られています。ヴィクトリア＆アルバート博物館には、イタリアの作品の例が数多くあります。パルマ近郊の修道院の扉には、3 つの目立つ仮面と重厚なゴドロン模様が施されています。また、魅力的なアカンサスの縁取りと、両側に卵と舌の模様が施された額縁、非常に精巧な彫刻が施されたクルミ材のさまざまな結婚用櫃もあります。スペインの作品、あるいは南フランスの作品は、イタリアの作品と非常によく似ているため、見分けるのが難しいことがあります。スペインの作品は、優れた職人技においては誰にも負けません。典型的なイタリアのデザインのスペインのパネルや、最も純粋なルネッサンス様式のキャビネットが、ヴィクトリア アンド アルバート博物館に所蔵されています。このセクションには、素晴らしいポルトガルの宝箱 (17 世紀) があります。上部には、小さな区画に、主の生涯の場面が深く彫られています。

イングランドでは、グリンリング・ギボンズの偉大な流派が生まれました。彼は伝統的な形の美しいモールディングを数多く彫刻しましたが (ハンプトン・コート宮殿、チャッツワースなど)、彼の名前は通常、自然から直接コピーされた非常に重厚な装飾と結び付けられています。果物や死んだ鳥などをあしらった大きな布の飾りや葉が、厚さ 1 フィートの石灰で彫刻されました。技術的なスキルにおいて、これらの例は他に並ぶものがありません。ブドウはそれぞれ下から切り取られ、細い茎や鳥の足はまったく別々に突き出ており、その結果、すぐに女中のほうきの力に屈します。このクラスの優れた作品は、ペットワース、オックスフォード大学トリニティ・カレッジ、ケンブリッジ大学トリニティ・カレッジ、セント・ポール大聖堂、ピカデリーのセント・ジェームズ、その他多くのロンドンの教会で見ることができます。

ルイ 14 世と 15 世の治世中、彫刻デザインの主な価値、つまりその適切性と適合性は徐々に失われていきました。家具は、ほとんど正統とは言い難い方法で彫刻されることがよくありました。脚、テーブルや椅子の手すり、キャビネットや鏡のフレームは、まず構造と強度のために作られ、それから装飾されるのではなく、実用性や利便性とはまったく関係なく、まず天使の頭やロココ(つまり岩と貝殻の装飾) を載せるためにデザインされました。このような誤ったデザインは、ベッドやその他の家具は言うまでもなく、国賓用の馬車にも数多く使用されました。しかし、裕福な人々の邸宅の壁の羽目板、そして時には家具の羽目板は、最も不当でない形でロココ デザインで装飾されていました。木の表面の主要部分は無地のまま残され、中央には葉、花瓶、松明や楽器などのトロフィーで囲まれたメダリオンが彫刻され、あるいはパネルの上部がこのように処理されることもありました。フランスがこの流行を先導し、多かれ少なかれヨーロッパ全土で追随しました。イギリスでは、ルイ15世風の金箔張りの椅子が大量に作られました。しかし、トーマス・チッペンデール、インス・アンド・メイヒュー、シェラトン、ジョンソン、ヘッペルホワイト、その他の家具職人は、原則としてデザインに彫刻をあまり使用しませんでした。しかし、非常に細かい浮き彫りの渦巻き、貝殻、リボン、トウモロコシの穂などが椅子などの装飾に使用され、かぎ爪と球形の脚がキャビネットやその他の家具のカブリオール脚の端に使用されました。

18 世紀のマントルピースは、一般的には松の木で彫刻され、白く塗られていました。通常、棚は狭く、平らな楕円形の柱や時には女柱で支えられていました。また、フリーズは、古典的な場面が浮き彫りに彫られた中央の盛り上がったパネル、または仮面だけが彫られ、両側には花、果物、葉の飾りが飾られていました。

内部の出入り口は、多かれ少なかれ装飾が施された破風板で飾られることが多く、渦巻き模様の背景の両側には、葉の垂れ下がりが一般的でした。クイーン アン様式の住宅によく見られる屋外ポーチは、18 世紀特有の特徴を持っています。小さなプラットフォームまたは湾曲した屋根は、アカンサスの渦巻き模様が彫られた 2 つの大きくて重いブラケットで支えられています。階段は、概して非常に優れたものでした。彫刻と穴のあいたブラケットが、開いた弦 (つまり、階段の側面) に固定されており、回転してねじれた柱の優美な手すりに非常に美しい効果を与えています。

ルネッサンス時代の人物彫刻については、あまり言及する必要はない。16 世紀には、サンス美術館にある聖職者の彫像など、多くの優れた作品が制作された。しかし、キャビネットの装飾などに使用された人物彫刻は、普通のレベルを超えることはほとんどなかった。18 世紀には、天使の頭が流行し、ツゲの木で小像が装飾品として彫られることもあったが、家を飾る手段としての木彫は行われなくなった。しかし、スイス人は今日まで動物彫刻の名声を保ち、今でも巧みに彫られたシャモアやクマなどを制作している。一般に、切り方が大ざっぱであればあるほど、価値が高い。彼らの野心的な作品、牛の群れなどは、時には優れたレベルに達する。

17 世紀から 18 世紀にかけて、現在イタリアの南チロル州に位置するガルデーナ渓谷で、木彫りの産業が盛んになりました。この渓谷の人々のネットワークは、何百人もの彫刻家の作品を販売するために、リスボンやサンクトペテルブルクまで、ヨーロッパ全土の都市を徒歩で旅しました。最終的に 19 世紀には、ガルデーナで、オランダ人形やペニー人形としても知られる主に木製のおもちゃや人形が何百万個も彫られました。ウルティジェイのゲルデイナ博物館には、この地域の木彫りの作品の大規模なコレクションが展示されています。

ポルトガルとスペインでは金箔を施した木彫りの作品が引き続き制作され、そのスタイルは新世界の植民地やフィリピン、マカオ、ゴアに輸出されました。

19 世紀以降の作品については、賞賛できるものはほとんどありません。古いオーク材を集めるという現代の流行を除けば、彫刻装飾の需要はないようです。教会の仕事では、一定数の彫刻家が仕事を見つけ、修理や模造品の製作も行っています。しかし、ホテルや現代の海洋宮殿の船上で見慣れている彫刻は、主に機械によるもので、仕上げ作業は人間の作業員によって行われることがよくあります。

それにもかかわらず、1800 年代にはヨーロッパのいくつかの国で木彫りの教育が公式化されました。たとえば、オーストリアの木彫家ヨーゼフ・モリッグル(1841-1908) は教師として長いキャリアを持ち、1893 年にインスブルックの国立工芸学校の教授に任命され、1907 年に退職するまでその職を務めました。

1820 年にグレーデンに美術学校が設立されたことで、彫刻家の技術は大幅に向上しました。何百人もの芸術家や職人が彫刻や、世界中に輸出される木製の彫像や祭壇の製造に従事する新しい産業部門が発達しました。残念ながら、1950 年代に始まった機械彫刻産業と第二バチカン公会議により、ヴァル ガルデーナの何百人もの彫刻家が職を辞めてしまいました。機械彫刻のフィギュアや彫像が世界中で取引されるようになりました。

中世初期には、エジプトのコプト教会のために、現地のキリスト教徒の職人によってスクリーンやその他の装飾品が製作されました。大英博物館には、カイロのシット ミリアム教会の扉から出土した 10 枚の小さな杉板が収蔵されています (13 世紀)。6 枚の人物像のパネルは非常に浅い浮き彫りで彫られており、4 枚の葉のパネルは、細部も装飾も複雑で精巧な、非常に東洋的な特徴を持っています。カイロ博物館には、よく知られたアラブ スタイルに倣った作品が多く展示されていますが、他のデザインは、非常にビザンチン的な特徴を持っています。人物像の細工は、それほど高水準ではありません。

ペルシャ、シリア、エジプト、スペインのイスラム教の木彫り職人は、その技術で有名で、壁の内張り、天井、説教壇、あらゆる種類の備品や家具用の最も豪華な羽目板やその他の装飾を設計し、製作しました。^{[誰によると? ]}カイロ、ダマスカス、その他の東洋の都市のモスクや個人の家は、最も精巧で微細に繊細な木工品でいっぱいです。好まれた装飾のスタイルは、細かく成形されたリブで形成された非常に複雑な絡み合ったパターンで表面を覆うことでした。リブ間のさまざまな幾何学的なスペースは、わずかに浮き彫りにされた葉で彫られた小さな木片で埋められました。デザインを強調するように象嵌された黒檀やツゲなどのさまざまな木材の使用は、独創的なパターンの豊かさと相まって、この種の木工品にほとんど比類のない素晴らしい効果をもたらします。彫刻された象牙もスペースを埋めるためによく使用されます。アラブ人は、このように平面を彫刻する技術の達人です。スルタン バルゴーグのモスク (カイロ、14 世紀) の門は、線と面に対するこの認識をよく表しています。現在、ヴィクトリア アンド アルバート博物館にあるカイロのモスクの説教壇またはミンバール (15 世紀) も、同じスタイルの良い例で、この場合、小さなスペースは象牙の平面レリーフで埋められています。

六角形や正方形などの形を繋ぐ多数の小さな手すり子から成り、平らな面には絶えず小さな彫刻が施された複雑な継ぎ目の迷路でできた衝立は、誰にとってもおなじみのものである。カイロでは、クオス・モスク（12世紀）にも、サラセンのデザイナーの特徴である、葉の端で縁取られた曲線の細かく整えられた幾何学的な織り合わせの例がある。ヴィクトリア＆アルバート博物館（13世紀）の6枚のパネルと、スルタン・リ・ゴーリーの墓（16世紀）の作品は、この装飾形式がアラブの自然に深く根付いていたことを示している。先ほど言及した6枚のパネルや、モリスタン病院（13世紀）やエル・ネスフィ・ケイクーン・モスク（14世紀）のように、人物画や動物が中世風に取り入れられることもあった。ベイト・エル・エミールの扉には素晴らしいパネルがある。この精巧なデザインは、ブドウの葉と、低浮き彫りの伝統的な手法で描かれたブドウで構成されています。アラブのデザイナーは、ジャコビアン時代の同様の習慣を思い起こさせるような方法でパネルを分割することを好みました。メインのパネルは、六角形、三角形、またはその他の形状に分割され、それぞれの小さなスペースは、伝統的な渦巻き模様で埋められます。このシンプルで平らなデザインの多くは、エリザベス朝の彫刻家がインスピレーションを得たビザンチン様式を思い起こさせます。

ペルシャの彫刻家たちはアラブのデザインを忠実に模倣しました。サマルカンドの 14 世紀の扉 (ヴィクトリア アンド アルバート博物館) はその典型です。箱、スプーン、その他の小物にはサラセン風の絡み合った線が刻まれていることが多く、その繊細さと緻密さには最大限の忍耐と技術が要求されました。多くの模様はマドラスの白檀細工を思い起こさせますが、ペルシャ人はもっと低い浮き彫りで満足していたという違いがあります。葉の間に格子模様を控えめに浮かび上がらせることで、非常に美しい結果が得られることもありました。ヴィクトリア アンド アルバート博物館にある 14 世紀の美しいパネルは、ブハラにまでアラブの影響が及んでいたことを示しています。

インド亜大陸全域で、最も豪華な種類の木彫りが何世紀にもわたって継続的に生産されてきました。古代のヒンズー教寺院は、チーク材やその他の木材で非常に豊かで精巧な模様を彫った扉、天井、さまざまな備品で飾られていました。多くの扉、柱、ギャラリー、さらには家の正面全体が、見る者を困惑させるほどの非常に複雑なデザインで覆われています (Bhera、Shahpur)。しかし、これは常に当てはまるわけではなく、東洋人は手法においてより抑制されている場合があります。建築の細部は、フレームの周囲に彫刻された装飾で見ることができます。ヒンズー教の円の扱いはしばしば非常に優れており、おそらくまれに西洋のデザインにインスピレーションを与えるかもしれません。葉、果物、花は、ドアや窓、椅子のフレーム、テーブルの端のフレットカット装飾のスキームに合わせて常に調整されています。南インドの木彫り職人は、白檀を頻繁に使用することで知られており、その木彫りには必ずデザインが施され、ヒンズー教の神話の場面や登場人物が描かれています。ビルマのゴングスタンドの多くは、最高の技術が発揮されています。ゴングがぶら下がっている棒を持った 2 人の人物の配置はよく知られています。

これらの国々では、彫刻家の手先の器用さは他に並ぶものがない。^[要出典]これらの国々、特に日本の彫刻の多くは、極めて完璧なグロテスクで模倣的な作品であり、特に蓮やユリなどの水生植物を模したものは美しい芸術作品である。好まれる装飾形式は、天井、フリーズ、柱などの建築面を四角形の枠に分割し、各パネルを円または各コーナーにスパンドレルを備えた従来の処理のダイヤモンドで埋めるというものである。非常に中国的な特徴は、柱頭の頂部で、横顔は常にほぼ真っ直ぐに残され、怪物や巻物が深く彫られている。ゴドロン模様に非常によく似た、非常に装飾的なモールディングは、エッジを強調するためによく使用され、自然を模倣した曲線で配置された龍は、緻密にデザインされた従属的な背景の上によく使用される。^[1]

どの国でも、デザイナーはパターンを得るためにほぼ同じ手段を使用するという一般的な規則は、中国でも当てはまります。^{[説明が必要]}ここにはゴシックヨーロッパのものと非常によく似た帯状の装飾があり、トルキスタン (3 世紀) の椅子はエリザベス朝のものとほとんど同じ細部であると言えるでしょう。歴史的にイスラム教の国でよく見られる格子状のスクリーンは一般的であり、ボンベイの深く根付いた密集したパターンにも対応するものがあります。北京の建清堂にある皇帝の台座は、複雑なデザインの傑作です。背面は、かなり高い中央の 1 つのパネルと、その両側の 2 つのより低いパネルに豪華な彫刻が施されています。全体に、非常に重厚な龍の紋章と渦巻き模様が施されています。玉座もまた、彫刻処理の素晴らしい例であり、同じ建物のキャビネットの扉は、茎や渦巻きを使わずに葉の豊かな効果を生み出すことができることを示しています。彼は木材のような恩恵のない素材に才能を浪費していると言ってもいいだろう。この素材で扇やその他の小物を彫るのは、災難を招く繊細さが求められる。^[1]

日本には中国式の様式がかなり見られる。日本の彫刻家は、茎に導かれることなく葉を寄せ集めるのを好む。まず葉、果実、花を描き、それからあちこちに茎を描き、西洋の手法とは順序が逆になっているようだ。このような処理は、特に鳥や獣を描き込むときに、最高の装飾効果を発揮する。しかし、このような緻密な処理は必然的にそうなるが、成功の鍵はある程度、色彩の配色にある。ヴィクトリア・アンド・アルバート博物館にある、荷馬を連れた商人を描いた長いパネルは、そのグループ分けや処理が、たとえばシャロン美術館の聖ユベールのパネルのように、15世紀のゴシック彫刻と非常によく似ている。日本の人物彫刻の力強さと特徴は、15世紀のゴシック彫刻の最高傑作に匹敵する。^[1]

ブリタニカ百科事典第 11 版では、チップ カービング(ナイフやノミを使用して平らな木片からチップを取り除くこと) と刻み目による表面の装飾が世界中に存在すると説明されており、また、レリーフ彫刻は世界中で一般的であると述べています。

百科事典は、クック諸島のスタイルについて説明しています。これは、小さな三角形と正方形で形成されたパターンで、表面を完全に覆い、時には異なる配置の帯によって変化し、忍耐力と正確さにおいて比類のないものです。また、フィジー人はヨーロッパのものと匹敵する多様性のあるチップデザインを使用し、マルケサス諸島の彫刻家は、平らな表面のコントラストと装飾部分の強調方法を理解しており、作品を装飾の帯や特別な点に限定していると述べられています。マオリの彫刻では、特に家の装飾に渦巻き模様や彫刻を使用し、ニューギニアの芸術でも渦巻き模様が使用され、ギヨシェやスカンジナビアの作品と比較されていると述べています。

また、ナイジェリアのイジョー族は「見事な方法でパドルをデザインし、平らな面と装飾された面の間の優れたバランス感覚を示している」とも述べられている。彼らのデザインは、わずかに浮き彫りになっているが、チップの性質を持っている。アメリカ先住民の芸術では、さまざまな形のねじれがパイプのステムのお気に入りの処理であると主張している。^[1]