英日スタイル

英日スタイル

ドレッサーティーポット（1879年）は1877年に日本の茶道を見てインスピレーションを得たもの
活動年数	1850年代～1910年代
位置	イギリス
主要人物	クリストファー・ドレッサー、エドワード・ウィリアム・ゴドウィン、トーマス・ジェキル、アーサー・ラセンビー・リバティ、アーサー・シルバー
影響	芸術と工芸 横浜写真 浮世絵 日本の芸術
影響を受けた	ラファエル前派、ミントン陶器、美学、イギリスのクイーンアンリバイバル建築、イギリスのモダンスタイルとスタジオ陶芸、スコットランドのグラスゴーボーイズ、アメリカのアーツアンドクラフツ運動とイーストレイク家具、イタリアのリバティスタイル

イギリスにおける日英混合様式は、 1851年頃から1910年代にかけてのヴィクトリア朝時代とエドワード朝初期を通じて発展した。この時期には、日本のデザインと文化に対する新たな評価が、デザイナーや職人によるイギリス美術、特にイングランドの装飾美術と建築の制作に影響を与え、陶磁器、家具、インテリアデザインなど、多岐にわたる美術品が生み出された。^[1]デザインの重要な中心地にはロンドンとグラスゴーが含まれていた。

「アングロジャパニーズ」という用語が初めて使われたのは1851年で、^[2]日本に対する強い関心から発展した。日本は1860年代までの日本の国家政策により西洋の市場に閉ざされていた。このスタイルは1870年代にイギリスでエドワード・ウィリアム・ゴドウィンによって普及し、このスタイルで働く多くの職人が日本をインスピレーションの源として、日本美術に基づいた作品をデザインした。一方で、一部の職人は単に商業的な実現可能性のために日本を支持した。特に1880年代以降、東洋のデザインと文化に対するイギリスの関心は、美的運動の特徴と見なされている。1890年代から1910年代までにはさらなる教育が行われ、二国間貿易と外交関係の出現により、英国と日本の間に双方向のチャネルが生まれ、このスタイルは文化交流と初期モダニズムのスタイルに変化し、モダンスタイル^[3] 、リバティスタイルへと分岐し、20世紀のモダンデザイン原則のミニマリズムを予見した。

イギリスと日本のスタイルで活躍した著名なデザイナーには、クリストファー・ドレッサー、エドワード・ウィリアム・ゴドウィン、ジェームズ・ラム、フィリップ・ウェッブ、そしてジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラーの装飾芸術の壁画などがいます。さらに、アーツ・アンド・クラフツ運動の作品や、チャールズ・レニー・マッキントッシュの作品に見られるスコットランドのイギリスデザインにも影響が見られます。

不均斉（非対称）や侘寂（不完全さ）などのデザインの特徴や、レイアウトの簡素化は、多くの日英デザイナーの作品や作品における美的輸入および適応として顕著に表れている。1876年に日本を訪れた最初のヨーロッパ人デザイナーであるクリストファー・ドレッサーは、著書『日本の建築、美術、美術製作』（1882年）で多くの影響力のある日本の美学を持ち帰り、普及させた。 ^[4]デザインの原則は、最初は直接コピーすること（ジャポニスムでゴッホやロートレックなどの人物によって実践された）から、日本美術の背後にある美的原則を理解すること（ドレッサー、後にゴドウィンによって実践された）へと移行し、最終的に新しい日英スタイルを生み出すことにつながった。^[5]デザインへの取り組み方の変化の影響は、リバティーズでの壁紙制作でCFAボイジーが感じることができる。彼は、独立した英日作品を作るには、まず日本の職人技の根底にある美学を理解する必要があり、単に美的目的と伝統から外れた目的でそれを再現しようとすると、実用的には表面的な作品になってしまうと感じていた。1917年のスピーチで、同時代の多くの粗悪な模倣品や「伝統的な日本の」作品に対する嫌悪感を、18世紀のイギリスのシノワズリジャパニング家具と比較し、「日本の職人技に見られる仕上げを私たち自身の物に模倣することはできるが、その伝統的な考え方や感覚を模倣するのは不合理である」と指摘し、チッペンデールは中国家具を制作する際にこの種の[視覚的な]不合理さを示した。^[6]

家具のデザインにおいて、最も一般的で特徴的なのは、洗練されたラインと「モンス」などの自然のモチーフ、そして特に、よく知られている「漆塗り」仕上げを彷彿とさせる黒檀仕上げ（または黒檀）です。ヘイレン（p. 69）は、1862年の国際博覧会でバースのAFボルネマン＆カンパニーが展示し、クリストファー・ドレッサーが趣のあるユニークな日本の特徴として描写（おそらくデザインも）した黒檀の椅子を、アングロジャパニーズスタイルの家具として初めて記録に残る作品であると主張しています。ワードローブ、サイドボード、さらにはダイニングテーブルやイージーチェアなど、イギリスで求められたタイプの家具には日本に前例がなかったため、日本の原則とモチーフを既存のタイプに適応させてイギリスの要件を満たす必要がありました。

ドレッサーは、日本美術の「モンス」はケルトの「初歩的な芸術」とも類似点があると指摘した。^[7]

ヴィクトリア朝時代の多くの英国人デザイナーは、ジョン・ラスキンやオーウェン・ジョーンズのネオ・ゴシック・デザインの原理、主に『装飾の文法』（1856年）を教えられたが、そこには日本は含まれていなかった。「装飾」とは、当時の英国建築装飾デザインの重要な側面を指し、当時ヨーロッパの教会の外装に見られた人気の装飾に由来し、自然と隣り合わせに置かれた。しかし、1879年までには、装飾的なゴシックの「自然の形状は、自然をすべて取り除き、恣意的かつ機械的に配置されている」と報告され、こうしてオーウェン・ジョーンズの装飾に取って代わった日本美術は、「[英国人建築家に]、自然を損なうことなく自然の形状を適応させる方法を教えるという、我々が望んでいた教訓を教えた。ゴシック美術は、このことのいくらかを示してくれたが、日本美術ほど明確に、また多くの方法で示してくれたわけではない」。^[8]「彼らの模写でさえも機械的ではなく自由である…[日本人が装飾的なシンプルさを失うことなく絵画的な表現をパネルに取り入れることができることが示されている。」^[9]

陶器や陶磁器のデザインにおいて、このスタイルへの初期の影響は「ジャポネズリー」の影響であり、初期の影響はミントン社と仕事をしていたドレッサーが日本の陶芸技術の表面的な外観や磁器の色彩を取り入れたことを示しているが、デザインの原則や美的実践は取り入れていなかった。ドレッサーは、波型陶器（ギャラリーに掲載）など、日本から直接影響を受けた作品を数多くデザインするようになり、後には1870年代に日本を訪れた際に職人から学んだ日本の美学から直接影響を受けた。これは1880年から1889年にかけて、このスタイルの美的分野に属する「アート・ポタリー」として知られるようになり、他の多くの陶芸家や陶芸家、特にストーンウェアのポットによって実践された。一般的なモチーフには、サクラの花、松の枝、コウノトリ、円形紋などがあった。^[10]

1880年代の金属細工もまた、「ゴシック・リバイバル、自然主義、そして日本の芸術の西洋的解釈」の融合から影響を受けました。^[11]

イギリスと日本が融合した家具は数多く作られたが、ゴドウィンがウィリアム・ワットのためにデザインした家具は、その種の家具の中で最も代表的なものである。ゴドウィンは日本を訪れたことはなかったが、1863年頃に日本の美術品を収集し、それらの美術品を模倣して家具をデザインし、1870年代に日本風の家具の独特な英国風スタイルを生み出し、「イギリスと日本風スタイル」と名付けた。日本の挿絵、木版画、日本の家紋、マンガシリーズは、彼の家具デザインの多くに「湾曲したまぐさや幾何学的な格子模様」をインスピレーションとして与えた。^[12]ゴドウィンのイメージの家具は洗練されていて、装飾が少なく、デザインが非対称で、黒檀の木材に和紙や細かい木彫りのディテールを使ったシンプルな装飾が施されているものが多かった。チェルシーのホワイトハウスでは、家具を非対称に配置するようにし、日本のデザインやインテリアに触発されて壁を金箔で覆った。^[13]

日本とイギリスの貿易は1613年から1623年に始まりましたが、鎖国政策により日本の輸出入市場は密輸された禁制品に限られており、1853年に日本が開国した後、安政五カ国条約で再びイギリスとの貿易が認められて150年後にようやく再び利用可能になりました。

装飾美術館（後のヴィクトリア＆アルバート博物館）は、1852年に日本の漆器と磁器を購入し、1854年にはロンドンのオールド・ウォーターカラー・ソサイエティの展覧会で37点の作品を購入しました。日本の美術品は、1851年にロンドン、 1853年にダブリン、1856年と1857年にエディンバラ、1857年にマンチェスター、1861年にブリストル で展示されました。

1858年、マンチェスターのダニエル・リーによって、日本の影響を直接受けた「ローラープリント綿製品シリーズ」が作られた。^[14]

1862年にロンドンで開催された万国博覧会では、ラザフォード・オールコックが非公式の日本ブースも設置し、数多くの日用品が展示された。その影響は「西洋における日本美術史上最も影響力のある出来事の一つ」とされ、クリストファー・ドレッサーのような人々に日本美術を紹介した。^[15]陶芸における日本の影響とインスピレーションの初期の例は、ドレッサーが1862年のロンドン万国博覧会のレビューで言及しており、ミントンの花瓶には中国や日本の装飾が施されていると述べたほか、^[16]博覧会での商品の購入とスケッチにも記されている。

アルコックは1862年の博覧会について次のように述べている。「私は、イギリスの文化人を満足させ、労働者階級と産業階級を教育するために、芸術が日本とその産業に何をもたらしたかを示す証拠を集めることに専念した。」^[17]

博覧会が終了すると、日本の品物や日本そのものへの関心が高まり、アーサー・ラセンビー・リバティやファーマーズ＆ロジャース・オリエンタル・ウェアハウスなどの収集家、芸術家、商人が日本の芸術品や品物の収集を始めた。^{[18]日本に}条約港が開港すると、日本の4つの都市が英国に商品を輸出し始めた。これらの品物の大半はやが​​て英国の職人の芸術に影響を与え、英国のエリート層の家にもたらされるようになった。 ^[19]ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ^[20]、フォード・マドックス・ブラウン（ロセッティの友人^[21]）、エドワード・バーン＝ジョーンズ^{[22] 、}シメオン・ソロモンなど、ラファエル前派の芸術家たちも作品に東洋の影響を取り入れ始めていた。アルバート・ジョセフ・ムーア^[23]やジェームズ・マクニール・ホイッスラーもロンドンの倉庫に出入りしてこれらの品物を輸入し始めた。建築家のエドワード・ウィリアム・ゴドウィンも自宅を設計し、1862年に自宅を飾るために浮世絵を購入した。 ^[24]ウィリアム・エデン・ネスフィールドもこのスタイルで初期の作品をデザインしました。

1863年、ジョン・レイトン（芸術家）は王立協会で「日本美術」についての講演を行い、オールコックは同年、リーズ哲学協会で別の講演を行った。 ^[25]フェリーチェ・ベアトなどの初期の写真家による横浜写真の台頭により、絵画芸術も英国に導入され、新しい木版画の輸入とともに、芸術界や学術界で所有したり議論したりする流行の対象となった。^[26]

ガラス製品も日本の芸術の影響を受けており、トーマス・ウェッブが1867年のパリ万国博覧会で展示した「カエルのデカンタ」は、その主題、シンプルさ、非対称性において、現在までに確認されているイギリスのガラス製品への日本の影響の最も古い例である。

確かに1867年までに、エドワード・ウィリアム・ゴドウィンとクリストファー・ドレッサーは日本の美術品、特に日本の木版画のスタイル、形式、色彩構成に気付いていた。^[27] 1867年から1868年にかけてハリー・パークスがロンドンで展示するために大量に収集した和紙が、ヴィクトリア＆アルバート博物館のコレクションに英国政府からさらに関心を集めた。^[28]

ホイッスラーの影響と歴史的絵画様式への愛着から、ムーアはギリシャと日本の美的俗語を、芸術のための芸術という日本の装飾的・美的様式を用いて融合させた。これはムーアの1868年の絵画『アザレア』に見られる通り、「日本とギリシャの芸術、そして美的感覚と古典的感覚を新しいビクトリア朝様式で調和させた」ものである。^[29]ホイッスラーが日本美術の人気に影響を与えたことは確かだが、日本美術に関して他の収集家と衝突することも多く、浮世絵や日本の木版画のコレクションに関してはロゼッティ兄弟と頻繁に衝突した。 ^{[20] [30]}ダンテは日本美術の線の洗練を「ヨーロッパ人の学識やモデルを求めるものではなく、それは一体の有機体であり...[その正確さと繊細さにおいて]他の人種の芸術家よりも本能的である」と見ていた。^[31]一方ホイッスラーはフランスの理想である「芸術のための芸術」を参考にし、日本のオブジェは「社会的なメッセージも、責任も、美しいということ以外に存在する理由もない」ものだったと主張した。^[14]

1869年までにゴドウィンは、ハーペンデンの自宅でエレン・テリーとともに日本風のインテリアで暮らしていただけでなく、アイルランドのリムリックにあるドロモア城でゴシックと日本風の初期のアングロ・ジャパニーズ・デザインを設計し始めていた。^[27]

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  ウィスラー、磁器の王女 (1863 ～ 1865 年)、芸術のための芸術スタイルの一例
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  ロセッティ『青い鳥居』（1865年）、琴を持つ人物
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  ソロモン『日本の扇』（1865年）
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  ホイッスラーのロンドンスタジオ（1865）
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  ベアトとカー『横浜写真の例』（1866年頃）
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  ネスフィールド日本スクリーン（1867）

1870年代初頭、デヴォンのワトコム窯は素焼きのテラコッタ製品を生産したが、そのいくつかは装飾効果のために完全に日本の形と土の自然な色に依存していた。同時期にウースター磁器工場が作った日本風の磁器は、日本人自身に大いに賞賛された。1870年には、日本の陶芸が英国の陶磁器に影響を与え始め、陶工ハンナ・バーロウはロイヤル・ドルトン社在職中に、浮世絵に触発され、ヴィクトリア朝の陶器で一般的だった重い装飾や装飾的な葉を省いた動物のデザインを粘土で数多く作った。ドレッサーはミントン社と共同で青いクロショーネの花瓶のラインを成功させた。[ 32 ^] 1873年、ジョージ・アッシュダウン・オーズリーはリバプールで日本の陶芸作品についての講演を行った。^[33]トーマス・ジェキルは数多くの「紋」暖炉を設計し、ドレッサーやノーマン・ショーなどの建築家が使用し、1873年に非常に人気を博した。ジェキルはまた、フィラデルフィア百年祭博覧会の1876年の錬鉄製の日本館も設計した。ここでの装飾モチーフであるひまわりは、建物の装飾に多用されている。これはジェキルが以前にもモチーフとして使っていたが、アングロジャパニーズスタイルにおける花のモチーフとしてのひまわりの関連性を広めた。^[11]ウォルター・クレインなどの他の芸術家、特に彼の「カエルの王子様」（1874年）は、イギリスの美術学校時代に初めて紹介された他の子供向けシリーズ（1869年から1875年）で最初に使用した日本の木版画の明るい色彩の使い方に、日本の影響の兆候を示し始めた。^[34]

日本は1874年の万国博覧会に参加した。^[35] 1874年から1876年にかけて、ワーナー・アンド・サンズは、エドワード・ウィリアム・ゴドウィンがデザインした、円形の紋様や菊のモチーフを多用した数々のヒット壁紙を生産した。紋様は、ゴドウィンの妻、ベアトリス・ゴドウィンが所有していた本に掲載されていた日本のデザインから直接取られたものである。 ^{[36] [37]} 1874年までには、日本からの輸入品も増え、アーサー・ラセンビー・リバティーは、彼の店リバティーズで日本製品の輸入業者として有名になり（または、たとえば「アングロ・ジャパニーズ・スタイルの七宝焼きを施した小さな銀色の蝶番付き箱」^[38]）、1875年には特に女性用扇子で有名になった。同じ年、トーマス・エドワード・コルカットは、コリンソン・アンド・ロックのために、日本風の黒檀製のサイドボード、キャビネット、椅子を数多くデザインし始めた。^[39] オーガスタス・ウォラストン・フランクスは1876年、ベスナルグリーン博物館で陶磁器を中心とした展覧会を開催した。フランクスは日本から根付と鍔を集めていた。ゴドウィンはブリティッシュ・アーキテクト誌で、リバティーズには壁に貼る和紙、窓やドアに貼るカーテンの生地、折りたたみ式の衝立、椅子、スツールなどがあると報告している。… 時には、その色の激しさゆえにイライラさせられる敷物に出会うこともある。しかしながら、そのような粗雑さは、現代の日本製の製品でさえ、めったに、あるいはまったく見られない。… ヨーロッパ市場が日本の芸術を台無しにしているのか、日本人が私たちの芸術的尺度を受け止めてそれが不十分だと思ったのか、そのどちらかである。おそらくその両方なのだろう。ゴドウィンは、当時、オリジナルおよびヨーロッパ市場向けに作られた日本製品の増加についてコメントしていた。ステンシル模様の桑の壁紙、リバティ社とトーマス・ウォードル社が幅広の織機でタッソールシルクで織って輸入した生地、その他の日本製輸入品も、この頃までにロンドンのウィリアム・ホワイトリー、デブナム・アンド・フリーボディ、スワン＆エドガーで売られていたと言われている。輸入シルクはムーアのような画家に大人気で、彼らはそれをモデルに着せる衣装に好んで使用した。^[40]

1877 年、ゴドウィンはチェルシーにあるホイッスラーの白い家を設計しました。また、ウィリアム ワットのアングロ ジャパニーズ スタイルの家具や、日本の紋様からインスピレーションを得た壁紙も作りました。トーマス ジェキルは、海運王フレデリック リチャーズ レイランドのピーコック ルームも設計しました。こうした日本風の装飾は、彼の暖炉のデザインにも見ることができます。グロブナー ギャラリーがオープンし、ホイッスラーの「黒い夜想曲」が展示されましたが、これは芸術作品の価値をめぐるラスキンとの悪名高い論争のきっかけとなりました。1878 年、ダニエル コティエはステンド グラスの窓パネル「モーニンググローリーズ」シリーズを完成させました。このパネルは、「格子の柵」を詳細に表現しており、さまざまな日本の... スクリーン、織物のステンシル、漫画、浮世絵の版画から取り入れています。^{[41]実際、コティエ（ロンドンと}ニューヨークで活動したグラスゴー出身者）はスタジオとショップを所有しており、そこには審美的センスとアングロジャパニーズ風の黒檀調木製家具が溢れていた。彼のスタジオでは1880年代まで弟子のスティーブン・アダムを通して、西洋人の間で人気の日本のモチーフであるダークウッドと金色の花柄の菊をアクセントにした日本の装飾木工品を数多く製作していた。^{[42] [43]オールコックは1878年に}『日本の芸術と芸術産業』も出版した。

1879年、ドレッサーはチャールズ・ホルム（1848-1923）と共同でドレッサー＆ホルムを設立し、東洋品の卸売輸入業者となり、ロンドンのファリンドン・ロード7番地に倉庫を構えた。^{[44]リバプールの大富豪ジェームズ}・ロード・ボウズなどの収集家が日本品の収集を始めた。ジェームズ・ラム（家具職人）とヘンリー・オグデン＆サンズも、西洋市場向けに吊り戸棚やテーブル、椅子など、英日家具の製造を始めた。 ^{[45] 1879年に設立された}リンソープ・ポッタリーで生産された陶器の一部は、シンプルな形と、特にイギリス市場では非常に革命的だった豊かな陶磁器の釉薬効果において、日本の例を忠実に模倣していた。商業的に大量生産された食器では、そのスタイルは、竹や鳥などの日本の植物や動物のモチーフ、日本の風景や扇子などの日本の物を描いた転写プリントによって最もよく表現されていた。これらは、西洋の伝統に反して、斬新な非対称の方法で配置されることが多かった。この様式でデザインした他の陶工には、1879年から1904年まで活躍したマーティン兄弟がいる。 ^[46]彼らの作品の多くは装飾的な炻器で、魚や花のモチーフや、後期の作品では釉薬を多用している。^[10]美的画家には、ウィリアム・スティーブン・コールマン、ヘンリー・ステイシー・マークス、エドワード・バーン＝ジョーンズ、ジャン＝シャルル・カザンがいる。この様式で絵付けをした美的芸術家は、孔雀などの図像を頻繁に用い、芸術家仲間から「日本カルト」に属するものとして知られるようになった。^[10]

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  コティエキャビネット
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  クレイン『カエルの王子』（1874年）
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  ゴドウィンのアングロ・ジャパニーズ壁紙（1874年頃）
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  ゴドウィン、アングロジャパニーズファニチャー（1875）
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  ドレッサー、スタッフォードシャーセラミックタイル (1875 年頃)
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  ボウズ『日本の陶芸美術』第4版（1875年）
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  ボウズ、阿波木陶器（1875）
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  バーナード、ビショップ＆バーナーズ社のためのジェキル・モン暖炉（1875年）
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  ジキル、日本館のひまわりの手すり（1876年）
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  エドワード・ウィリアム・ゴドウィン、ウィリアム・ワットのサイドボード（1876年）
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  マーティン兄弟、日本の鳥をモチーフにした花瓶（1876年）
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  ゴドウィン、アート家具（1877）
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  ピーコックルーム（1877年、1890年に撮影）
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  ドレッサー、ティーポット、（1879）
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  ドレッサー、リンソープ アート陶器の花瓶 (1879–1882)

1880年代までには、この様式は当時の芸術や装飾、とりわけ唯美主義に大きな影響を与えた。唯美主義者たちが日本様式を運動に取り入れ始めると、ひまわり、蝶、孔雀、扇子といった一般的なモチーフを取り入れた。^{[47] [11]}特に1880年には、ブルース・ジェームズ・タルバートがひまわりのモチーフを全体に用いた黒塗りのアングロジャパニーズサイドボードや椅子を数多く制作した。また、ワーナー・アンド・ラムのためにこの様式で美的な壁紙を数多く制作しており、特に「特徴的な日本的な線と色のシンプルさ」はドレッサーやゴドウィンの作品で教えられた美的実践から引き出されたものであった。^[48]唯美主義で使われたもう一つの人気生地は、「リバティカラーズ」のタッソーアシルクであった。^[49] 美学主義が人気を博し始めると、デザイナーたちは「特に芸術家に関わる個人崇拝は、ラスキンやモリスの伝統的な職人や職人たちの重要性の強調と根本的に矛盾している」ことに気づいた。特にリバティはウィリアム・モリスの理想を支持し、初期の美学主義を拒否し、それが後にリバティ様式となった。^[50]

フレデリック・ウィリアム・サットンは、1868年にイギリス海軍とともに日本を訪れた初期のコロジオン写真家で、日本における新しい芸術形式の写真について8回の講演（1879年から1883年）を行った。^[51]これらの講演では、日本における初期の写真と旅行が紹介され、6回目の講演では、明治時代を西洋との接触前と接触後とに分けるビクトリア朝の理想である「古い日本と新しい日本」という概念を特定した。古い日本は、明治維新前の理想的な田舎の国の概念を示し、新しい日本は工業的で西洋人に寛容な日本であった。^[52]

スティーブンス＆ウィリアムズは1884年に「松の器」と呼ばれる装飾ガラスと妖精の鉢を作り始めました。これは、アングロジャパニーズスタイルに顕著な簡素化された性質と、当時の木版画に見られる明るい色彩設計を取り入れたものでした。^[53] アーサー・ヘイゲート・マックマードも生け花に触発された家具のデザインを始め、当時の日本のフラワーアレンジメントを扱った多くの定期刊行物でさらに言及されています。^[54]

1887年、スタジオ・マガジンの創刊者チャールズ・ホームズがアーサー・リバティとともに日本を訪れた。同年、モーティマー・メンペスもロンドンで日本をテーマにした初の展覧会を開催し、ホイッスラーの怒りを買った。^[55]

アルフレッド・イーストは1888年に日本美術協会から6か月間日本で絵を描くよう依頼され、フランク・モーリー・フレッチャーは日本の木版画に触れ、その後22年間ロンドンとヨークシャーのレディングで木版画について教えることに貢献した。1889年、オスカー・ワイルドは『嘘の衰退』の中で「実際、日本全体が純粋な創作である。…日本人は…単に様式の一形態であり、芸術の絶妙な空想である」と述べている。ホイッスラーの絵画やデザインも参照のこと（主に『孔雀の部屋』と夜想曲シリーズ）。

アーサー・モリソンは、ワッピングやライムハウスで商品を購入したり、友人で日本人外交官、仏教作家のハロルド・ジョージ・パーレット（1869年 - 1945年）を通じて日本画（1911年に出版）や木版画の「収集」を始めた。これらは最終的に大英博物館のアーサー・モリソン・コレクションとなった。^[56]

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  匿名、美的壁紙（1880）
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  美的壁紙（1880年頃）
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  ドレッサー、「ウェーブボウル」（1880 年頃）
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  コティエ、黒檀調キャビネット（1880年）
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  タルバート、長崎デザイン（1880）
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  ジキル、蝶のモチーフ（1880年頃～1881年）
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  スティーブン＆ウィリアムズ、「松の皮」スタイルのアートガラス（1884年頃）
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  ルーセル『読書する少女』（1886年）
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  家庭博物館、美的インテリア（1882-1888）
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  東、円山への階段（1888年）

1890年代には、日英美術の人気が最高潮に達し、ヴィクトリア朝時代のイギリスの中流階級の人々も、日本からの輸入品や日英美術風のデザインや作品の収集や購入を始めました。^[19] 1890年には、リバプールにボウズ日本美術博物館が開館しました。^[57]マリオン・ハリー・スピルマンの指揮のもと、この10年間の『アート・マガジン』にも、日本美術に関する記事が数多く掲載されました。^[58]

その2年前、画家のモーティマー・メンペスが日本を訪れていた。滞在中にメンペスは建築と装飾芸術に魅了され、1889年にロンドンに戻ると、1890年までにロンドンのカドガン・ガーデンズ25番地にあった自宅を建築家アーサー・ヘイゲート・マックマードに「日本風に装飾」させた。 ^{[59]メンペスは大阪に拠点を置く日本の会社に依頼し、伝統的に}白のインテリアで見られる染色された湾曲した木製パネルや金のディテールが施されたコーニス で自宅を装飾し、日本の漆をベースに、くんみこランマ（装飾的な格子状の換気スクリーン）と両面の英日窓枠を設置し、典型的な最小限の装飾を採用した。家具もヨーロッパと日本から輸入されており、ヨーロッパの椅子、ソファ、織物のタペストリー、シンプルな「日本風」の引き出しやキャビネット、青銅や提灯、照明器具、メンペスが日本滞在中に日本の陶芸家と共同で作った磁器の壺などがありました。

「メンペス氏は、金や色彩を自由に使い、ヨーロッパ風に数多くの装飾品を飾ることで、日本の家庭のインテリアの慣習をはるかに超えています。…彼は、原型を忠実に模倣するのではなく、適応することを望んだのです。…多くの人々、特に費用の問題を最重要視しない人々の間では、家が最高の意味で芸術的な家であるためには、装飾品は人間の手によって作られ、特に周囲の環境に適応したものだけであるべきだという考えが広まっています。装飾は、望む限り控えめに使用してください。しかし、どんな装飾品でも、最高のものにしてください。シンプルな構造形状とシンプルな表面は、その比率が適切に考慮され、実際に究極の装飾価値を持つオブジェクトを引き立てるように配置されている限り、家の美しさを損なうのではなく、むしろ増します。」スタジオ#17 (1899) ^[59]

1891年、ジャパン・ソサエティが設立され、日本で活動していた英国人駐在員の著作や、日本の木工品、金工品、初代豊国、広重、暁斎、狩野派といった日本の芸術家に関する日本美術に関する著作を配布し始めた。[ ^{60] [61]}野口米や岡倉覚三など、同時代の日本美術評論家もこの協会で出版した。^[62]ロットマン・ストローム社のアーサー・シルバーは、伊勢型紙の技法を使って壁紙を作り始めた。^[63]アンドリュー・ホワイト・トゥアーもまた、イギリスで衛生的な「革紙」として宣伝されていた型紙のステンシルに関する情報を著書『愉快で奇妙なデザイン、日本の型紙職人の芸術に関する100の複製イラスト集』（1892年）で出版している。^[64]この頃までに、アングロジャパニーズスタイルの家具には、伝統的な日本の素材である螺鈿細工が使用され始めていたとも報告されている。これは日本製で、英国市場向けに輸入されたものである。^[59]レディング大学でフレッチリーの生徒であったアレン・ウィリアム・シービーが日本の木版画を学び始める。

モダンスタイルへの移行期の10年間における注目すべき例としては、オーブリー・ビアズリーが挙げられる。彼はイギリスでモダンスタイルと呼ばれたスタイルの影響と日本の木版画（1814年から1878年にかけて制作された葛飾北斎の『漫画』など）を融合させ、『サロメ』（1893年）や『黄色い本』（1894年 - 1897年）の挿絵、特に『シドニー・スミスの名言』（1893年）の挿絵の「日本の慣習が許していたグロテスクな効果」をイギリス風にアレンジした。ビアズリーはウィリアム・ローゼンスタインから歌麿の春画を受け取ったことで知られており、これがビアズリー自身のエロティックなイメージに大きな影響を与えた。1889年頃、フレデリック・エヴァンスのホルボーン書店で働いていたときに昼休みに初めて日本の木版画に触れたのである。ビアズリーは裸体に対してオープンでユーモラスな描写をすることで、裸の人体を描く日本の感性に惹かれ、ヴィクトリア朝時代の芸術における身体の描き方に関する概念を拒絶した。^[65]また、孔雀のスカートの「曲線」の間には「非対称な質量の分布、...コンパクトさ、空間、光と影の欠如」がある。^[18]

チャールズ・リケッツはまた、ワイルドの1891年の作品『柘榴の家』でも日本の線画の影響を披露した。この作品では、孔雀とクロッカスの花が「壁紙の繰り返し模様のように均一な列に並んでいる」（ヴォイジーの美的価値など）ことや、「ページ（表紙と挿絵）の非対称な構成」のデザインが用いられ、自然からも影響を受けている。また、1894年にワイルドが出版した『スフィンクス』の比率にも影響が見られ、これもモダン・スタイルの初期の英語と日本語の影響よりも先んじていた。^[66]『柘榴の家』の波の形も、葛飾北斎の木版画を強く彷彿とさせる。

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  メンペス、ロンドン「日本家屋」内部（1890 年頃）
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  リケッツのザクロの扉絵デザイン（1891年）
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  ビアズリー、孔雀スカートのイラストレーション（1892）
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  トゥエル、型紙の壁紙ステンシル (1893)
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  リケッツ、スフィンクスのデザイン（1894）
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  ヴォイジー、リバティ壁紙（1893–95）

1902年に日英同盟が調印され、日本は英国の外交政策立案者の目に大国としての地位を獲得し、「進歩的な」工業化とともに、特にグラスゴーの造船業に関して日本の影響がより顕著になった。^[67]そのため、英国社会は、この同じ工業化された国との交流をさらに深め、芸術、美学（特に構成）および学術的な二国間交流に関する意見を交換し始めた。その結果、1910年代末までには、この産業、教育、学術主導の変化により、学者や公立の国立博物館、著名な日本の芸術家、学者、評論家の間では、日本美術とその歴史に対する文化的理解が深まるという形で、一方通行の日英スタイルに代わり、二国間の文化交流が行われた。

1901年までに、リバティ様式がイタリアで栄え始めた。これは、日本、ギリシャ、ケルト、ルネッサンスの多くのテーマから派生したもので、「非対称性、シンプルさ、媒体への敏感さ、そして控えめな材料など、英国の感性に訴える日本の要素」を持ち、「国際的な人気を獲得し、英国のアール・ヌーヴォー（英国ではモダン様式としても知られる）の典型となった」。最初は英国で、リバティが、芸術のための芸術という唯美主義運動の芸術原則を貧弱なデザインとして拒否し、大量生産形式の優れたデザインを好んだ。^{[68] [69]} マッキントッシュの影響、アーチボルド・ノックス、アーサー・シルバー、CFAヴォイジーの作品に見られるデザイン部門のシンプルさやデザインの空虚さ、そしてマッキントッシュがヨーロッパにもたらした日本とケルトのモチーフの融合の人気により、日本の芸術美学は英国のデザイン学校に影響を与え、浸透し続けた。日本の影響は、リバティが1860年代に初めて日本製品を輸入し始めた頃から、モダンスタイルに取り入れられるようになった。「イギリスは、日本が示した例を数十年も前に受け入れただけでなく、それよりずっと長い期間にわたってその影響を受けていた」ため、最終的にはイギリスのモダンスタイルとなったものがリバティによって取り入れられ、日本のデザインから、日本のデザインの簡素さに内在する洗練された優雅さを取り入れたのである。^[70]

オットー・エックマンは、この時期に「イギリスだけが、この豊富な新しいアイデアを吸収し、それをその固有の国民性に適応させ、日本様式から真の利益を引き出す方法を知っていた」とユーゲントシュティールに関する一連の著書の序文で述べている。このように、日本の影響を受けたこれらの装飾的なリバティ織物はドイツで非常に人気を博した。イタリアでは、この様式はリバティの織物デザインにちなんでスティレ・リバティと呼ばれ、1902年のトリノ博覧会やカルロ・ブガッティの作品に見られた。このようにして、イギリスでは、この文化的モチーフの融合からモダン・スタイルが生まれ、また、ワイルドのためのリケッツの作品や、歌麿の版画に触発された晩年のビアズリーの作品にも現れた。^{[71] [72]}

チャールズ・ヴォイジーの作品にも日本のインテリアデザインが色濃く表れており、マッキントッシュと同じく「抽象化…インテリア空間のデザインに対する新しい独自のアプローチ」が特徴である。装飾や装飾的要素を減らした壁紙デザインに最も顕著に表れており、ヴォイジーは「無駄な装飾を取り除き、家具や家庭用品の見栄えを悪くする流行の華美な装飾を焼き払い… [そして] 部屋の模様や色数を減らす」ことからデザインを始めたいと宣言した。彼のインテリアへの影響は、1906年から1907年にかけてのホーニマンハウスに見ることができる。 ^[73]

日本に対する評価が高まるにつれ、日本庭園デザインへの関心も高まりました。日本庭園を普及させた最初の日本庭園としてよく挙げられるのが、1901年に西ロンドンのガナーズビー・エステートに開設されたレオポルド・ド・ロスチャイルドの竹林の日本庭園です。1903年には、レジナルド・ファラーが著書の中で、イギリスの庭師が禅庭と関連付けたロックガーデニングスタイルを普及させました。 1908年には、半田多喜がスコットランドのデザインを提唱し、これがさらに進みました。タットンパークの日本庭園は、アングロジャパニーズガーデニングスタイルの一例です。共通する要素には、「石灯籠、大きな岩や小石の使用、石の水鉢、カエデ、ツツジ、ユリなどの装飾的な低木や花」、そして「赤く塗られた橋」などがあります。1910年のフローティングアイルガーデンは、特にこれらの要素をこのスタイルに強化しました。^{[74]伝統的な}日本庭園のデザイン要素が取り入れられていたが、全体的な外観には多くの英国庭園の要素も流れ込んでいた。 ^{[75] [76] [77] 1910年までに、}パーシー・ケインとクリストファー・タナードによるハスコム・コートのような日本庭園は人気の設備となっていた。^[78]

1902年のホワイトチャペル日本博覧会はチャールズ・ルイス・ハインドから好意的なレビューを受けたが、ローレンス・ビニョンはこの展覧会には物足りなさを感じ、「いつか貸出展覧会を開催して、少なくともその[日本]芸術の範囲と歴史を概説してもらいたい」と述べている。^[79] チャールズ・リケッツとチャールズ・ヘイスルウッド・シャノンは、この時期に春信、歌川、葛飾北斎の木版画のコレクションを大英博物館に寄贈した。^{[80] [81]} 1903年にバーリントン・マガジンが創刊され、チャールズ・ホームズが編集し、日本美術に関する記事が多数この雑誌に掲載されたほか、1904年にはイングリッシュ・イラストレイテッド・マガジンにも掲載された。

1905年、コッカは英語で出版され始めた。1906年、シドニー・サイムはエドワード・プランケット第18代ダンセイニ男爵のために『時間と神々』 （1906年）という挿絵入りの作品を数点制作した。ダンセイニは日本演劇に詳しく、サイムに日本の伝統文化をいくつか紹介した。これらの挿絵では特に、前屈みの姿勢や人物の配置、19世紀の日本の着物によく見られる波形と組み合わせた点描の前景と背景の適用などが顕著に見られる。 ^[22] フレッチャーに師事し、アーサー・リグデン・リードに触発された エリック・スレーターも日本の木版画を制作し始めた。

特に、絵画とイラストレーションはこの時期にさらに洗練されていった。日本の美術評論家、瀧成一（1873-1945）は『スタジオマガジン』で、西洋と東洋の絵画は、観衆に考えを伝える上で絵画の主題を重要視していたが、西洋の絵画様式は「客観性を重視し、他方（（日本）は）主観的な考えを重視する」という点で、結果と実行が異なっていたと述べている。瀧は、西洋の絵画では、人体を絵画の唯一の焦点として枠付けるなど、単一の対象に重点が置かれているのに対し、「日本の絵画では、花、鳥、風景、さらには枯れた木や生気のない岩」に焦点が当てられており、たとえば、屏風の制作では、絵画の一部に視線が向けられるのではなく、絵画全体が「ミクロな完成度」を持つように、すべての部分に視線が向けられると指摘した。^[82] ロジャー・フライはまた、ヨーロッパの芸術家がキアロスクーロを忘れ始め、ビニョンの言う「感覚」、つまり「光と影の拒絶」の東洋スタイルを好むようになったことにも言及した。フライは1910年に、中国と日本の芸術が「光と影を主に彫刻家の芸術に属するものとして拒絶した」ことを指摘し、「光と影の雰囲気、霧、夜、薄明かりの特定の広範な効果は、6世紀にわたって、ごく近代的なヨーロッパの芸術だけが従い始めた道を示してきた」と結論付けた。^[83]

1910年に日英博覧会が開催され、日本は英国に多くの美術品や工業製品を貸し出した。しかし、この10年間で、このスタイルは終焉を迎えた。なぜなら、学者や公立博物館が、1910年の博覧会のために来英した現存する職人や日本人コミュニティ（当時500人から1000人）を十分評価し、交流を深め始めたためである。ハリー・アレン（1910年から1925年活躍）も、ロイヤル・ドルトンのために、タンチョウヅルや孔雀、松葉などの日英モチーフで装飾された青いティツィアーノの花瓶を数多くデザインした。^[84]

1913年、ビニヨンが大英博物館東洋部門の日本セクションを引き継いだとき、彼はロゼンシュタイン、モリソン、リケッツ、サズルウッドとともに、文学と芸術を基盤とした日本版画収集家のサークルを結成していた。ビニヨンは部門の質を劇的に向上させ、それによって一般大衆に知られている日本画のスタイルの奥深さと多様性を一般に理解してもらうことにも貢献した。リケッツは特に光琳派 や琳派の絵画を好んだ。^{[85]ビニヨンの出版された作品は、}ヨーロッパ中心主義を支持するのではなく、新しい東洋ベースの世界観を示すことにも役立った。^[86]たとえば、ビニヨンは「日本人は中国を、我々がイタリアやギリシャを見るのと同じように見ている。彼らにとって中国は古典的な土地であり、彼らの芸術が方法、材料、デザインの原則だけでなく、テーマやモチーフの無限の多様性を引き出す源泉である」と説明している。^[87]

私の主な関心は、作者や考古学の問題について議論することではなく、これらの東洋の絵画が西洋人にとってどのような美的価値と意義を持っているかを調べることです。 – ビニヨン（1913）

日本の美学に対する学術的理解が進むにつれて、アングロジャパニーズスタイルは終焉を迎え、日本ブームの終焉とともにモダニズムへと変貌を遂げ、日本の美術品はヨーロッパやアメリカの美術館のコレクションに永久に残るものとなった。特に、チャールズ・レニー・マッキントッシュの作品やエドワード・ゴードン・クレイグの舞台デザインや衣装デザインにおける簡素な背景が顕著である。^[88] バーナード・リーチはまた、日本の民芸運動やイギリスの陶芸において、ウィリアム・ステイト・マレーの素材選びを通して、より伝統的な職人技への回帰を促した。 ^{[89] [90]}

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  ドレッサー; サイド壁紙デザイン (1880 年頃 - 1904 年)
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  シメ、下野可児の哀歌(1906)
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  タットンの タットン パーク、アングロジャパニーズ スタイルで建てられた (1910 年 - 1911 年頃)
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  クレイマー『日本の少女』（1918年）
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  濱田庄司益子焼 鉄釉瓶（1950-1960年）

従来の一方通行の英日スタイルに代わる、日本の芸術とその歴史に対する文化的理解を深める新たな二国間文化交流の一部は、ロンドンの日本人コミュニティ自身から生まれたものである。

例えば、1900年に山中貞次郎は山中商会のロンドン支店を開設した。1902年にはロンドンのホワイトチャペルで日本展が開かれ、チャールズ・ルイス・ハインドがロンドンで活動する日本人画家ヨシオ・マルキーノの水彩画を批評した。マルキーノはエドワード朝時代のイギリスでイラストレーターとして成功し、『ロンドンの色』（1907年）や『ロンドンの日本人画家』（1910年）などの挿絵入り作品を出版した。^[91]作家のダグラス・スレイドンもマルキーノの出版物で頻繁に協力した。1907年から1910年にかけて歌川若菜はロンドンを訪れて水彩画の研修を受け、伝統的な日本の筆絵を披露した。

1911年、フランク・ブラングィンはエドワード朝時代のイギリスで木版画の技術を研究していた松山龍邨忠三など、様々な日本人芸術家とコラボレーションを始めた。その後1915年、ロンドンの山中画廊は英国赤十字の貸出展覧会を主催した。これらの実業家たちは国際関係の改善を利用し、ヨーロッパやアメリカに店を構えた。トニーン、C.T.ルー（参照）、山中などのディーラーは皆、東アジアの品物を西洋のコレクターに直接販売し始めた。^[92]

グラスゴーでは、1878年11月にグラスゴー日本取引所が開催され、1881年から1882年にかけて公開された1000点ものさまざまな「建築作品、家具、木工品、漆器、楽器、陶磁器、金属細工、織物、衣装、紙のサンプル」を含む美術品が二国間で取引されました。^[93]ブルース・ジェームズ・タルバートも、日本風の家具や壁紙、調度品を作ることにインスピレーションを得ました。

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  イェッソ家具用ファブリック（1870年）

1881年12月、グラスゴー市立美術館で東洋美術貸出展覧会が開かれ、グラスゴーの日本美術品1,000点が、リバティ社の他の品物やサウスケンジントン博物館の工芸品とともに展示され、3万人の観客が訪れた。クリストファー・ドレッサーは1882年にグラスゴーの美術館で日本美術についての講演を行い、リバティ社はドレッサーが設立した美術家具業者連盟の投資家となった。1883年、1876年に日本を訪れたフランク・ディロン（1823年 - 1909年）は、グラスゴー研究所で『大阪の桜祭り』を展示した。1883年3月、ドレッサーもグラスゴーを訪れ、「日本の美術工芸」についての講演を行った。^[94]日本も英国で商品を展示し始め、1883年、1884年、1885年にロンドンで、1884年にはエディンバラで別々に展示しました^。[95] アレクサンダー・リードは1889年に「ラ・ソシエテ・デ・ボザール」というアートギャラリーをオープンした美術​​商で、フィンセント・ファン・ゴッホの知人であったことで最も記憶に残っていますが、2人とも1887年に日本の製品の影響を受け始めました。

グラスゴー美術学校の卒業生であるジョージ・ヘンリーとE・A・ホーネルは、1893年から1894年にかけてリードの資金援助を受けて日本を訪れた。帰国後、彼らはアート・クラブで日本訪問の結果として制作した絵画についての講演と展覧会を行った。アート・クラブは1893年にマッキントッシュによって改装されたばかりで、グラスゴーの芸術家たちの重要な社交の場となっていた。ホーネルはグラスゴー美術学校の同僚でマッキントッシュのパートナーであるジョン・ケッピーの良き友人であったため、マッキントッシュはこの展覧会と講演に出席した可能性がある。^[96]このように1895年のヘンリーの講演は、装飾としての日本美術に対する西洋の関心と物語をさらに深めた。

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  ヘンリー『日本の赤ちゃん』（1893年）
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  ヘンリー、扇子を持つ日本人女性（1893-1894）
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  ホーネル–ストリートシーン(1894)
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  ホーネル『二人の芸者』（1894年）
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  ヘンリー『砂時計』（1899年頃）

1901年のグラスゴー万国博覧会には日本博覧会も含まれていた。

マッキントッシュは1884年にグラスゴー美術学校で初めて日本のデザインに触れ、1896年に着物風の衣服を描いた「一部見、一部想像」で日本風の作品を制作したほか、「田中絹雄のいろは紋章帳」（1881年版紋章目録）に基づく紋章と「日本の木工技術の一時的性質」に触発されてグラスゴー美術学校に建築設計を提出した。1897年にヘルマン・ムテジウスによってジャポニスムを紹介されたと考えられている。次にマッキントッシュはジークフリート・ビングやグスタフ・クリムトの芸術に影響を与え、ケルトと日本のモチーフを融合させたマッキントッシュのデザインからインスピレーションを得たヨーロッパのウィーンデザイナーたちにも影響を与えた。特に注目すべきは、1900年のメインストリート120番地のアパートのインテリアデザインと、1906年頃の着物棚から、マッキントッシュと日本の関係がうかがえることである。^[98]特に、「日本は、20世紀初頭に大陸ヨーロッパでのデザインで最も注目を集めたマッキントッシュにとって、モダニズムの思想を刺激する上で重要な役割を果たした」ことである。^{[96] [99]}

アメリカでは、アングロ・ジャパニーズ・スタイルに対する初期の評価は、チャールズ・ロック・イーストレイクの死後に出版された『家庭の趣味のヒント』（1868年に初版が出版）にも引き継がれました。

装飾芸術を専門とする流行の店の窓を覗き込み、趣味の名の下に毎日大衆に提供されている怪物のような品々を見ると、19世紀には装飾品として通用していたものを見るとき、私たちが長い間その芸術を軽蔑してきた国々から、どれほど多くのことを学べるだろうかと考えずにはいられない。^[100]

美学は日本の影響をアメリカにもたらした。^[101]ルイス・コンフォート・ティファニーのガラスや銀細工、キャンディス・ウィーラーの織物や壁紙、キンベル＆カバス、ダニエル・パブスト、ニムラ＆サトウ、ハーター兄弟の家具（特に1870年以降に生産されたもの）の一部には、アングロジャパニーズスタイルの影響が見られる。ハーター兄弟はモチーフや非対称のデザインにおいてゴドウィン＆ドレッサーの家具から大きな影響を受けたが、アメリカのアングロジャパニーズスタイルは、より古く、より好まれた装飾の多いビクトリア朝スタイルに傾倒していた。^[102]

1877年からゴドウィンは「美術家具カタログ」の出版を開始し、1880年代後半まで日本モチーフを米国で普及させました。また、ドレッサーは日本を訪れて日本の装飾芸術様式を用いてデザインした最初のデザイナーとなり、西洋の様式に影響を与えました。オスカー・ワイルドもこの様式の進歩について報告し、1882年に米国で行った講演（ 『英国美術ルネサンス』）で「東洋美術がヨーロッパの私たちに与えている影響と、日本のあらゆる作品の魅力」に言及しました。

しかし、1893年までに「日本ブームは、その激しさにもかかわらず、芸術的な[美的]インテリアとそれが醸し出すアイデンティティの探求に対する素人趣味以上のものにはならなかった。」^[103]

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  ハーター ブラザーズ、フォールフロント デスク (1865 ～ 1905 年頃)
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  アメリカの壁紙 (1885 年頃)
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  ティファニー社によるアイリスモチーフの銀皿（1879年）
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  ハーター兄弟によるキャビネット（1880年頃）
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  キャンディス・ウィーラー作、日本の鯉をモチーフにした壁紙のステンシル（1885～1905年頃）
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  チェスト、ニムラ＆サトウ作、1905年

現代の読書:

• 日本の陶芸芸術、ジョージ・アッシュダウン・オーズリーとジェームズ・ロード・ボウズ（1875年）
• ルネッサンス期と近代期の陶器と磁器の刻印とモノ​​グラム、各製作所の歴史的説明、ギリシャ、ローマ・ブリテン、中世の陶磁器に関する序文、日本とその陶磁器製造業の簡単な歴史を含む付録、ウィリアム・チェイファーズ（1876年）
• 日本における芸術と芸術産業、ラザフォード・オールコック（1878）
• 日本の陶芸、オーガスタス・ウォラストン・フランクス、（1880）
• ランタン博覧会の東方諸島世界、中国、ルーチュー、日本旅行記第六巻：日本、ランタン博覧会の東方諸島世界、中国、ルーチュー、日本旅行記第七巻：古き日本と今し日本、フレデリック・ウィリアム・サットン（1882年）大英図書館所蔵
• 日本：その建築、美術、美術品製造業、クリストファー・ドレッサー、（1882）
• 日本の装飾芸術、ジョージ・アッシュダウン・オーズリー（1882）
• 大英博物館所蔵の日本と中国の絵画コレクションに関する記述と歴史的記述、ウィリアム・アンダーソン、(1886)
• 日本の絵画芸術、ウィリアム・アンダーソン、（1886）
• 日本の物たち、バジル・ホール・チェンバレン、（1​​890）
• 日本の工業技術と製造業、アーサー・ラセンビー・リバティ、（1890）
• 日本とその芸術、マーカス・ボーン・ヒューイッシュ、（1892）
• 愉快で奇妙なデザインの本。日本の型紙職人の芸術の複製イラスト 100 点。アンドリュー ホワイト トゥアー(1892)
• サウスケンジントン国立図書館所蔵の日本の書籍とカラー版画アルバム一覧、エドワード・フェアブラザー・ストレンジ（1893年）
• 七宝に関する覚え書き：日本のエナメルの続編、ジェームズ・ロード・ボウズ（1895年）
• 日本のイラスト：日本の木版画と色刷りの芸術の歴史、エドワード・フェアブラザー・ストレンジ（1897年）
• 歌川広重の木版画、チャールズ・ホームズ（1897年）
• 日本、カラー記録、モーティマー・メンペス、（1901）
• 日本の童話集、尾崎英一、（1903）
• 日本：その歴史と文学シリーズ、特に第 VII 巻（絵画と応用美術）と第 VIII 巻（陶芸）フランク ブリンクリー（1904 年）
• 日本の古美術と工芸、スチュワート・ディック、（1904）
• 日本の色彩版画：その評価と歴史、エドワード・フェアブラザー・ストレンジ（1904年）
• 絵画に狂った老人、北斎、エドワード・フェアブラザー・ストレンジ（1906年）
• 日本の画家による絵画、ローレンス・ビニヨン、（1908年）
• 極東の絵画：アジア、特に中国と日本の絵画史入門、ローレンス・ビニヨン、（1908年）
• ロンドンの日本人芸術家、マルキノ・ヨシオ（1910年）
• 日本童話集、グレース・ジェームズ（1910）
• ハーバート・ジョージ・ポンティング著『ロータスランド・ジャパン』（1910年、挿絵入り版）
• 東洋画論三篇、滝清一（1910年）
• 龍の飛翔：原典に基づく中国と日本の芸術の理論と実践に関するエッセイ、ローレンス・ビニヨン（1911年）
• 日本の画家たち、アーサー・モリソン、（1911）
• 芸術に関するページ、チャールズ・リケッツ、（1913）
• 極東の絵画：アジア、特に中国と日本の絵画史入門、ローレンス・ビニヨン（1913年）
• 1914 年 1 月 26 日から 2 月 26 日まで英国王立芸術家協会のギャラリーで開催された、巨匠たちが装飾した日本の衝立展、アーサー・モリソン (1914)
• 初代歌川豊国による日本の錦絵、エドワード・フェアブラザー・ストレンジ（1920年）
• 日本のカラー版画、ローレンス・ビニヨン（1923年）
• リノリウムと木版によるカラー印刷、アレン・ウィリアム・シービー、（1925）

学術的な読書

• 美の追求：アメリカ人と美的運動、ドリーン・ボルジャー・バーク、アリス・クーニー・フリーリングハイゼン（1986年）
• ヘイレン、ウィダール。モダンデザインの先駆者、クリストファー・ドレッサー。ファイドン: 1990 年。ISBN 0-7148-2952-8 。
• スノディン、マイケル、ジョン・スタイルズ。『デザインと装飾芸術、イギリス 1500-1900』。V &A 出版、2001 年。ISBN 1-85177-338 -X。 
• 1859年以降の日本と英国：文化の架け橋を築く、オリーブ・チェックランド（2003年）
• モーリー、クリストファー。ドレッサーの装飾デザイン2010 年。

• ラフカディオ・ハーン、作家
• チャールズ・レニー・マッキントッシュ、デザイナー（1906 年頃の着物キャビネットを参照）
• モリー・ヴァーニー、17世紀の日本人
• 日本好き
• オリエンタリズム

ウィキメディア・コモンズのアングロジャパニーズスタイルに関連するメディア

• 英国と日本の自然主義的スプーン
• エドワード・ウィリアム・ゴドウィン作の展示用キャビネット（1833～1886年）
• 英日美的インテリア（1872～1889）については、oldhouseonline.com をご覧ください。