イタリアの芸術

古代から、イタリア半島の南部、中部、北部にはそれぞれギリシャ人、エトルリア人、ケルト人が住んでいました。ヴァルカモニカにある非常に多くの岩絵は紀元前8,000年のもので、何千もの墓からはエトルリア美術の豊かな遺跡が残されています。また、パエストゥム、アグリジェントなどのギリシャ植民地からも豊かな遺跡が見つかりました。古代ローマは最終的にイタリアとヨーロッパの支配的な勢力として台頭しました。イタリアのローマ遺跡は、ローマ自体の壮大な帝国の記念碑から、ポンペイや近隣の遺跡に非常によく保存された一般的な建物まで、並外れて豊富です。ローマ帝国の崩壊後、中世のイタリアは、カロリング朝美術、神聖ローマ皇帝のオットー朝美術、ノルマン美術だけでなく、ラヴェンナやその他の場所 のビザンチン美術の重要な中心地であり続けました。

イタリアは、ジョットのプロト・ルネサンスから始まり、アントネッロ・ダ・メッシーナ、レオナルド・ダ・ヴィンチ、ミケランジェロ、ラファエロの盛期ルネサンスで特に頂点に達した、ルネサンス（1300-1600年）を通じて芸術的発展の中心地でした。彼らの作品は、マニエリスムとして知られるルネサンス後期に影響を与えました。イタリアは、17世紀のバロック（1600-1750年）と18世紀の新古典主義（1750-1850年）によって芸術的優位性を維持しました。この時期、文化観光はイタリア経済の大きな支えとなりました。バロックと新古典主義はどちらもローマで生まれ^{[1] [2] 、}西洋美術全体に広まりました。イタリアは、マッキアイオーリ、未来派、形而上主義、ノヴェチェント・イタリアーノ、空間主義、アルテ・ポーヴェラ、トランスアヴァンギャルドなどの運動を通じて、19世紀半ば以降、国際的な芸術界で存在感を維持してきました。

イタリアの芸術は、何世紀にもわたっていくつかの主要な運動に影響を与え、画家、建築家、彫刻家など、多くの偉大な芸術家を生み出してきました。今日、イタリアはいくつかの主要な美術館、博物館、展覧会を擁し、国際的な芸術シーンで重要な位置を占めています。国内の主要な芸術中心地には、ローマ、フィレンツェ、ヴェネツィア、ミラノ、トリノ、ジェノバ、ナポリ、パレルモ、シラキュースなどの都市があります。イタリアには 60 の 世界遺産があり、その数は世界最多です。

エトルリアの青銅像やテラコッタの葬祭用レリーフには、ローマが半島に帝国を築き始めた頃には衰退していた中央イタリアの活発な伝統の例が含まれています。

現代まで残っているエトルリア絵画は、ほとんどがタルクィニアの墓から発見された壁画です。これらは、学者が知るイタリアにおけるローマ以前の具象芸術の最も重要な例です。

フレスコ画は新鮮な漆喰の上に描かれているため、漆喰が乾くと絵は漆喰の一部となり、壁の不可欠な部分となり、それが壁の保存状態を良くするのに役立っています (実際、現存するエトルリア絵画とローマ絵画のほぼすべてはフレスコ画です)。色は、粉砕されて媒体で混ぜられたさまざまな色の石や鉱物から作られ、細い筆は動物の毛で作られました (最高級の筆でさえ牛の毛で作られています)。紀元前 4 世紀半ばからは、深みとボリュームを表現するために明暗法が使われるようになりました。日常生活の場面が描かれることもありますが、伝統的な神話の場面が描かれることの方が多いです。現存するフレスコ画には比率の概念は見られず、動物や男性の体の一部が不釣り合いな描写が頻繁に見られます。最も有名なエトルリアのフレスコ画の 1 つは、タルクィニアの雌ライオンの墓です。

エトルリア人はローマ最古の記念碑的建造物を建設した。ローマの寺院や家屋はエトルリアのモデルによく基づいていた。ローマ寺院におけるエトルリアの影響の要素には、基壇と、残りの3つの側面を犠牲にして正面を強調することが含まれていた。大きなエトルリアの家屋は、ローマの町とほぼ同じように、中央のホールの周りに集まっていた。大きな家屋は後にアトリウムの周りに建てられた。エトルリア建築の影響は、他の場所からの影響（特にギリシャ）に直面して共和政ローマ時代に徐々に衰退した。エトルリア建築自体はギリシャ人の影響を受けていたため、ローマ人がギリシャ様式を採用したとき、それは完全に異質な文化というわけではなかった。共和政ローマ時代には、主にヘレニズム世界からの建築的影響が着実に吸収されていたと思われるが、紀元前211年にシラクサが陥落した後、ギリシャの芸術作品がローマに殺到した。紀元前2世紀には、これらの作品、そしてより重要なギリシャの職人の流入が続き、ローマ建築の発展に決定的な影響を与えました。共和政末期、ウィトルウィウスが建築に関する論文を書いた頃には、ギリシャの建築理論と事例が支配的でした。帝国の拡大とともに、ローマ建築は広範囲に広がり、公共の建物と一部のより大きな私有の建物の両方に使用されるようになりました。多くの地域で、様式の要素は地元の嗜好、特に装飾の影響を受けていましたが、建築は明らかにローマ風のままでした。土着の建築様式は程度の差こそあれローマ建築の影響を受けており、多くの地域でローマの要素と土着の要素が同じ建物に組み合わされています。

紀元後 1 世紀までに、ローマは世界最大かつ最も先進的な都市となっていました。古代ローマ人は、都市の衛生システム、道路、建物を改善する新しい技術を考案しました。彼らは、真水を都市にパイプで送る水道システムを開発し、都市の廃棄物を除去する下水道を建設しました。最も裕福なローマ人は、庭付きの大きな家に住んでいました。しかし、人口の大部分は、石、コンクリート、または石灰岩でできたアパートに住んでいました。ローマ人は新しい技術を開発し、セメントをより硬く強くするために、ナポリ近郊の村、ポッツオーリの火山性土などの材料を使用しました。このコンクリートにより、インスラと呼ばれる大きなアパートを建てることができました。

裕福な人々の家は壁画で飾られていました。絵画には庭園の風景、ギリシャやローマの神話の出来事、歴史的な場面、日常生活の場面などが描かれていました。ローマ人は床をモザイクで飾りました。モザイクとは、小さな色のタイルで描かれた絵やデザインです。色彩豊かな絵画やモザイクは、ローマの家の部屋をより広く明るく見せ、所有者の富を誇示するのに役立ちました。^[3]

ローマ帝国後期のキリスト教時代、紀元350年から500年にかけては、壁画、モザイク天井画と床画、葬祭彫刻が盛んだったが、等身大の円形彫刻や板絵は宗教的な理由からか衰退した。^[4]コンスタンティヌス帝が帝国の首都をビザンチン（コンスタンティノープルに改名）に移すと、ローマ美術は東洋の影響を取り入れてローマ帝国後期のビザンチン様式を生み出した。5世紀にローマが略奪されると、職人たちは東の首都に移って仕事を見つけた。コンスタンティノープルのアヤソフィア教会は、ユスティニアヌス1世皇帝の治世下でローマ美術が最後に盛り上がり、1万人近くの労働者と職人を雇用した。ユスティニアヌス1世は、ラヴェンナの有名なモザイクの制作も命じた。^[5]

中世を通じて、イタリア美術は主に建築装飾（フレスコ画やモザイク）で構成されていました。イタリアのビザンチン美術は、標準化された書道と色彩や金彩の見事な使用を伴う、非常に形式的で洗練された装飾でした。13 世紀まで、イタリアの美術はほぼ完全に地域的なもので、外部のヨーロッパや東洋の潮流の影響を受けていました。1250年頃以降、さまざまな地域の美術は共通の特徴を発達させ、ある種の統一性と大きな独創性が見られます。

西の首都が陥落した後も、ローマ帝国はコンスタンティノープルの指導の下でさらに1000年間存続した。^{[6]ビザンチンの職人はイタリア全土の重要なプロジェクトに使用され、}イタリア・ビザンチン様式と呼ばれる絵画は14世紀まで見ることができます。

イタリア・ビザンチン様式は、当初は標準的なビザンチン様式のイコンを模写した宗教画を指していたが、ビザンチン技法の訓練を受けていない画家によって描かれた。これらはビザンチン様式のイコンの版であり、聖母子像がほとんどだが、他の主題のものもある。基本的に、これらは比較的小型で持ち運び可能な額縁付きの絵画を西ヨーロッパにもたらした。金地で描かれていることが非常に多い。13世紀末までイタリア絵画の主流であったが、その頃チマブーエとジョットがイタリア絵画、少なくともフィレンツェ絵画を新たな領域に導き始めた。しかし、この様式は15世紀まで、そして一部の地域や文脈ではそれ以降も続いた。^[7]

ドゥエチェントは13世紀の文化を指すイタリア語です。この時代には、北ヨーロッパで始まったゴシック建築が、少なくとも北部では南下してイタリアに広がりました。アッシジの聖ドミニコと聖フランチェスコによってそれぞれ設立されたドミニコ会とフランシスコ会の修道士たちは、この時代に人気を博し資金も豊富になり、主にゴシックのより安価で装飾の少ないバージョンを使用して大規模な建築計画に乗り出しました。フレスコ壁画の大規模な計画は安価で、会衆の指導に使用できました。丘陵地に1つがもう1つに重ねられた、事実上2つの大きな教会であるアッシジの聖フランチェスコ大聖堂は、その最たる例です。1228年に着工され、チマブーエ、ジョット、シモーネ・マルティーニ、ピエトロ・ロレンツェッティ、そしておそらくピエトロ・カヴァリーニなど、この時代を代表する画家たちのフレスコ画で飾られています。

トレチェントは、14世紀の文化を指すイタリア語です。この時代は、イタリアルネサンスの始まり、あるいは美術史における少なくともプロト・ルネサンスの始まりとみなされています。トレチェントの画家には、ジョット・ディ・ボンドーネのほか、ドゥッチョ・ディ・ブオニンセーニャ、シモーネ・マルティーニ、リッポ・メンミ、アンブロージョ・ロレンツェッティとその兄弟ピエトロなど、14世紀にイタリアで最も重要となったシエナ派の画家たちがいます。重要な 彫刻家には、ジョヴァンニ・ピサーノの2人の弟子、アルノルフォ・ディ・カンビオとティーノ・ディ・カマイノ、そしてボニーノ・ダ・カンピオーネがいます。

中世の画家や彫刻家は、作品に精神的な質を与えようとしました。彼らは、鑑賞者が絵画や彫刻の深い宗教的意味に集中することを望んでいました。しかし、ルネサンスの画家や彫刻家は、ルネサンスの作家と同様に、人間や自然をリアルに描写しようとしました。中世の建築家は、神の偉大さを強調し、人間の精神を謙虚にするために、巨大な大聖堂を設計しました。ルネサンスの建築家は、人体の比率に基づいて建物を設計し、装飾は古代のデザインを模倣しました。

14 世紀初頭、フィレンツェの画家ジョットは、ローマ帝国の崩壊以来初めて自然を写実的に描いた芸術家となりました。ジョットは、アッシジ、フィレンツェ、パドヴァ、ローマの教会のために、素晴らしいフレスコ画 (湿った石膏に描いた絵画) を制作しました。ジョットは、本物の感情を表現した生き生きとした人物像を作ろうとしました。彼は、多くの人物像を現実的な背景で描きました。

15 世紀初頭には、フィレンツェの建築家、画家、彫刻家の注目すべきグループが活躍しました。その中には、画家のマサッチオ、彫刻家のドナテッロ、建築家のフィリッポ・ブルネレスキなどが含まれていました。

マザッチオの最高傑作は、フィレンツェのサンタ・マリア・デル・カルミネ教会のブランカッチ礼拝堂に 1427 年頃に描いた一連のフレスコ画です。このフレスコ画は、聖書の感情の激しさをリアルに表現しています。これらの絵画で、マザッチオはブルネレスキの遠近法のシステムを利用して線遠近法を実現しました。

ドナテッロは彫刻作品の中で、人体の尊厳を写実的かつしばしば劇的なディテールで表現しようとした。彼の傑作には、聖書の英雄ダビデ像が 3 体含まれている。1430 年代に完成したバージョンでは、ドナテッロは巨人ゴリアテを倒した直後の優雅な裸の若者ダビデ像を描いている。高さ約 5 フィート (1.5 メートル) のこの作品は、古代以来西洋美術で制作された最初の大きな自立型裸体像である。

ブルネレスキは、古代ローマ様式の建築を復活させた最初のルネサンス建築家です。彼は、アーチ、柱、その他の古典建築の要素を設計に使用しました。彼の最も有名な建物の 1 つは、美しく調和のとれたバランスのフィレンツェのパッツィ礼拝堂です。1442 年に着工し、1465 年頃に完成したこの礼拝堂は、新しいルネサンス様式で設計された最初の建物の 1 つです。ブルネレスキはまた、画家が平面上に空間と奥行きを表現するための数学的システムで ある線遠近法を習得した最初のルネサンス芸術家でもあります。

15 世紀後半から 16 世紀初頭の芸術は、レオナルド ダ ヴィンチ、ミケランジェロ、ラファエロという 3 人の人物によって支配されていました。

レオナルド・ダ・ヴィンチは、ルネッサンス美術の最も有名な作品のうちの2つ、壁画『最後の晩餐』と肖像画『モナ・リザ』を描いた。レオナルドは歴史上最も探究心の強い人物の1人だった。彼は自然界で見たものすべてがどのように機能するかを知りたかった。4,000ページを超えるノートに、彼は詳細な図を描き、観察結果を記した。レオナルドは人体の仕組みを知ろうと、人間の骨格や筋肉を注意深く描いた。レオナルドの探究心により、レオナルドはルネッサンスの学習と知的好奇心の精神の象徴となった。^[8]

ミケランジェロは画家、建築家、詩人として優れた才能を発揮した。さらに、史上最高の彫刻家とも呼ばれている。^[9]ミケランジェロは人物描写の名手であった。例えば、イスラエルの指導者モーセの有名な像（1516年）は、圧倒的な肉体的、精神的な力の印象を与える。これらの特質は、ミケランジェロがバチカンのシスティーナ礼拝堂の天井に描いた聖書や古典的な題材のフレスコ画にも表れている。1508年から1512年にかけて描かれたこのフレスコ画は、ルネサンス美術の最高傑作の一つに数えられる。

ラファエロの絵画は、ミケランジェロの作品よりも輪郭が柔らかく、詩的です。ラファエロは遠近法の創造と繊細な色使いに長けていました。彼はマドンナ (聖母マリア) の絵画を数多く描き、また多くの傑出した肖像画を描きました。彼の最高傑作の 1 つがフレスコ画「アテネの学堂」です。この絵画は、古代ギリシャとローマのモデルに影響を受けています。この絵画は、古典的なアーチを背景に、古代ギリシャの偉大な哲学者や科学者を描いています。このように、ラファエロは古代文化と当時のイタリア文化を結び付けていました。

盛期ルネサンス建築の創始者はドナト・ブラマンテで、1499年、55歳のときにローマに来ました。彼の最初のローマの傑作であるサン・ピエトロ・イン・モントーリオのテンピエット（1502年）は、古典的な寺院建築を思い起こさせる中央集中型のドーム構造です。教皇ユリウス2世はブラマンテを教皇建築家に選び、2人は協力して4世紀の旧サン・ピエトロ大聖堂を巨大な新しい教会に置き換える計画を考案しました。しかし、このプロジェクトはブラマンテの死後かなり経ってからようやく完成しました。

マニエリスムは優雅な宮廷風のスタイルです。イタリアのフィレンツェで栄え、ジョルジョ・ヴァザーリやブロンズィーノがその代表的人物でした。このスタイルはロッソ・フィオレンティーノとフランチェスコ・プリマティッチオによってフランスの宮廷に紹介されました。ヴェネツィアの画家ティントレットはこのスタイルの影響を受けました。

マニエリスム絵画のアプローチは他の芸術形式にも影響を与えた。建築ではジュリオ・ロマーノの作品が顕著な例である。イタリアのベンヴェヌート・チェッリーニとフランドル生まれのジャンボローニャは彫刻におけるこの様式の代表的な人物であった。^[10]

一部の歴史家は、この時期を盛期ルネサンス古典主義の退化、あるいは盛期ルネサンスとバロックの間の間奏期とみなしており、その場合の日付は通常 1520 年から 1600 年頃であり、それ自体で完結した積極的なスタイルであると考えられています。

17 世紀初頭、ローマは芸術におけるイタリアの優位性回復の中心地となった。パルマでは、アントニオ・ダ・コレッジョが教会の天井を、雲の上にふわふわと浮かぶ生き生きとした人物で飾った。この図案はバロックの天井画に大きな影響を与えた。カラヴァッジョの荒々しい明暗法の絵画や、ボローニャのカラッチ家の力強く幻想的な絵画は、イタリア芸術におけるバロック時代をもたらした。ドメニキーノ、フランチェスコ・アルバーニ、そして後にアンドレア・サッキは、カラッチの芸術に古典的な意味合いをもたらした人物たちである。

一方、グイド・レーニ、グエルチーノ、オラツィオ・ジェンティレスキ、ジョヴァンニ・ランフランコ、そして後にはピエトロ・ダ・コルトーナやアンドレア・ポッツォは、古典的な寓意的様式を徹底的に訓練されていたが、最初はカラヴァッジョに近い方法で、身振り手振りをする人物でいっぱいのダイナミックな構成を描く傾向があった。彫刻と建築におけるバロックの活気と壮大さの圧倒的な名手はジャン・ロレンツォ・ベルニーニであった。1640年頃には、多くの画家が、フランス人亡命者ニコラ・プッサンによってローマにもたらされた古典様式に傾倒していた。彫刻家のアレッサンドロ・アルガルディとフランソワ・デュケノワも古典的傾向があった。後期バロックの著名な芸術家としては、ジェノバのジョヴァンニ・バッティスタ・ガウッリ、ナポリのルカ・ジョルダーノとフランチェスコ・ソリメーナがいる。

18 世紀の主役はヴェネツィアから来ました。その中には、ロココ様式の輝かしい代表者、ジョヴァンニ・バティスタ・ティエポロも含まれていました。建築画家のフランチェスコ・グアルディ、カナレット、ジョバンニ・バッティスタ・ピアツェッタ、ベルナルド・ベロット。そしてローマ古代遺物の彫刻家、ジョバンニ・バティスタ・ピラネージ。

イタリアの新古典主義は、新古典主義として知られる一般的な時代の最も初期の表現であり、他の国における新古典主義の変種よりも長く続きました。1750 年頃にバロック様式に対抗して発展し、1850 年頃まで続きました。新古典主義はポンペイの再発見の頃に始まり、イタリアのグランドツアーからギリシャ・ローマの理想を再発見して帰国した芸術学生の世代とともにヨーロッパ全土に広まりました。

ヨーロッパの他の地域と同様に、イタリアの新古典主義芸術は主に古代ローマと古代ギリシャの芸術と建築の原理に基づいていますが、ヴィラ・カプラの「ラ・ロトンダ」などのイタリアルネサンス建築とその基礎にも基づいています。^[11]イタリアの芸術と建築における古典主義と新古典主義は、イタリアルネサンスの間に、特にレオン・バッティスタ・アルベルティの著作とデザイン、フィリッポ・ブルネレスキの作品に発展しました。

この様式は、古典古代の建築、特に古代ローマの建築に見られるような対称性、比率、幾何学、および部分の規則性を重視しており、その例が数多く残っています。柱、付け柱、まぐさの整然とした配置、および半円形のアーチ、半球形のドーム、壁龕、およびエディクルの使用が、中世の建物のより複雑な比率のシステムと不規則な輪郭に取って代わりました。この様式はすぐに他のイタリアの都市に広がり、後にヨーロッパ大陸の他の地域にも広がりました。

18世紀後半、ローマではアントニオ・カノーヴァやジャック＝ルイ・ダヴィッドなどの芸術家がパリへ移り、まずローマを中心としました。カナレットやジョヴァンニ・パオロ・パニーニなどのヴェドゥータ派の画家たちも、グランドツアー中に大成功を収めました。彫刻家のアントニオ・カノーヴァは、新古典主義様式の代表的な提唱者でした。国際的に有名な彼は、ヨーロッパで最も優れた彫刻家とみなされていました。^[12]フランチェスコ・アイエツは、イタリアにおけるロマン主義の最大の提唱者です。中世を舞台にした彼の作品の多くは、暗号化された愛国的なリソルジメントのメッセージを含んでいます。新古典主義は、ルネッサンスとバロックに続いて、西洋美術全体に広まった最後のイタリア生まれのスタイルでした。

イタリアは、独自の印象派であるマッキアイオーリ派の芸術家を生み出しました。彼らは、ジョヴァンニ・ファットーリ、シルヴェストロ・レーガ、テレマコ・シニョリーニ、ジュゼッペ・アッバティといった有名な印象派の画家たちよりも先に登場した芸術家たちです。マッキアイオーリ派の芸術家たちは、フランスにおける印象派の先駆者でした。彼らは、光と影の領域、つまりマッキエ（文字通り、パッチやスポット）が芸術作品の主な構成要素であると信じていました。マッキアという言葉は、19世紀のイタリアの芸術家や批評家によって、スケッチや絵画のきらめきを表現するのによく使われていました。それは、スケッチ風で即興的な実行によるものでも、全体的な効果の調和のとれた広がりによるものでもかまいません。

1862 年 11 月 3 日、雑誌「ガゼッタ デル ポポロ」に​​掲載された敵対的な批評が、マッキアイオーリという用語が初めて印刷物に登場したことを示しています。^[13]この用語にはいくつかの意味合いがありました。それは、芸術家の完成作品がスケッチに過ぎないことを嘲笑的に暗示し、慣用的に茂みや低木地帯に隠れることを意味する「ダルシ アッラ マッキア」というフレーズを思い起こさせるものでした。実際、芸術家たちはこれらの自然の中で多くの作品を描きました。この名前の意味は、芸術家を無法者と見なすものでもあり、当時の芸術表現を定義する厳格な法律に従って、新しい流派の芸術家たちは芸術のルールの外で活動しているという伝統主義者の見解を反映しています。

20世紀初頭、未来派の代表者たちは現代世界のダイナミックなビジョンを展開し、ジョルジョ・デ・キリコは奇妙な形而上学的静寂を表現し、アメデオ・モディリアーニはパリ派に加わった。才能ある後期近代芸術家としては、彫刻家のジャコモ・マンズー、マリーノ・マリーニ、静物画家のジョルジョ・モランディ、因習打破の画家ルーチョ・フォンターナなどがいる。20世紀後半には、イタリアのデザイナー、特にミラノのデザイナーたちが、想像力豊かで独創的な機能的な作品で国際的なスタイルに大きな影響を与えた。

未来派は1909年から1916年頃まで栄えたイタリアの芸術運動である。これは、生活のあらゆる分野で過去との決別を試みた多くの芸術運動の最初のものであった。未来派は、機械時代の特徴である力、スピード、興奮を称賛した。フランスのキュービズムの画家や多重露光写真から、未来派は現実的な形態を複数の画像と重なり合う色の断片に分解することを学んだ。そのような手段によって、彼らは現代生活のエネルギーとスピードを描写しようとした。文学において、未来派は伝統的な文構造と詩の形式の廃止を要求した。^[15]

未来派が初めて発表されたのは 1909 年 2 月 20 日、パリの新聞「ル・フィガロ」がイタリアの詩人で編集者のフィリッポ・トンマーゾ・マリネッティの宣言文を掲載したときでした(未来派宣言文を参照)。マリネッティは、過去の芸術を捨て、文化と社会における変化、独創性、革新を称えるという自身の目標を反映して、未来派という言葉を造語しました。マリネッティの宣言文は、自動車という新しい技術と、そのスピード、パワー、動きの美しさを称賛していました。暴力と対立を称揚しながら、マリネッティは伝統的な価値観を全面的に否定し、博物館や図書館などの文化施設を破壊するよう呼びかけました。宣言文のレトリックは情熱的で大げさで、その攻撃的な調子は意図的に大衆の怒りをかき立て、論争を巻き起こすことを意図していました。

マリネッティの宣言は、未来派の考えを視覚芸術に応用するミラノの若い画家のグループに影響を与えた。ウンベルト・ボッチョーニ、カルロ・カッラ、ルイージ・ルッソロ、ジャコモ・バッラ、ジーノ・セヴェリーニは、1910年に絵画に関するいくつかの宣言を出版した。マリネッティと同様に、彼らは独創性を称賛し、受け継がれた芸術的伝統に対する軽蔑を表明した。

ボッチョーニは彫刻にも興味を持ち、1912年の春にこの主題に関する宣言書を出版した。彼は自身の理論を2つの彫刻で最も完全に実現したと考えられている。1つは瓶の内側と外側の輪郭を表現した『空間における瓶の発達』 （1912年）で、もう1つは人物が1つの立体としてではなく、人物が移動する空間の複数の平面で構成されているという『空間における連続性の独特な形態』 （1913年）である。写実主義の原則は建築にも及んだ。アントニオ・サンテリアは1914年に建築に関する未来派の宣言書を策定した。高度に機械化された都市と大胆に現代的な高層ビルを描いた彼の先見の明のある図面は、20世紀の最も想像力豊かな建築計画の一部を予見している。

グループの中で最も才能のある芸術家であったボッチョーニ^[16]とサンテリアは、1916年に兵役中に亡くなった。ボッチョーニの死は、グループのメンバーの拡大と第一次世界大戦による荒廃の厳しい現実と相まって、視覚芸術における重要な歴史的勢力としての未来派運動に事実上終焉をもたらした。

形而上絵画は、1917 年にフェラーラのカルロ・カラーとジョルジョ・デ・キリコの作品から生まれたイタリアの芸術運動です。デ・キリコ自身が採用した「形而上的」という言葉は、この運動の詩学の中核をなしています。

彼らは、まるで時間の中で凍りついたかのような人物や物体を描き、夢のようなイメージを描きました。形而上絵画の芸術家は、伝統的な遠近法の空間で目に見える世界を表現することは受け入れますが、ダミーのようなモデルとしての人間の異常な配置、奇妙で非論理的な状況にある物体、非現実的な光と色、静止した人物の不自然な静けさを受け入れます。

ノヴェチェント運動は、1922年にミラノで結成されたイタリアの芸術家グループで、過去の偉大なイタリアの具象芸術への回帰を主張しました。

ノヴェチェント (イタリア語: 20 世紀) 運動の創設メンバーは、批評家のマルゲリータ・サルファッティと 7 人の芸術家 (アンセルモ・ブッチ、レオナルド・デュドレヴィル、アキッレ・フーニ、ジャン・エミリオ・マレルバ、ピエロ・マルッシグ、ウバルド・オッピ、マリオ・シローニ) でした。サルファッティのリーダーシップの下、このグループはヨーロッパの前衛運動を拒否し、イタリアの芸術的伝統を受け入れることで、イタリアの芸術を刷新しようとしました。

ノヴェチェントに関連した他のアーティストには、彫刻家のマリーノ マリーニとアルトゥーロ マルティーニ、画家のオットーネ ロザイ、マッシモ カンピグリ、カルロ カッラ、フェリーチェ カゾラーティが含まれます。

イタリアの芸術家ルーチョ・フォンタナによって空間主義として創設された運動であり、その信条は 1947 年から 1954 年にかけてのマニフェストで繰り返されました。

コンクリートアート、ダダ、タキズムの要素を組み合わせたこの運動の支持者は、イーゼル画を拒否し、新しい技術開発を受け入れ、時間と動きを作品に取り入れようとしました。フォンタナの切り裂かれたり穴が開けられたりした絵画は、彼の主張を例示しています。

アルテ ポーヴェラは、 1960 年代にイタリアで始まった芸術運動で、コンセプチュアル アート、ミニマリスト アート、パフォーマンス アートの側面を組み合わせ、土や新聞紙などの価値のないありふれた素材を利用して、芸術の商業化を打破することを目指しています。このフレーズはイタリア語で、文字通り「貧しい芸術」を意味します。

トランスアヴァンギャルドという用語は、イタリアの批評家アキッレ・ボニート・オリヴァが考案したものです。彼は、トランスアヴァンギャルドの芸術を、形式が伝統的（つまり、ほとんどが絵画や彫刻）で、非政治的で、何よりも折衷的であると定義しました。

2017年にイタリアで改正された文化財および景観に関する法典によると、^{[17] [18]}芸術作品は完成から70年以上経過していれば、法的に公共および文化的関心の対象と定義できる。これまでの制限は50年だった。価値の保存手段としての美術品の輸出と国際取引を容易にするため、初めて民間の所有者とそのディーラーに、13,500ユーロ未満の商業価値を自己証明する権限が与えられ、行政の許可を必要とせずに国境から商品を輸出し、欧州連合に持ち込むことが許可された。^{[19] [20]} この法案は可決され、2017年8月29日に発効した。 ^[18]地中または海面下で発見された考古学的遺跡には公的許可が与えられる。^[17]

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• [2] イタリア美術. kdfineart-italia.com.ウェブ. 2011年10月5日.
• [3] 2020年6月15日アーカイブ、Wayback Machineより。イタリアとトスカーナ風の美術。italianartstudio.com 。ウェブ。2011年10月5日。
• [4] イタリア美術ノート