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オーボエ（/ ˈoʊboʊ / OH -boh ）は、ダブルリードの木管楽器の一種です。オーボエは通常木製ですが、プラスチック、樹脂、複合材などの合成素材で作られることもあります。
最も一般的なオーボエの種類であるソプラノオーボエはC調で、長さは約65cm （25 + 1 / 2インチ）で、金属製のキー、円錐形の管、広がったベルを備えています。音は、リードに十分な空気圧で息を吹き込むことで、空気柱とともに振動させることによって発生します。[ 1 ]独特の音色は汎用性が高く、「明るい」と表現されています。[ 2 ]オーボエという言葉が単独で使用される場合、一般的にはバスオーボエ、コーラングレ（イングリッシュホルン）、オーボエダモーレなどの他の楽器ではなく、ソプラノ楽器を指すものと解釈されます。
今日、オーボエは交響楽団、コンサートバンド、室内楽団において、オーケストラ楽器またはソロ楽器として一般的に使用されています。オーボエは特にクラシック音楽、映画音楽、一部のフォーク音楽で使用され、ジャズ、ロック、ポップ、ポピュラー音楽でも時折耳にすることができます。オーボエは、その特徴的なA音でオーケストラの調律を行う楽器として広く認識されています。[ 3 ]
オーボエを演奏する音楽家はオーボエ奏者と呼ばれる。
他の現代の木管楽器と比較すると、ソプラノオーボエは「明るく突き抜けるような」音色を持つと言われることがある。[ 4 ] [ 5 ] 1695年にヘンリー・プレイフォードが出版した教則本『 The Sprightly Companion』では、オーボエは「荘厳で堂々としており、トランペットにそれほど劣らない」と表現されている。[ 6 ]劇『エンジェルス・イン・アメリカ』では、その音色は「アヒルが鳴き鳥だったら、アヒルの鳴き声のようだ」と表現されている。[ 7 ]豊かな音色は、円錐形の管（フルートや クラリネットの一般的な円筒形の管とは対照的）に由来する。そのため、オーボエは突き抜けるような音色のため、大規模なアンサンブルでは他の楽器よりも聞き取りやすい。[ 8 ]最高音は、B ♭クラリネットの名目上の最高音よりも半音低い。クラリネットは音域が広いため、B ♭クラリネットの最低音はオーボエの最低音よりもかなり低い（短6度）です。[ 9 ]
標準オーボエの楽譜はコンサートピッチで書かれており（つまり、移調楽器ではない）、楽器の音域は通常 B ♭ 3からG6までのソプラノです。オーケストラは、第 1 オーボエで演奏されるコンサート Aにチューニングします。 [ 10 ]アメリカオーケストラ連盟によると、これはピッチが安定しており、その鋭い音がチューニングに最適であるためです。[ 11 ]オーボエのピッチは、リードの作り方によって影響を受けます。リードは音に大きな影響を与えます。葦やその他の構成材料のばらつき、リードの古さ、削り具合や長さの違いはすべてピッチに影響します。たとえば、ドイツ製とフランス製のリードは多くの点で異なり、それに応じて音も異なります。気温や湿度などの気象条件もピッチに影響します。熟練したオーボエ奏者は、これらの要因を補正するためにアンブシュアを調整します。アンブシュアと空気圧の微妙な操作により、オーボエ奏者は音色とダイナミクスを表現できます。
オーボエはファゴットに使われるものと同様のダブルリードを使用します。[ 12 ]プロのオーボエ奏者のほとんどは、自分のニーズに合わせてリードを自作します。リードを自作することで、オーボエ奏者は音色、イントネーション、反応性などの要素を正確に制御できます。また、個々のアンブシュア、口腔、オーボエの角度、息の支えなども考慮に入れることができます。
初心者のオーボエ奏者は、リードを作るのは難しく時間がかかるため、自分でリードを作ることはほとんどなく、代わりに楽器店でリードを購入することが多い。市販の葦のリードは、硬さが数種類あり、中程度のリードが非常に人気があり、ほとんどの初心者は中程度の柔らかさのリードを使用する。これらのリードは、クラリネット、サクソフォン、ファゴットのリードと同様に、アオアシから作られている。オーボエ奏者は経験を積むにつれて、教師のモデルに従って自分でリードを作り始めたり、手作りのリード（通常はプロのオーボエ奏者から）を購入し、ガウジャー、プレガウジャー、ギロチン、シェイパーチップ、ナイフなどの特別な道具を使用して、好みに合わせてリードを作成および調整するようになる。[ 13 ]リードは、それぞれのリードの個性が一貫した音を出すことを難しくするため、オーボエを非常に難しくする部分と考えられている。温度、湿度、高度、天候、気候のわずかな変化もリードの音に影響を与える可能性があり、リードの物理的な微細な変化も同様である。[ 14 ]
オーボエ奏者は、一貫した音色を得るため、またリードの欠けなどの環境要因やその他の危険に備えるために、複数のリードを用意することがよくあります。オーボエ奏者によって、最適な音色を出すためのリードの浸し方には好みの方法が異なる場合がありますが、最も好まれる方法は、演奏前にリードを水に浸すことです。[ 15 ]
プラスチック製のオーボエリードはめったに使用されず、クラリネットなどの他の楽器用のプラスチックリードよりも入手しにくい。しかし、それらは存在し、Legereなどのブランドによって製造されている。[ 16 ]
スペインとポルトガルが新大陸を征服する何世紀も前に、文化交流により、チリミアの初期バージョンが中東からヨーロッパに伝わりました。十字軍は、ヨーロッパ人にトルコ・アラビアのズルナとの接触をもたらしました。しかし、オーボエのルーツはさらに遡り、エジプトやメソポタミアなどの古代のリード楽器、ギリシャのアウロス、ローマのティビアと関連しています。暗黒時代に西欧でほぼ失われたオーボエは、13世紀にアラビアのズルナとともに再出現し、ヨーロッパのバグパイプを経て進化し、最終的に17世紀にフランスのオーボエとなり、この時が近代オーボエの歴史が本格的に始まったのです。[ 17 ] 1770年以前の英語では、標準的な楽器はオーボエ、ホーボーイ、またはフランス語のホーボーイ（/ ˈhoʊbɔɪ / HOH -boy ）と呼ばれていました。これはフランス語のhautbois [ obwɑ ]から借用されたもので、haut (「高い」、「大きな」) とbois (「木」、「木管楽器」)からなる複合語です。 [ 18 ] このフランス語は英語で「高音の木管楽器」を意味します。oboe の綴りは、17 世紀のフランス語の発音を音訳したイタリア語の oboè から、1770年頃に英語に取り入れられました。
通常のオーボエは17世紀半ばに初めて登場し、当時はオーボワと呼ばれていました。この名前は、オーボワの基本形が派生した前身のシャウムにも使用されていました。[ 19 ] 2つの楽器の主な違いとしては、オーボワが3つのセクション、つまりジョイントに分割されていること（これにより、より精密な製造が可能になった）、そして演奏者が唇を休ませるためのリードの下にある木製の棚であるピルエットが廃止されたことが挙げられます。
オーボエの正確な起源の日付と場所は不明であり、発明者も不明である。フルート奏者で作曲家のミシェル・ド・ラ・バールが回想録の中で述べているような状況証拠は、フィリドール家とオッテテール家のメンバーを指し示している。実際には、この楽器には複数の発明者がいた可能性がある。[ 20 ]オーボエは、イギリスを含むヨーロッパ全土に急速に広まり、イギリスでは、フランス語名の類似した変形であるhautboy、hoboy、hautboit、howboyeなどと呼ばれた。 [ 21 ]クラリネットに取って代わられるまで、初期の軍楽隊では主要な旋律楽器であった。[ 22 ]
標準的なバロックオーボエは一般的にツゲ材で作られ、3 つのキーがあります。「大」キーと 2 つのサイドキーです (サイドキーは、下側の穴で右手または左手を使用しやすくするために、しばしば 2 つになっています)。より高い音を出すには、演奏者は「オーバーブロー」、つまり次の倍音に到達するために空気の流れを増やす必要があります。この時代の著名なオーボエ製作者には、ドイツのヤコブ・デンナーと JH アイヒェントップ、イギリスのトーマス・スタネスビー (1734 年没) とその息子トーマス・ジュニア (1754 年没) がいます。バロックオーボエの音域は、C 4からD 6まで快適に演奏できます。20 世紀半ば、古楽への関心が再燃すると、数人の製作者が現存する歴史的な楽器の仕様に基づいてコピーを作り始めました。
古典派時代には、徐々に内径が狭くなった通常のオーボエが登場し、楽器には D♯、F、G♯ の音のためのキーを含むいくつかのキーが装備されるようになりました。現代のオクターブ キーに似た「スラー キー」と呼ばれるキーも追加されましたが、最初は現代のドイツ製ファゴットの「フリック キー」のように使われていました。[ 23 ]後にフランスの楽器製作者がオクターブ キーを現代のキーのように（つまり、高音域では開いたまま、低音域では閉じたまま）使えるように再設計しました。内径が狭くなったことで高音域が演奏しやすくなり、作曲家は作品の中でオーボエの高音域をより頻繁に使うようになりました。このため、古典派時代のオーボエの音域はバロック時代の作品よりもやや広くなりました。クラシックオーボエの音域は（科学的な音高表記法を用いた場合） C4からF6までだが、ドイツ製やオーストリア製のオーボエの中には、それより1～2半音低い音も出せるものがある。
古典派時代の作曲家の中には、オーボエ協奏曲を作曲した者が何人もいます。モーツァルトは、ハ長調のソロ協奏曲 K. 314/285d と、失われた変ホ長調協奏交響曲 K. 297b の原曲、さらにヘ長調協奏曲 K. 417f の断片を作曲しました。ハイドンは、変ロ長調協奏交響曲Hob . I:105 と、偽作とされるハ長調協奏曲 Hob. VIIg:C1 を作曲しました。ベートーヴェンは、ヘ長調協奏曲 Hess 12 を作曲しましたが、現存するのはスケッチのみです（ただし、第 2 楽章は 20 世紀後半に復元されました）。ヨハン・クリスティアン・バッハ、ヨハン・クリスティアン・フィッシャー、ヤン・アントニン・コジェルー、ルートヴィヒ・アウグスト・ルブランなど、その他多くの作曲家もオーボエのための作品を作曲しました。古典派時代の室内楽、交響曲、オペラ作品には、通常のオーボエのためのソロ曲が数多く存在します。
ウィーンオーボエは、歴史的なオーボエの基本的な内径と音色特性を保持した現代のオーボエの一種です。アカデミーモデル・ウィーンオーボエは、19 世紀後半にドレスデンの CT ゴルデ (1803–73) の初期の楽器を基にヨーゼフ・ハジェクによって初めて開発され、現在ではアンドレ・コンスタンティニデス、カール・ラド、グントラム・ヴォルフ、クリスティアン・ラウフ、ヤマハなどの複数のメーカーによって製造されています。内径が広く、リードが短く幅広で、運指システムはコンセルヴァトワールオーボエとは大きく異なります。[ 24 ]『オーボエ』の中で、ジェフリー・バージェスとブルース・ヘインズは、「違いは、中音域で最も顕著に表れており、中音域はリードがより強く、より鋭く、高音域はウィーンオーボエの方が倍音が豊かである」と書いています。[ 25 ]グントラム・ヴォルフは次のように説明しています。「管のコンセプトからすると、ウィーンオーボエは歴史的なオーボエの最後の代表であり、より大きな音量のオーケストラに適応し、広範なメカニズムを備えています。その最大の利点は、最低音域でも発音しやすいことです。非常に表情豊かに演奏でき、他の楽器ともよく調和します。」[ 26 ]ウィーンオーボエは、ウィーンホルンとともに、ウィーンフィルハーモニー管弦楽団の楽器の中で最も特徴的な楽器の一つと言えるでしょう。
このオーボエは、19世紀にパリのトリエベール家によってさらに改良されました。ベームフルートをキー機構のアイデアの源として、ギヨーム・トリエベールとその息子シャルルとフレデリックは、ますます複雑でありながら機能的な一連のキーシステムを考案しました。大きな音孔を使用した変種であるベームシステムオーボエは、20世紀までヨーロッパの一部の軍楽隊で使用されていましたが、一般的には使用されませんでした。パリのF.ロレーは、現代の楽器にさらなる改良を加えました。20世紀を通じて、管径とキー機構の小さな改良が続けられましたが、数十年間、楽器の一般的な特性に根本的な変化はありませんでした。[ 27 ]
現代の標準的なオーボエは、アフリカンブラックウッドとしても知られるグラナディラで作られることが最も一般的ですが、一部のメーカーは、ココボロ、ローズウッド、バイオレットウッド（キングウッドとしても知られる）など、ダルベルギア属の他の種からオーボエを作ることもあります。黒檀（ディオスピロス属）も使用されています。学生用モデルのオーボエは、楽器をより安価で耐久性のあるものにするために、プラスチック樹脂で作られることがよくあります。アフリカと中央アメリカでの保護活動は、グラナディラ、ココボロ、ローズウッドの価格上昇の一因となっています。[ 28 ]
オーボエは非常に細い円錐形の管を持っています。演奏には、細い金属管（ステープル）に2枚の薄い葦の葉を結び付けたダブルリードを使用し、楽器上部のリードソケットに差し込みます。オーボエの一般的な音域はB ♭ 3から約G6までで、2オクターブ半に及びますが、一般的な音域はC4からE ♭ 6です。学生用オーボエの中にはB ♭キーがなく、 B3までしか出せないものもあります。
現代のオーボエは、「フル コンセルヴァトワール」（米国では「コンセルヴァトリー」）またはジレ キー システムを採用しており、45 個のキー ピースを備えています。さらに、第 3 オクターブ キーと代替 (左手の小指) F キーまたは C キーを追加することも可能です。キーは通常ニッケル シルバー製で、銀メッキ、またはまれに金メッキが施されています。フル コンセルヴァトワール システム以外にも、オーボエは英国式のサム プレート システムを使用して製造されています。ほとんどのオーボエは、第 2 オクターブの動作で第 1 オクターブを閉じる「セミ オートマチック」オクターブ キーを備えており、サクソフォンで使用されているような完全自動オクターブ キー システムを備えたものもあります。フル コンセルヴァトワール オーボエの中には、指穴がプレートではなくリングで覆われているもの (「オープン ホール」) があり、プロ モデルのほとんどは、少なくとも右手の第 3 キーがオープン ホールになっています。英国とアイスランドで使用されているプロ用オーボエは、コンセルヴァトワール システムとサム プレートを組み合わせたものが多く見られます。親指プレートを離すと、右手の人差し指キーを押し下げるのと同じ効果が得られます。これにより、一般的なクロスインターバル（2つ以上のキーを同時に離したり押し下げたりする必要があるインターバル）のほとんどが不要になる代替オプションが生まれます。クロスインターバルは、周波数変化全体を通して音が明瞭かつ連続的になるように演奏するのが非常に難しいためです（この音質はレガートとも呼ばれ、オーボエのレパートリーでよく求められます）。
標準的なオーボエには、さまざまなサイズと音域を持つ兄弟楽器がいくつかあります。今日最も広く知られ、使用されているのは、アルト楽器であるコーラングレ（イングリッシュホルン）です。移調楽器であり、オーボエより完全5度低いF音に調律されています。オーボエ・ダモーレは、メゾソプラノ楽器であり、オーボエより短3度低いA音に調律されています。J.S .バッハは、コーラングレのバロック時代の前身であるタイユやオーボエ・ダ・カッチャだけでなく、オーボエ・ダモーレも幅広く使用しました。
あまり一般的ではないが、バスオーボエ（バリトンオーボエとも呼ばれる）は、オーボエより1オクターブ低い音域を持つ。デリウス、シュトラウス、ホルストはこの楽器のために作曲した。[ 29 ]
バスオーボエに似たヘッケルフォンは、バリトンオーボエよりも内径が広く、音色も大きい。これまでに製造されたヘッケルフォンはわずか165台。この楽器の極めて希少性から、熟練したヘッケルフォン奏者を見つけるのは難しい。[ 30 ]
最も一般的でないのは、ミュゼット（オーボエミュゼットまたはピッコロオーボエとも呼ばれる）、ソプラニーノ（通常はオーボエよりE ♭またはFの音程）、そしてコントラバスオーボエ（通常はCの音程で、標準的なオーボエより2オクターブ低い）である。
ヨーロッパ各地には、複雑なキー機構を備えたものもある民俗的なオーボエが存在する。例えば、フランスのミュゼット、ブルターニュ地方のピストンオーボエやボンバルド、イタリアのピフェロやチャラメラ、スペインのキシリミア（チリミアとも綴られる）などが挙げられる。これらの多くは、特にイタリアのムサやザンポニャ、ブルターニュのビニウといった、地域特有のバグパイプと共演されることが多い。
デイヴィッド・ストックの協奏曲「オボラマ」では、オーボエとその構成楽器が独奏楽器としてフィーチャーされ、各楽章ごとに楽器が変わります。（例：第3楽章はオーボエ・ダモーレ、第4楽章はバスオーボエ）
ジャズ音楽においてオーボエは依然として一般的ではないが、注目すべき使用例も存在する。1920年代から1930年代にかけての初期のバンド、中でもポール・ホワイトマンのバンドは、音色を豊かにするためにオーボエを取り入れていた。この時代、オーボエは主にダンスバンドの音楽に用いられたが、時折、サックスのようにソロ演奏でオーボエ奏者が使われることもあった。こうしたオーボエ奏者は、ほとんどの場合、既にバンドやオーケストラで別の木管楽器を演奏していた。マルチ楽器奏者のガービン・ブシェル（1902年 - 1991年）は、1924年にはすでにジャズバンドでオーボエを演奏しており、生涯を通じてこの楽器を使用し、最終的には1961年にジョン・コルトレーンとレコーディングを行った。 [ 33 ] 1950年代初頭にオーボエ（およびその近縁のイングリッシュホルン）でソロを演奏し、レコーディングを行った最初の現代ジャズミュージシャンはボブ・クーパーで、彼はフルート奏者兼サックス奏者のバド・シャンクと共にグループで演奏し、数多くのレコーディングを行った。ギル・エヴァンスは、トランペット奏者のマイルス・デイヴィスとの有名なコラボレーション「スケッチズ・オブ・スペイン」の一部でオーボエをフィーチャーした。主にテナーサックスとフルート奏者であるユセフ・ラティーフは、現代ジャズの演奏やレコーディングでオーボエをソロ楽器として使用した最初の人物の一人である（1961年）。作曲家でありコントラバス奏者でもあるチャールズ・ミンガスは、1963年のアルバム『ミンガス・ミンガス・ミンガス・ミンガス』に収録されている楽曲「IX Love」で、オーボエに短いながらも重要な役割（ディック・ヘイファーが演奏）を与えた。
1960年代後半にジャズ・フュージョンが誕生し、その後10年間にわたって発展を続ける中で、オーボエはやや存在感を増し、時にはサックスに代わって中心的な役割を担うようになった。ウェールズ出身のマルチ楽器奏者カール・ジェンキンスは、ニュークリアスやソフト・マシーンといったグループでの活動でオーボエを大いに活用し、アメリカの木管楽器奏者ポール・マッキャンドレスは、ポール・ウィンター・コンソート、そして後にオレゴンを共同設立するなど、オーボエを多用して成功を収めた。
1980年代には、クラシック以外の音楽に挑戦するオーボエ奏者が増え、多くの著名な奏者がオーボエでオルタナティブミュージックを録音・演奏している。マリア・シュナイダー・オーケストラなど、クラシック音楽の影響を受けた現代のジャズグループの中には、オーボエをフィーチャーしているものもある。[ 34 ]
インディーズのシンガーソングライター兼作曲家のスフィアン・スティーヴンスは、学校でこの楽器を学んだ経験から、アレンジや作曲にこの楽器をよく取り入れており、特に地理的な音詩であるイリノイ、ミシガンで頻繁に使用されている。[ 35 ]ピーター・ガブリエルはジェネシスのメンバーだった頃にオーボエを演奏しており、特に「ザ・ミュージカル・ボックス」でその演奏が際立っている。 [ 36 ]ロキシー・ミュージックのアンディ・マッケイはオーボエを演奏しており、時にはワウペダルを使用することもある。
10ccの1977年のアルバム『Deceptive Bends 』に収録されている「Modern Man Blues」では、曲のイントロ、ブリッジ、ギターソロのセクションで、エコーのかかったオーボエのモチーフが使われている。このパートは、バンドのサウンドエンジニアであり、時折音楽面で協力もしていたトニー・スパースが演奏した。
R.E.M.の「Nightswimming 」（1993年）の最後の3分の1では、デボラ・ワークマンによるソロ・オーボエが印象的にフィーチャーされている。まず短いソロを演奏し、その後、曲のアウトロでは、そのソロ・テーマを優しくリフで奏で、曲の終わりへと導いてくれる。
オーボエは映画音楽で頻繁に用いられ、特に感動的なシーンや感情的なシーンを強調するために使われることが多い。例えば、1989年の映画『7月4日に生まれて』が挙げられる。映画音楽におけるオーボエの最も顕著な使用例の一つは、エンニオ・モリコーネが1986年の映画『ミッション』のために作曲した「ガブリエルのオーボエ」である。
2002年の映画『スター・ウォーズ エピソード2/クローンの攻撃』のジョン・ウィリアムズ作曲のスコアのテーマ「アクロス・ザ・スターズ」では、ソロ楽器としてフィーチャーされている。[ 37 ]
オーボエは、ニーノ・ロータ作曲の映画『ゴッドファーザー』（1972年）のスコアにある「愛のテーマ」でもソロ楽器としてフィーチャーされている。[ 38 ]
ニューヨーク・タイムズのジェシー・グリーンによれば、プロの演奏家や愛好家はオーボエを「サディストが発明した楽器」「技術的に非常に扱いにくい楽器」、そして演奏者が楽器を習い始めて最初の3年間は「野鴨」のような音色だと評している。その「不安定で鼻にかかったような音色」と、突き刺すような音色でありながら独特の慰めとなる音色から、「憂鬱なリード」「元気な相棒」「何の役にも立たない悪い風」といったニックネームが付けられている。[ 28 ]