ティンパニー

基本的なティンパノは、通常銅製のボウルの開口部に張られたドラムヘッドで構成されています^{[ 11 ]}。安価なモデルでは、グラスファイバーやアルミニウムが使用されています。ホルンボステル・ザックスの分類では、これはティンパニ膜鳴楽器に分類されます。ヘッドはフープ（肉フープとも呼ばれる）に取り付けられており^{[ 6 ] [ 12 ]} 、このフープはカウンターフープによってボウルに固定されています^{[ 6 ] [ 13 ]}。カウンターフープは通常、周囲に一定間隔で配置されたテンションロッドと呼ばれる複数のチューニングネジで固定されています。ヘッドの張力は、ロッドを緩めたり締めたりすることで調整できます。ほとんどのティンパニには6～8本のテンションロッドがあります^{[ 11 ] 。}

ボウルの表面の形状と材質は、ドラムの音色を決定するのに役立ちます。たとえば、半球形のボウルは明るい音色を生み出し、放物線状のボウルは暗い音色を生み出します。^{[ 14 ]}現代のティンパニは、アルミニウムやグラスファイバーに比べて内部と外部の温度を効率的に調整できるため、一般的に銅で作られています。^{[ 15 ]}

ティンパニには、直径約33 インチ (84 cm)の大きなものから、 12 インチ (30 cm)以下のピッコリ ティンパニまで、さまざまなサイズがあります。 ^{[ 6 ]} 33 インチのドラムは C _{2 (}低音記号の下の C ) を出すことができ、特殊なピッコリ ティンパニは高音記号まで演奏できます。ダリウス ミヨーの 1923 年のバレエ音楽「世界の創造」では、ティンパニ奏者は F♯ 4 (高音記号の一番下) を演奏する必要があり_ます。  

それぞれのドラムの音域は通常、完全5度、つまり7半音である。^{[ 6 ]}

ティンパニの音程を各張力棒を個別に回して変更するのは骨の折れる作業です。19 世紀後半には、ヘッド全体の張力を一度に変更する機械式システムが開発されました。このようなシステムを備えたティンパニはすべて機械式ティンパニとみなすことができますが、この用語は一般的に、スパイダー型のチューニング機構に接続されたハンドルを使用するドラムを指します。^{[ 11 ]}

ペダルティンパニ

現在最も一般的に使用されているティンパニはペダル式ティンパニで、ペダル機構を使ってヘッドの張力を調整できます。通常、ペダルは鋳造金属または金属棒（スパイダーと呼ばれる）の集合体を介して張力調整ネジに接続されています。

現在一般的に使用されているペダル機構には、主に3種類あります。

• ラチェットクラッチシステムは、ラチェットと爪を使ってペダルを所定の位置に保持します。ティンパニ奏者は、ペダルを使ってドラムの音程を調整する前に、まずクラッチを解除する必要があります。目的の音程に達したら、再びクラッチを作動させます。ラチェットは固定された位置でのみ作動するため、ティンパニ奏者は微調整ハンドルを使ってドラムの音程を微調整する必要があります。
• バランスアクションシステムでは、スプリングまたは油圧シリンダーを使用してヘッドの張力をバランスさせることで、ペダルが所定の位置に留まり、ヘッドのピッチが維持されます。バランスアクションドラムのペダルは、固定するためのクラッチがないため、フローティングペダルと呼ばれることもあります。
• 摩擦クラッチ、またはポストアンドクラッチシステムは、ポストに沿って移動するクラッチを使用します。クラッチを解除すると、クラッチがポストから解放され、ペダルが自由に動くようになります。

プロ仕様のティンパニは、ラチェット式またはフリクション式のシステムを採用し、銅製のボウルを備えています。これらのドラムには、2種類のペダルがあります。ドレスデン式ペダルは、ティンパニ奏者に最も近い側に取り付けられ、足首の動きで操作します。ベルリン式ペダルは、長いアームを介してティンパニの反対側に取り付けられ、ティンパニ奏者は脚全体を使ってピッチを調整する必要があります。ペダルに加えて、高級楽器には手動式の微調整機能があり、ティンパニ奏者は微調整を行うことができます。ペダルは、設置方向に応じてドラムの左側または右側に配置されます。

大学レベル以下のほとんどの学校の吹奏楽部やオーケストラでは、銅、グラスファイバー、またはアルミニウム製のボウルを備えた、より安価で耐久性の高いティンパニが使用されています。これらの楽器の機械部品は、フレームとボウルの中にほぼ完全に収められています。ペダル機構はどれでも使用できますが、バランスアクションシステムが圧倒的に多く、次いでフリクションクラッチシステムが一般的です。多くのプロの演奏家も、耐久性と軽量性から、これらのドラムを野外演奏に使用しています。ペダルはドラム本体の中央にあります。

チェーンティンパニでは、張力ロッドは自転車によく見られるローラーチェーンで接続されていますが、メーカーによってはスチールケーブルなどの他の素材を使用している場合もあります。これらのシステムでは、すべての張力調整ネジを1つのハンドルで締めたり緩めたりできます。ペダルティンパニほど一般的ではありませんが、チェーン式およびケーブル式のドラムにも実用的な用途があります。ティンパニ奏者は、足でドラムに届かないように、他の物の後ろにドラムを置かざるを得ない場合があります。また、プロの演奏家は、特別な低音や高音を出すために、非常に大きな、または小さなチェーン式およびケーブル式のドラムを使用することもあります。

珍しい調律機構により、ドラム自体を回転させることで音程を変えることができる。同様のシステムはロトタムにも用いられている。マレット打楽器でより有名なジェンコ社も、この方式で調律されたティンパニを製造していた。

20世紀初頭、ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団のティンパニ奏者ハンス・シュネラーは、ボウルをベースに接続されたハンドルで動かし、ヘッドは固定したままにする調律機構を開発した。これらの楽器はウィーン・ティンパニ（Wiener Pauken）またはシュネラー・ティンパニと呼ばれている。^{[ 16 ]}アダムス・ミュージカル・インストゥルメンツは、 21世紀初頭にこの調律機構のペダル操作バージョンを開発した。

ほとんどのドラムヘッドと同様に、ティンパニのヘッドは、動物の皮（通常は子牛の皮またはヤギの皮）^{[ 6 ]}またはプラスチック（通常はPETフィルム）の2つの素材で作ることができます。プラスチックのヘッドは耐久性があり、耐候性があり、比較的安価です。そのため、皮のヘッドよりも一般的に使用されています。しかし、多くのプロのティンパニ奏者は、より「温かみのある」音色を生み出すため、皮のヘッドを好みます。ティンパニのヘッドは、ボウルではなくヘッドのサイズに基づいて決定されます。たとえば、23インチ（58cm ）のドラムには、25インチ（64cm）のヘッドが必要になる場合があります。この2インチ（5cm ）のサイズの違いは、1978年以来、ほとんどのティンパニメーカーによって標準化されています。^{[ 17 ]}   

標準的なティンパニ（コンソールと呼ばれることもある）は、直径がおよそ81 センチメートル (32インチ)、74 センチメートル (29インチ)、66 センチメートル (26インチ)、58 センチメートル (23インチ)の 4 つのドラムで構成されています。^{[ 22 ]}このセットの音域はおよそD ₂から A ₃です。オーケストラのレパートリーの大部分は、これらの 4 つのドラムを使用して演奏できます。しかし、現代の作曲家は、より広い音域のために作曲しています。イゴール・ストラヴィンスキーは、特にB _{3に調律された}ピッコロ ティンパノのために「春の祭典」を作曲しています。ピッコロ ドラムは通常直径51 センチメートル (20インチ)で、C ₄までの音を出すことができます。     

この拡張された 5 つの楽器セット以外に、追加されるドラムはすべて非標準です。(ルイージ・ノーノの「アル・グラン・ソーレ・カリコ・ダモーレ」では、最大 11 個のドラムが必要で、実際のメロディーは 2 人の奏者によってオクターブで演奏されます。) 多くのプロのオーケストラやティンパニ奏者は、複数のティンパニセットを所有しており、標準的な 4 個または 5 個のドラムセットではより正確に演奏できない音楽を演奏することができます。多くの学校や青少年オーケストラアンサンブルは、この機材を購入する余裕がないため、2 個または 3 個のティンパニのセットに頼ることが多く、これは「オーケストラ 3 台」と呼ばれることもあります。^{[ 6 ]}これは、 74 センチメートル (29インチ)、66 センチメートル (26インチ)、および58 センチメートル (23インチ)のドラムで構成されています。その音域は F ₂までしか及びません。   

ドラムは演奏者の周りに弧を描くように配置されます。伝統的に、北米、イギリス、フランスのティンパニ奏者は、最も低いドラムを左に、最も高いドラムを右に配置します（一般にアメリカ式と呼ばれます）。一方、ドイツ、オーストリア、ギリシャの奏者は、ドラムセットやアップライトベースに似せるため、逆の順序で配置します（ドイツ式）。^{[ 6 ]}この区別は厳密なものではなく、多くの北米の奏者がドイツ式の配置を使用し、その逆もまた然りです。

ティンパニ奏者は、教育課程を通して打楽器奏者として訓練を受け、ティンパニだけでなく打楽器族のすべての楽器の演奏方法を学びます。しかし、プロのアンサンブルで首席ティンパニ奏者に任命された場合、通常、ティンパニ奏者は他の楽器を演奏する必要はありません。ノーマン・デル・マーは著書『オーケストラの解剖学』の中で、ティンパニ奏者は「自分の担当する領域の王」であり、「優れたティンパニ奏者はオーケストラ全体の基準を実際に設定する」と述べています。打楽器セクションの資格のあるメンバーは、複数のティンパニ奏者を必要とするレパートリーで演奏したり、必要に応じて首席ティンパニ奏者の代役を務めたりするために、副ティンパニ奏者を兼任することもあります。

20世紀にティンパニの発展に多大な貢献をし、その卓越した技巧が高く評価された専門家には、ソール・グッドマン（1907-1996）、ハンス・シュネラー（1865-1945）^{[ 23 ]} 、フレッド・ヒンガー（1920-2001）^{[ 24 ]} 、トム・フリーア、クロイド・ダフ（1915-2001）^{[ 25 ]などがいる。}

ティンパニのための協奏曲はいくつか作曲されており、ティンパニとオーケストラの伴奏のための作品もある。18世紀の作曲家ヨハン・フィッシャーは、8台のティンパニとオーケストラのための交響曲を作曲しており、独奏ティンパニ奏者は8台のティンパニを同時に演奏する必要がある。同時代の作曲家ゲオルク・ドルシェツキーとヨハン・メルヒオール・モルターも、ティンパニとオーケストラのための作品を作曲している。19世紀から20世紀にかけて、ティンパニのための新しい協奏曲はほとんど作曲されなかった。1983年、ロサンゼルス・フィルハーモニックの首席ティンパニ奏者ウィリアム・クラフトは、ティンパニとオーケストラのための協奏曲を作曲し、ケネディ・センター・フリードハイム賞で第2位を受賞した。他にもティンパニ協奏曲はあり、特に20世紀後半で最も影響力のある作曲家の一人とされるフィリップ・グラス^{[ 26 ]}は、ソリストのジョナサン・ハースの依頼で「2人のティンパニ奏者とオーケストラのための協奏曲幻想曲」というタイトルの二重協奏曲を作曲しており、ソリストはそれぞれ9つのティンパニを演奏する^{[ 27 ] 。}

一般的な演奏では、ティンパニ奏者は縁から約4 インチ (10 cm)内側のヘッドを叩きます。 ^{[ 22 ]}この場所を叩くと、ティンパニによく関連付けられる丸く響く音が生まれます。ティンパニ ロール(楽譜ではtrまたは3 つのスラッシュで示されることが最も一般的) は、ティンパニをさまざまな速度で叩くことによって実行されます。ストロークの速度はドラムのピッチによって決まり、ピッチの高いティンパニは、ピッチの低いティンパニよりも速いロールが必要です。ティンパニ ロールを演奏するときは、通常、サステインを長くするためにマレットを数インチ離して持ちます。^{[ 28 ]}アントン ブルックナーの交響曲第 7 番では、ドラムを 2 分半以上連続してロールする必要があります。一般的に、ティンパニ奏者はスネアドラムのように複数のバウンスロールは使用しません。ティンパニスティックの柔らかい性質によりスティックの反発が小さくなり、複数のバウンスロールの音がこもってしまうためです。^{[ 6 ]}ただし、木製のマレットを使用する場合は、ティンパニ奏者は複数のバウンスロールを使用することもあります。^{[ 29 ]} 

スティックを交換したりチューニングを調整したりしなくても、音質を変えることができます。たとえば、端の方で演奏すると、音が薄くなります。^{[ 6 ]}ストロークの速度を変えたり、中心の方で演奏したりすることで、よりスタッカートな音を出すことができます。^{[ 28 ]}

ティンパニ奏者は演奏前に、各チューニングネジの張力を均一にしてヘッドをクリアにする必要があります。これは、すべての箇所が正確に同じピッチに調律されるようにするためです。ヘッドがクリアであれば、ティンパニは正確な音を出します。ヘッドがクリアでない場合、最初の打撃の後、ピッチが上がったり下がったりし、ドラムは異なるダイナミクスレベルで異なるピッチを出します。ティンパニ奏者は、相対音感を十分に発達させる必要があり、演奏中に気づかれないように正確に調律する技術を習得しなければなりません。調律は、指で軽く叩いてほぼ無音の音を出すことで確認されることがよくあります。

ティンパニの中には、音程を視覚的に示すチューニングゲージを備えているものがあります。これらのゲージは、カウンターフープに物理的に接続されている場合（カウンターフープがどれだけ押し下げられているかを示す）、またはペダルに接続されている場合（ペダルの位置を示す）があります。これらのゲージは正しく使用すれば正確です。しかし、楽器が何らかの形で乱されると（例えば、運搬されると）、全体の音程が変化する可能性があるため、演奏直前に調整しない限り、ゲージの目盛りは信頼できる状態を維持できない場合があります。音程は、室温や湿度によっても変化する可能性があります。この影響は、特に屋外演奏の場合、天候の変化によっても発生します。ゲージは、ティンパニ奏者が演奏前に新しい音程を聴くことができないような、素早い音程変化を伴う楽曲を演奏する際に特に役立ちます。ゲージが利用できる場合でも、優れたティンパニ奏者は演奏前に耳で音程を確認します。演奏中にペダルを使って音程を調整することもあります。

ポルタメント効果は、音がまだ聞こえるうちに音程を変えることで得られます。これは一般的にグリッサンドと呼ばれますが、この用語の使い方は厳密には正しくありません。最も効果的なグリッサンドは、低い音から高い音へのグリッサンドと、ロール中に演奏されるグリッサンドです。ティンパニのグリッサンドを最初に用いた作曲家の一人はカール・ニールセンで、彼は交響曲第4番（「不滅の」）で2組のティンパニに同時にグリッサンドを演奏させました。

ペダリングとは、ペダルを使って音程を変えることを指し、チューニングの別称です。一般的に、ティンパニ奏者は演奏中に音程を変えなければならない箇所でこの用語を用います。ニールセン、ベーラ・バルトーク、サミュエル・バーバー、リヒャルト・シュトラウスといった20世紀初頭の作曲家たちは、ペダルティンパニがもたらす自由度を活かし、しばしばティンパニにベースラインを与えました。

ティンパニはサステインが長いため、ミュートや減衰は演奏に不可欠な要素です。ティンパニ奏者は、作曲家が指定した長さだけ音が鳴るように、しばしば音をミュートします。しかし、初期のティンパニは現代のティンパニほど長く共鳴しなかったため、作曲家はサステインを気にせずに叩くように指示することがよくありました。今日では、ティンパニ奏者は自分の耳と楽譜を頼りに、音の長さを判断しなければなりません。

ティンパニの音を消す一般的な方法は、親指と人差し指でティンパニのスティックを持ちながら、指の腹をヘッドに当てることです。ティンパニ奏者は、指の接触による音を出さずにすべての振動を止める技術を習得する必要があります。^{[ 22 ]}

ミュートはしばしばミュートと呼ばれ、ミュートを付けて演奏することを指す場合もあります（下記参照）。

ティンパニは通常一度に1つの音しか鳴らしませんが、作曲家によっては2つの音を出すように指示することもあります。これは弦楽器の用語から借用した「重音奏法」と呼ばれます。ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンは交響曲第9番の緩徐楽章第3楽章で、ヨハネス・ブラームスはドイツ・レクイエム第2楽章で、アーロン・コープランドはエル・サロン・メヒコでこの効果を用いています。現代の作曲家の中には、2つ以上の音を要求する人もいます。この場合、ティンパニ奏者はマリンバ奏者のように片手に2本のバチを持つか、複数のティンパニ奏者を起用することができます。例えば、エクトル・ベルリオーズは「ベンヴェヌート・チェッリーニ序曲」で、3人のティンパニ奏者を起用し、それぞれに1つのドラムを割り当てることで、ティンパニから完全な和音を実現しています。彼はレクイエムの中で、16個のティンパニで10人のティンパニ奏者が3声部と4声部の和音を演奏するという手法まで用いているが、ペダルチューニングの導入により、この人数は減らすことができる。

現代の作曲家は、ティンパニの音色を変えるために、叩く位置を指定することがよくあります。ティンパニを中央で直接叩くと、音色と共鳴がほとんどない音になります。ジョージ・ガーシュウィンはこの効果を『パリのアメリカ人』で用いています。縁に近い部分を叩くと、ティンパニは非常に薄く、空洞のような音になります。この効果は、バルトーク、バーンスタイン、コダーイなどの作曲家によって用いられています。

これとは異なる方法として、片手の指2本で中央付近の箇所を軽く押したり離したりしながら、ヘッドを叩くという方法があります。すると、弦楽器で同様の効果が得られるのと同様に、ヘッドが倍音で振動します。

共鳴によって、使用されていないティンパニも振動し、より小さな音が出ることがあります。ティンパニ奏者は通常、共鳴と呼ばれるこの効果を避ける必要がありますが、作曲家はエリオット・カーターの「4つのティンパニのための8つの小品」のようなソロ曲でこれを利用しています。共鳴は、ドラムをミュートまたは減衰させることで軽減できます。また、作曲家によっては、ティンパニをcon sordino（ミュート付き）またはcoperti（カバー付き）で演奏するように指定することがあります。どちらも、ミュート（通常はフェルトまたは革の小さな片）をヘッドに付けることを意味します。

作曲家によっては、ティンパニをティンパニスティック以外の道具で叩くように指定することがある。ティンパニのエチュードやソロでは、ティンパニ奏者が手や指で演奏することがよくある。フィリップ・グラスの「コンチェルト・ファンタジー」では、ティンパニのカデンツァでこの技法が用いられている。また、マイケル・ドーハティの「レイズ・ザ・ルーフ」では、ある箇所でこの技法が用いられている。レナード・バーンスタインは、交響曲第1番「エレミヤ」と「ウエスト・サイド・ストーリー」組曲の交響的舞曲で、ティンパニにマラカスを使うように指示している。エドワード・エルガーは、 「エニグマ変奏曲」で、ティンパニ奏者にスネアドラムスティックでソフトロールを演奏させることで、ティンパニを使って客船のエンジン音を模倣しようと試みている。しかし、スネアドラムスティックは音が大きすぎる傾向があり、この作品の初演以来、この箇所はコインで叩いて演奏されている。ベンジャミン・ブリテンは、自身の作品「戦争レクイエム」の中で、野戦太鼓の音を再現するために、ティンパニ奏者にドラムスティックを使うよう指示している。

ロバート・W・スミスの「船乗りと海の歌」では、ティンパニで「鯨の音」を出すように指示されています。これは、親指を湿らせて、ヘッドの端から中心に向かってこすることで実現します。ジョン・ベックの「ティンパニのためのソナタ」など、主にソロ作品で使用される他のテクニックの中には、ボウルを叩くものがあります。銅は柔らかいため簡単にへこむ可能性があるため、ティンパニ奏者はボウルを大きな音量で叩いたり、硬いスティックで叩いたりすることをためらう傾向があります。

作曲家によっては、金属製の物体、一般的には逆さまにしたシンバルをドラムのヘッドに置き、ドラムでグリッサンドを演奏しながらそれを叩いたり転がしたりするように指示することがあります。ジョセフ・シュワントナーはこの技法を『From A Dark Millennium』で使用しています。カール・オルフは後期の作品で、ドラムを叩く際にシンバルをヘッドに置くように指示しています。また、マイケル・ドーハティは協奏曲『Raise The Roof』でこの技法を使用しています。武満徹は作品『From me flows what you call Time』で、日本の寺鉢をティンパニの上に置くように指示しています。 ^{[ 30 ]}

初期のティンパヌムが最初に記録された使用例は「古代においてヘブライ人が宗教儀式で使用していたことが知られている」^{[ 22 ] 。}

1188年、カンブロ・ノルマン人の年代記作家ウェールズのジェラルドは、「アイルランドでは、ハープとティンパヌムという2つの楽器のみが使用され、楽しまれています」と記した。 ^{[ 31 ]}

ほとんどのティンパニの直接の祖先であるアラビアのナケルは、十字軍とサラセン人によって13世紀のヨーロッパ大陸にもたらされた。^{[ 11 ]}これらのドラムは小さく（直径約8 ～8 + 1/2インチ（20～22cm ）） 、演奏者のベルトに取り付けられ、主に軍事儀式に使用された。この形式のティンパニは16世紀まで使用され続けた。1457年、ラディスラウス5世によって派遣されたハンガリーの使節団は、馬に乗せた大型のティンパニをフランスのシャルル7世の宮廷に持ち込んだ。この種類のティンパニは12世紀以来中東で使用されていた。これらのドラムはトランペットとともに進化し、騎兵隊の主要な楽器となった。この慣習は今日でもイギリス陸軍の一部で続いており、ティンパニはクラシックオーケストラに取り入れられた際にもトランペットとペアで演奏され続けた。^{[ 32 ]}  

中世ヨーロッパのティンパニは、通常、フランス南部で手作業で組み立てられていました。一部のドラムは、ボルトでドラムの両側から馬が引っ張ることで締め付けられていました。次の2世紀にわたり、ティンパニには多くの技術的改良が加えられました。当初、ヘッドはドラムのシェルに直接釘で打ち付けられていました。15世紀には、ヘッドはシェルに直接結び付けられたカウンターフープによって取り付けられ、張力がかけられるようになりました。16世紀初頭には、バインディングがネジに置き換えられました。これにより、ティンパニは明確なピッチを持つチューニング可能な楽器になりました。^{[ 6 ]}産業革命により、新しい製造技術と材料、特に機械とペダルによるチューニング機構が導入されました。プラスチック製のヘッドは、20世紀半ばにRemoによって導入されました。^{[ 33 ]}

「16 世紀のティンパニの楽譜は残っていない。なぜなら、その奏法とレパートリーは口承で伝えられ、秘密にされていたからである。トランペットとティンパニの音楽の初期の例としては、クラウディオ・モンテヴェルディのオペラ『オルフェオ』（1607 年）の冒頭が挙げられる。」^{[ 34 ]}後期のバロック時代には、ヨハン・セバスチャン・バッハが「 Tönet, ihr Pauken! Erschallet, Trompeten! 」というタイトルの世俗カンタータを作曲した。これはおおよそ「ティンパニよ、鳴らせ！トランペットよ、鳴らせ！」と訳される。当然ながら、ティンパニが前面に出ており、曲は珍しいティンパニのソロで始まり、合唱とティンパニがメロディーを交互に演奏する。バッハはこの楽章をクリスマス・オラトリオの第 1 部で改作した。

モーツァルトとハイドンはティンパニのための作品を数多く作曲し、交響曲やその他の管弦楽曲にもティンパニを取り入れるようになった。ハイドン自身もティンパニを演奏し、ティンパニのために音高変化や専用のソロパートを記譜した最初の作曲家の一人である。彼の交響曲第103番変ホ長調は、一般に「ドラムロール」交響曲として知られているが、その愛称は劇的な無伴奏ティンパニロールで始まる有名な冒頭部分に由来する。ハイドンの自筆譜には「イントラーダ」の指示があり、この部分は元々は単純な持続ロールではなく、より凝った、あるいは即興的な導入部として意図されていた可能性を示唆している。ハイドンはまた、宗教音楽においてティンパニを劇的な効果を高めるために用いた。 1796年作曲の「戦時ミサ曲」では、ティンパニの執拗なロールが遠くで響く軍楽隊の太鼓や大砲の轟音を想起させ、ナポレオン戦争の勃発によって生じた不安な雰囲気を反映している。これらの楽節は作品の緊張感と不吉な予感に大きく貢献しており、ハイドンによる打楽器の最も印象的な使用例の一つとなっている。

モーツァルトは通常、作品の調の主音と属音に調律された標準的なティンパニのペアを使用しました。ティンパニはしばしば和声の強化やクライマックスの強調に用いられましたが、モーツァルトは時折、この楽器にさらに重要な役割を与えました。その顕著な例としては、交響曲第39番の荘厳な序奏、 「ジュピター」交響曲の力強いオーケストラのアクセント、ニ短調レクイエムの劇的な書法、特に「怒りの日」、そしてハ長調ディヴェルティメントK.188/240bにおける異例なほど目立つティンパニのパートなどが挙げられ、これらはモーツァルトがティンパニを構造的な支えと表現効果の両方に用いる技術に長けていたことを示しています。

ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンは19世紀初頭にティンパニ音楽に革命を起こした。彼は4度や5度以外の音程に調律されたドラムのために作曲しただけでなく、標題音楽的な用途を超えて、楽器を独立した声として際立たせた。例えば、彼のヴァイオリン協奏曲（1806年）は4回のティンパニ独奏で始まり、彼の第九交響曲（1824年）のスケルツォでは、ティンパニ（1オクターブ離れた音程に調律）がオーケストラと一種のコールアンドレスポンスで対峙する。^{[ 35 ]}

次に大きな革新者となったのはエクトル・ベルリオーズである。彼は「フェルト張り」、「木製」など、使用すべきスティックの種類を具体的に指定した最初の作曲家だった。幻想交響曲（1830年）やレクイエム（1837年）など、彼の作品のいくつかでは、複数のティンパニ奏者を同時に使うことを要求した。^{[ 22 ]}

19 世紀後半まで、ティンパニは手動で調律されていました。つまり、タップと呼ばれるT字型のハンドルが付いたネジが並んでおり、演奏者が回すことでヘッドの張力が変化しました。そのため、調律は比較的時間がかかる作業であり、作曲家は作品の途中で調律を求められた場合、演奏者が音を変えるのに十分な時間を確保する必要がありました。最初の「機械式」ティンパニは、単一の調律ハンドルを備えており、1812 年に開発されました。^{[ 36 ]}最初のペダル ティンパニは1870 年代にドレスデンで誕生し、このことからドレスデンティンパニと呼ばれています。 ^{[ 11 ]}しかし、ドラムのヘッドには羊皮紙が使用されていたため、ドラム全体で張力が予測不能に変化するため、自動化された解決策を実装するのは困難でした。これは手動調律で補正できましたが、ペダル ドラムでは容易ではありませんでした。機構は 20 世紀初頭に改良され続けました。

こうした問題にもかかわらず、作曲家たちは新しい機構がもたらす可能性を積極的に活用した。1915年までに、カール・ニールセンは交響曲第4番でティンパニによるグリッサンドを要求したが、これは従来の手動調律のティンパニでは不可能だった。しかし、新しい機構の柔軟性をより深く理解したのはベーラ・バルトークだった。彼のティンパニパートの多くは、ペダルドラムなしでは到底演奏できないほどの幅広い音域を必要とする。

17 世紀と 18 世紀には、ティンパニはほとんどの場合、低音ドラムに曲の属音、高音ドラムに主音（完全 4 度離れた音）が調律されていました。19 世紀初頭までは、作品の実際の調が何であれ、長調か短調かに関わらず、属音（大ドラムの音）は G、主音（小ドラムの音）は C と表記され、楽譜の上部に実際の音高が示されていました（例えば、ニ長調またはニ短調の作品の場合はTimpani in D–A ）。 ^{[ 11 ]}しかし、この記譜法は普遍的ではありませんでした。バッハ、モーツァルト、シューベルト（初期の作品）はこれを使用していましたが、同時代のヘンデル、ハイドン、ベートーヴェンはティンパニをコンサート ピッチで作曲しました。^{[ 37 ]}

2010年代には、ティンパニのパートはコンサートピッチで書かれているにもかかわらず、作品の調に関係なく、ほとんどの場合^{[ 38 ]}調号なしで書かれており、常に^{[ 39 ]}とは限らないが、ティンパニ奏者のパートと指揮者のスコアの両方で臨時記号が五線譜に書かれている。1977年、ウィーンで、傑出したイラン系オーストリア人の作曲家兼指揮者であるアレクサンダー・ラフバリは、ティンパニ（B ♭ –C–D–E ♭ –Gに調律された5台のティンパニ）のために書かれた短い序奏で始まる自身の作品「G周辺のペルシャ神秘主義」でコンサートを開始した。ラフバリはこの冒頭部分で一連のアッチャッカ^{トゥーラも}使用^しています。

その後、ティンパニはコンサートバンドなどの他のクラシック音楽アンサンブルにも採用されるようになりました。1970年代には、伝統的なマーチングバンドとコンサートバンドの両方から発展したマーチングバンドやドラムアンドビューグル隊が、マーチングティンパニを取り入れるようになりました。コンサートティンパニとは異なり、マーチングティンパニは持ち運びやすいようにグラスファイバー製のシェルが使われていました。各奏者はドラムを1つずつ持ち、手動クランクでチューニングしました。複雑なパッセージでは、ティンパニ奏者は伸縮式の脚を使ってドラムを地面に置き、従来のティンパニのように演奏することが多かったのですが、その場合もドラム1つにつき奏者は1人でした。1970年代後半から1980年代初頭にかけて、マーチングアーツ系の団体では、ティンパニやその他の打楽器を地面に常時置くことが一般的になりました。これが行進用ティンパニの終焉の始まりでした。最終的に、標準的なコンサート用ティンパニがフロントアンサンブルの一部としてサッカー場に登場し、行進用ティンパニは一般的に使用されなくなりました。ティンパニは、イギリス陸軍近衛師団の騎馬軍楽隊^{[ 41 ]}とフランス陸軍共和国親衛隊の騎馬軍楽隊で今でも使用されています。

ロックンロールバンドがサウンドの多様化を模索し始めると、ティンパニがスタジオに持ち込まれるようになった。1959年、リーバーとストーラーはドリフターズのレコーディング「ゼア・ゴーズ・マイ・ベイビー」の制作でティンパニを革新的に使用した。1960年代に入ると、ビートルズ、クリーム、レッド・ツェッペリン、ビーチ・ボーイズ、クイーンといった著名なロックバンドのドラマーがティンパニを音楽に取り入れるようになった。^{[ 42 ]}これにより、プログレッシブ・ロックでティンパニが使われるようになった。エマーソン、レイク＆パーマーは、ティンパニを使用したクラシック曲のロック・カバーを数多く録音した。ラッシュのドラマー、ニール・パートは、アルバム『ヘミスフィアーズ』（1978年）と『パーマネント・ウェーブス』（1980年）の制作とツアーで、自身のパーカッションのレパートリーにティンパニを加え、その後、1988年のドラムソロ「ザ・リズム・メソッド」でティンパニをサンプリングした。最近では、ロックバンドのミューズが、クラシックをベースにした楽曲にティンパニを取り入れており、特に『エクソジェネシス：シンフォニー、パートI（序曲）』で顕著である。ジャズミュージシャンもティンパニを試した。サン・ラは、自身のアーケストラで時折ティンパニを使用しており（例えば、パーカッショニストのジム・ハーンドンが1957年に録音された「リフレクション・イン・ブルー」と「エル・ヴィクトル」で演奏している）、1964年には、エルヴィン・ジョーンズがジョン・コルトレーンの4部構成の楽曲「ア・ラヴ・シュプリーム」で、自身のドラムキットにティンパニを取り入れた。オールマン・ブラザーズ・バンドのドラマー、ブッチ・トラックスはティンパニを多用した。

サミュエル・バーバーは、合唱曲「ストップウォッチと地形図」^{[ 43 ]} の中で、グリッサンドを演奏する3つのペダルティンパニを使用している。

ジョナサン・ハースは、ソロ奏者として自身を売り込んでいる数少ないティンパニ奏者の一人である。1980年にソロ・ティンパニ奏者としてのキャリアをスタートさせたハースは、ジャズ、ロック、クラシックなど、さまざまなジャンルの音楽を演奏することで知られている。彼は、ジョニー・H・アンド・ザ・プリズナーズ・オブ・スウィングという、やや型破りなジャズバンドとのアルバムをリリースした。ハースの委嘱によりフィリップ・グラス^{[ 44 ]}が作曲したコンチェルト・ファンタジーでは、楽器の配置としては異例なことに、2人のソリストがオーケストラの前に立つという構成になっている。ハースはまた、ティンパニとチェロのためのサスマンのフローティング・フォーリング^{[ 45 ]}も委嘱した。