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歌うことは、声で音楽を作り出す芸術です。それは最も古い音楽表現の形態であり、人間の声は最初の楽器であると考える人もいます。[ 1 ]歌の定義は資料によって異なります。[ 1 ]歌を声で音楽的な音を作り出す行為と定義している資料もあります。[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]その他の一般的な定義には、「調和のとれた連続した言葉や音の発声」[ 1 ]や「人間の声による音楽的な音の生成」[ 5 ]などがあります。
歌うことを職業（または趣味）とする人は、歌手またはボーカリスト（ジャズやポピュラー音楽の場合）と呼ばれます。[ 6 ] [ 7 ]歌手は、楽器の伴奏の有無にかかわらず歌える音楽（アリア、レチタティーヴォ、歌など）を演奏します。歌は、合唱団などの音楽家のアンサンブルで行われることがよくあります。歌手は、ソロで演奏することも、単一の楽器（歌曲や一部のジャズスタイルなど）から交響楽団やビッグバンドまで、あらゆる楽器の伴奏で演奏することもできます。世界中には、さまざまな歌唱スタイルが存在します。
歌うことは、形式的または非形式的、編曲または即興で行うことができます。宗教的な信仰の形として、趣味として、喜びや慰めの源として、儀式の一部として、音楽教育中、または職業として行われることがあります。歌唱の卓越性には、時間、献身、指導、定期的な練習が必要です。定期的に練習すれば、音はよりクリアで力強くなります。[ 8 ]プロの歌手は通常、クラシックやロックなどの特定の音楽ジャンルを中心にキャリアを築きますが、クロスオーバーで成功する歌手（複数のジャンルで歌う歌手）もいます。プロの歌手は通常、キャリアを通じてボーカルコーチやボイストレーナーから声楽のトレーニングを受けます。
歌唱とラップを混同してはならない。[ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]音楽学者でラップ史家のマーティン・E・コナーによれば、「ラップはしばしば、歌唱との対比によって定義される」。[ 12 ]ラップも声楽の一形態ではあるが、歌唱とは異なり、音程に同じように関わらず、音程の正確さを必要としない。[ 10 ]歌唱と同様に、ラップも言葉と関連付けてリズムを使用するが、これらは特定の音程で歌われるのではなく話される。[ 10 ] Grove Music Onlineは、「米国のポピュラー音楽の歴史的文脈において、ラップはアフリカ系アメリカ英語の様式的な話し方と直接結びつく可能性のある歌唱の代替手段と見なすことができる」と述べている。[ 9 ]しかし、一部のラップアーティストは、ラップのリズミカルな話し方と歌唱の音程の切り替えを際立った対比として用いて、リスナーの注意を引くために、歌唱とラップの両方を音楽に取り入れている。[ 13 ]
In its physical aspect, singing has a well-defined technique that depends on the use of the lungs, which act as an air supply or bellows; on the larynx, which acts as a reed or vibrator; on the chest, head cavities and the skeleton, which have the function of an amplifier, as the tube in a wind instrument; and on the tongue, which together with the palate, teeth, and lips articulate and impose consonants and vowels on the amplified sound. Though these four mechanisms function independently, they are nevertheless coordinated in the establishment of a vocal technique and are made to interact upon one another.[14] During passive breathing, air is inhaled with the diaphragm while exhalation occurs without any effort. Exhalation may be aided by the abdominal, internal intercostal and lower pelvis/pelvic muscles. Inhalation is aided by use of external intercostals, scalenes, and sternocleidomastoid muscles. The pitch is altered with the vocal cords. With the lips closed, this is called humming.
The sound of each individual's singing voice is entirely unique not only because of the actual shape and size of an individual's vocal cords, but also due to the size and shape of the rest of that person's body. Humans have vocal folds which can loosen, tighten, or change their thickness, and over which breath can be transferred at varying pressures. The shape of the chest and neck, the position of the tongue, and the tightness of otherwise unrelated muscles can be altered. Any one of these actions results in a change in pitch, volume (loudness), timbre, or tone of the sound produced. Sound also resonates within different parts of the body and an individual's size and bone structure can affect the sound produced by an individual.
歌手は、声道内で音がよりよく共鳴するように、特定の方法で音を発声する方法を学ぶこともできます。これは声の共鳴として知られています。声の音と発声に大きく影響するもう 1 つの要因は、喉頭の機能です。喉頭は、さまざまな方法で操作してさまざまな音を出すことができます。これらのさまざまな種類の喉頭機能は、さまざまな種類の声域として説明されます。[ 15 ]歌手がこれを実現する主な方法は、歌手のフォルマントを使用することです。これは、耳の周波数範囲の最も敏感な部分に特によく一致することが示されています。 [ 16 ] [ 17 ]
また、声帯粘膜が厚く流動的であれば、より力強い声が得られることも示されています。[ 18 ] [ 19 ]粘膜が柔軟であればあるほど、気流から声帯へのエネルギー伝達効率が高くなります。[ 20 ]
ヨーロッパのクラシック音楽やオペラでは、声は楽器のように扱われます。声楽を作曲する作曲家は、歌手のスキル、才能、声の特性を理解していなければなりません。声の分類とは、人間の歌声を評価し、それによって声のタイプを指定するプロセスです。これらの特性には、声域、声の重さ、声のテッシトゥーラ、声の音色、声の中のブレイクやリフトなどの声の移行点が含まれますが、これらに限定されません。その他の考慮事項には、身体的特徴、発声レベル、科学的テスト、声のレジストレーションがあります。[ 21 ]ヨーロッパのクラシック音楽で発展した声の分類の背後にある科学は、より現代的な歌唱形式への適応が遅れています。声の分類は、オペラで可能な役と潜在的な声を関連付けるためによく使用されます。現在、クラシック音楽では、ドイツのファッハシステムや合唱音楽システムなど、さまざまなシステムが使用されています。普遍的に適用または受け入れられているシステムはありません。[ 22 ]
しかし、ほとんどのクラシック音楽の体系では、7つの異なる主要な声域が認められています。女性は通常、ソプラノ、メゾソプラノ、コントラルトの3つのグループに分けられます。男性は通常、カウンターテナー、テノール、バリトン、バスの4つのグループに分けられます。思春期前の子供の声に関しては、8番目の用語であるトレブルが適用されることがあります。これらの主要なカテゴリーのそれぞれの中に、コロラトゥーラの能力や声の重さなどの特定の声質を特定して声を区別するいくつかのサブカテゴリーがあります。[ 23 ]
合唱音楽では、歌手の声は声域のみに基づいて分けられます。合唱音楽では、一般的に各性別内で声部を高音と低音に分けます（SATB、つまりソプラノ、アルト、テノール、バス）。その結果、典型的な合唱の状況では、誤分類が発生する機会が多くなります。[ 23 ]ほとんどの人は中音域の声なので、高すぎるか低すぎる声域のパートに割り当てられなければなりません。メゾソプラノはソプラノかアルトを歌わなければならず、バリトンはテノールかバスを歌わなければなりません。どちらの選択肢も歌手にとって問題となる可能性がありますが、ほとんどの歌手にとって、低すぎる声域で歌うことよりも高すぎる声域で歌うことの方が危険が少ないです。[ 24 ]
現代音楽（現代商業音楽と呼ばれることもある）では、歌手はジャズ、ポップ、ブルース、ソウル、カントリー、フォーク、ロックなどの音楽スタイルによって分類されます。現在、非クラシック音楽には権威ある声の分類システムはありません。クラシックの声のタイプ用語を他の歌唱形式に適用しようとする試みが行われてきましたが、そのような試みは論争に遭っています。[ 25 ]声の分類の開発は、歌手が増幅されていない（マイクなしの）発声で特定の範囲でクラシックの発声テクニックを使用することを前提として行われました。現代のミュージシャンは異なる発声テクニックとマイクを使用し、特定の声の役割に無理やり当てはめられるわけではないため、ソプラノ、テノール、バリトンなどの用語を適用すると誤解を招いたり、不正確になったりする可能性があります。[ 26 ]
声のレジスターとは、声の中の声域のシステムのことです。声域とは、声帯の同じ振動パターンで生成され、同じ音質を持つ特定の音の系列のことです。レジスターは喉頭機能に由来します。声帯がいくつかの異なる振動パターンを生成できるため、レジスターが発生します。[ 27 ]これらの振動パターンはそれぞれ特定のピッチ範囲内に現れ、特定の特徴的な音を生成します。[ 28 ]レジスターの発生は、声帯の振動と声道の間の音響的相互作用の影響にも起因するとされています。[ 29 ]「レジスター」という用語は、声のいくつかの側面を包含するため、やや混乱を招く可能性があります。レジスターという用語は、以下のいずれかを指すために使用できます。[ 23 ]
言語学では、レジスター言語とは、音調と母音の発声を単一の音韻体系に統合した言語のことである。音声病理学では、音声レジスターという用語は、声帯の特定の振動パターン、特定の音高の系列、および特定の種類の音という3つの構成要素を持つ。音声病理学者は、喉頭機能の生理学に基づいて、ボーカルフライレジスター、モーダルレジスター、ファルセットレジスター、ホイッスルレジスターの4つの音声レジスターを識別している。この見解は、多くの音声教育者にも採用されている。[ 23 ]
声の共鳴とは、発声の基本産物が、外気に向かう途中で通過する空気で満たされた空洞によって音色や強度が増強される過程である。共鳴過程に関連するさまざまな用語には、増幅、豊かさ、拡大、改善、強化、延長などがあるが、厳密な科学的用法では、音響の専門家はそれらのほとんどに疑問を呈するだろう。歌手や話し手がこれらの用語から学ぶべき主な点は、共鳴の結果は、より良い音を出すことである、あるいはそうあるべきであるということである。[ 23 ]声の共鳴器として考えられる領域は7つある。体内の最も低い位置から最も高い位置まで順に、これらの領域は、胸部、気管、喉頭、咽頭、口腔、鼻腔、副鼻腔である。[ 30 ]
胸声と頭声は、声楽で使用される用語です。これらの用語の使用は声楽教育界で大きく異なり、現在、声楽の専門家の間でこれらの用語に関して一貫した意見はありません。胸声は、声域の特定の部分または声域の種類、声の共鳴領域、または特定の声の音色に関連して使用できます。[ 23 ]頭声は、声域の特定の部分または声域の種類、または声の共鳴領域に関連して使用できます。[ 23 ]男性の場合、頭声は一般的にファルセットと呼ばれます。胸声と頭声の移行と組み合わせは、歌手のパフォーマンスにおけるボーカルミックスまたはボーカルミキシングと呼ばれます。[ 31 ]ボーカルミキシングは、胸声と頭声の間のスムーズな移行に重点を置くアーティストと、芸術的な理由とボーカルパフォーマンスの向上のために胸声から頭声への突然の移行を説明するために「フリップ」[ 32 ]を使用するアーティストの特定の様式によって変化します。
胸声と頭声という用語が最初に記録されたのは13世紀頃で、ヨハネス・デ・ガルランディアとモラヴィアのヒエロニムスが「喉声」（pectoris、guttoris、capitis―この時、頭声はファルセット音域を指していた可能性が高い）と区別した時である。[ 33 ]これらの用語は後にイタリアのオペラ歌唱法であるベルカントに採用され、胸声は胸声、パッサッジョ、頭声の3つの声域の中で最も低い声域、頭声は最も高い声域として認識された。[ 22 ]このアプローチは今日でも一部の声楽教師によって教えられている。ベルカントモデルに基づくもう1つの現在人気のアプローチは、男性と女性の声を3つの声域に分けることである。男性の声は「胸声域」、「頭声域」、「ファルセット音域」に分けられ、女性の声は「胸声域」、「中声域」、「頭声域」に分けられる。こうした教育者たちは、ヘッドレジスターとは歌唱時に用いられる発声法であり、歌い手の頭の中で感じる共鳴を表現するものだと教えている。[ 34 ]
しかし、過去200年間で生理学の知識が増加するにつれて、歌唱と発声の物理的プロセスについての理解も深まりました。その結果、インディアナ大学のラルフ・アップルマンや南カリフォルニア大学のウィリアム・ヴェナードなど、多くの声楽教育者は、胸声と頭声という用語を再定義したり、使用を放棄したりしています。[ 22 ]特に、声域は今日では胸、肺、頭の生理とは無関係な喉頭機能の産物としてより一般的に見なされているため、胸声域と頭声域という用語の使用は議論の的となっています。このため、多くの声楽教育者は、胸や頭で声域が生成されると言うのは無意味だと主張しています。彼らは、これらの領域で感じられる振動感覚は共鳴現象であり、声域ではなく声の共鳴に関連する用語で説明されるべきだと主張しています。これらの声楽教育者は、声域という用語よりも胸声と頭声という用語を好みます。この見解では、人々がレジスターの問題と認識している問題は、実際には共鳴調整の問題であると考えています。この見解は、音声病理学、音声学、言語学など、音声レジスターを研究する他の学術分野の見解とも一致しています。両方の方法はまだ使用されていますが、現在の音声教育の実践では、より新しい、より科学的な見解を採用する傾向があります。また、一部の音声教育者は両方の視点からアイデアを取り入れています。[ 23 ]
現代において「胸声」という用語は、特定の声色や声質を指すことが多い。クラシック歌唱では、その使用は完全にモーダルレジスターまたは通常の声の低い部分に限られる。他の歌唱形式では、胸声はモーダルレジスター全体でよく用いられる。胸声の音色は、歌手の声の表現の幅を広げる素晴らしい音色となる。[ 35 ] しかし、胸で高い音を出そうとして高音域で過度に強い胸声を使用すると、無理な発声につながる可能性がある。無理な発声は、結果として声の劣化につながる可能性がある。[ 36 ]
パッサッジョ（イタリア語の発音：[ pasˈsaddʒo ] ）は、クラシック歌唱において声域間の移行領域を表す用語です。声のパッサッジョ（複数形）は、胸声（どの歌手でも力強い音を出すことができる）、中声、頭声（突き抜けるような音を出すことができるが、通常は声楽訓練によってのみ可能）など、異なる声域の間に位置します。歴史的なイタリアの歌唱学校では、男性の声では、ゾナ・ディ・パッサッジョを介して繋がったプリモ・パッサッジョとセコンド・パッサッジョ、女性の声では、プリモ・パッサッジョとセコンド・パッサッジョが説明されています。クラシック様式のクラシック声楽訓練の主な目標は、パッサッジョ全体を通して均一な音色を維持することです。適切な訓練によって、響きのある力強い音を出すことが可能になります。
声のパッサッジョを適切に議論するには、さまざまな声域についての基本的な理解が不可欠です。インゴ・ティッツェは著書『声の生成原理』の中で、「レジスターという用語は、ピッチと音量のある範囲で維持できる、知覚的に区別できる声質の領域を説明するために使用されてきた」と述べています。[ 37 ]教師や歌手、研究者、臨床医など、声の研究分野によって用語に相違があります。マリリー・デイビッドが指摘するように、「音声科学者は、レジスターを主に音響現象として捉えている」のです。[ 38 ]歌手にとっては、歌うときに感じる身体感覚に基づいてレジスター現象を説明する方が一般的です。ティッツェはまた、言語聴覚士と歌唱教師の間で声域について話す際に使用される用語に相違があると説明しています。[ 39 ]本稿では、クラシック歌手が使用する用語であるパッサッジョについて議論するため、レジスターについては、言語病理学や科学ではなく、歌唱の分野で使用されている用語で議論します。
頭声、中声（混合声）、胸声と呼ばれる3つの主要な声域は、人体内の共鳴による倍音のため、豊かな音色を持つとされています。これらの名前は、歌手が体内でこれらの共鳴振動を感じる部位に由来しています。胸声と呼ばれる胸声域は、声域の中で最も低いものです。胸声で歌うとき、歌手は胸で共鳴振動を感じます。これは、人々が話すときに最もよく使う声域です。中声は、胸声と頭声の中間に位置します。頭声域は、主要な声域の中で最も高いものです。頭声で歌うとき、歌手は顔や頭の他の部分で共鳴振動を感じることがあります。これらの声域が声のどこに位置するかは、性別と各性別内の声のタイプによって異なります。[ 40 ]
頭声よりも高い位置に、ファルセットとフラジオレットと呼ばれる2つのレジスターがあります。 [ 41 ] [ 42 ]これらのレジスター内の音程にアクセスするには、トレーニングが必要になることがよくあります。声の低い男性と女性は、これらのレジスターで歌うことはめったにありません。特に声の低い女性は、フラジオレットのレジスターのトレーニングをほとんど、あるいは全く受けていません。男性には、胸声よりも低い位置に、ストローバスと呼ばれるもう1つのレジスターがあります。このレジスターで歌うことは声帯に負担がかかるため、ほとんど使用されません。[ 43 ]
声楽教育学は、歌唱指導の研究です。声楽教育学の芸術と科学は、古代ギリシャ[ 44 ]に始まり、今日まで発展と変化を続けています。声楽教育学の芸術と科学を実践する職業には、声楽コーチ、合唱指揮者、声楽教育者、オペラ監督、その他の歌唱教師が含まれます。
声楽教育の概念は、適切な発声技術を習得する上で重要な要素です。典型的な研究分野には、以下のものが含まれます。[ 45 ] [ 46 ]
適切な発声法で歌うことは、歌う際の身体的なプロセスを効果的に調整する、統合的で協調的な行為です。発声には、呼吸、発声、共鳴、発音という4つの身体的なプロセスが関わっています。これらのプロセスは、次の順序で起こります。
これらの4つのプロセスは研究される際には別々に検討されることが多いが、実際の実践においては、それらは1つの協調した機能に融合する。優れた歌手や話し手の場合、心と体が非常に協調しているため、結果として生じる統一された機能しか知覚できず、そのプロセスについて意識することはほとんどない。多くの声の問題は、このプロセス内の協調性の欠如に起因する。[ 26 ]
歌唱は協調的な行為であるため、個々の技術的な領域やプロセスを他の領域と関連付けずに論じることは困難です。例えば、発声は呼吸と結びついて初めて意味を持ちます。発音器官は共鳴に影響を与え、共鳴器官は声帯に影響を与え、声帯は呼吸制御に影響を与える、といった具合です。声の問題は、多くの場合、この協調的なプロセスのいずれかの部分の不具合が原因であり、そのため声楽教師は、その問題が解決するまで、生徒とともにプロセスの特定の領域に集中的に取り組むことがよくあります。しかし、歌唱の芸術の中には、協調的な機能の結果である領域があまりにも多いため、発声、共鳴、発音、呼吸といった従来の見出しの下で論じることは難しいものもあります。
声楽を学ぶ学生が、歌うという行為を構成する身体的なプロセスと、それらのプロセスがどのように機能するかを認識すると、学生はそれらを協調させるという課題に取り組み始めます。必然的に、学生と教師は、テクニックの特定の領域に他の領域よりも関心を持つようになります。さまざまなプロセスは異なる速度で進行する可能性があり、その結果、不均衡や協調性の欠如が生じる可能性があります。さまざまな機能を協調させる学生の能力に最も強く依存していると思われる声楽テクニックの領域は次のとおりです。[ 23 ]
歌うことは、高度に発達した筋肉反射を必要とするスキルです。歌うことにはそれほど筋力は必要ありませんが、高度な筋肉の協調性が必要です。歌と発声練習の両方を注意深く体系的に練習することで、声をさらに発達させることができます。発声練習には、声のウォーミングアップ、声域の拡大、声の水平方向と垂直方向の「整列」、レガート、スタッカート、ダイナミクスのコントロール、速い音型、広い音程を快適に歌うこと、トリルを歌うこと、メリスマを歌うこと、声の欠点を修正することなどの発声テクニックの習得など、いくつかの目的があります。
声楽教師は生徒に知的な方法で声を練習するように指導します。歌手は歌っている間、自分がどのような音を出しているのか、どのような感覚を感じているのかを常に考えるべきです。[ 26 ]
歌を学ぶことは、指導者の関与によって大きな恩恵を受ける活動です。歌手は、自分の頭の中で聞こえる音と、他人が耳で聞いている音は異なります。そのため、生徒がどのような音を出しているのかを教えてくれる指導者がいることで、歌手は自分が目指す歌唱スタイルに必要な音と、自分の内なる音がどれに対応しているかを理解できるようになります。
声の発達における重要な目標は、声質やテクニックに明らかな変化や気を散らすような変化を起こさずに、声域の自然な限界まで歌うことを学ぶことです[ 48 ]。声楽教育者は、歌唱に関わるすべての身体的プロセス（喉頭の動き、呼吸の支え、共鳴の調整、発音運動など）が効果的に連携して初めて、歌手はこの目標を達成できると教えています。ほとんどの声楽教育者は、（1）声の最も快適な音域で良い発声習慣を確立し、次に（2）徐々に音域を広げることによって、これらのプロセスを調整することを推奨しています[ 15 ] 。
高い音域や低い音域で歌う能力に大きく影響する要因は3つあります。
マッキニーは、「これら３つの要素は３つの基本ルールで表現できる。（１）高い音域で歌うほど、より多くのエネルギーを使わなければならない。低い音域で歌うほど、より少ないエネルギーを使わなければならない。（２）高い音域で歌うほど、より多くの空間を使わなければならない。低い音域で歌うほど、より少ない空間を使わなければならない。（３）高い音域で歌うほど、より深い音を使わなければならない。低い音域で歌うほど、より少ない深みを使わなければならない。」と述べている。[ 23 ]
歌唱プロセスは、身体の特定の身体的条件が整ったときに最も効果的に機能します。呼吸器系の各部位の姿勢は、体内の空気の出入りを自由にし、必要な量の空気を得る能力に深刻な影響を与える可能性があります。胸が沈んでいると肺の容量が制限され、腹壁が緊張していると横隔膜の下降が阻害されます。良い姿勢は、呼吸器系がエネルギーを過剰に消費することなく、その基本的な機能を効率的に果たすことを可能にします。また、適切なアライメントによって身体の不必要な緊張が防止されるため、良い姿勢は発声の開始と共鳴器の調整を容易にします。声楽教師は、歌手が良い姿勢をとると、パフォーマンス中に自信と落ち着きが増すことが多いと指摘しています。聴衆も、良い姿勢の歌手に好意的に反応する傾向があります。習慣的に良い姿勢をとることは、最終的には血液循環を改善し、身体の疲労やストレスを防ぐことで、身体全体の健康を向上させます。[ 15 ]
良い歌唱姿勢とは、一般的に、背骨がまっすぐで、肩の力が抜けていて、バランスの取れた姿勢をとることで、最適な呼吸の支えと共鳴が得られる状態を指します。理想的な歌唱姿勢には、以下の8つの要素があります。
自然な呼吸には、吸気期、呼気期、休息または回復期の3つの段階があり、これらの段階は通常、意識的に制御されるものではありません。歌唱においては、吸気期（吸入）、呼吸を整える期間（休止）、制御された呼気期（発声）、そして回復期の4つの呼吸段階があります。
これらの段階は、条件反射になるまで歌手が意識的に制御しなければならない。多くの歌手は、反射が完全に条件付けられる前に意識的な制御を放棄し、最終的に慢性的な声の問題につながる。[ 49 ]
ビブラートは、持続音が高い音程と低い音程の間で非常に速く一貫して揺れ動き、音にわずかな震えを与えるテクニックです。ビブラートは持続音の脈動または波動です。ビブラートは自然に発生し、適切な呼吸サポートとリラックスした声帯の結果です。[ 50 ]いくつかの研究では、ビブラートは声帯の神経筋の震えの結果であることが示されています。1922年にマックス・シェーンは、振幅の変化、自動制御の欠如、通常の筋肉の放電の半分の速度による震えにビブラートを比較した最初の人物です。[ 51 ]ビブラートは、表現手段としてクラシック、ジャズ、ポピュラーの歌唱スタイルで一般的に使用され、しばしばより豊かな音質に貢献します。
拡張された発声テクニックには、ラップ、叫び声、唸り声、倍音、スライディング、ファルセット、ヨーデル、ベルティング、ボーカルフライレジスターの使用、音響増幅システムの使用などが含まれます。音響増幅システムとは、マイクロホン、信号処理装置、アンプ、スピーカーを組み合わせたものです。これらの機器の組み合わせには、リバーブ、エコーチャンバー、オートチューンなどの装置も使用される場合があります。
声楽は、通常「歌」と呼ばれる一人または複数の歌手によって演奏される音楽であり、楽器伴奏の有無にかかわらず演奏され、歌唱が楽曲の中心となります。声楽は、声以外に楽器や機材を必要としないため、おそらく最も古い音楽形式です。すべての音楽文化には何らかの声楽があり、世界中の文化には多くの長い歌唱の伝統があります。歌唱を用いるものの、歌唱が目立たない音楽は、一般的に器楽とみなされます。例えば、ブルースロックの曲の中には、短くシンプルなコールアンドレスポンスのコーラスがあるものもありますが、曲の重点は楽器のメロディーと即興演奏に置かれています。声楽は通常、「歌詞」と呼ばれる歌われる言葉を特徴としていますが、非言語的な音節や音、時には音楽的な擬音語を用いて演奏される声楽の注目すべき例もあります。歌詞のある短い声楽作品は、広く「歌」と呼ばれますが、クラシック音楽では、通常「アリア」などの用語が使用されます。
Vocal music is written in many different forms and styles which are often labeled within a particular genre of music. These genres include popular music, art music, religious music, secular music, and fusions of such genres. Within these larger genres are many subgenres. For example, popular music would encompass blues, jazz, country music, easy listening, hip hop, rock music, and several other genres. There may also be a subgenre within a subgenre such as vocalese and scat singing in jazz.
In many modern pop musical groups, a lead singer performs the primary vocals or melody of a song, as opposed to a backing singer who sings backup vocals or the harmony of a song. Backing vocalists sing some, but usually, not all, parts of the song often singing only in a song's refrain or humming in the background. An exception is five-part gospela cappella music, where the lead is the highest of the five voices and sings a descant and not the melody. Some artists may sing both the lead and backing vocals on audio recordings by overlapping recorded vocal tracks.
Popular music includes a range of vocal styles. Hip hop uses rapping, the rhythmic delivery of rhymes in a rhythmic speech over a beat or without accompaniment. Some types of rapping consist mostly or entirely of speech and chanting, like the Jamaican "toasting". In some types of rapping, the performers may interpolate short sung or half-sung passages. Blues singing is based on the use of the blue notes – notes sung at a slightly lower pitch than that of the major scale for expressive purposes. In heavy metal and hardcore punk subgenres, vocal styles can include techniques such as screams, shouts, and unusual sounds such as the "death growl".
ポピュラー音楽とクラシック音楽のライブパフォーマンスの違いの一つは、クラシック音楽では演奏者が小規模から中規模のホールで増幅装置なしで歌うことが多いのに対し、ポピュラー音楽では、小さなコーヒーハウスでさえ、ほぼすべての演奏会場でマイクとPAシステム（アンプとスピーカー）が使用されることです。マイクの使用はポピュラー音楽にいくつかの影響を与えてきました。例えば、マイクがなければ十分な音量と響きが得られない「クルーニング」のような親密で表現力豊かな歌唱スタイルの発展を促進しました。また、マイクを使用するポップシンガーは、ささやき声、ハミング、半歌唱と全歌唱の音色を混ぜるなど、増幅装置なしでは響かないさまざまな歌唱スタイルを行うことができます。さらに、マイクの応答パターンを利用して効果を生み出す演奏者もいます。例えば、マイクを口元に非常に近づけて低音域を強調したり、ヒップホップのビートボクサーの場合は、マイクに向かって破裂音の「p」や「b」を発して打楽器のような効果を生み出したりします。 2000年代には、録音されたポピュラー音楽のボーカルやライブ演奏において、電子的なオートチューンによるピッチ補正装置が広く使用されるようになったことで論争が巻き起こった。また、ポップシンガーが事前に録音されたボーカルに合わせて口パクをしていたケースや、物議を醸したミリ・ヴァニリのように、クレジットされていない他の歌手が録音したトラックに合わせて口パクをしていたケースも論争の的となった。
ステージ上のみ歌うバックコーラスを起用するバンドもある一方で、ポピュラー音楽ではバックコーラスが他の役割も担うことが一般的です。多くのロックバンドやメタルバンドでは、バックコーラスを担当するミュージシャンがリズムギター、エレキベース、ドラムなどの楽器も演奏します。ラテン音楽やアフロキューバ音楽のグループでは、バックコーラスが歌いながらパーカッションやシェイカーを演奏することもあります。ポップスやヒップホップのグループ、ミュージカルでは、バックコーラスがヘッドセットマイクを通して歌いながら、複雑な振り付けのダンスを披露することが求められる場合もあります。
声楽家の給与や労働条件は大きく異なります。音楽教育や合唱指揮者など、他の音楽分野の仕事は正社員の給与制であることが多いのに対し、歌の仕事は個々の公演やパフォーマンス、あるいは一連の公演ごとに契約を結ぶことが多いのです。
歌手やボーカリストを目指す人は、音楽のスキル、優れた歌声、人と協力する能力、そしてショーマンシップとドラマチックなセンスを備えている必要があります。さらに、歌手は継続的に学び、向上しようとする意欲と向上心も必要です。[ 52 ]
プロの歌手は、技術を磨き、音域を広げ、新しいスタイルを学ぶために、引き続きボーカルコーチングを受けています。同様に、歌手を目指す人も、楽曲を解釈するための専門的な発声技術を習得し、自分が選んだ音楽スタイルの楽曲について学び、合唱技術、初見歌唱、暗唱、発声練習などのスキルを身につける必要があります。
歌手の中には、作曲、音楽プロデュース、作詞など、音楽関連の他の仕事を学ぶ人もいます。YouTubeやストリーミングアプリに動画を投稿する歌手もいます。歌手は、音楽監督の前でオーディションを行い、歌唱力を求める買い手に自分を売り込みます。訓練を受けた歌唱音楽のスタイルによって、歌手が求める「才能の買い手」は、レコード会社、A&R担当者、音楽監督、合唱団の指揮者、ナイトクラブのマネージャー、コンサートプロモーターなどになります。歌唱パフォーマンスの抜粋を収録したCDやDVDは、歌手のスキルを示すために使用されます。歌手の中には、有料の出演依頼やその他のパフォーマンスの機会を探すのを手伝ってくれるエージェントやマネージャーを雇う人もいます。エージェントやマネージャーは、歌手がステージでパフォーマンスして得る報酬の一定割合を受け取ることで報酬を得ることがよくあります。
歌を披露するテレビ番組はいくつかあります。1990年代以降、Sa Re Ga Ma Pa (インド)、American Idol (米国)、The Voice (国際フランチャイズ) などのテレビの歌唱コンテストが、歌唱の才能を発掘し、プロモーションするための人気フォーマットとなっています。American Idol は2002 年に開始されました。最初の歌唱リアリティ番組は、1995 年にZee TVによって開始されたSa Re Ga Ma Paです。 [ 53 ] American Idolでは、出場者は審査員の前でオーディションを受け、ハリウッドでの次のラウンドに進めるかどうかを確認します。そこからコンテストが始まります。出場者のフィールドは、勝者が選ばれるまで毎週絞り込まれます。次のラウンドに進むには、出場者の運命は視聴者の投票によって決定されます。The Voiceは別の歌唱コンテスト番組です。American Idolと同様に、出場者は審査員の前でオーディションを受けますが、パフォーマンス中は審査員の椅子が観客の方を向いています。コーチがアーティストに興味を持った場合、コーチはボタンを押して指導したいことを示します。オーディションが終了すると、コーチはアーティストのチームを編成し、コンテストが始まります。コーチはアーティストを指導し、最高の歌手を見つけるために競い合います。その他の有名な歌唱コンテストには、Xファクター、アメリカズ・ゴット・タレント、ライジング・スター、ザ・シング・オフなどがあります。
歌唱コンテストの別の例としては、『Don't Forget the Lyrics! 』があります。この番組では、出場者がさまざまなジャンルの歌の歌詞を正しく思い出すことで賞金を獲得しようと競い合います。この番組は、他の多くの音楽ベースのゲーム番組とは異なり、芸術的才能（美的感覚に優れた歌唱やダンスなど）は出場者の優勝の可能性とは無関係です。初回放送前のコマーシャルの言葉を借りれば、「上手に歌う必要はありません。正しく歌えばいいのです」。同様に、『The Singing Bee』はカラオケとスペリングビー形式のコンテストを組み合わせた番組で、出場者が人気曲の歌詞を思い出そうとします。
自然言語であろうと人工言語であろうと、あらゆる話し言葉には固有の音楽性があり、それは音高、フレーズ、アクセントを通して歌唱に影響を与える。
芸術的な手話話者、つまり歌の歌詞をアメリカ手話（ASL）に翻訳する手話話者は、既存の手話を修正したり、手話の3つの基本パラメーターから新しい手話を作成したり、典型的な手話空間を操作したりして、「リズム、ピッチ、フレーズ、音色」を意図的に表現することができます。[ 54 ]さらに、芸術的な手話話者は、「ろう者、健聴者、難聴者」である可能性があり、例えば、2023年のスーパーボウルのハーフタイムショーでリアーナのパフォーマンスをASLで解釈したろう者のパフォーマー、ジャスティナ・マイルズや、YouTubeで手話の歌を作成した健聴者のスティーブン・トレンスなどがいます。[ 54 ] [ 55 ]
音楽と言語、特に歌唱との関連性については、近年多くの研究が行われています。これら2つのプロセスは非常に似ていると同時に異なっていることがますます明らかになってきています。レヴィティンは、鼓膜から始まり、音波が音高、つまり音調マップに変換され、その後まもなく「音声と音楽は恐らく別々の処理回路に分岐する」と説明しています（130）。[ 56 ]音楽と言語に使用される神経回路は、乳児期には分化していない状態で始まる可能性があるという証拠があります。言語と音楽の両方に使用される脳の領域がいくつかあります。たとえば、ブロードマン野47は、口語と手話の構文処理、音楽構文、言語の意味的側面に関与していることが示唆されています。レヴィティンは、いくつかの研究で、言語の構文処理と同様に、「音楽を聴き、その構文的特徴に注意を向ける」ことで、この脳の領域が活性化されたことを述べています。さらに、「音楽構文は、ブローカ野などの音声構文を処理する領域に隣接し、重複する領域に局在している」こと、そして「音楽意味論に関わる領域は、ウェルニッケ野の近くに局在しているようだ」ことが示されている。ブローカ野とウェルニッケ野はどちらも、言語処理と言語生成において重要な段階である。
歌うことは脳卒中患者の言語回復に役立つことが示されている。神経学者ゴットフリート・シュラウグによれば、言語に対応する領域が脳の右側、左半球に存在する。[ 57 ]これは一般的に「歌唱中枢」として知られている。脳卒中患者に自分の言葉を歌うように教えることで、この脳領域を言語のために訓練することができる。この理論を支持するレヴィティンは、言語などの「領域特異性」は「外傷や脳損傷の後、重要な精神機能の処理中枢が実際に他の領域に移動するため、一時的なものである可能性がある」と主張している。[ 56 ]したがって、脳の右半球では、「歌唱中枢」が言語生成を助けるように再訓練される可能性がある。[ 58 ]
人が話すときの話し言葉の方言やアクセントは、歌うときに使う一般的な歌唱アクセントとは大きく異なる場合がある。歌うときは、地域のアクセントや方言ではなく、歌っている音楽のスタイルで使われているアクセントや中立的なアクセントを使うのが一般的である。音楽のスタイルやそのスタイルの流行の中心地/地域は、出身地よりも歌唱アクセントに大きな影響を与える。例えば、英語では、イギリスのロックやポピュラー音楽の歌手は、イギリス英語のアクセントではなく、アメリカ英語のアクセントや中立的なアクセントで歌うことが多い。[ 59 ] [ 60 ]
イランでは女性が歌うことは許されていない。[ 61 ]