プログレッシブ・ソウル

1950年代半ばまでに、リズム・アンド・ブルースはブルースやビッグバンドを基盤としたジャズの起源から、より広くロック音楽として知られる音楽形式へと移行しつつあった。^{[ 2 ] [注2 ]}この傾向は、アメリカ北部のラジオ局で野心的なディスクジョッキーが流すアフリカ系アメリカ人の音楽に若い白人のリスナーやミュージシャンが触れたことで加速した。^{[ 2 ]}しかし、ベテラン演奏家間の嫉妬や一般的な偏見への反応もあって、初期のロック時代のレコーディング・アーティストは、このジャンルが主に生まれた3つのスタイル的影響、つまりR&B、カントリー、ポップのいずれかに傾倒する傾向があった。^{[ 3 ]}

1960年代半ばには、ロックを多様化させるいくつかの新しい音楽形式が出現した。その中には、デトロイトを拠点とするモータウン・レコードのモータウン・サウンドがあり、他のR&B寄りのロックとは異なる、より洗練された滑らかな作品をリリースした。^{[ 4 ]}音楽学者のビル・マーティンは、プログレッシブ・ソウルの起源をモータウン、レイ・チャールズ、ジェームス・ブラウンに遡り、彼らの録音は1950年代にまで遡るとしている。一方、ジャズライターのロブ・バッカスは、インプレッションズの1964年の曲「Keep On Pushing」を初期の例として挙げている。^{[ 5 ]}もう一つの新興サブジャンルであるプログレッシブ・ロックは、クラシックやフォークのエキゾチックな楽器編成などの折衷的な要素と、アルバム全体にわたって構成された高度に発達した歌詞のコンセプトを活用した。この傾向はシングルよりもアルバム形式を重視し、ビートルズの1967年のアルバム「サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド」で主流文化に到達した。同時に、サイケデリック・ロックは、リラックス、ダンス、分析的なリスニングのためではなく、主にリスナーの意識を誘発または強化することを目的とした、よりハードなサウンドの電子的な革新を利用した。 ^{[ 4 ]}

1960年代後半、ジミ・ヘンドリックス、アーサー・リーのラブ、チェンバース・ブラザーズといった黒人ロックバンドのサイケデリックな実験によって、アフリカ系アメリカ人音楽の構造的、様式的な境界がさらに押し広げられた。ジャズトランペット奏者でバンドリーダーのマイルス・デイヴィスも、ロック、エレクトロニック、アヴァンギャルド、東洋音楽の要素を取り入れた幅広いフュージョン実験で影響を与えた。^{[ 6 ]} 1960年代前半のフォークロックと同様に、ジャズフュージョンもまた、それまで文化エリート層にのみ許されていた親ジャンルにロックの影響を認めた新たなサブジャンルとして登場した。^{[ 4 ]}これらの出来事は、黒人ポピュラー音楽における音楽的洗練度と影響の多様性、野心的な歌詞、コンセプトアルバム志向のアプローチを促し、プログレッシブソウルの発展につながった。^{[ 7 ]}

1970年代までに、主にソウルやファンクのジャンルで活動する多くのアフリカ系アメリカ人のレコーディングアーティストが、プログレッシブ・ロックの影響を受けた音楽を作っていた。^{[ 8 ]}音楽評論家のジェフリー・ハイムズによれば、この「プログレッシブ・ソウル・ムーブメント」は1968年から1973年にかけて隆盛し、「冒険的なロックギター、社会意識の高い歌詞、そしてクラシックなR&Bメロディー」を特徴としていた^{[ 9 ]。}一方、AllMusicは、このジャンルが1971年に「花開いた」と述べている^{[ 10 ]。}その最前線にいたミュージシャンには、スライ・ストーン（スライ＆ザ・ファミリー・ストーンのバンドリーダー）、スティーヴィー・ワンダー、マーヴィン・ゲイ、カーティス・メイフィールド、ジョージ・クリントン（パーラメントとファンカデリックのバンドリーダー）などがいる。^{[ 11 ]}モータウンのベリー・ゴーディのリーダーシップの下、ゲイとワンダーは、これまで一般的に単一ジャンルに集中していたソウルミュージックにおいて、アルバム制作にもっと真剣に取り組むための芸術的コントロールを渋々与えられ、1970年代には2人による一連の革新的なレコードが生まれた。^{[ 12 ]}コロラド大学ボルダー校の民族音楽学者で音楽教授のジェイ・キースターによれば、このムーブメントの黒人アーティストは、白人のプログレッシブ・ミュージシャンと同様に、「個人主義、芸術的進歩、後世のための作曲」という理想と、アフリカ系アメリカ人の経験に関連する懸念に創造的コントロールを向けた。しかし、彼は、個性の追求がブラック・アーツ・ムーブメントの集団的な政治的価値観に挑戦することもあったと指摘している。^{[ 13 ]}ハイムズは、プログレッシブ・ソウル・ムーブメントを「左翼的」かつ「ボヘミアン的」と分類している。「中産階級を持つ文化で、富、権力、同調といった主流の目標よりも、知的、芸術的、性的、政治的な可能性を自由に探求することに関心を持つ若者を生み出す文化」という意味でそう分類している。さらに、アフリカ系アメリカ人の間でこのサブカルチャーが台頭する中産階級に比例して成長したと付け加えている。^{[ 14 ]}

この時期の黒人プログレッシブ音楽に共通するプログレッシブ・ロックの特徴としては、長尺の楽曲構成、多様な音楽的借用、そしてダンスではなく集中して聴くことを目的とした音楽制作などが挙げられる。^{[ 15 ]}プログレッシブ・ソウルのボーカリストは歌唱に複雑なパターンを取り入れ、楽器奏者はジャズから学んだテクニックを用いた。 ^{[ 16 ]}長尺の楽曲を歌をベースにした組曲で区別する傾向があった白人プログレッシブ・アーティストが用いたヨーロッパの芸術音楽のリソースとは異なり、アフリカ系アメリカ人のアーティストは、長尺の録音を統一するために根底にあるリズミカルなグルーヴを用いるなど、アフリカ系アメリカ人とアフリカの両方の音楽的イディオムを好んだ。楽器のテクスチャーを変えることも、長尺のトラックのセクションの変化を示す方法として用いられた。これらの要素の応用例は、ファンカデリックの「ウォーズ・オブ・アルマゲドン」（1971年）やサン・ラの「スペース・イズ・ザ・プレイス」（1973年）などの楽曲に見られる。^{[ 15 ]}同時代のアイザック・ヘイズのアルバム作品は、ライトモチーフと彼の語り（「ラップ」として知られる）を特徴とする、長くて精巧に構成されたR&Bジャムであることが多い。^{[ 17 ]}

プログレッシブ・ソウル・ミュージシャンも、1960年代のビートルズのように、さまざまな非伝統的な影響を受けた。^{[ 4 ]}クリントンのパーラメント・ファンカデリックは、ブラウンやモータウン・サウンドの影響に加えて、サイケデリアの影響を顕著に用いた。 ^{[ 18 ]}クリントンのグループとサン・ラは、アフロフューチャリズムや宇宙神話に関連するテーマ概念を適用した。^{[ 13 ]}一部のアーティストは、曲の歌詞のアイデアを補強するために、ヨーロッパ系アメリカ人の伝統から要素を借用した。たとえば、ワンダーは「Village Ghetto Land」（1976年）に弦楽アンサンブルの心地よい音色の楽器のテクスチャを追加し、都市ゲットーの社会悪に対するこの曲の暗い批判に皮肉な感覚を与えた。^{[ 19 ]}メイフィールドの社会的、政治的に強いメッセージを込めた1970年のアルバム『カーティス』には、長尺のプログレッシブ・ソウル曲「ムーブ・オン・アップ」と、独特の音色を生み出すためにハープを使用した「ワイルド・アンド・フリー」のようなオーケストラを多用した作品の両方が収録されている。^{[ 20 ]}ゲイの1971年のアルバム『ホワッツ・ゴーイング・オン』は、リズムとメロディーのモチーフによって統一された社会抗議歌のサイクルとして作曲された。^{[ 13 ]}クリントンはアフリカ系アメリカ人の経験を探求し、「ブラック・パワー」文学やボブ・ディランとビートルズの音楽から影響を受け、特に「アイ・アム・ザ・ウォルラス」（1967年）のような曲における後者のナンセンスな要素を指摘している。しかし、クリントンのテーマはよりパーティー中心で、現代のストリートカルチャーの影響を受けており、実験的なロックミュージシャンのフランク・ザッパがザ・マザーズ・オブ・インヴェンションと録音した作品と同様に、しばしば低俗な不条理やトイレユーモアの要素を取り入れている。^{[ 21 ]}

文化人類学者のミカエラ・ディ・レオナルドによれば、1960年代後半から1970年代初頭のサンフランシスコの音楽シーンは「プログレッシブ・ソウルの工房」であり、ラジオ局KDIAがスライ＆ザ・ファミリー・ストーンやタワー・オブ・パワーといった地元のバンドの音楽を紹介した功績を称えている。ヒッピー層に人気だったストーンの歌は、人種や社会的な境界線に沿った寛容、平和、統合を訴え、ファミリー・ストーンのリーダーとしての彼の存在は、彼らを人種的にも性別的にも統合された最初の人気バンドの一つにした。^{[ 22 ]} 1960年代後半にはプログレッシブ・ロック中心だったフィラデルフィアのラジオ局WDAS-FMは、1971年にプログレッシブ・ソウル形式に変更し、時を経てアフリカ系アメリカ人コミュニティにとって重要なメディアソースへと発展した。^{[ 23 ]}プログレッシブ・ソウル・ステーションでは、典型的なシングルの長さを超える長尺のソウル・レコーディングが放送された。例えば、テンプテーションズのシングル「Runaway Child, Running Wild」（1969年）は9分半の長さだった。^{[ 24 ]}ヘイズの1969年のレコーディング「Walk on By」は、クラシックなプログレッシブ・ソウル・シングルとみなされている。^{[ 25 ]}

この時期の代表的なプログレッシブ・ソウル・アルバムについて論じる中で、ハイムズはヘンドリックスの『エレクトリック・レディランド』（1968年）、テンプテーションズの『クラウド・ナイン』（1968年）、スライ＆ザ・ファミリー・ストーンの『スタンド！』（1968年）、ゲイの『ホワッツ・ゴーイング・オン』（1971年）、ファンカデリックの『マゴット・ブレイン』（1971年）、メイフィールドの『スーパー・フライ』 （ 1972年）、ウォーの『ザ・ワールド・イズ・ア・ゲットー』（1972年）、アース・ウィンド＆ファイアーの『ヘッド・トゥ・ザ・スカイ』（1973年）、そしてスティーヴン・ワンダーの『インナーヴィジョンズ』（1973年）を挙げている。^{[ 9 ]}マーティンはまた、ワンダー（『Innervisions』、1972年の『Talking Book』、1976年の『Songs in the Key of Life』）とウォー（『The World Is a Ghetto』、1971年の『All Day Music』、1973年の『War Live』）のアルバム、そしてアイズレー・ブラザーズ（1973年の『3 + 3』 、1976年の『Harvest for the World』）のアルバムも挙げている。^{[ 26 ]} 1975年のアルバム『That's the Way of the World』（アース・ウィンド・アンド・ファイアー）と『Mothership Connection』（パーラメント）も注目すべきリリースであり、後者はクリントンのアフロフューチャリズム音楽への願望を結集したコンセプト・アルバムである。^{[ 27 ]}ワンダーの1970年代半ばのアルバムは、タイムズ紙のライター、ドミニク・マックスウェルによって「最高レベルのプログレッシブ・ソウルであり、形式を押し広げながらも常に心に響き、野心的で聴きやすい」と評され、『Songs in the Key of Life 』は、尽きることのない音楽的アイデアと豪華でありながらエネルギッシュなスタイルで頂点とみなされている。^{[ 28 ]}バッカスは、このジャンルの政治的に強い作品の多くの中に、テンプテーションズの「War 」（1970年）、ギル・スコット・ヘロンのLP 、オージェイズの「Rich Get Richer」（1975年のアルバム『Survival 』より）を挙げている。^{[ 29 ]}

ビルボード誌のジャーナリスト、ロバート・フォードによれば、スライ・ストーンはプログレッシブ・ソウルの「最初のスーパースター」であり、 「気が向いたらいつでもマディソン・スクエア・ガーデンを満員にできる」能力を持っていたという。[ 30 ]スライ^＆ザ・ファミリー・ストーンの政治的で悲観的なヒット・アルバム『ゼアズ・ア・ライオット・ゴーイン・オン』（1971年）の後に、同様のスタイルのソウル・ソングがラジオを席巻し始めた。バンドの1973年のLP 『フレッシュ』（ミリオンセラーとなった「イフ・ユー・ウォント・ミー・トゥ・ステイ」を収録）のリリースまでに、クロウダディ！のヴァーノン・ギブスはストーンを「プログレッシブ・ソウルの創始者」と宣言した。^{[ 31 ]}

また、非常に人気が高く、ワンダーとゲイのプログレッシブ・ソウル・アルバムは1970年代に数百万枚を売り上げた。^{[ 32 ]}特にワンダーの一連のアルバムは高い芸術的志向で構想され、大いに称賛され、ミュージシャンに多くのグラミー賞をもたらし、彼のキャリアを変えた。^{[ 13 ]}ゲイの『What's Going On』は最終的に歴史上最も高く評価されたアルバムの1つとなり、アース・ウィンド・アンド・ファイアーの『That's the Way of the World 』（ヒットシングル「 Shining Star 」の助けもあり）は当時最も成功した黒人音楽レコードの1つとなり、1975年のアルバム売上で110万枚以上を売り上げてトップとなった。^{[ 33 ]}

プログレッシブ・ソウルの名称と主流への台頭は、1975年にビルボード誌とブロードキャスティング誌の両方で報じられ、「比較的新しい」ジャンルが全米のポップラジオに影響を与え、「ますます幅広い聴衆」に届いていると述べられた。 ^{[ 34 ]}後者の雑誌は、アース・ウィンド・アンド・ファイアーとブラックバーズ（ラジオヒット「ウォーキング・イン・リズム」）の商業的成功を挙げた。オージェイズのヒット「フォー・ザ・ラブ・オブ・マネー」（1974年）の継続的な成功についても議論され、ギャンブルとハフのプロデュースは「白人ミュージシャンによるスペースロックの試みに匹敵する声のフェージングとさまざまな電子効果」の使用で注目された。 ^{[ 35 ]}ステレオ・レビューのフィル・ガーランドによると、アース・ウィンド・アンド・ファイアーは1970年代末まで「プログレッシブ・ソウルの代表的な存在」だった。^{[ 16 ]}

クリントンのパーラメント・ファンカデリックはコンサートのアトラクションとしても同様に成功を収め、大規模なアリーナや講堂を満員にし、ミュージシャンたちは奇抜な衣装を身にまとい、壮大なスタイルで演奏した。^{[ 36 ]}キースターが記録しているように、1970年代半ばまでに、クリントンは「Pファンクと呼ばれるツアーグループのために考案された凝ったステージショーで、彼の2つのプロジェクトを1つの集合体として提示した」。彼は「ブロードウェイショーに似たツアーで数十人のミュージシャンを統率し、数年前にはツアーミュージシャンたちがクリーニング店の衣類袋から衣装を即席で作らざるを得なかった頃には想像もできなかったほどの巨額の予算をカサブランカ・レコードから得ていた」。 P -Funk Earth Tourのコンサートは、宇宙船のような小道具（P-Funk Mothership ）がステージに着陸し、クリントンが自身の分身であるドクター・ファンケンシュタイン（派手な服装をした宇宙人のポン引きに似ていた）としてスロープを降りてライブの観客に挨拶するという、非常に人気のある演出で最高潮に達した。^{[ 37 ]}

1975年2月、パーラメント・ファンカデリックは、ニューヨーク市のラジオシティ・ミュージックホールで、オハイオ・プレイヤーズとグラハム・セントラル・ステーションとの共演公演を行った。ニューヨーク・タイムズ紙でこのコンサートを報じたイアン・ダヴは、3つのグループすべてが「プログレッシブ・ソウルというジャンルの適切な断面」を代表していると述べ、ソウル全般が「ディスコで流行している」と付け加えた。^{[ 38 ]}しかし、プログレッシブ・ソウルの最初の波は「短命」であり、ハイムズは1970年代後半までにその衰退を指摘した。^{[ 39 ]}メイフィールドの場合、一連の訴訟と不評だったディスコ・アルバムの後、彼は公の場から姿を消した。^{[ 40 ]}パーラメント・ファンカデリックもまた、様々な音楽プロジェクトの管理不行き届き、多くのメンバーの薬物乱用、クリントンとレコード会社との職業上の紛争により混乱に陥り、1981年までにグループの当初の活動は終焉を迎えた。^{[ 41 ]}ストーンも同様の運命をたどり、1970年代後半から1980年代にかけて、法的問題や薬物問題が彼の生産性や音楽業界での存在感を妨げた。^{[ 31 ]}

1980年代には、このジャンルでレコーディングを行ったアーティストには、プリンス^{[ 42 ]} 、ピーター・ガブリエル^{[ 43 ]} 、シャーデー、ジョーボクサーズ、ファイン・ヤング・キャニバルズ^{[ 44 ]}などがいる。後者の3つのグループは、ハイムズによれば、イギリスでこのムーブメントの復活を先導したグループであり、 1988年までにケイン・ギャングやハウスマーティンズなどの他のグループもこれに加わった^{[ 44 ]。}しかし、翌年のワシントン・ポストの記事で、彼はオリジナルのムーブメントによるR&Bの「音楽的および歌詞的な境界」の拡大は依然として比類のないものであると主張した^{[ 40 ] 。}

1990年までに、若いアメリカ人アーティストたちがプログレッシブ・ソウルの伝統を刷新し始めた。これには、クリス・トーマス・キング、テレンス・トレント・ダービー、レニー・クラヴィッツ、トニー！トニー！トニー！、アフター7などが含まれる。^{[ 9 ]}その後10年間でさらに多くのアーティストが登場し、イギリスの歌手シールとデズリー、アメリカのメシェル・ンデゲオチェロとジョイなどが含まれる。^{[ 45 ]}スピン誌のトニー・グリーンは、後者の2人のアーティストが2000年代初頭にピークを迎えるプログレッシブ・ソウルの復活の先駆者であると評価している。^{[ 46 ]}

21 世紀の初め、プログレッシブ ソウルの主要アーティストは、1990 年代後半から 2000 年代初頭にかけて活動した実験的な黒人音楽集団であるソウルクエリアンズでした。「ネオ ソウル」という用語で宣伝されることが多かった彼らのメンバーは、ニューヨークのエレクトリック レディ スタジオで共同でレコーディングを行い、 D'Angelo、James Poyser、Q-Tip、J Dilla、Erykah Badu、Raphael Saadiq (元 Tony! Toni! Toné! のメンバー)が含まれていました。 ^{[ 47 ]}この集団内のフィラデルフィアを拠点とする類似グループとしてBilal、Jill Scott、The Rootsを挙げている Himes は、彼らが「Marvin Gaye、Curtis Mayfield、Prince のプログレッシブ ソウルの伝統を受け継ぎ、ヒップホップのひねりを加えた」と付け加えています。^{[ 42 ]}スコット、バドゥ、マックスウェルなど、ネオソウルとして売り出されたアーティストの商業的成功は、2000年代を通じて主流とサブカルチャーの両方の環境において、このジャンルがプログレッシブソウルの現代的な表現として信頼性を高めるのに役立った。^{[ 48 ] [ nb 1 ]}

メジャーレーベルから人気R&Bシングルでデビューしたビラルは、すぐにプログレッシブソウルやジャズのパフォーマンスに傾倒し、Love for Sale（レーベルから反発を受け未発売となった）やAirtight's Revenge（2010年にインディーズレーベルからリリース）などのアルバムをレコーディングした。^{[ 50 ]}後者の作品について、Exclaim!ジャーナリストのデイヴィッド・ダックスは、この歌手のソウルのバリエーションは「完全に現代的であり、これまでのすべてをミックスしつつ、未来的なサウンドのタッチを数多く加えている。その核心は、70年代のクラシックなアルバム志向のプログレッシブ・ソウルであり、力強いジャジーなアンダートーンがあるが、それだけではない。ビラルの細く、スライとプリンスを合わせたような声は、絶えず変化する音楽的風景の上で、形而上学的で個人的なテーマを歌い上げる…」と述べている。 ^{[ 51 ]}音楽ジャーナリストのクリス・キャンベルによると、Q-Tipは（A Tribe Called Questでのグループ活動、自身のソロ活動、その他の作品を通じて）「ネオ・ソウルやプログレッシブ・ソウルのムーブメントに大きな影響を与えたジャズ・サンプリングとボヘミアン・シックの形態を導入した」という。^{[ 52 ]}

ビラルの他に、21世紀のプログレッシブ・ソウル・シンガーソングライターには、ドウェレ、アンソニー・デイヴィッド^{[ 53 ]}、ジャネル・モネイ^{[ 54 ]}などがいる。モネイの作品は、アフロフューチャリズムの美学とSFの概念を特徴としており、ポップマターズの評論家ロバート・ロスが「他者の役に立つように作られた機械的な構造物」と評したアンドロイドの人格シンディ・メイウェザーを中心に書かれた物語も含まれる。ロスは、モネイが様々なジャンルを個別に、また組み合わせて使用​​することは「進歩的なイデオロギーに奉仕」し、「アフリカ系アメリカ人が常に自分自身と白人から見られる自分自身を意識しているという、 W・E・B・デュボイスの批判的な「二重意識」の概念への応答」として機能していると付け加えている。^{[ 55 ]}サディークの2011年のプログレッシブ・ソウル・アルバム『Stone Rollin'』は、プログレッシブ・ロックやサイケデリック・ロックでよく使われる古風なキーボードであるメロトロンを多用しており、 AllMusicのアンディ・ケルマンが「病んだフルートと喘ぐ弦楽器」と表現する音色を想起させる。^{[ 56 ]}アリシア・キーズは、2020年の楽曲「Truth Without Love」（アルバム『 Alicia 』収録）でモネイと同様のソウル・ミュージックを披露しており、 Mojo誌のジェームズ・マクネアはこれを「アストロ・ソウル」と評している。^{[ 57 ]} 2021年にGigwiseの評論家ルーシー・ウィンは、プログレッシブ・ソウルは「現在非常に流行している」と述べ、特にレオン・ブリッジズのアルバム『Gold-Diggers Sound』を挙げている。 ^{[ 58 ]}