フィリピンの音楽

フィリピンの音楽（フィリピン語：Musika ng Pilipinas ）には、フィリピンの音楽演奏芸術と、さまざまな地元および国際的なジャンルやスタイルで作曲されたフィリピン人の音楽が含まれます。フィリピンの音楽作品は、多くの場合、先住民のスタイルとさまざまなアジアのスタイルが混ざり合っており、それらの国の外国統治を通じて スペイン/ラテンアメリカと（米国）アメリカの影響を受けています。

著名な先住民族の音楽家には、フィリピン先住民族の楽器の中で最も難しいとされるクティヤピを専門とするランゲ・ランゲのウカ^{[1] 、 [2]、}バサル、アロディン、ババラクを専門とするマシノ・インタライ^[3]、同じくクティヤピを専門とするサマオン・ソライマン^[2]がいる。著名な民謡作曲家には、母の子への愛情あふれる触れ合いを思い起こさせる有名な「Sa Ugoy ng Duyan 」を作曲した国立音楽家ルシオ・サン・ペドロがいる。もう一人の作曲家、国立音楽家アントニーノ・ブエナベントゥーラは、民謡や民舞曲の記譜で有名である。ブエナベントゥーラは「 Pandanggo sa Ilaw 」の音楽を作曲した。

今日のフィリピンのゴング音楽は、地理的に2つのタイプに分けることができます。コルディリェラ山脈のグループに特有の平らなゴングは一般にガンサと呼ばれ、スールー諸島、ミンダナオ島の大部分、パラワン島、パナイ島とミンドロ島の内陸部に広がるイスラム教徒とアニミズムのグループのボス付きゴングです。後者は、キリスト教が広まる前、そしてそれほど頻繁ではないものの中国から 平らなチャウゴングが輸入される前は、かつてはフィリピンの沿岸低地社会のいたるところで見られました。

クリントンは、フィリピン南部の島々で演奏されるラック式のゴングチャイム楽器と、その様々なアンサンブルを指します。グループによって、クリントンの演奏方法は異なります。クリントンの音楽では、2 つの主要なグループが際立っているようです。それは、マギンダナオンとマラナオです。クリントンの楽器自体は、 9 世紀以前に中国から東南アジアにゴングが伝わったこと、または、16 世紀にジャワからボス付きのゴングチャイムが伝わったことまで遡ることができます。それでも、クリントンのアンサンブルは、フィリピンの歴史の植民地化以前の時代に起源を持つ、最も先進的な形式のアンサンブル音楽であり、同国南部では生きた伝統となっています。

クリンタンアンサンブルに関わる音楽の伝統は、ボルネオ、小スンダ列島、スラウェシ、マルク、スールー、ミンダナオ周辺の仏教徒、アニミズム、イスラム教、キリスト教の人々の、現在の東南アジア海洋地域の国境を越えた地域の音楽スタイルとさまざまな楽器で構成されています。主にメロディーやパーカッションを演奏する同じラック付きボス付きゴングチャイムの使用により、 ジャワ、バリ、スマトラ、マレー半島、南ボルネオのガムランアンサンブル、さらには東南アジア本土のアンサンブルと遠い関係にあります。

フィリピンの民俗音楽にはスペインとラテンアメリカの影響が多少あるが、これはフィリピンがグアムやマリアナ諸島とともにメキシコシティとマドリードからスペイン副王領によって統治されていた時代に由来する。それはルソン島、ビサヤ諸島、そして主にビサヤ人が住むミンダナオ島の北部と東部、そしてサンボアンガ島の西端の沿岸低地の民俗音楽や伝統音楽に見られる。

フィリピンのヒスパニック音楽は、イベリアと一部のメキシコの伝統に由来する。これは、フィリピンの植民地が、主に中国やその他のアジアの高級品を太平洋を越えてヌエバ・エスパーニャ本土（現在のメキシコのアカプルコ）に転売する遠方の貿易拠点としての方向性を持っていたことによる。標準化されたジャンルの他に、カトリックや一般的なヒスパニックの慣用句と融合した植民地化以前の音楽形式が数多くあり、典型的には宗教的な民俗儀式を伴う。キリスト教徒のフィリピン人の間で広く聞かれるパシオンのチャントは、ヒスパニック化される前の声楽スタイルを保存しており、多くの町の守護聖人の祈祷は、植民地化以前の祖先崇拝や精霊崇拝の形式を受け継いでいる。例としては、スブリ（バタンガス）、シヌログ（セブ）、ティニクリン（レイテ）、ボリボン・キンキン（ボホール）などがある。

ロンダラは、バンドゥリアやラウドなどの4 弦のマンドリン型楽器、ギター、コントラバス、そして多くの場合は打楽器用のドラムで構成される伝統的な弦楽オーケストラです。ロンダラはイベリアのロンダラの伝統に起源を持ち、ヒスパニックの影響を受けたいくつかの歌やダンスの伴奏に使用されます。

ハラナとクンディマンは、スペイン統治時代にまで遡る人気の叙情歌で、求愛の儀式で慣習的に使用されています。ハラナは、スペインのメキシコ系スペイン語にルーツを持ち、伝統的で、ハバネラのリズムパターンに基づいています。一方、クンディマンは、植民地時代以前にこの国のタガロフォン地方に起源を持ち、3拍子のリズムを使用し、マイナーキーで始まり、後半でメジャーキーに移行するのが特徴です。ハラナとクンディマンは様式が異なります。ハラナは2/4拍子ですが、クンディマンは3/4拍子です。形式は、第1詩節がマイナーキーで、途中で第2詩節が平行メジャーキーで続きます。

1920年代に、アタン・デ・ラ・ラマ、ジョビタ・フエンテス、コンチング・ロサル、シルビア・ラ・トーレ、ルーベン・タガログなどのパフォーマーがハラナとクンディマンをより広い聴衆に紹介したことで、ハラナとクンディマンはより主流になりました。

クラシック音楽はスペイン植民地時代に導入され、裕福なエリート層に大いに楽しまれました。19世紀後半から、「イリュストラドス」または「教養ある原住民」の台頭がクラシック音楽界を席巻し始めました。そのような原住民の作曲家には、ホセ・カンセコ・ジュニア、マルセロ・アドナイ、シンプリシオ・ソリス、フルヘンシオ・トレンティーノ、ボニファシオ・アブドンなどがいます。^[4]

サルスエラ「フィリピーナ・パラ・ロス・フィリピノス」より「アン・マヤ」

ホセ・エステラ作曲、マリア・エヴァンジェリスタ・カルペナ歌唱、ビクター録音会社（1908年）

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スペインの演劇サルスエラは、後にフィリピン音楽に取り入れられ、ローカライズされました。サルスエラは1879年に初めて導入され、1900年に登場しました。[ ^{5]アメリカの侵略の余波の間、植民地主義者は、サルスエラが国家主義的な感情を促進するために使用されているため、この音楽形式を「扇動的」と見なしました。 [4]}サルスエラを専門とする作曲家には、ホセ・エステラとボニファシオ・アブドンがいます。^[5]サルスエラはクンディマンの前身であると考えられていました。^[4]

正式なクラシック音楽の教育は1900年代に始まった。新しい公立学校制度により、音楽はカリキュラムに含まれていた。高等教育のために音楽学校や大学の設立が実施された。初期の学校にはスコラスティカ大学（1906年）やフィリピン大学音楽院（1916年）などがある。これらの学校の卒業生のほとんどは、ニカノール・アベラルド、フランシスコ・サンティアゴ、アントニオ・モリーナなどの主要なクラシック作曲家になった。^[5]

アメリカのネオクラシズムに触発され、ルクレシア・カシラグとエリセオ・パハロはクラシック音楽に現代的な手法を取り入れた。しかし、フィリピンの表現主義をヨーロッパのクラシック音楽の形式から解放したのはホセ・マセダであった。^[5]

20世紀後半から21世紀にかけての著名なクラシック作曲家には、ラモン・パガヨン・サントスやフランシスコ・フェリシアーノなどがいます。クラシック音楽を専門とするグループには、フィリピンユースオーケストラ、マニラ交響楽団、UP交響楽団などがあります。 ^[5]

合唱音楽はフィリピンの音楽文化の重要な一部となっています。合唱音楽は、昔、ミサで歌っていた教会の聖歌隊にまで遡ります。20 世紀半ばに、合唱団の演奏が始まり、時が経つにつれて人気が高まっていきました。教会以外にも、大学、学校、地域社会でも合唱団が設立されています。

ロバート・デルガド、フィデル・カララン、ルシオ・サン・ペドロ、エウデニス・パラルアンなどのフィリピンの合唱編曲家たちは、合唱団の膨大なレパートリーに、OPM、民謡、愛国歌、ノベルティソング、ラブソング、さらには外国の歌の美しい編曲を組み入れてきました。

フィリピンマドリガル シンガーズ(元はフィリピン大学マドリガル シンガーズ) は、フィリピンだけでなく世界でも最も有名な合唱団の 1 つです。国際コンクールで優勝し、このグループはフィリピンで最も優れた合唱団の 1 つになりました。受賞歴のある他の合唱団には、サント トマス大学シンガーズ、フィリピン マイスタージンガーズ (元フィリピン アドベンチスト大学アンバサダーズ)、UP シンギング アンバサダーズ、UP コンサート コーラスなどがあります。

マニラ サウンドは、1970 年代半ばにマニラ市で始まった音楽ジャンルです。このジャンルは 1970 年代半ばから後半にかけて繁栄し、ピークを迎えました。フィリピン戒厳令時代の「明るい側面」と見なされることが多く、 OPMの先駆けとして、フィリピンの現代のジャンルのほとんどに影響を与えています。

オリジナル・ピリピノ・ミュージックは、APOハイキング協会のダニー・ハビエルが作った商業的な頭字語で、一般的にはOPMと呼ばれている。 ^[6]もともとは、1970年代の商業的な前身であるマニラ・サウンドの衰退後に人気が出た、主にバラードやノベルティナンバーを中心としたフィリピンのポップジャンルの音楽のみを指していた。 ^[7] 「OPM」という用語は、フィリピンでフィリピン人によって作曲、演奏、録音された、フィリピン発祥の あらゆるジャンルのポピュラー音楽を表す包括的な表現となった。

1970年代にOPMが登場する以前、1950年代から1960年代にかけてのフィリピンのポピュラー音楽は、シルビア・ラ・トーリ、ディオメデス・マトゥラン、リック・マンリケ・ジュニア、ルーベン・タガログ、ヘレン・ガンボア、ビルマ・サントス、エドガー・モーティス、カルメン・カマチョなどのアーティストによって録音された、ほとんどが方言の歌詞で、頻繁に映画のテーマを扱った歌で構成されていた。しかし、アジアの歌の女王と呼ばれたピリタ・コラレスなどの例外もあり、彼女の人気作品にはセブアノ語、タガログ語、英語、スペイン語の翻案が含まれていた。全盛期からOPMはマニラに定着し、タガログ語と英語が主要言語であった。

フィリピン初の作詞作曲コンテストであるメトロマニラポピュラーミュージックフェスティバルは、1977年にフィリピンポピュラーミュージック財団によって創設されました。このイベントには、当時多くの著名な歌手やソングライターが出演しました。1985年に中止されるまで、7年間毎年開催されました。その後、1996年に「メトロポップソングフェスティバル」として復活し、さらに7年間開催されましたが、人気の衰えにより2003年に中止されました。^[8]このフェスティバルの別のバリエーションとして、 2002年に始まったヒミグハンドグコンテストがあり、 ABS-CBNコーポレーションとその子会社の音楽レーベルスターミュージック（旧スターレコード）によって運営されていました。

2000年から2003年にかけて5回のコンテストが開催され、2013年に復活した。以前のコンテストとは異なり、このコンテストにはさまざまなテーマがあり、毎年ファイナリストに選ばれる曲の種類を反映している。^{[9] [10]} 2012年には、フィリピンポピュラーミュージックフェスティバルが開始されたが、これは最初の作詞作曲コンテストに触発されたと言われている。 [ ^11]毎年開催されているOPM音楽の別の作詞作曲コンテストは、 1985年に最初に考案されたラジオネットワークBombo Radyoが主催するBombo Music Festivalである。^[12]

セブアノ語、カパンパンガン語、イロカノ語、その他フィリピンの言語など、他の地域の言語のレコーディングアーティストが全国的に有名になることは、1970年代以降、特にビスロック（ビサヤのロック音楽）の出現以降、めったにありませんでした。ダバオを拠点とするバンド1017と、サンボアンガを拠点とするチャバカノバンドMalditaがその例です。

タルラックを拠点とするバンド Mernuts による「Oras」（「 Time」）のデビュー ミュージック ビデオはMTV Pilipinas に浸透し、他の主流のフィリピンのミュージック ビデオの仲間入りを果たした初めてのカパンパンガンのミュージック ビデオになりました。ロックカパンパンガン: フィリピン・カパンパンガン・ロックの誕生^[13]は、カパンパンガンのさまざまなバンドによるカパンパンガン民謡の即興曲を現代的にリメイクしたアルバムで、2008 年 2 月に発売され、カパンパンガンのケーブル チャンネル Infomax-8 および中央ルソン島の 1 つを通じて定期的に再生されました。最大の FM ラジオ局、GVFM 99.1。地元の人々が「カパンパンガン文化ルネッサンス」と呼ぶものに触発され、アンヘレス市生まれのバラード歌手ロニー・リアンは、「Ayli」（カパンパンガン版「Ngiti」）や「Ika」（カパンパンガン版「Ngiti」）などの人気曲の一部をカパンパンガン語に翻訳した。 「Ikaw」）のリパッケージアルバム。

非タガログ語および非英語の音楽を求める声が高まり、他のフィリピン言語の表現が増えているにもかかわらず、マニラを中心とするフィリピンの音楽業界は、他の地域への投資に消極的です。その主な理由としては、言語の壁、市場規模の小ささ、フィリピンにおける地域主義からの社会文化的重点の欠如などが挙げられます。一例として、イロカノのグループであるブクロス・シンガーズ^{[14]が挙げられます。このグループは1990年代に}イロカンディアで人気を博し、2000年代には他のイロカノのパフォーマーの先駆けとなりましたが、フィリピンの他の音楽市場でブレイクすることはめったにありませんでした。

2010年代から現在にかけて、フィリピンのポップミュージック、つまりPポップは、国の急速な経済成長とそれに伴うアジアのアイデンティティの社会的、文化的復活を反映して、品質、予算、投資、多様性の向上を伴い、大きな復活を遂げました。KポップやJポップ、アジア風のバラード、アイドルグループ、EDMの影響を強く受けており、西洋のジャンルへの依存は低く、若いフィリピン人や主流文化の間での韓流や同様の日本流の人気を反映しています。今や主流となったこのジャンルの成長を定義する著名なPポップミュージックアーティストには、Regine Velasquez、Sarah Geronimo、Yeng Constantino、Erik Santos、KZ Tandingan、Moira Dela Torre、Morissette、SB19、BINIなどがいます。

アメリカは1898年から1946年までこの島々を占領し、アメリカのブルース、フォークミュージック、R&B、ロックンロールを導入して人気を博しました。1950年代後半、現地の演奏家がタガログ語の歌詞を北米のロックンロール音楽に取り入れ、フィリピンロックの重要な起源が生まれました。1960年代のフィリピンロックで最も注目すべき成果はヒット曲「キラージョー」で、この曲はロッキーフェラーズというグループを躍進させ、アメリカのラジオチャートで16位に達しました。

1970年代まで、人気ロックミュージシャンは主に英語で曲を書いてプロデュースしていた。1970年代初頭には、ロックミュージックは現地の言語で書かれるようになり、フアン・デラ・クルス・バンドなどのバンドはそうした最初の人気バンドの一つだった。同じ曲の中でタガログ語と英語の歌詞を混ぜることも人気があり、その例としては、マニラのサウンドシーンの主な革新者であるバンド、ホットドッグの曲「Ang Miss Universe Ng Buhay Ko (私の人生のミスユニバース)」が挙げられる。2つの言語を混ぜること (「タグリッシュ」として知られる) は、フィリピンの日常会話では一般的であったが^{[引用が必要]}、大胆な動きとみなされた^{[引用が必要]が、}シャロン・クネタの最初のヒット曲「ミスターDJ」を含むポピュラーソングでのタグリッシュの成功は、その障壁を打ち破った。

フィリピンのロックミュージシャンの活動は、フォークミュージックやその他のさまざまな文化の影響を受けており、1978年にフレディ・アギラールが大成功を収めるきっかけとなった。アギラールのデビュー曲「Anak」（「Child」）は、最も商業的に成功したフィリピンのレコーディングであり、アジアやヨーロッパで人気を博し、世界中の歌手によって数多くの言語に翻訳されている。アシンも同時期に音楽シーンに登場し、人気を博した。同様のアーティストには、サンパギータ、コリサ、フロランテ、マイク・ハノポル、ヒーバー・バルトロメなどがいた。

フォークロックは1980年代のフィリピンの抗議音楽となり、アギラールの「バヤン・コ」（「私の祖国」）は1986年のエドサ革命の国歌として人気を博した。同時に、カウンターカルチャーは政治に焦点を当てた歌詞の台頭を拒絶した。マニラでは、ビトレイド、ジャークス、アーバン・バンディッツ、コントラスなどのバンドが主導するアンダーグラウンドのDIYハードコアパンク、パンクロックシーンが発達した。この時期には、ドーンが先頭に立ってニューウェーブの影響も感じられた。

1990年代には、多くのフィリピン人からナンバーワンのフィリピン人ミュージシャンと見なされているイレイザーヘッズが登場した。彼らの成功をきっかけに、トゥルー・フェイス、ヤノ、シアコル、ザ・ユース、イントロボイズ、アフター・イメージ、ティース、パロキア・ニ・エドガー、リヴァーマヤなど、影響力のあるフィリピンのロックバンドが次々と登場し、それぞれがロックのさまざまなサブジャンルの影響を自分たちのスタイルに取り入れた。^{[15] [循環参照]} 1990年代のデスメタルの台頭（スカイチャーチ、ジェニタル・グラインダー、デス・アフター・バース、ディスインターメント、カバオン・ニ・カマタヤン、マス・カーネイジ、アポステイト、マーダム、エクスヒュームド、サクリジ、ランブルベリー、ディスインターメント、デスローン、アロマ）は、 「トゥノグ・カルイエ」時代のクラブ・ドレッドで目立つ存在となったバンドだった。

1990年代までに、マニラのハードコアパンクシーンは衰退し始めた。「パンクはみんな消えた」と、1990年代後半から2000年代初頭にかけて地元のDIY音楽シーンを記録した雑誌「コンスピラジン」の作者ジェップ・ペリグロは回想する。それでも、DIYパンク文化が豊かなマニラ南東部のラグナ州や、フィリピンのパンクの首都として知られるストロングサウスと呼ばれる近隣のカビテ地域など、活動の中心地はあった。^[16]

2000年代のフィリピンのロックは、パンクロック、ハードコアパンク、エモ、ハードロック、ヘビーメタル、オルタナティブロックを含むようにも発展し、 Razorback、Wolfgang、Greyhoundz、Slapshock、Queso、Typecast、PILEDRIVER、Chicosci、Kamikazee、Bamboo、Franco、Urbandub、Tanya Markova、Kiko Machineなどのアーティストや、プログレッシブバンドのParadigm、Fuseboxx、Earthmover、Eternal Nowなどのアーティストが登場しました。

2010年代には、ロックの別の形式であるインディーズ音楽のさまざまなサブジャンルの無名アーティストが台頭し、その中にはオートテリック、アン・バンダン・シャーリー、ランサム・コレクティブ、ベン＆ベン、ディセンバー・アベニュー、IV・オブ・スペーズ、ムニムニ、パープルチキンズ^[17]などのインディーズアーティストが含まれていました。

ロックフェスティバルが登場し、ロックやメタル愛好家のための毎年恒例のイベントとなっている。大きなイベントの1つはパルプ・サマー・スラムで、地元のロック/メタルバンドやラム・オブ・ゴッド、アンスラックス、デス・エンジェル、アーチ・エネミーなどの国際的なバンドが出演する。^[18]もう一つの完全に地元の毎年恒例のイベントであるラクラカン・フェスティバルでは、100を超えるフィリピンのロックバンドが出演する。

フィリピン音楽におけるネオ・トラディショナルというジャンルも人気を集めており、ジョーイ・アヤラ、グレース・ノノ、バヤン・バリオス、カダンヤン、ピニクピカンなどのアーティストがフィリピン先住民の伝統的な音楽のサウンドを活用しながら、比較的商業的な成功を収めています。

2020年代には、マグナス・ヘイヴン、バンドン・ラピス、ザ・ヴォウェルズ・ゼイ・オービット、ノビタといった新しいタイプのロックやインディーズのアーティストやバンドが誕生した。かつてIV・オブ・スペーズで演奏していたジルド・ベニテスもソロレコーディングを行った。

フィリピンのジャズ音楽は、1910 年代から 1920 年代にかけてのアメリカによるフィリピン占領中に始まりました。この時期、フィリピン人はアフリカ系アメリカ人やヒスパノフィリピンの音楽を試し始めました。この時代の著名なミュージシャンの 1 人は、自称「ジャズの王」ルイス・ボロメオです。ボロメオが作った音楽は、同時代の人々によく見られるラグタイムでした。フランシスコ・サンティアゴやホセ・エステラなどのクラシック音楽の作曲家は、当時「現代音楽」と考えられていたジャズの要素を融合し、「ヒムノ ワンステップ」、「フィリピン フォックストロット」、「フィリピン タンゴ フォックストロット」などの新しいジャンルのダンス音楽を生み出しました。 1920年代には、パーロフォンなどのレコード会社が登場し、前述のハイブリッドダンスジャンルが勢いを増すにつれ、マニラのエスコルタを中心に多くのデパートやショッピング街で新しい「フィリピンダンスレコード」の販売と宣伝が始まりました。^[19]

マレー語（フォックストロット）

フランシスコ・サンティアゴが作曲し、ロザリオ・ブルドン指揮のビクター・バンドが演奏しました（1920年にビクター・レコーディング・カンパニーで録音）。

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フィリピン文化遺産図書館によると、ピノイ・ジャズは、1950年代のアンヘル・ペーニャの音楽や、1970年代のエディ・ムンジやライアン・カヤビャブの音楽のように、フィリピンの民俗音楽の要素とジャズを融合させたユニークな音楽です。 ^[20]マニラでは1990年代後半以降、再び人気が高まりました。最初のきっかけは、JRCOBB Jazz Chamberなどのグループや、 2002年にGround Zero （現在は解散したN/A Recordsレーベルから）という受賞歴のあるアルバムをリリースしたWDOUJI（頭字語： Witch Doctors of Underground Jazz Improvization）^{[21] [22]など}のバンド、そしてサックス奏者のトッツ・トレンティーノ率いるBuhay ^[23]というバンドで、 BuhayはStar Recordsからセルフタイトルのアルバムをリリースしました。これらが後の活動への道を開いたが、最も有名なのはフィリピンのジャズ・スーパーグループ、ジョニー・アレグレ・アフィニティ^{[24]で、2005年にロンドンを拠点とする}キャンディッド・レコードからデビューアルバムをリリースした。^{[25] [26]}カパンパンガの歌手モン・デイヴィッド [pam] ^[27]も同様にプレミアジャズボーカリストとしてのペルソナを再発明し、2006年にロンドン国際ジャズコンペティション・フォー・ボーカリストで優勝した。^[28]女性ジャズシンガーソングライターでは、イギリス系フィリピン人のミシュカ・アダムスがキャンディッド・レコードの主力アーティストとして非常に人気となり、好評を博したアルバムを2枚リリースした。^{[29] [30]}その他の著名な人物としては、民族風のジャズを奏でるギタリストのボブ・エイブス^{[31] 、 [32] [33] [34]、}そしてスポークンワードフュージョンアンサンブルのラジオアクティブ・サゴ・プロジェクトも非常に強いジャズの基盤を示した。

2000年代初頭にはフリーダム・バー（ケソン市クバオのアノナス通り沿い）や2010年代にはタゴ・ジャズ・カフェ（同じくクバオ）などの会場で営業時間外のジャズジャムが当たり前になり、 ^[35]新進のジャズグループやレコーディングの才能を育む場所となった。^[36]

フィリピンの音楽シーンでは、フィリピンの文化意識を高めるオルタナティブ グループや部族バンドなど、他の多くのジャンルの人気が高まっています。

フィリピンのヒップホップは、フィリピン国内外で、特にフィリピン系アメリカ人によって演奏される、フィリピン系のミュージシャンによるヒップホップ音楽である。フィリピンは、ヒップホップ発祥の地である米国との歴史的なつながりから、1980年代初頭に登場したアジア初のヒップホップ音楽シーンを持つことで知られている。フィリピンでリリースされるラップ音楽は、タガログ語、チャバカノ語、セブアノ語、イロカノ語、英語など、さまざまな言語で登場している。フィリピンでは、フランシス・M、アンドリュー・E、ヴィンセント・ダファロン、マイケル・V、デンマーク、グロック9が、主流のラップアルバムを最初にリリースした、国内で最も影響力のあるラッパーとして挙げられている。Abra、Bassilyo、Curse 1、Flict-G、Smugglaz、Dello、Loonie、Shehyee 、 Shanti Dope、1096 Gang、Al James、 Because、Bugoy na Koykoy、Nik Makino、Honcho、Skusta Clee、Flow G、Ex Battalion、ALLMO$T、OC などの新種のヒップホップ/ラップ/トラップ アーティストDawgs はその後 2010 年代初頭から現在に至るまで続いています。

ピノイのノベルティ ソングは1970 年代から 1980 年代初頭にかけて人気になりました。この頃人気のあるノベルティ歌手は、レイカード デュエット、フレッド パノピオ、ヨヨイ ヴィラメでした。 1990 年代と 2000 年代のノベルティ ポップ アクトには、マイケル V、バヤニ アグバヤニ、グリン デパートメント、マスキュラドス (「Lagot Ka!」)、ブラックディヤク、フォン ナヴァロ、リト カモ、セックスボム ガールズ、ジョーイ デ レオン(「イタクタク モー」)、ビバが含まれます。ホット・ベイブス、ウィリー・レビラメ。

アフロキューバンの別名「ラテンとボサノバ」のリズムは、フィリピンの解放後およびそれ以降、フィリピンのポピュラー音楽に広く浸透しました。アニー・ブラジルと息子のリチャード・マーク、カティンディグ一家のミュージシャン（エディ・カティンディグ、ロミー・カティンディグ、ボーイ・カティンディグ、ヘンリー・カティンディグ、テイティング・カティンディグ）、ボー・ラゾン、アイリーン・シソン、シティなどのパフォーマーは、ラテンとボサノバの影響を受けたライブパフォーマンスとレコーディングで人気と商業的成功を収めました。

特にバギオでは、アンダーグラウンドのレゲエやスカのシーンが長い間盛んであったが、こうしたジャンルが主流のシーンに受け入れられたのはごく最近のことである。セブのTropical Depression、Brownman Revival、Put3ska、Roots Revival、タルラック市の Brown Outfit Bureau などのアーティストは、いわゆる「アイランド リディム」の普及に大きく貢献した。また、フアン パブロ ドリームや大規模なインディー ポップ シーンが先頭に立って、 モッズリバイバルも急成長している。

エレクトロニック ミュージックは、コンソーシアムのマノレット ダリオなどのアーティストが先頭に立って、1990 年代半ばにマニラのアンダーグラウンドで始まりました。2010 年には、地元のアーティストがエレクトロポップの曲を自ら作り始めました。現在、エレクトロニック ソングのほとんどはコマーシャルで使用されています。これまでのところ、純粋にエレクトロニック ミュージックを流している唯一のラジオ局は、107.9 U Radio です。2010 年代には、ダバオ市の「ボムテック」として広く知られるブドッツが台頭し、最初の「フィリピン風」EDM とみなされているほか、 The Palace Manila (BGC、タギッグ) や Cove Manila (パラニャーケのオカダ マニラ)などの有名なナイトクラブも登場しました。Somedaydream 、Borhuh、Kidwolf、Zelijah、John Sedano、MVRXX、MRKIII、Bojam、CRWN、NINNO、Kidthrones、Jess Connellyといったインディーズのエレクトロニック音楽プロデューサー、DJ、アーティストも人気を集めている。Ace Ramos、Mars Miranda、Marc Marasigan、Martin Pulgar、Katsy Lee、Patty Tiu、David Ardiente といった主流のクラブ DJ も、国際的な DJ が出演する人気のクラブ コンサートやフェスティバルで名を馳せている。自ら「アース ミュージック」と呼ぶ音楽の信奉者である Ato Mariano は、さまざまなパーカッションを含む土着の楽器のサウンド サンプルを収録したデジタル アルバム^{[出典が必要]}をリリースした。

2000年代後半、マギンダナオ・デル・ノルテ、マギンダナオ・デル・スル、ソクサーゲンを中心に、バンサモロ・ポップ（Bポップ、モロポップとも呼ばれる）として知られるアンダーグラウンド・ポップミュージックシーンが出現し、地元のラジオリスナーや地域のファンを獲得しただけでなく、 YouTubeのおかげでマギンダナオ出身者の間でも世界的な支持を集めた。著名なBポップアーティストには、ダトゥ・ホメイニ・カムサ・バンスアン（「モロソングの王」と呼ばれる）、タムタックス、シャイラ（「バンサモロ・ポップの女王」と呼ばれ、「Selos」という曲で知られる）^[37]、ジョンソン・アンパトゥアンなどがおり、クラブではなくバランガイのバスケットコート、住宅街、誕生日や結婚披露宴、さらには森の村などの辺鄙な場所でもパフォーマンスを披露している。彼らの歌詞は主にマギンダナオ語とタガログ語の両方で書かれている。^[38]

フィリピンには、フィリピン革命の時代にまで遡り、抗議活動や社会変革に関連した歌の長い歴史があり、その際の重要な抗議音楽には愛国的な行進や伝統的なフィリピンのクンディマンが含まれていました。^[39]この初期のプロテストソングの最も注目に値する例の 1 つは、フリアン フェリペの 1898 年の作曲「マルチャ ナシオナル フィリピーナ」で、これはホセ パルマの 1899 年の詩「フィリピーナ」と組み合わされてルパン ヒニラン(現在のフィリピン)が誕生しました。 '公式の国歌。フィリピンの国歌になりかけたもう 1 つの曲は、 革命的なタガログ共和国の国歌としてアンドレス ボニファシオの依頼でフリオ ナクピルが 1896 年に作曲した『マランガル ナ ダリット ン カタガルガン(タガログ民族/人民の名誉ある賛美歌)』です。^{[40] [41] [42] [43]}

「バヤン・コ」はアメリカ占領時代の重要な抗議歌で、1929年にコンスタンシオ・デ・グスマンが作曲したタガログ語版は、プロパガンダ運動の英雄ホセ・アレハンドリノのスペイン語曲を基に、 ホセ・コラソン・デ・ヘススの作詞によるものである。後に戒厳令下で扇動的であるとしてマルコスによって禁止されたが、1983年のニノイ・アキノ暗殺後の葬儀で抗議者がこの歌を歌ったことをきっかけに、重要なスローガンとなった。^[44]

抗議活動としての音楽の使用は、マルコス独裁政権の時代、特に1972年の戒厳令布告後の人権侵害の後、ポピュラー音楽、フォーク音楽、ロック音楽を取り入れるようになり、より広まりました。^[45]抗議活動としての音楽の大衆的使用の傾向は、1986年のピープルパワー革命でマルコスが退陣するまで続きました。^[46]その後、抗議活動や社会変革を訴える手段としての歌の使用は、フィリピンの音楽文化の一貫した特徴となりました。^{[47] [48]}

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