社会問題映画

社会問題映画は、より大きな社会的対立を登場人物間の個人的な対立に統合する物語映画である。米国およびハリウッドの文脈では、このジャンルは、現実的なアメリカの家庭内または制度化された設定で設定された社会的危機の架空の描写によって定義される。 ^[1]

多くの映画ジャンルと同様に、正確な定義は見る人の目によって異なりますが、ハリウッドは1930年代に多くの時事映画を制作して販売し、1940年代までには「社会問題」映画または「メッセージ」映画という用語は映画業界と一般の人々の間で慣習的に使用されていました。^[2]

社会問題映画を定義するようになった多くの特徴は、特定の社会問題に関する国民の認識された意識と、その問題を物語構造に統合することを中心に展開しています。戦争の恐怖、貧困層の苦しみ、中毒、女性の権利、特定の世界の非人道性などの社会問題がよく取り上げられます。この種の映画をジャンルとして定義することの問題は、多くの映画が社会問題を扱っているため、同様のスタイルを示す映画と区別する必要があることです。しかし、社会問題映画は、現在の歴史的文脈内の問題に焦点を当て、特定の時代の社会問題をその時代に当てはまるように、同時代のものよりもはるかに教訓的なスタイルで扱うことで差別化しています。^[3]さらに、社会問題映画は、他のジャンルの映画よりも特定の問題にさらに没入することができます。たとえば、ギャング映画や刑務所映画は、社会問題の特定の特徴を反映しますが、実際には、このジャンルにふさわしい方法で問題を完全に探求することはありません。^[2]

社会問題映画の重要な事実は、それが制作された時代に関連する社会問題に反応し、それを表現する能力があることです。社会問題がまだ国民意識の一部である間に、その問題を具体的に取り上げ、多くの場合、物語と登場人物の展開を通じて、問題が実際に何であるかについての議論を形成します。初期の社会問題映画は、その時代のイデオロギー的感情を物語に織り交ぜ、観客が吸収できるメッセージに変換することが多かったです。これは、映画が世間の認識を変える能力を中心に行われた特定の社会学的実験で証明できます。その代表的な例は、映画「紳士協定」（1947 年）における反ユダヤ主義の表現と、その後のラッセル ミドルトンによる社会学的研究で、映画を見る前と見た後で反ユダヤ主義の認識を測定したものです。驚くべきことに、映画は被験者に良い影響を与えたようで、研究に参加した大多数の人々は、映画を見る前よりも反ユダヤ主義的な感情が著しく減少しました。考慮すべき要素はいくつかあるが、この研究は、社会問題を扱った映画の主な教訓的な性質、映画の現在の時代に関連した主題への取り組み、そして歴史的時代の観客がそのようなメッセージをどのように受け止めたかを改めて示しているように思われる。^[4]

この歴史的背景と観客の反応という現象は、映画の教育的性質と興味深い物語を盛り込む能力との間に興味深いバランスを生み出した。^[3]古典時代の初期の映画は、しばしば少し説教臭く、フィクションというよりは公共広告のように見える。これは、映画の終盤でよく見られる教育シーンに表れており、登場人物が文字通りスピーチをし、映画が描こうとしている社会的メッセージに言及することが多い。例としては、「Wild Boys of the Road」（1933 年）と「Where Are My Children?」（1916 年）の終盤の審査員が挙げられ、どちらも独白形式で教訓を与えており、提示されているフィクションの物語とはまるで別物のように思える。映画が置かれている時代の問題との関連性は、他の映画にはないような教訓的な権威をこのタイプの映画に与えている。たとえば、「Where Are My Children?」は、観客が避妊に関して誤解を招く情報を与えられていると審査員が考えたため、全米映画批評委員会の審査を通過できず、一般公開に至らなかった。彼らはこの映画が社会問題を扱った架空の物語というよりも、教育的な性質のものであると信じていた。^[5]

社会問題映画は、それぞれの時代のより大きな社会問題を取り上げ、それをはるかに焦点を絞った方法で表現することが多い。問題は、多くの場合、認識された社会問題を経験する映画の世界を横断する家族や個人などの少数の登場人物を巻き込んだ物語を通じて表現される。多くの場合、彼らは社会問題を表現することを目的とした社会制度と直接関わり合う。これらの制度の類型化は、映画の全体的なイデオロギー的メッセージに基づいてスタイル化され、効果がないものとして描かれるか、適切な解決策として理想化されるかのいずれかである。これらは、社会問題映画の発展を通じて、そして社会問題映画の形式が変化する現代でも見ることができる。このスタイルの物語の例は、主人公が住む孤児院の非効率性と、最終的に彼が落ち着く裁判官の家族の理想的な生活を対比させることによって、家のない非行少年というより大きな問題が描かれている『青春の魂』（1920年）などの映画に顕著である。言及する価値のあるもう一つの例は、やはり『Wild Boys of the Road』（1933年）である。この映画では、主人公たちが裁判官に扱われる場面でクライマックスを迎え、全国的な問題の解決策を少数の個人の経験に当てはめることで、より大きな社会問題を個人主義的なレンズの中に持ち込んでいる。^[6]

制度を扱ったもう一つの重要な社会問題映画は、アルコール依存症をテーマにした『酒とバラの日々』（1962年）である。この映画は、飲酒をコントロールできないカップルが徐々に破滅していく様子を描いており、再び大きな社会問題を特定の登場人物に委ねている。しかし、この映画は、自己治療の効果的な方法として役立つアルコール依存症者匿名会という制度という形で解決策を提示している。エリザベス・ハーシュマンが実施した社会学的調査によると、この映画の描写は、映画を見た後、AAを問題解決の現実的な選択肢とみなす中毒者やアルコール依存症者に確かに共感できるものであることが明らかになった。実際の人々に対するこの影響は、特定の問題の表面をなぞりながら純粋に楽しませることを目的とした映画と比較して、社会問題映画が観客に与えたい相互作用を示している。^[7]

社会問題を扱った映画で登場人物や制度に焦点を当てた物語のより現代的な例としては、ベトナムから帰還した退役軍人を描いた映画『帰郷』（1978年）における軍病院の非効率性と残酷さが挙げられます。病院にいる​​すべての退役軍人に影響する虐待や怠慢な行為は、2、3人の登場人物の経験に還元されます。

社会問題映画に広く見られる特徴の 1 つは、背景の人物や物語の理性の声を演じる非俳優の使用と、ロケ地でのシーン撮影の要望です。これらの要素は両方とも、このジャンルに不可欠な真実性と現実世界との関連性を与えるのに役立ちます。いくつかの注目すべき例は、前述の映画「青春の魂」 (1920)で実際の裁判官ベン・リンジーが自分自身を演じていることです。 ^[8]この挿入により、観客は現実に基づいていることが分かる環境が作られ、このジャンルが持つ教訓的な性質に真実味が加わりました。現実世界の人物の存在は、社会問題映画で示されるメッセージは現実の対応物によって確認されなければならないという考えに直接対抗します。それはジャーナリズムやドキュメンタリー映画を彷彿とさせる誠実さを与えます。^[5]

ロケ撮影は、社会問題映画に限ったことではないが、このジャンルの特定の要素を例証する要素として成長してきた。スタジオの外の実際の環境で撮影するというアイデアは、非俳優の場合と同じように映画の真実味を高める。この撮影スタイルを利用してこのリアリティ感を得た映画は、前述の『Wild Boys of the Road 』（1933年）である。この映画では、子供たちが一時的に滞在する操車場を舞台にしたシーンが、カリフォルニア州グレンデールの実際の操車場で撮影されている。^[9]

おそらく、現実の挿入というアイデアの最も顕著な例は、 1942年に米国で農作業員の不足を緩和するために制定されたブラセロ計画に続くメキシコ移民を描いた社会問題映画「ボーダー・インシデント」（1949年）の冒頭シーンだろう。この映画は農地の上空からのショットで始まり、見えないナレーターが風景、労働力の不足、そしてそれに対するブラセロ計画のその後の創設について説明する。これは、この映画の制作中に実際に行われていた計画の挿入である。この現実に基づいた物語は、国境について5回も言及するナレーションと組み合わされ、相互依存のイデオロギーを観客にさりげなく押し付けながら、状況を忠実に表現しているように見せかけ、現実の挿入が社会問題映画が観客に影響を与える能力に与える影響を再び示している。^[10]

多くの社会問題映画には、移動と家族関係の重要性というテーマが含まれています。これらの要素は、主人公が実行可能な解決策に到達するまでに必要な旅をするときに、観客が主人公を追うことが多いため、このジャンルにさらなる真実味を与えます。内面の旅は、登場人物の文字通りの移動に反映されることがよくあります。これは、「Wild Boys of the Road 」（1933 年）での国中を旅すること、 「Where Are My Children?」 （1916 年）での医者の診療所への旅行、および「Border Incident」 （1949 年）での農場労働者の国際移動に見ることができます。同様に、このジャンルでは家族の概念が明らかであり、多くの場合、家族の概念が最も重要です。主人公が家族の信頼と支援を失ったときの没落には最終的な結末があり、したがって、社会問題はこれらの理想に戻ることで解決されることがよくあります。戦時中の感情がこの一部を説明することもありますが、このテーマがこのジャンルの発展を通じて維持されていることに注意することが重要です。 『 Coming Home』（1978年）や『グッド・ライ』 （2014年）といった、より現代的な社会問題を扱った映画でも、家族の重要性が感じられる。前者は、どんなことがあっても彼が寄り添う「兄弟」という点で、後者は、新しい生活を求めて何千マイルも旅する部族のメンバーという形で描かれている。

このジャンルは、アメリカの中流階級に真剣に受け止められるのに苦労していた新しいメディアである映画に、質とリアリズムを吹き込む試みとして、1910年代後半から1920年代に初めて登場しました。^[1]

歴史家のケイ・スローンは、無声映画の時代に、さまざまな改革派グループが社会問題を扱った短編映画や長編映画を制作した経緯を明らかにした。一般的に、これらの映画は禁酒法、労使関係、そして「白人奴隷制」に対する懸念を扱っていた。第一次世界大戦前のこれらの作品の思想は、労働者に対する懸念や、映画製作者が現実世界の問題と関わっていたことと一致することが多かった。これは、一般人の問題を初めて提示したジャンルの発展にとって重要であったが、実行可能な解決策を提示するという点では成功しなかった。むしろ、これらの映画の教訓的な性質は、労働問題に対する上流中産階級の解決策を示しており、映画の中で労働者が扱った問題を解決するには、非労働者階級の交渉者の存在が必要になることが多かった。^[11]

「ハッピーエンド」の効果とその利用法の発見もこの時期に実施された。ハッピーエンドは観客にカタルシス効果を残し、提供された社会的メッセージに満足させた。これは、社会問題を扱うジャンルにとって不可欠なものであり、映画を通じて社会を変えたいという監督や映画製作者の願望を示している。^[11]しかし、ジャンルとして、これらの進歩主義的な発言は、標準化された製品、寡占、スターシステムの背後で固まりつつあった映画業界に長続きする懸念を引き起こすことはなかった。

ワーナー・ブラザーズは、ダリル・F・ザナックの指揮下で、「新聞の見出しから切り取った」時事映画を作り始めた。これらの「見出し」は、一般的に安っぽく、リアリズムの美学が粗野で、労働者階級の環境とニューディール政策への共感を前面に押し出していた。この時代の社会問題映画は、ニューディール政策に対する国民の一般的な意識を反映していた。これらの映画の多くは、大恐慌の余波の中で国民に自信を植え付けようとするポピュリスト的な思想につながり、当時アメリカが直面していた失業問題を緩和するとされるフランクリン・デラノ・ルーズベルトの政策を支持していた。 ^[6]

これらの映画はまた、個人に仕事を見つける義務を課す一方で、困っている人を助けて持続可能な生活に戻らせるという隣人としての態度を持つことの利点を示している。これは特に、主人公が仕事を見つけようとして友人と家出をするが、結局は逮捕され、援助を必要とするが、その後裁判官によって援助が認められるという『Wild Boys of the Road』（1933年）などの映画で示されている。この映画とニューディール政策のイデオロギーとの関わりは、裁判官が提示されたホームレスの子供たちに援助を与えるときの自信に満ちた口調に反映されており、隣人としての助け合いの進歩的な性質が、失業者を救うには中流階級の人物が必要だったという事実を観客に考えさせることなく押し付けられている。^[6]

ニューディール政策が短期的には自信を与えたものの、長期的には雇用の伸びが鈍ったように、この時代の社会問題を描いた映画は、中流階級の救世主という非進歩的な物語にとらわれながらも、楽観的な感覚を描いていた。^[6]

この時期のこのジャンルの最も有名な作品は、マーヴィ・ルロイの『私は鎖のギャングからの逃亡者』（1932年）であり、その成功によりワーナー・ブラザーズや他のスタジオもその方式を模倣するようになった。

一方、コロンビア映画では、フランク・キャプラが社会問題映画とスクリューボール・コメディを融合させた独自の手法を開発し（業界と映画ファンの間では当時としては珍しいことだった）、名声を博した。脚本家のロバート・リスキンと協力し、キャプラは『ミスター・ディーズ街へ行く』（1936年）、 『スミス都へ行く』（1939年）、『ジョン・ドウをよろしく』 （1941年）などの映画でこの融合手法を開発、反復、洗練させていった。

戦後の社会問題映画は、経済問題から社会的・心理的適応の問題へと目立った変化を見せた。これはおそらく、帰還兵が民間社会に再定着できるという考えによるものであろう。^[12]この傾向の中で、1950年代まで、このジャンルはサミュエル・フラー、エリア・カザン、ダグラス・サークの作品に代表された。^[1]

国民の考えや感情が失業の心配から戦争の恐ろしさや薬物依存者のリハビリテーションへと移るにつれ、社会問題を描いた映画も当時の国民意識に適応していった。国民が恐れていたことの一つは、帰還兵たちが見た恐ろしさから変わってしまったために帰国後に苦々しい思いを抱き、故郷では適切な見返りがないと感じるのではないかということだった。また、核家族が崩壊したという考えも考慮に入れられていた。^[12]

帰還兵3人が民間人としての生活に適応する様子を描いた『我が生涯最良の年』（ウィリアム・ワイラー監督、1946年）は、多くのアメリカ人が退役軍人の社会復帰について抱いていた不安を和らげるという点で特に力強い作品であった。この映画は、戦争で両手を失った主人公を、同じ経験をしたアマチュア俳優のハロルド・ラッセルが演じ、正常化に向けた闘いを楽観的に描くことで、戦後の社会問題を取り上げている。また、この映画は戦時中に生まれる男同士の強い絆を前向きに描き、男同士が互いに支え合う様子を示している。また、彼らが戦前の生活に戻った際に直面する苦闘も描いているが、国民の不安を和らげようと、最終的には全てが和解するハッピーエンドとなっている。この映画は、非俳優の起用、歴史的背景の重要性、メロドラマ的な感覚、ジャンルの教訓的な性質など、古典的な時代の社会問題映画の一般的なガイドラインに従っていますが、社会問題の特定と解決は社会への警告というよりは、戦争の恐怖に揺れる国で前向きな感情を高めることに関するものです。^[12]

社会問題映画は、戦後のアメリカを悩ませた他の具体的な問題も取り上げた。例えば、ビリー・ワイルダーの『失われた週末』（1945年）はアルコール依存症に焦点を当て、薬物やアルコールの乱用を扱った一連の映画の幕開けとなった。また、以前の戯曲を基にした『ガス燈』 （1944年）は、心理的虐待の手法をドラマ化し、後にガスライティングとして知られるようになった。精神衛生に触れた『ベッドラム』（1946年）は、アメリカ人の怒りを招き、^[13]当時のすでに不安定だった国民の意識に影響を与えた。

アメリカ社会に組み込まれていた社会問題の一つは、少数民族をひとつのグループとして分類することだった。アフリカ系アメリカ人、アジア系アメリカ人、ユダヤ人、同性愛者は皆、区別なく差別されていた。しかし、この種の憎悪の結果としてナチズムの悪とホロコーストが世界に明らかになり、この問題への認識はかなり高まった。 ^{[14]ユダヤ人が受けた苦しみの後、} 反ユダヤ主義は世界的な話題となり、社会問題を扱った映画はそのような問題を描こうとする試みで応えた。この時期に反ユダヤ主義と人種差別を取り上げた映画には、『ピンキー』（1949年）や『勇者の家』（1949年）などがある。特に『紳士協定』（1947年）は、ユダヤ人の体験を理解するためにユダヤ人として生きることを決意したジャーナリストを追う物語である。ユダヤ人批評家は、紳士協定の取り組みはユダヤ文化をまったく掘り下げておらず、ホロコーストの影響についても十分に深く掘り下げていないと批判した。また、この映画は反ユダヤ主義を差別ではなく、悪しき習慣として描いているとみなされた。^[15]しかし、商業的にはこの映画は成功し、ユダヤ人に対する偏見を減らす形で観客に影響を与えることができた。^[4]

下院非米活動委員会という形で現れたマッカーシズムは、ハリウッドのアメリカ社会に対する左派批評への熱意をいくらか弱めたが、^[16]それでもこのジャンルはその後20年間続いた。ロバート・ワイズのSF映画『地球が静止する日』 （1951年）は、冷戦による不信感と核妄想の環境下で、暴力と世界安全保障の問題で国際協力を促した。その「メッセージ」は、文明化された地球外生命体によって文字通り地球に届けられた。スタンリー・クレイマーの人種差別を暴露したさまざまな作品、たとえば『反抗者たち』（1958年）、『プレッシャー・ポイント』（1962年）、『夕食に誰が来る』（1967年）は、このジャンルの代名詞となった。さらに、「少年犯罪映画」は、社会問題映画の批判的なトーンとエクスプロイテーション映画やメロドラマを組み合わせたものだった。

精神保健施設の非効率性に関する一連のジャーナリズム記事は、精神保健医療の社会問題に対する国民の意識の高まりにもつながった。当時の国民の意識は、ナチスの惨劇が公に暴露されたことですでに不安定な状態にあった。^[13]これは、信頼できない環境と冷戦の緊張と相まって、精神衛生、治療の非効率性、影響を受けた個人を助ける方法についての多くの映画に反映された。

社会問題を題材にしたジャンルは、精神衛生や依存症の問題を、ニューヨーカー誌に掲載された「身長10フィート」という記事に基づいて作られた「ビガー・ザン・ライフ」 （1956年）^[17]などの映画を通じて特によく反映している。^[18]この映画は、健康で幸せな家族関係にある主人公が、まれな病気のためにコルチゾンを服用せざるを得なくなり、最終的に薬を乱用して精神衛生上の問題を引き起こすというストーリーである。映画の中で病院と医師は無能で患者の言うことを信じようとせず、患者が薬物を求める行動をとるとコルチゾンをさらに投与することさえある。

『ビガー・ザン・ライフ』は、古典的なハリウッドの社会問題映画からの大きな転換も示しているが、これは無数の要因によって引き起こされた。1948年、当時の大手スタジオに対する米国による画期的な反トラスト訴訟の後、パラマウント法令が制定された。それに続いて、多くの形態の配給、マーケティング、および映画の上映間隔が制限された。これにより、当時の大手スタジオの権力が移行し、大手スタジオは映画を販売するための新しい方法を見つける必要に迫られた。アスペクト比を広げてワイドスクリーンで視聴できるシネマスコープの誕生は、ハリウッドの古典的な時代の終わりの始まりと見なされた。社会問題映画も採用するこれらの新しい技術にアクセスできたため、『ビガー・ザン・ライフ』は教訓的なセリフが少なくなり、社会問題が何であるかを観客が解釈できるようにした。^[19]

1970 年代の映画の大きなテーマはベトナム戦争でした。 『ディア・ハンター』（1978 年）や『地獄の黙示録』 （1979 年）などの映画は、派遣中の兵士が直面する精神的および肉体的な極限状況を明らかにすることに重点を置いていました。

一方、社会問題映画は、帰還兵という共通のテーマに戻り、批評家から絶賛された『帰還兵』（1978年）に代表される。この映画は、夫が戦争で不在の女性が退役軍人病院でボランティアをし、障害のある兵士と親しくなる様子を描いたものである。しかし、この映画が物語や観客と関わる方法は、当時の人々の考え方を反映した形式の変化を示している。1960年代から1970年代にかけては、第二波フェミニズムが顕著になり、多くの社会問題に関する不平等への意識が高まった時期であったが、主に白人上流階級のフェミニズムに焦点を当てていた。フェミニストの理想に対するこの国民的意識は、大部分が失敗に終わった戦時環境や、退役軍人を十分にケアできなかったことと相まって、『帰還兵』の物語と登場人物を通して表現されているが、同時に古典的な社会問題映画の特定の要素も維持している。ベトナム戦争の経験の女性化は、主人公のルークを通して見ることができる。ルークは、サリーが典型的な軍人の妻としての役割を超越できるようにし、社会復帰に向けて進むにつれて自分自身も女性化していく。ルークが受動的で典型的な女性になるほど、ベトナムの恐怖から逃れられるようになる。このタイプのキャラクター化は、以前の社会問題映画に見られるキャラクターとは大きく異なる。これらの映画では、退役軍人は超男性的で、妻は伝統的な主婦として描かれることが多かった。^[20]

さらに、 『カミング・ホーム』の物語は、以前の社会問題映画とは明らかに異なっている。観客に教訓的なテーマを押し付けるのではなく、物語は教訓主義とメロドラマのロマンスの定型を行き来する。^[21]（その結果、映画が私たちに何に注目してもらいたいのかを見極めるのが難しい場合がある。）しかし、焦点を絞った物語、教訓的なスピーチで終わること、病院にいる​​退役軍人を演じるために俳優以外の俳優を使うことなど、社会問題映画の特徴は維持している。^[22]

アメリカ合衆国が現代へと移行するにつれ、国を取り巻く社会問題は、特に移民と退役軍人の経験という、古典的な社会問題映画で頻繁に取り上げられる問題の側面に焦点を当てるように変化しました。たとえば、『ボーダー・インシデント』 （1949年）のテーマは、メキシコからの移民農業労働者でした。帰還兵を題材にした社会問題映画『我が生涯最良の年』（1946年）と『帰還兵の帰還』（1978年）は、退役軍人の待遇と社会復帰に焦点を当てています。

現代の米国では、移民に関する社会問題として長年にわたり問題となっているのは難民庇護という考え方であるが、一方で帰還兵の物語は、戦争への依存や戦争なしでは正常に機能できないことに焦点を当てることが多い。

スーダン難民は、内戦に悩まされているにもかかわらず、テロの恐れから米国への亡命が拒否されているため、特に注目されている。この問題を扱った現代の社会問題映画としては、『グッド・ライ』（2014年）がある。この映画は、村から難民キャンプに逃れ、大人になって米国にやってくるスーダンの子供たちの生活を追っている。映画の冒頭では、2万5000人以上の子供たちが、自然環境や動物、兵士に殺されそうになる状況に耐えながらアフリカを横断する間に直面した苦難をうまく表現しており、主人公たちが自ら旅を続け、途中で何人かの命を失う様子が描かれている。^{[23]この映画は、難民キャンプでのロケ撮影や、実際の難民を背景の登場人物として使うなど、古典的な手法を利用している。しかし、この映画は}、『カミング・ホーム』などの社会問題映画の形式との共通点の方が多い。この映画は、有名な女優リース・ウィザースプーンが主演しているだけでなく、観客に説教するよりも、物語への関与をうまく利用している。主人公のグループがアメリカに到着すると、映画はこれらの難民の窮状を示すことから、アメリカの習慣に適応しようと奮闘し、彼らを助けるはずの官僚制度の無効性に気づくという、ある種の文化衝突へとシフトする。Coming Homeと同様に、この映画は純粋に教育的な空間に観客を置くのではなく、むしろ、描かれているドラマから社会問題を識別するよう促される。これは、プロットが作り物のように思われ、特定の社会問題に十分焦点を当てていないと主張する一部の批評家の苛立ちに表れている。^[24]社会問題映画の形態が変化しているこの特定の側面は、観客が楽しませられたいという欲求と、関与できるよく練られたストーリーに満足したいという欲求に大きく起因している。^[25]

このことが明白になるもう一つの例は、帰還兵の描写の変化である。アメリカ社会に対する戦時の影響は、状況やその時々の国民感情によって流動的である。第二次世界大戦後の映画は、しばしば帰還兵の帰還に焦点を当て、家族生活や配偶者のサポートを奨励し、また人間が悪を犯す能力を明らかにし、これらの問題に取り組むようになったことからも、このことは明らかである。その後、ベトナム戦争中には、フェミニスト運動と国民の後悔の感情が組み合わさり、戦闘の恐怖だけでなく帰還兵の窮状を描いた超男性的な映画と、教訓的ではなくより定型的な物語アプローチを生み出した。^[3]したがって、現在の時代は中東における国際紛争に焦点を当てており、それが米国でイデオロギーの分裂を生み出している。社会問題を扱う映画は、イラク戦争への参戦の誤った動機という考えを扱った『グリーンゾーン』 （2010年）などの映画を通じて、これらの感情を取り込むように適応してきた。

しかし、社会問題映画のジャンルにもっと関係があるのは、帰還兵という概念である。退役軍人の扱いはスクリーン上では描かれているが、現代の社会問題はその範囲を超えており、兵士自身の精神や彼らの状況を永続させるシステムにまで及んでいる。これは、戦争を依存症として描写することで行われ、これは別のタイプの社会問題であるが、20世紀の映画では考慮されなかった方法である。^[26]これは、イラクの爆発物処理チームを描いた『ハート・ロッカー』 （2009年）の場合である。この映画はヨルダンでロケを行い、俳優以外の俳優を起用し、少人数のグループに焦点を当てているが、社会問題を描写するために、直接的な説教よりもキャラクター設定、ストーリーテリング、撮影様式化に重点を置いている点で、最近の社会問題映画にかなり沿っている。この映画は映画的で本能的なものであり、ドキュメンタリー風のスタイルで戦争のさまざまな側面を織り交ぜ、音響や技術の進歩を駆使して強烈で包括的な物語を作り上げている。ここでも、視聴者は主人公の平凡な家庭生活と、よりくつろいでいるように見える遠征での経験を比較することになっている。映画は戦争を麻薬に例える引用で始まり、主人公の「遠征日数」カウンターが0にリセットされるところで終わる。これは軍人が直面する困難と、それが彼らを純粋にやる気のある兵士というより、目的のために作られた機械のように形作る様子を示している。^[26]これらのシーンは、観客にどう感じるべきかを終わらせる独白から伝えることから、問題を示して観客自身に解釈させるという明白な変化を示している。

テレビなどの新技術の発達により、社会問題を扱った番組が明らかになるのは必然だった。社会正義のためのドキュメンタリーから地域の問題に関する公共放送まで、テレビは映画ではできない方法でアクセスできる。『ザ・ビゲスト・ルーザー』などの特定の番組は、現実として提示された設定で肥満などの特定の社会問題を取り上げている。しかし、実際には、すべてがほぼ脚本化されている。参加者は独自のストーリーラインを作成する権利を放棄し、倒れるまでトレーニングを受けるが、これは減量に取り組む健康的な方法ではない。^[27]この疑似現実は、特定の社会問題と、食事や運動などの実行可能な解決策を提示しているが、貧困地域の安価なファーストフードなどの文化的問題や組織的要因については触れていないという点で問題がある。

ソーシャルメディアの台頭は、広告、ニュース、抗議活動、運動、他の文化への露出など、多くの確立されたシステムを変革させました。起こっている出来事に即座につながり、何かを公衆と即座に共有する能力は、マウスをクリックするだけでアクセスできるネットワークの新しい発展をもたらしました。^[28]したがって、生活のこれらの他の側面が影響を受けたのと同じように、社会問題映画のアイデアも影響を受けています。ユーザーがYouTubeを介して、世界中で起こっている出来事の実際の現実のビデオを入手できるようになったことで、映画の表現がジャンルに適合するために必要な教訓的な存在になることが難しくなりました。たとえば、イラク戦争の映像を検索すると10万件を超える結果が表示されるため、視聴者が純粋に共感できる現実感を描写することが難しくなり、映画製作者の芸術的影響がより顕著になります。これにテレビによるニュース番組の発達が加わり、社会問題を描いた映画は形式を変えざるを得なくなり、人々が実際の映像にアクセスできるようになったため、大多数の教訓的なアプローチでは満足できなくなり、より深いキャラクター設定とより豊かな物語の実装が、このジャンルのより現代的な作品において重要になった。^[29]

社会問題を扱った物議を醸したテレビ番組の例として、10代の自殺、レイプ、いじめなどを扱った『13の理由』が挙げられる。^[30]

このジャンルで取り上げられる社会問題には次のようなものがあります。

• 年齢と世代間の対立
  • レスラー（2008）
  • 幼少期と青年期
    • 四百発殴り（1959）
    • キッズ(1995)
• クラス
  • 大きな幻影（1937）
  • パラサイト 半地下の家族(2019)
  • 貧困
    • ヒルビリー・エレジー（2020）
• 気候と汚染
  • ウォーリー(2008)
• 消費者文化
  • ファイト・クラブ（1999）
• 犯罪と非行
  • 黒板ジャングル（1955）
• 麻薬密売と麻薬戦争
  • ボーダーライン(2015)
• 移民と移民体験
  • 国境事件（1949年）
• 教育
  • グッド・ウィル・ハンティング（1997）
• 家族生活と価値観
  • 私の子供たちはどこにいる? (1916)
  • 普通の人々 (1980)
  • ジュノ（2007）
• 健康、精神衛生、病気
  • ビガー・ザン・ライフ（1956）
  • カッコーの巣の上で（1975）
  • 待っている子（1963）
  • 薬物乱用
    • ラスベガスをぶっ飛ばせ(1995)
    • ウッタ・パンジャブ（2016）
    • ビューティフル・ボーイ(2018)
• 労働
  • モダン・タイムズ（1936年）
  • 怒りの葡萄（1940年）
  • ノーマ・レイ（1979）
  • ジェルミナル（1993）
• 人種、人種差別、差別
  • ドゥ・ザ・ライト・シング（1989）
  • 反抗者たち（1958）
  • プレッシャーポイント（1962）
  • 夕食に誰が来るか(1967)
  • アメリカン・ヒストリーX (1998)
  • 第9地区(2009)
  • クラッシュ（2005）
• 性差別
  • 子供の時間（1961）
  • 天国から遠く離れて（2002）
  • ブロークバック・マウンテン(2005)
• 社会的価値観とプレッシャー
  • いまを生きる（1989）
  • 3イディオッツ（2009）
• 検閲
  • ストームセンター（1956）
• テクノロジー、メディア、そして社会
  • ネットワーク（1976）
  • トゥルーマン・ショー（1998）
  • ナチュラル・ボーン・キラーズ（1994）
• レイプ
  • アウトレイジ（1950）
• 都市生活と田舎暮らし
  • ボーイズ・ン・ザ・フッド（1991）
  • 前述のヒルビリー・エレジー
• 宗教
  • エルマー・ガントリー（1960）
• 銃による暴力
  • アメリカン・ガン（2005）
  • ボウリング・フォー・コロンバイン（2002）
• 戦争と退役軍人の生活
  • ディア・ハンター（1978）
  • フルメタル・ジャケット（1987）
  • 7月4日に生まれて（1989年）
  • ハート・ロッカー（2009）
  • 栄光への脱出(1957)

• メッセージ画像
• 社会SF
• 社会スリラー
• とても特別なエピソード
• 社会的リアリズム
• オスカーの餌食
• アイデンティティ政治

• ピーター・ロフマン、ジム・パーディ著『ハリウッド社会問題映画』ISBN 0-253-12707-6 
• スローン、ケイ。1988年。『The Loud Silents: 社会問題映画の起源』イリノイ大学出版局。ISBN 0-252-01544-4