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ビデオゲーム開発(ゲーム開発と略されることもあります) は、ビデオゲームを作成するプロセスです。プログラミング、デザイン、アート、オーディオ、ユーザー インターフェイス、およびライティングを含む、学際的な実践です。それぞれがより専門的なスキルで構成される場合があります。アートには、オブジェクトの 3D モデリング、キャラクター モデリング、アニメーション、視覚効果などが含まれます。開発は、プロジェクト管理、制作、および品質保証によってサポートされます。チームは、数百人、小グループ、または 1 人の場合もあります。
商業用ビデオゲームの開発は、通常、出版社によって資金提供され、完成までに2年から5年かかります。小規模で自己資金によるチームによるゲーム制作は、独立開発と呼ばれます。ゲームの技術は、ゼロから作成される場合もあれば、1つの会社に固有の専用ソフトウェアを使用する場合もあります。開発がより複雑になるにつれて、企業や独立開発者がUnityやUnreal Engineなどの既製の「エンジン」を使用することが一般的になっています。[1]
商業ゲーム開発は、アーケード ビデオ ゲーム、Atari 2600などの第 1 世代のビデオ ゲーム コンソール、Apple IIなどの家庭用コンピュータの登場とともに、1970 年代に始まりました。1980 年代に入ると、1 人のプログラマーでもPitfall!などの完全なゲームを開発できるようになりました。1980 年代後半の第 2 世代および第 3 世代のビデオ ゲーム コンソールの登場により、パーソナル コンピュータでの 3D グラフィックスの人気の高まりと、ビジュアルと品質への期待の高まりにより、1 人で主流のビデオ ゲームを制作することは困難になりました。ハイエンド ( AAAと呼ばれることが多い) ゲームの平均制作コストは、2000 年の 100 万～400 万ドルから、2023 年までには 2 億ドル以上に徐々に上昇しました。同時に、独立系ゲーム開発が盛んになりました。史上最も売れたビデオ ゲームであるMinecraftは、最初は 1 人の人物によって作成され、その後、小さなチームによってサポートされ、その後、Microsoftに買収されて大幅に拡大しました。
主流の商業用ビデオ ゲームは、通常、段階的に開発されます。コンセプトが開発され、その後、試作品が書かれ、ゲーム全体の計画が作成されるプリプロダクションに移行します。その後、本格的な開発またはプロダクションが続き、その後、ゲームを洗練させるポストプロダクション期間が続くこともあります。多くの開発者、特に小規模な開発者にとって、実際のプレイヤーからのフィードバックと並行して反復的な開発が行われる「早期アクセス」形式でゲームを公開することが一般的になっています。
概要
ゲームはソフトウェア開発プロセスを通じて制作されます。[2]ゲームは創造的な表現手段として開発され[3]、利益を生み出すためにも開発されます。[4]ゲーム制作は芸術と科学の両方と見なされています。[5] [6]開発は通常、出版社によって資金提供されます。[7]よくできたゲームは利益をもたらしやすくなります。[5]ただし、個々の機能の開発コストなど、ゲームの財務要件を見積もることが重要です。 [8]ゲームの期待値を明確に示さないと、割り当てられた予算を超えてしまう可能性があります。[8]実際、商用ゲームの大部分は利益を生み出していません。[10] [11] [12]ほとんどの開発者は開発スケジュールを途中で変更する余裕がなく、制作前に利用可能なリソースで能力を見積もる必要があります。[13]
ゲーム業界にはイノベーションが必要です。なぜなら、出版社は繰り返し続編や模倣品をリリースし続けることで利益を上げることができないからです。 [14] [中立性は議論の余地があります]毎年、新しい独立系開発会社が設立され、ヒット作を開発する会社もあります。同様に、多くの開発者は、出版契約が見つからない、または制作が採算が取れないために廃業します。[15]初期投資が高額なため、新しい会社を設立することは困難です。[16]しかし、カジュアルゲームやモバイルゲーム市場の成長により、より小規模なチームを持つ開発者が市場に参入できるようになりました。企業が財政的に安定すると、より大きなゲームを開発するために拡大する可能性があります。[15]ほとんどの開発者は小規模から始めて、徐々にビジネスを拡大します。[16] 成功したタイトルから利益を得た開発者は、会社の拡大と再構築のために資本を蓄え、期限の遅れにも耐える場合があります。[17]
マルチプラットフォームゲームの平均開発予算は1,800万～ 2,800万ドルですが、注目度の高いゲームでは4,000万ドルを超えることも珍しくありません。[18]
1980年代初頭の家庭用コンピュータとビデオゲーム機の初期の時代には、プログラミング、グラフィックデザイン、サウンドエフェクトなど、ゲーム開発のほぼすべてのタスクを1人のプログラマーが処理できました。 [19] [20] [21]ゲームの開発にはわずか6週間しかかかりませんでした。[20]しかし、現代の商用ゲームに対するユーザーの期待と要件は高く、[20] 1人の開発者の能力をはるかに超えているため、責任を分割する必要があります。[22] 1つのプロジェクトに100人以上のチームがフルタイムで雇用されることもあります。[21]
ゲームの開発、制作、またはデザインは、アイデアやコンセプトから始まるプロセスです。[23] [24] [25] [26]多くの場合、アイデアは既存のゲームコンセプトの修正に基づいています。[23] [27]ゲームのアイデアは、1つまたは複数のジャンルに分類される場合があります。[28]デザイナーは、さまざまなジャンルの組み合わせを試すことがよくあります。[28] [29]ゲームデザイナーは通常、基本的なコンセプト、ゲームプレイ、機能リスト、設定とストーリー、ターゲットユーザー、要件とスケジュール、最後にスタッフと予算の見積もりを記述した最初のゲーム提案書を作成します。 [ 30]会社によって、ゲームのデザインと開発に関する正式な手順と哲学が異なります。[31] [31] [32]標準化された開発方法はありませんが、共通点は存在します。[32] [33]
ゲーム開発者は、個人から大規模な多国籍企業までさまざまです。独立系スタジオとパブリッシャー所有のスタジオの両方があります。[34]独立系開発者は、ゲームパブリッシャーからの資金援助に頼っています。[35]通常、彼らは外部からの資金援助なしに、コンセプトからプロトタイプまでゲームを開発する必要があります。その後、正式なゲーム提案がパブリッシャーに提出され、パブリッシャーは数ヶ月から数年にわたってゲーム開発の資金を提供します。パブリッシャーは、ゲームの独占的な配布および販売権を保持し、ゲームフランチャイズの知的財産権を所有することがよくあります。[34]パブリッシャーは開発スタジオを所有している場合もあれば、[34] [36]社内に開発スタジオを持っている場合もあります。一般的に、ゲームの知的財産権を所有するのはパブリッシャーです。[11]
最も小規模な開発会社を除き、すべての開発会社は複数のタイトルを同時に開発しています。これは、ゲームの出荷からロイヤリティの支払いを受けるまでに6～18か月かかるため必要です。小規模な会社は、契約を締結したり、ロイヤリティの前払いを要求したり、シェアウェア配布を利用したり、パートタイム労働者を雇用したり、その他の方法で給与支払いの要求を満たしたりします。[37]
マイクロソフト、任天堂、ソニーなどのゲーム機メーカーは、ゲームが承認されるためには準拠しなければならない標準的な技術要件を持っています。さらに、ゲームのコンセプトはメーカーの承認が必要であり、メーカーは特定のタイトルの承認を拒否する場合があります。[38]
最近のPCやコンソールゲームのほとんどは完成までに3年から5年かかります[要出典]が、モバイルゲームは数か月で開発できます。[39]開発期間は、ジャンル、規模、開発プラットフォーム、アセットの数など、さまざまな要因によって左右されます。[要出典]
ゲームによっては、完成までに平均的な時間枠よりずっと長い時間がかかることがあります。悪名高い例としては、3D RealmsのDuke Nukem Foreverがあります。これは 1997 年 4 月に制作開始が発表され、14 年後の 2011 年 6 月にリリースされました。[40] Maxis のゲームSporeの計画は1999 年後半に始まり、ゲームは 9 年後の 2008 年 9 月にリリースされました。 [要出典]ゲームPrey は1997 年の PC Gamer で簡単に紹介されましたが、2006 年までリリースされず、大幅に変更された形でリリースされました。最後に、Team Fortress 2 は1998 年から 2007 年のリリースまで開発され、 Gabe Newellによると「おそらく 3 つまたは 4 つの異なるゲーム」を含む複雑な開発プロセスから生まれました。[41]
小売店からのゲーム収益は、開発者、パブリッシャー、小売店、メーカー、コンソールのロイヤリティなど、流通チェーン上の関係者間で分配されます。多くの開発者はこれで利益を上げることができず、破産します。[37]多くの開発者は、収益を改善するためにインターネットマーケティングや流通チャネルを通じて代替の経済モデルを模索しています。 [42]モバイル流通チャネルを通じた開発者の取り分は総収益の最大70％になる可能性があり、 [39]開発者が所有するオンライン流通チャネルを通じた取り分はほぼ100％です。[要出典]
歴史
ゲーム制作の歴史は最初のビデオゲームの開発から始まりますが、どのビデオゲームが最初であるかはビデオゲームの定義によって異なります。最初に作成されたゲームには娯楽性が低く、開発の焦点はユーザーエクスペリエンスとは別でした。実際、これらのゲームをプレイするにはメインフレームコンピューターが必要でした。[43] 1952年に Alexander S. Douglasによって書かれたOXOは、デジタルディスプレイを使用した最初のコンピューターゲームでした。[22] 1958年には、オシロスコープに出力を表示するTennis for Two というゲームが、ブルックヘブン国立研究所に勤務していた物理学者Willy Higinbothamによって作成されました。[44] [45] 1961年には、 Steve Russellが率いるマサチューセッツ工科大学の学生グループによってSpacewar! というメインフレームコンピューターゲームが開発されました。[44]
ゲームの真の商業的デザインと開発は、アーケードビデオゲームと第一世代のコンソールが販売された1970年代に始まりました。1971年、Computer Spaceは最初の商業的に販売されたコイン式ビデオゲームでした。ディスプレイには白黒テレビを使用し、コンピュータシステムは74シリーズ TTL チップで構成されていました。[46] 1972年には、 Ralph H. Baerによって開発されたMagnavox Odysseyと呼ばれる最初の家庭用コンソールシステムがリリースされました。[47]同じ年、Atariはビデオゲームの人気を高めたアーケードゲームのPongをリリースしました。 [48] Pongの商業的成功により、他の企業もPongのクローンを開発し、ビデオゲーム産業が生まれました。[49]
プログラマーは大企業で働き、これらのデバイス用のゲームを制作した。業界ではゲームデザインに大きな革新は見られず、多くのコンソールで非常に似たり寄ったりのゲームが発売された。[50]これらの初期のゲームの多くは、 Pong のクローンであることが多かった。[51]しかし、いくつかのゲームは異なっており、例えばGun Fightはいくつかの理由で重要であった。[52] 1975年初頭の徒歩多方向シューティングゲーム、[53]ゲームのキャラクター、[54] ゲームの暴力、人間同士の戦闘を描いたもの。[55] 西角智弘のオリジナルバージョンは離散論理に基づいていたが、[56]デイブ・ナッティングがインテル 8080 を使用してそれを適応させ、マイクロプロセッサを使用した最初のビデオゲームとなった。[57]コンソールメーカーはすぐに独自に開発されたゲームをプレイできるコンソールの生産を開始し、[58]マイクロプロセッサで動作し、1976年にフェアチャイルドチャンネルFが発売されて第2世代コンソールの始まりとなりました。 [要出典]
ポンのクローンの氾濫は1977年のビデオゲーム崩壊につながったが、タイトーの1978年のアーケードシューティングゲーム スペースインベーダーの主流の成功で最終的に終焉を迎え、[51]アーケードビデオゲームの黄金時代の幕開けとなり、何十ものメーカーが市場に参入するきっかけとなった。[51] [59]作者の西角氏はゲームの設計とプログラミングだけでなく、アートワークを手掛け、アーケードハードウェアを設計し、マイクロコンピュータをゼロから組み立てた。[60]それはすぐにAtari 2600に移植され、最初の「キラーアプリ」となり、コンソールの売上を4倍にした。[61]同時に、家庭用コンピュータが市場に登場し、個人のプログラマーや愛好家がゲームを開発できるようになった。これにより、ハードウェアメーカーとソフトウェアメーカーは別々に行動できるようになった。より大規模な会社が開発され、選ばれたチームを集中的にタイトルの開発に投入するようになった。[62] Zork、Baseball、Air Warrior、Adventureなど、初期の家庭用ビデオゲームの開発者の多くは、後にその作品を初期のビデオゲーム業界の製品として移行した。[要出典]
当時、ゲーム業界は大きく拡大し、アーケードゲーム部門（ゲーム業界の最大シェアを占める）だけでも、ポップミュージックとハリウッド映画を合わせたよりも高い収益を生み出していた。[63]しかし、家庭用ビデオゲーム業界は、 1983年のビデオゲームバブル崩壊後に大きな損失を被った。[64] 1984年、ジョン・フリーマンはComputer Gaming Worldで次のように警告した。
Q: コンピューターゲームは名声と富を得る手段ですか?
A: いいえ。Origins の 1 人か 2 人の聡明な人物に名前を知られることが名声だと考えていない限りは、そうではありません...私は過去 6 年間のほとんどをゲーム デザインで生計を立ててきました。ただし、心臓が弱い人や食欲旺盛な人にはお勧めしません。[65]
クリス・クロフォードとドン・ダグローは1987年に同様に、将来のデザイナーに対して、まずは趣味としてゲームを作り、現在の仕事を早期に辞めないようにアドバイスした。[66] [67]家庭用ビデオゲーム業界は、その後すぐに任天堂エンターテイメントシステムの大成功によって再活性化した。[68]
1986年のCompute!のGazetteは、初期のビデオゲームのほとんどは個人で開発されたが、「1人の人間が良いゲームを作るために必要な複数の才能を持つことは不可能だ」と述べた。 [69] 1987年までに、ビデオゲームの開発には12か月、マーケティングの計画にはさらに6か月が必要になった。プロジェクトは通常、個人作業のままで、完成したゲームを1人の開発者が出版社に納品した。 [67]アーケード、コンソール、コンピュータ製品の処理能力とグラフィック能力がますます向上し、ユーザーの期待も高まる中、ゲームデザインは、1人の開発者が市場性のあるゲームを制作する範囲を超えていった。 [70] Gazetteは、「ゲームを書くプロセスには、独創的で面白いコンセプトを考え出すこと、それを優れた効率的なプログラミングで実現するスキルを持つこと、そしてかなり尊敬に値するアーティストであることが含まれる」と述べた。 [69]これがチームベースの開発の始まりのきっかけとなった。 [要出典]大まかに言えば、1980年代には、プリプロダクションには唯一の開発者によるスケッチとテストルーチンが含まれていました。1990年代には、プリプロダクションは主にゲームアートのプレビューで構成されていました。2000年代初頭には、プリプロダクションでは通常、プレイ可能なデモが制作されました。 [71]
2000年には、12～36か月の開発プロジェクトに出版社から100万～300万ドルの資金が提供されました。 [72]さらに、マーケティングと販売開発に25万～150万ドルが費やされました。[73] 2001年には、3000を超えるゲームがPC向けにリリースされ、利益を上げたゲームは約100で、大きな利益を上げたゲームは約50でした。[72] 2000年代初頭には、QuakeエンジンやUnreal Engineなどのミドルウェアゲームエンジンの使用がますます一般的になりました。[74]
2000年代初頭には、モバイルゲームも人気を集め始めました。しかし、モバイルオペレータによって配信されるモバイルゲームは、2008年にApple App Storeが開始されるまで、ゲームのマイナーな形態のままでした。[39]
2005年、主流のコンソールビデオゲームの開発コストは300万～600万ドルでした。ゲームによっては開発費が2000万ドルに上るものもあります。[75] 2006年に小売店で販売されたコンソールゲームの利益は、流通チェーンの各当事者間で次のように分配されました：開発者（13％）、パブリッシャー（32％）、小売店（32％）、メーカー（5％）、コンソールロイヤリティ（18％）。[37] 2008年には、開発者は小売価格の約17％を保持し、オンラインで販売された場合は約85％を保持しました。[11]
家庭用ゲーム機の第3世代以降、家庭用ゲーム機業界は着実に成長と拡大を続けてきた。業界の収益は1990年代から少なくとも5倍に増加している。2007年には、ビデオゲームの収益のうちソフトウェアによる部分は95億ドルとなり、映画業界の収益を上回った。[76]
2008年に導入されたApple App Storeは、モバイルプラットフォームの所有者が直接運営する初のモバイルアプリケーションストアでした。これにより、消費者の行動はモバイルコンテンツのダウンロードに有利になり、モバイルゲームの市場が急速に拡大しました。[39]
2009年のゲーム市場の年間価値は、どの売上高を含めるかによって70億～300億ドルと推定された。これは映画の興行収入市場と同額である。[77]パブリッシャーは通常、タイトル開発のために独立系開発者に50万～500万ドルの資金を提供する。[34] 2012年には、総額はすでに663億ドルに達しており、その頃にはビデオゲーム市場はもはやコンソールゲームに支配されていなかった。Newzooによると、MMOのシェアは19.8%、PC/MACは9.8%、タブレットは3.2%、スマートフォンは10.6%、ハンドヘルドは9.8%、コンソールはわずか36.7%、オンラインカジュアルゲームは10.2%だった。最も急速に成長している市場セグメントはモバイルゲームで、スマートフォンでは平均年間19%、タブレットでは48%となっている。[78]
過去数年間で、多くの開発会社が開業し、多くの会社が閉鎖した。毎年、多くの開発会社が大企業に買収されたり、既存の企業と合併したりしている。例えば、2007年にはブリザード・エンターテインメントの親会社であるヴィヴェンディ・ゲームズがアクティビジョンと合併した。2008年にはエレクトロニック・アーツがテイクツー・インタラクティブを買収しかけた。 2009年にはミッドウェイ・ゲームズがタイム・ワーナーに買収され、アイドス・インタラクティブはスクウェア・エニックスと合併した。[79]
役割
プロデューサー
開発は社内および社外のプロデューサーによって監督されます。[80] [81]開発者のために働くプロデューサーは社内プロデューサーと呼ばれ、開発チームの管理、スケジュールの作成、進捗報告、スタッフの雇用と割り当てなどを行います。[81] [82]パブリッシャーのために働くプロデューサーは社外プロデューサーと呼ばれ、開発者の進捗と予算を監督します。[83]プロデューサーの責任には、広報、契約交渉、スタッフと利害関係者との連絡、スケジュールと予算の維持、品質保証、ベータテスト管理、ローカリゼーションが含まれます。[81] [84]この役割は、プロジェクトマネージャー、プロジェクトリーダー、またはディレクターと呼ばれることもあります。[81] [84]
出版社
ビデオゲーム出版社とは、社内で開発したビデオゲーム、または外部のビデオゲーム開発者に開発を依頼したビデオゲームを出版する会社です。書籍出版社や DVD 映画の出版社と同様に、ビデオゲーム出版社は、市場調査や広告のあらゆる側面を含む、製品の製造とマーケティングに責任を負います。
大手ゲーム出版社は、自社で出版したゲームの配信も行いますが、小規模な出版社の中には、配信会社（または大手ゲーム出版社）に配信を委託しているところもあります。
出版社が通常実行するその他の機能には、ゲームが使用するライセンスの決定と支払い、ローカリゼーションの支払い、レイアウト、印刷、場合によってはユーザーマニュアルの作成、ボックスデザインなどのグラフィックデザイン要素の作成などがあります。
大手出版社は、一般的に必要とされる機能のためのサウンドデザインやコードパッケージなどのサービスを提供することで、社内外の開発チーム全体の効率を高めようとすることもあります。[85]
開発資金は通常パブリッシャーが負担するため、通常はプロデューサーやプロジェクト マネージャーのスタッフを雇って開発リスクを管理し、開発者の進捗状況を監視し、進行中の開発を批評し、必要に応じて支援します。外部のビデオ ゲーム開発者が作成したビデオ ゲームのほとんどは、ロイヤリティの前払いで支払われます。これらの前払いは、開発者がマイルストーンと呼ばれる開発の特定の段階に到達したときに支払われます。
独立系ビデオゲーム開発者は出版社なしでゲームを作成し、ゲームをデジタル配信することを選択する場合があります。[引用が必要]
開発チーム
開発者の規模は、カジュアルゲームを作る小さなグループから、何百人もの従業員を抱え、いくつかの大規模なタイトルを制作するまでさまざまです。[16]企業はゲーム開発のサブタスクを分割します。個々の役職は異なる場合がありますが、業界内での役割は同じです。[31]開発チームは数人のメンバーで構成されます。[22]チームのメンバーの中には、複数の役割を担当する人もいます。同様に、同じメンバーが複数のタスクを担当することもあります。[31]チームの規模は、ゲームの範囲に応じて、3人から100人以上のメンバーまでさまざまです。最も多いのはアーティストで、次にプログラマー、デザイナー、最後にオーディオスペシャリストが続き、1人から3人のプロデューサーが管理職にいます。[86]多くのチームには、ビデオゲームの執筆の専門知識を持つ専任のライターも含まれています。[要出典]これらのポジションはフルタイムで雇用されます。テスターなどの他のポジションは、パートタイムのみの雇用となる場合があります。[86]アート、プログラミング、執筆に請負業者を使用することは、業界では標準です。[要出典]これらの職種の給与は、従業員の経験と居住地によって異なります。[87]
開発チームには以下の役割または分野が含まれます。[31]
デザイナー
ゲームデザイナーは、ゲームプレイを設計し、ゲームのルールと構造を考案および設計する人です。[88] [ 89] [90]開発チームには通常、他のデザイナーの仕事を調整するリードデザイナーがいます。彼らはゲームの主なビジョンを持っています。[91]デザイナーの役割の1つはライターであり、ゲームの物語、会話、解説、カットシーンの物語、ジャーナル、ビデオゲームのパッケージコンテンツ、ヒントシステムなどを考案するためにパートタイムで雇用されることがよくあります。 [92] [93] [94]大規模なプロジェクトでは、ゲームのメカニクス、ユーザーインターフェイス、キャラクター、会話、グラフィックなど、ゲームのさまざまな部分に別々のデザイナーがいることがよくあります。[要出典]
アーティスト
ゲームアーティストは、ビデオゲームのアートを制作するビジュアルアーティストです。[95] [96]アート制作は通常、アートディレクターまたはアートリードによって監督され、彼らのビジョンが確実に実現されるようにします。アートディレクターはアートチームを管理し、開発チーム内でスケジュールを立て、調整を行います。[95]
アーティストの仕事は2D指向または3D指向である。2Dアーティストはコンセプトアート、[97] [98]スプライト、 [ 99 ] テクスチャ、[100] [101]環境背景または地形画像、[97] [101]およびユーザーインターフェイスを制作する。[99] 3Dアーティストはモデルまたはメッシュ、[102] [103]アニメーション、[102] 3D環境、[104]およびシネマティクス[104]を制作する。アーティストは両方の役割を担うこともある。[要出典]
プログラマー
ゲームプログラマーは、主にビデオゲームや関連ソフトウェア（ゲーム開発ツールなど）を開発するソフトウェアエンジニアです。ゲームのコードベースの開発はプログラマーによって行われます。[105] [106]通常、1人から数人のリードプログラマーがおり、[107]ゲームの開始コードベースを実装し、個々のモジュールの将来の開発とプログラマーの割り当てを概観します。エントリーレベルのプログラマーの平均年収はおよそ7万ドルで、経験豊富なプログラマーの平均年収はおよそ12万5千ドルです。[87]
個々のプログラミング分野の役割には以下が含まれる: [105]
- 物理学-物理学、衝突、オブジェクトの移動などのシミュレーションを含むゲーム エンジンのプログラミング。
- AI - スクリプト、計画、ルールベースの決定などのゲーム AI 技術を使用してコンピュータ エージェントを生成します。
- グラフィックス - グラフィック コンテンツの使用率とメモリの考慮の管理、グラフィックス エンジンの生成、物理エンジンに沿って動作するモデルとテクスチャの統合。
- サウンド- 音楽、音声、効果音を適切な場所と時間に統合します。
- ゲームプレイ- さまざまなゲームのルールと機能の実装（ジェネラリストと呼ばれることもあります）。
- スクリプト作成 - AI、レベル エディター トリガーなど、さまざまなゲーム内タスク用の高レベル コマンド システムの開発と保守。
- UI – オプション メニュー、HUD、ヘルプ、フィードバック システムなどのユーザー インターフェイス要素の作成。
- 入力処理 - キーボード、マウス、ゲームパッドなどのさまざまな入力デバイスの処理と互換性の相関関係。
- ネットワーク通信 - ローカルおよびインターネット ゲームプレイのデータ入力と出力の管理。
- ゲーム ツール- 特にデザイナーやスクリプター向けの、ゲーム開発に伴うツールの制作。
レベルデザイナー
レベルデザイナーとは、特定のプログラムセットを使用してビデオゲームのレベル、チャレンジ、またはミッションを作成する人です。[108] [109]これらのプログラムは、一般的に入手可能な市販の3Dまたは2D設計プログラムの場合もあれば、特定のゲーム用に特別に設計されカスタマイズされたレベルエディターの場合もあります。
レベルデザイナーは、ゲームの不完全なバージョンと完全なバージョンの両方で作業します。ゲームプログラマーは通常、デザイナーが使用するためのレベルエディタとデザインツールを作成します。これにより、デザイナーがゲームコードにアクセスしたり変更したりする必要がなくなります。[110]レベルエディタには、インタラクティブ環境やAI用のカスタム高レベル スクリプト言語が含まれる場合があります。コミュニティで時々利用できるレベル編集ツールとは対照的に、レベルデザイナーは、必要なアートワークが完成する前に、一貫性と明確なレイアウトを目指してプレースホルダーとプロトタイプで作業することがよくあります。
サウンドエンジニア
サウンドエンジニアは、音響効果と音の配置を担当する技術専門家です。ロンドンのPlayStation Studios Creative ArtsのReturnalゲームサウンドチームの場合のように、触覚フィードバックの作成に関与することもあります。 [111]声優やその他のサウンドアセットの作成 を監督することもあります。 [112] [113] ゲームの音楽スコアを作成する作曲家もゲームのサウンドチームを構成しますが、この作業は外注されることがよくあります。
テスター
品質保証はゲームテスターによって行われます。ゲームテスターは、品質管理の一環としてビデオゲームを分析し、ソフトウェアの欠陥を記録します。テストは、コンピューティングの専門知識と分析能力を必要とする高度な技術分野です。[101] [114]
テスターは、ゲームが提案されたデザインに収まるように、つまり、ゲームが機能し、かつ面白いものであることを確認します。[115]これには、すべての機能、互換性、ローカリゼーションなどのテストが含まれます。開発プロセス全体を通して必要ですが、テストには費用がかかり、プロジェクトの完了に向けてのみ積極的に活用されることがよくあります。
開発プロセス
ゲーム開発はソフトウェア開発プロセスであり、ビデオゲームはアート、オーディオ、ゲームプレイを備えたソフトウェアです。正式なソフトウェア開発方法は見落とされがちです。[2]開発方法論が不十分なゲームは、予算と時間の見積もりを超過し、バグが多数発生する可能性があります。計画は個人[10]とグループプロジェクトの両方で重要です。[72]
全体的なゲーム開発は、ウォーターフォールモデルなどの典型的なソフトウェアライフサイクル方式には適していません。[116]
ゲーム開発に採用されている方法の1つは、アジャイル開発です。[117]これは、ソフトウェアプロトタイピングのサブセットである反復プロトタイピングに基づいています。[118]アジャイル開発は、徐々に機能セットを増やしながら、ゲームの反復のフィードバックと改良に依存しています。[119]ほとんどのプロジェクトは明確な要件の概要から始まらないため、この方法は効果的です。[117]アジャイルソフトウェア開発の一般的な方法は、スクラムです。[120]
もう一つの成功した方法は、プロジェクトの計画に対する意識を高めるためにスタッフに追加のトレーニングを必要とするパーソナルソフトウェアプロセス（PSP）です。 [121]この方法はより高価であり、チームメンバーのコミットメントが必要です。PSPはチームソフトウェアプロセスに拡張することができ、チーム全体が自己管理します。[122]
ゲーム開発では通常、これらの方法が重複して行われます。[116]たとえば、アセットの作成は要件と仕様が明確なためウォーターフォールモデルで行うことができますが、[123]ゲームプレイの設計は反復的なプロトタイピングを使用して行うことができます。[123]
商業ゲームの開発には通常、以下の段階が含まれます。[124] [125]
プリプロダクション
プリプロダクション[126]または設計フェーズ[71]は、アイデアとコンセプトの開発と初期設計ドキュメントの作成に重点を置いたプロジェクトの計画フェーズです。[125] [127] [128] [129]コンセプト開発の目標は、開発チームのすべてのタスク、スケジュール、見積もりを説明した、明確で理解しやすいドキュメントを作成することです。[125] [130 ]このフェーズで作成される一連のドキュメントは、制作計画と呼ばれます。[ 132]このフェーズは通常、出版社によって資金提供されませんが、[125]優れた出版社は、プリプロダクション中に開発者に計画を作成することを要求する場合があります。[131]
コンセプト文書は、ハイコンセプト、ピッチ、コンセプトの3つの段階または文書に分けることができます。[124] [133]しかし、業界標準の命名規則はありません。たとえば、Bethke（2003）とBates（2004）はどちらもピッチ文書を「ゲーム提案」と呼んでいますが、[126] [131] Moore、Novak（2010）はコンセプト文書を「ゲーム提案」と呼んでいます。[124]
プリプロダクションの後期段階は、より詳細なゲームドキュメントが作成される段階で 、概念実証[126]または技術レビュー[124]と呼ばれることもあります。
出版社は、プレイ可能なプロトタイプを特徴とする、より幅広いゲーム提案を期待し始めています。[134]
ハイコンセプト
ハイコンセプトとは、ゲームの簡単な説明です。[124] [126]ハイコンセプトとは、「あなたのゲームはどんな内容ですか？」という質問に対する1～2文の回答です。
ピッチ
ピッチ[124] [ 126]コンセプトドキュメント[ 124]提案ドキュメント[131]またはゲーム提案[126]は、ゲームのセールスポイントを提示し、そのゲームを開発することでなぜ利益が得られるかを詳しく説明することを目的とした短い要約文書です。[124] [126]
開発会社の経営陣に口頭でプレゼンし、その後出版社にプレゼンテーションすることもある。[135]資金が承認される前に、書面による文書を出版社に提示する必要があるかもしれない。[131]ゲーム提案は、ゲームを開発するかどうかを決定する出版社の幹部との1回から数回の承認会議を経ることがある。 [136]プロジェクトのプレゼンテーションは、多くの場合、ゲームデザイナーによって行われる。[137]プレゼン用に デモが作成されることもあるが、実績のある確立した開発者にとっては不要な場合もある。[137]
開発者が独自のパブリッシャーとして機能する場合、または両社が1つの会社の子会社である場合は、上層部の承認のみが必要です。[137]
コンセプト
コンセプトドキュメント[126] 、ゲーム提案[124]、またはゲームプラン[138]は、ピッチドキュメント[124]よりも詳細なドキュメントです。[126] [ 130]これには、ゲームについて作成されたすべての情報が含まれます。[138]これには、ハイコンセプト、ゲームのジャンル、ゲームプレイの説明、機能、設定、ストーリー、ターゲットユーザー、ハードウェアプラットフォーム、推定スケジュール、マーケティング分析、チーム要件、およびリスク分析が含まれます。[139]
承認されたデザインが完成する前に、通常はプログラマーとアーティストの最小限のチームが作業を開始します。[137] プログラマーは、関係者が最終製品に組み込むことを望む1つ以上の機能を紹介する、手抜きのプロトタイプを開発する場合があります。[137]アーティストは、実際のゲームアセット を開発するための踏み台として、コンセプトアートとアセットスケッチを開発する場合があります。[137] プロデューサーは、この時点ではゲームにパートタイムで取り組んでおり、開発が進むにつれてフルタイムのコミットメントに拡大する場合があります。[137]ゲームプロデューサーのプリプロダクション中の作業は、スケジュール、予算の計画、チームとのタスクの見積もりに関連しています。[137]プロデューサーは、制作開始時に遅延が発生しないように、堅実な制作計画を作成することを目指しています。[137]
ゲームデザインドキュメント
本格的な制作を始める前に、開発チームは最初の提案のすべてまたはほとんどの資料を組み込んだゲーム設計書の最初のバージョンを作成します。 [140] [141]設計書では、ゲームのコンセプトと主要なゲームプレイ要素が詳細に説明されています。ゲームのさまざまな側面の予備的なスケッチが含まれる場合もあります。設計書には、ゲームの一部のセクションの機能プロトタイプが添付されている場合もあります。[要出典]設計書は開発中ずっと生きた文書であり、毎週、あるいは毎日変更されることもよくあります。[142]
ゲームのニーズをリスト化する作業を「要件キャプチャ」と呼びます。[10]
プロトタイプ
ゲームプレイのアイデアや機能のプロトタイプを作成することは、プログラマーやゲームデザイナーがゲームのさまざまなアルゴリズムやユーザビリティシナリオを試すことができる重要なアクティビティです。デザインドキュメントが完成する前のプリプロダクション中に大量のプロトタイピングが行われることがあり、実際にデザインで指定する機能を決定するのに役立ちます。この段階でのプロトタイピングは、多くの場合、デジタルではなく手動で行われます (紙のプロトタイピング)。[要出典]これは、キャンセルされる可能性のあるアイデアやプロジェクトに時間とリソースを浪費する前に、テストや変更を行う方が簡単かつ迅速であるためです。また、ゲームが登場したときに新しいアイデアをテストするために、アクティブな開発中にプロトタイピングが行われることもあります。
プロトタイプは、多くの場合、機能の一部を追加、変更、または削除することで、概念実証またはアイデアのテストのみを目的としています。 [143]プロトタイプで初めて導入されたアルゴリズムと機能のほとんどは、完成するとゲームに 移植される可能性があります。
多くの場合、プロトタイプは、事前の設計にほとんど時間をかけずに迅速に開発する必要があります (テストに約 15 ～ 20 分)。[引用が必要]そのため、通常、非常に有能なプログラマーが、これらのテストベッドツールを迅速にコーディングするよう求められます。RAD ツールは、これらのプログラムの迅速な開発を支援するために使用される場合があります。プロトタイプが物理的な形式である場合、プログラマーとデザイナーは同様に、プロトタイプをより迅速に作成するために、紙、サイコロ、その他の簡単にアクセスできるツールを使用してゲームを作成します。
成功した開発モデルは反復的なプロトタイピングであり、現在の進捗状況に基づいて設計が改良される。ビデオゲーム開発にはさまざまな技術が利用可能である[144]
生産
制作は開発の主な段階であり、ゲームのアセットとソースコードが作成される段階です。 [145]
メインストリーム制作は通常、プロジェクトのスタッフが完全に揃っている期間として定義されます。[要出典]プログラマーは新しいソースコードを書き、アーティストはスプライトや3D モデルなどのゲームアセットを開発します。サウンドエンジニアはサウンドエフェクトを開発し、作曲家はゲームの音楽を開発します。レベルデザイナーはレベルを作成し、ライターはカットシーンやNPCのダイアログを作成します。[独自調査? ] ゲームデザイナーは、制作全体を通してゲームのデザインを開発し続けます。
デザイン
ゲームデザインは、ゲームの内容とルールを設計するための不可欠かつ共同的な[146]プロセスであり、[147]芸術的および技術的な能力とライティングスキルが必要です。[148]創造性とオープンマインドは、成功するビデオゲームを完成させるために不可欠です。
開発中、ゲーム デザイナーはゲームの現在のビジョンを反映するためにゲーム デザインを実装および変更します。機能やレベルは頻繁に削除または追加されます。アート処理が進化し、バックストーリーが変わることもあります。新しいプラットフォームや新しいユーザー層がターゲットになることもあります。これらの変更はすべて文書化して、チームの他のメンバーに伝える必要があります。ほとんどの変更は、設計ドキュメントの更新として行われます。
プログラミング
ゲームのプログラミングは、1 人以上のゲーム プログラマーによって行われます。プログラマーはアイデアをテストするためにプロトタイプを開発しますが、その多くは最終的なゲームには採用されない可能性があります。プログラマーは、ゲーム デザインで要求される新機能を組み込み、開発プロセス中に発生したバグを修正します。市販のゲーム エンジンを使用する場合でも、ほぼすべてのゲームをカスタマイズするには、大量のプログラミングが必要です。
レベル作成
時間の観点から見ると、ゲームの最初のレベルの開発に最も時間がかかります。レベル デザイナーとアーティストはレベル構築用のツールを使用するので、社内ツールに機能や変更を要求して、より迅速で高品質な開発を可能にします。新しく導入された機能により、古いレベルが時代遅れになる可能性があるため、初期に開発されたレベルは繰り返し開発され、破棄される可能性があります。ゲーム開発の環境は動的であるため、初期のレベルのデザインも時間の経過とともに変化する可能性があります。3 年かけて開発されたゲームの 1 つのレベルに 12 か月以上かかることも珍しくありません。機能セットがより完全になり、ゲームのビジョンがより明確で安定しているため、後のレベルははるかに迅速に開発できます。
アート制作
開発中、アーティストはデザイナーが指定した仕様に従ってアート アセットを作成します。制作の初期段階では、コンセプト アーティストがゲームのアートの方向性を示すコンセプト アートを作成し、プロトタイプ用のラフ アートを作成し、デザイナーがアーティストと協力してゲームのビジュアル スタイルとビジュアル言語を設計します。制作が進むにつれて、最終的なアートがさらに作成され、既存のアートはプレイヤーのフィードバックに基づいて編集されます。
オーディオ制作
ゲームオーディオは、効果音、音楽、ナレーションの3つのカテゴリに分けられます。[149]
効果音制作とは、サンプルを微調整して目的の効果を出すか、実際のオブジェクトでそれを複製して音を制作することです。[149]効果音にはUIサウンドデザインが含まれており、目に見えるUI要素と聴覚表示の両方で情報を効果的に伝えます。ゲーム内のインターフェースに音響フィードバックを提供するだけでなく、ゲーム全体の美観にも貢献します。[150]効果音は重要であり、ゲームの配信に影響を与えます。[151]
音楽は合成されるか、生演奏される。[152]
ゲーム内で音楽を表現する主な方法は 4 つあります。
- 音楽はアンビエント音楽である可能性があり、特にゲームの進行が遅い時間帯には、音楽は美的雰囲気やゲームの設定を強化することを目的としています。[153]
- 音楽はゲーム内のイベントによってトリガーされることがあります。例えば、パックマンやマリオなどのゲームでは、プレイヤーがパワーアップアイテムを拾うと、それぞれの音楽がトリガーされます。[153]
- 追跡シーンや戦闘シーン、狩猟シーンなどのアクションシーンの音楽はテンポが速く、変化の激しいスコアである。[154]
- メニュー音楽は、クレジット音楽と同様に、比較的アクションが少ないときに聴覚的なインパクトを生み出します。[154]
シングルプレイヤーのゲームプレイ時間が20時間のゲームタイトルでは、プレイ時間は1時間程度になる場合があります。[154]
テスト
ビデオゲーム製品の品質保証は、ゲームの開発サイクル全体を通じて重要な役割を果たしますが、ゲームが完成に近づくにつれて、その役割はより重要になります。他のソフトウェア製品や生産性アプリケーションとは異なり、ビデオゲームは基本的に娯楽を目的としているため、ビデオゲームのテストはソフトウェアコードのパフォーマンスの正確さよりもエンドユーザーの体験に重点が置かれており、ゲームソフトウェアの開発方法に違いが生じます。[155]
ゲーム開発は、プレイヤーから見たプレゼンテーションとゲームプレイに重点が置かれているため、開発の初期段階ではバックエンド コードの保守とテストがあまり厳密に行われないことがよくあります。これは、ゲームプレイに変更があった場合、そのようなコードは簡単に無視される可能性があるためです。コア ゲーム エンジンが期待どおりに動作することを確認するために、一部の自動テストが使用される場合がありますが、ほとんどのゲームテストは、プレイ可能なプロトタイプが利用可能になるとテスト プロセスに参加するゲーム テスターによって行われます。これは、ゲーム ソフトウェアの 1 つのレベルまたはサブセットであり、合理的な範囲で使用できます。[155]テスターの使用は開発の初期段階では軽量である可能性がありますが、ゲームが完成に近づくにつれて、テスターの役割はより重要になり、開発と並行してフルタイムの役割になります。[155]初期テストはゲーム デザインの重要な部分と見なされています。ゲーム開発に関するいくつかの公開された事後分析で提起された最も一般的な問題は、テスト プロセスを早期に開始できなかったことです。[155]
コードが成熟し、ゲームプレイ機能が固まると、開発には通常、回帰テストなどのより厳格なテスト管理が含まれ、コードベースの新しい更新によってゲームの動作部分が変更されないようにします。ゲームは複雑なソフトウェア システムであり、1 つのコード領域の変更によって、ゲームの一見無関係な部分が予期せず失敗する可能性があります。テスターは、これらの後の段階で更新されたバージョンのゲームを繰り返しプレイして、自動テストでは見つからない問題やバグを探すように求められます。これは同じゲームを何度もプレイするという単調な作業になる可能性があるため、このプロセスにより、バグや不具合が見つからないままゲームが頻繁にリリースされる可能性があります。[155]
ビデオゲームには、テストを困難にする要因が他にもあります。これには、ランダム化されたゲームプレイシステムの使用（より線形化されたゲームよりもゲームバランスとバグ追跡の両方でより多くのテストが必要）、開発予算の一部としてテストに費やすコストと時間のバランス、変更が加えられてもゲームが引き続き楽しく面白いものであり続けることの保証が含まれます。[155]
回帰テストを見落とす危険性があるにもかかわらず、一部のゲーム開発者やパブリッシャーは、ゲームの完全な機能スイートをテストせず、バグのあるゲームを出荷します。これにより、顧客の不満や販売目標の達成が妨げられる可能性があります。このような事態が発生した場合、ほとんどの開発者やパブリッシャーは、バグを修正してゲームを完全にプレイできるようにするパッチをすぐにリリースします。 [155]一部のパブリッシングモデルは、ゲームの最初のリリースにはバグが含まれている可能性がありますが、リリース後に修正されるという事実に特に対応できるように設計されています。早期アクセスモデルでは、プレイヤーは予定されているリリース前にゲームに料金を支払い、フィードバックやバグレポートを提供するのに協力します。[155] モバイルゲームやライブサービスを備えたゲームも、頻繁に更新され、リリース前のテストをライブフィードバックとバグレポートで相殺することが予想されます。[155]
マイルストーン
商業ゲーム開発プロジェクトでは、パブリッシャーが設定したマイルストーンを達成することが求められる場合があります。マイルストーンはゲーム開発中の主要なイベントを示すもので、ゲームの進捗状況を追跡するために使用されます。[156 ]このようなマイルストーンには、たとえば、最初にプレイできるバージョン、[157] [158] アルファバージョン、[159] [160]またはベータバージョン[160]などがあります 。プロジェクトのマイルストーンは開発者のスケジュールによって異なります。[156]
マイルストーンは通常、機能に関する複数の短い説明に基づいています。たとえば、「プレイヤーがゲーム環境内を歩き回る」や「物理演算、衝突、車両」などです (説明は多数可能です)。これらのマイルストーンは通常、開発者への支払い方法であり、「ロイヤリティに対する前払い」として支払われることもあります。これらのマイルストーンは、開発者とパブリッシャーに応じて 3 個から 20 個までリストされます。マイルストーン リストは通常、パブリッシャーと開発者の間の共同契約です。開発者は通常、マイルストーンの説明をできるだけシンプルにすることを主張します。特定のパブリッシャーによっては、特定のゲームに対してマイルストーン契約が非常に詳細になる場合があります。優れたパブリッシャーと協力する場合、マイルストーンの完了に関して「法の精神」が遵守されるのが通常です。つまり、マイルストーンが 90% 完了している場合、マイルストーンは通常、次の期限のマイルストーンまでに 100% 完了するという理解のもとに支払われます。これはパブリッシャーと開発者の間の共同契約であり、通常 (常にではありませんが)、開発者は満たす必要のある多額の月次開発費によって制約されます。また、マイルストーンが「交換」されることもあります。開発者またはパブリッシャーは、変化する要件や利用可能な開発リソースに応じて、合意を修正し、マイルストーンの目標を再調整することに相互に同意する場合があります。マイルストーン契約は通常、法的開発契約の一部として含まれています。各「マイルストーン」の後には、通常、支払いの取り決めがあります。非常に定評のある開発者の中には、特定のゲーム機能ではなく、ゲームの開発期間 (月次/四半期) に基づいてマイルストーン契約を結ぶだけの人もいます。これは、詳細な機能の「マイルストーン リスト」ほど一般的ではありません。
マイルストーンを定義する業界標準はなく、出版社、年、プロジェクトによって異なります。[161] 2年間の開発サイクルにおける一般的なマイルストーンは次のとおりです。[156]
初めてプレイ可能
ファーストプレイアブルとは、代表的なゲームプレイとアセットを含むゲームバージョンであり、[156]機能的な主要なゲームプレイ要素を備えた最初のバージョンです。[157]これは、プリプロダクションで作成されたプロトタイプに基づいていることがよくあります。[158]アルファとファーストプレイアブルは、単一のマイルストーンを指すために使用されることがありますが、大規模なプロジェクトでは、機能が完全なアルファの前にファーストプレイアブルが必要です。[157]ファーストプレイアブルは、コードがリリースされる12〜18か月前に発生します。これは、「プレアルファ」ステージと呼ばれることもあります。[160]
アルファ
アルファは、主要なゲームプレイ機能が実装され、アセットが部分的に完成している段階です。[160]アルファのゲームは機能が完成しており、つまり、ゲームはプレイ可能で、すべての主要な機能が含まれています。[161]これらの機能は、テストとフィードバックに基づいてさらに改訂される場合があります。[160]さらに小さな新機能が追加される可能性があり、同様に計画されているが実装されていない機能は削除される可能性があります。[161]プログラマーは、追加機能を実装するのではなく、主にコードベースを完成させることに焦点を当てます。[159]
コードフリーズ
コードフリーズは、ゲームに新しいコードが追加されなくなり、バグのみが修正される段階です。コードフリーズは、コードリリースの3〜4か月前に行われます。[160]
ベータ
ベータ版は、バグのみが修正される、機能とアセットが完成したゲームバージョンです。[159] [160]このバージョンには、ゲームの出荷を妨げるバグは含まれていません。[159]ゲームの機能、アセット、コードには変更が加えられていません。ベータ版は、コードがリリースされる2〜3か月前に行われます。[160]
コードリリース
コードリリースは、多くのバグが修正され、ゲームが出荷またはコンソールメーカーのレビューに提出される準備が整った段階です。このバージョンは、QAテスト計画に基づいてテストされます。最初のコードリリース候補は通常、コードリリースの3〜4週間前に準備されます。[160]
ゴールドマスター
ゴールドマスターは、ゲーム制作のマスターとして使用される最終的なゲームのビルドです。[162]
リリーススケジュールと「クランチタイム」
ほとんどのAAAゲーム開発では、ゲームは 1 年以上前に発表され、予定されたリリース日またはおおよそのリリース日が与えられ、ゲームの宣伝やマーケティング、小売業者への注文の確定、消費者にゲームの事前注文を促すことができます。ビデオ ゲームのリリースが遅れると、パブリッシャーや開発者に経済的悪影響が及ぶ可能性があり、大幅な遅延はプロジェクトのキャンセルや従業員の解雇につながる可能性があります。[163]ゲームが設定されたリリース日に間に合うように、パブリッシャーや開発者は従業員にゲームを完成させるために残業を要求する場合があります。これは業界では一般的です。[164]この残業は、「クランチ タイム」または「クランチ モード」と呼ばれることがよくあります。 [165] 2004 年以降、業界のクランチ タイムの文化が精査され、多くのパブリッシャーや開発者が開発者の残業の期待を減らし、スケジュール管理を改善するようになりましたが、クランチ タイムはまだ発生する可能性があります。[166]
ポストプロダクション
ゲームが完成して出荷された後、開発者の中には、ゲームを完成させるために費やした残業を補うためにチームメンバーに代休（おそらく 1 週間か 2 週間）を与える人もいますが、この補填は標準的ではありません。[要出典]
メンテナンス
ゲームが出荷されると、ビデオゲームのメンテナンスフェーズが始まります。[167]
ビデオゲームコンソール向けに開発されたゲームは、過去にメンテナンス期間がほとんどありませんでした。出荷されたゲームには、リリース時と同じ数のバグと機能が永久に含まれていました。これは、すべてのコンソールが同一またはほぼ同一のハードウェアを備えていたため、コンソールでは一般的でした。多くのバグの原因となる非互換性は問題になりませんでした。この場合、メンテナンスは、エンジンとアセットの大部分を再利用する移植、続編、または強化されたリメイクの場合にのみ発生します。 [要出典]
最近では、オンライン コンソール ゲームの人気が高まり、オンライン対応のビデオ ゲーム コンソールや、Xbox用のXbox Liveなどのオンライン サービスが開発されました。開発者は、ダウンロード可能なパッチを通じてソフトウェアを保守できます。これらの変更は、インターネットが広く普及していなければ、過去には不可能だったでしょう。[引用が必要]
PC開発は異なります。ゲーム開発者は、構成とハードウェアの大部分を考慮しようとします。しかし、ハードウェアとソフトウェアの可能な構成の数が多いため、必然的に、プログラマーとテスターが考慮していなかったゲームを壊すような状況が発見されます。[引用が必要]
プログラマーは、できるだけ多くのバグレポートが集まるまで待ちます。開発者が十分なフィードバックを得たと判断したら、プログラマーはパッチの作成に取り掛かります。パッチの作成には数週間から数か月かかる場合がありますが、コードのリリース時に見落とされていたゲームのバグや問題のほとんどを修正することを目的としています。また、まれに、以前のパッチによって発生した意図しない問題を修正することもあります。パッチには、追加の機能やコンテンツが含まれたり、ゲームプレイが変更されたりすることもあります。[要出典]
MMORPGやMMORTSなどの大規模多人数参加型オンラインゲーム（MMOG）の場合、ゲームの出荷がメンテナンスの開始段階となります。[167] このようなオンラインゲームのメンテナンススタッフは数十人にもなり、時には元のプログラミングチームのメンバーも含まれます。[要出典]ゲームの世界は継続的に変更され、反復され、新しい機能が追加されます。一部の開発者は、リリース前に今後の重要な変更をテストするために、パブリックテストレルムまたはプレイヤーテストレルム（PTR）を実装しています。これらの専用サーバーはベータテストと同様のメリットがあり、開発者がバグやゲームバランスに関するデータを収集している間に、プレイヤーが新機能をプレビューできます。[168] [169]
アウトソーシング
オーディオ、ダイアログ、モーションキャプチャなどの開発分野は、比較的短期間で行われます。これらの役割を効率的に採用するには、複数のタイトルを同時に制作する大規模な開発会社、またはサードパーティベンダーに外注する必要があります。[170]これらのタスクにフルタイムで人員を雇用するのは費用がかかるため、[171]開発者の大半は作業の一部を外注しています。外注計画は、外注作業に必要な時間と資金が見積もられるプリプロダクション段階で考案されます。[172]
- 音楽のコストは、作曲の長さ、演奏方法（生演奏か合成演奏か）、作曲家の経験によって異なります。[173] 2003年には、高品質の合成音楽1分あたりのコストは600～1,500ドルでした。[153]ゲームプレイ時間が20時間で音楽が60分のタイトルの場合、音楽スコアのコストは5万～6万ドルだった可能性があります。[154]
- 声優業は専門的なスキルを必要とするため、外注に適している。社内に声優を雇用しているのは大手出版社のみである。[174]
- 効果音も外注することがある。[151]
- プログラミングは、芸術や音楽などの他の分野に比べて、一般的にアウトソーシングされることは少ない。しかし、近年では、プログラミングの追加作業や給与の節約のためにアウトソーシングすることが一般的になってきている。[175] [176] [177] [178] [179] [180]
ゴースト開発
外注された仕事は匿名である、つまり最終製品にクレジットされないことがある。これは開発者の意に反するかもしれないし、それが彼らが得ることができる唯一の仕事であるために彼らがしぶしぶ同意するものであるかもしれない。[181]これについての詳細は ビデオゲーム論争§ クレジットの欠如を参照。
しかし、匿名性は、アウトソーシングされた側が合意したり、望んだりすることもある。2015年のPolygonの記事では、この慣行はゴースト開発として知られていると述べられている。[182]ゴースト開発者は、他の開発者に支援を提供するために、または出版社が設計したタイトルを開発するために、またはゲーム業界以外の企業に雇われる。これらの企業は、ブランドエクイティを保護するために、これを一般から隠しておくことを好み、外部の支援に頼っていることを消費者や投資家に知られたくない。ゴースト開発はプロジェクトの（小さな）部分を含むこともあるが、スタジオの名を明かさずにゲーム全体をアウトソーシングする例もある。[182]
ゴースト開発は、日本のビデオゲーム業界では特に長い歴史を持っています。[183] おそらく最もよく知られている例はトーセです。1979年に設立されたこの「舞台裏」エージェントは、2017年現在、2,000を超えるゲームを開発または開発に協力しており、そのほとんどは匿名です。これには、複数のバイオハザード、メタルギア、ドラゴンクエストのタイトルへのクレジットされていない貢献が含まれます。[184] [185]別の例は、ファイナルファンタジー、ペルソナ、および龍が如くのゲームを手掛けた東京を拠点とするHYDEです。[186]同社の社長である柳原健一氏は、このアプローチは、多くの人が脚光を浴びることを好まない日本文化に由来していると述べました。 [187]
マーケティング
ゲーム制作は音楽や映画産業と似た流通方法を採用している。[34]
出版社のマーケティングチームは、特定の市場をターゲットにしてゲームを宣伝します。[188]チームは開発者にターゲット層や市場動向についてアドバイスし、[188]特定の機能を提案します。[189]その後、ゲームが宣伝され、雑誌広告からテレビスポットまで、ゲームのハイコンセプトがプロモーション資料に組み込まれます。[188]開発者とマーケティングの間のコミュニケーションが重要です。[189]
ゲームデモの長さと目的は、デモの目的と対象とする視聴者によって異なります。ゲームのデモは、数秒（クリップやスクリーンショットなど）から数時間のゲームプレイまでさまざまです。デモは通常、ジャーナリスト、バイヤー、展示会、一般大衆、または社内従業員（たとえば、ゲームの宣伝のためにゲームに慣れる必要がある人）を対象としています。デモは、広報、マーケティング、販売を念頭に置いて制作され、プレゼンテーションの効果を最大限に高めます。[190]
展示会デモ
ゲームが完成に近づくと、パブリッシャーはトレード ショーでタイトルのデモを披露したいと思うようになります。多くのゲームでは「トレード ショー デモ」が予定されています。 [要出典]
毎年開催される主要な見本市としては、例えばエレクトロニック・エンターテインメント・エキスポ（E3）やペニー・アーケード・エキスポ（PAX）がある。[191] E3は北米最大のショーである。[192] E3は主にマーケティングとビジネス取引のために開催されている。E3では新しいゲームやプラットフォームが発表され、広く報道された。[77] [193]何千もの製品が展示され、報道デモンストレーションのスケジュールが組まれている。[193] 2000年代にはE3はより非公開のイベントとなり、多くの広告主が撤退したため、E3の予算は削減された。[77]ペニー・アーケードのブログとウェブコミックの作者によって創設されたPAXは、プレイヤー中心の哲学を持つ成熟した遊び心のあるイベントである。[34]
ローカリゼーション
ある言語で制作されたゲームが、別の言語を話す他の国でも公開されることがある。その地域では、開発者はゲームをよりアクセスしやすいものにするために翻訳したいと考えるかもしれない。例えば、PlayStation Vita向けに制作されたゲームの中には、ソウルサクリファイスのように最初は日本語で公開されたものもある。ゲームのオリジナル言語を母国語としない人は、自分の言語にゲームが翻訳されるまで待たなければならないかもしれない。しかし、最近の大作ゲームのほとんどは、開発プロセス中にローカライズを考慮に入れており、ゲームは複数の言語で同時にリリースされている。[194]
ローカリゼーションとは、ゲーム内の言語資産を他の言語に翻訳するプロセスです。[195]ゲームをローカライズすることで、ゲームのアクセシビリティレベルが向上し、ゲームが国際市場を効果的に拡大するのに役立ちます。ゲームのローカリゼーションは一般的に言語翻訳として知られていますが、ゲームの「完全なローカリゼーション」は複雑なプロジェクトです。翻訳のレベルは、製品に翻訳がなくすべてが生のまま送信されるゼロ翻訳、いくつかのテキストと字幕のみが翻訳または追加される基本翻訳、新しいナレーションとゲーム素材の変更が追加される完全翻訳までさまざまです。[引用が必要]
ゲームのローカライズには、ゲームの言語を翻訳することから、ゲーム内の資産をさまざまな文化に合わせて調整し、他の地域のより多くの潜在的な消費者にリーチすること（略してグローバリゼーション）まで、さまざまな重要な要素があります。翻訳はローカリゼーションの範囲に含まれるようですが、それ自体がかなり広範な取り組みを構成しています。[196]これらには、翻訳のさまざまなレベルからゲーム自体のグローバリゼーションまでが含まれます。ただし、一部の開発者は、グローバリゼーションがローカリゼーションに含まれるかどうかについて意見が分かれているようです。[要出典]
さらに、ゲーム制作会社は、現地の市場に適応するために、マーケティング目的でゲームのグラフィックデザインやパッケージを変更したり再設計したりすることがよくあります。たとえば、人気ゲーム「アサシン クリード」は、ヨーロッパ市場と米国市場向けに2つの異なるパッケージデザインを用意しています。[197]グラフィックとパッケージデザインをローカライズすることで、企業はさまざまな地域の消費者とのより良いつながりと注目を集めることができるかもしれません。[要出典]
開発コスト
ビデオゲームの開発コストは、チームの規模、ゲームのジャンルや範囲、知的財産のライセンス費用などのさまざまな要因によって大きく異なります。ほとんどのビデオゲームコンソールでは、ソフトウェアの構築とテストのためのゲーム開発キットを含む開発ライセンス費用も必要です。ゲームの予算には通常、マーケティングとプロモーションの費用も含まれており、開発予算と同程度の費用になることがあります。[198]
1990年代以前は、ゲーム開発予算は、報告されている場合、通常、平均100万〜500万ドルでしたが、開発費に加えて、AtariがET the Extra-Terrestrialの権利のライセンスに支払った2,000万〜2,500万ドルなどの外れ値があることが知られています。[199] [200] 1990年代半ばまでに3DハードウェアレンダリングやCD-ROM統合などの技術が導入され、以前のタイトルと比較して視覚的に忠実度の高いゲームが可能になったため、開発者とパブリッシャーは、カットシーンやフルモーションビデオを通じて物語を肉付けするためにゲーム予算にさらに多くの資金を投入し、 AAAビデオゲーム業界の幕開けとなりました。この時期に開発された最も高額なタイトルには、 1997年の『ファイナルファンタジーVII』 (推定予算4000万～4500万ドル)、[201]や1999年の『シェンムー』 (推定予算4700万～7000万ドル)などがあり、主要な映画製作予算に匹敵するコストでした。[202] 『ファイナルファンタジーVII』は、マーケティング予算を含めて、総費用が8000万～1億4500万ドルと推定されました。[203]
ビデオゲームデザイナーで経済学者のラフ・コスター氏は、2017年に250以上のゲームについて公表された開発予算（マーケティングを除く）を評価し、1990年代半ば以降、ゲーム予算には一種のムーアの法則があり、インフレを考慮すると平均予算は約5年ごとに倍増していると報告した。コスター氏は、平均予算は2017年までに約1億ドルになり、 2020年代初頭には2億ドルを超える可能性があると報告した。コスター氏は、これらの傾向は、開発者がゲームに組み込む計算能力を高める技術的なムーアの法則に部分的に関連しているが、新しいゲームのプレイヤーのコンテンツに対する期待や、ゲームが引き付けると予想されるプレイヤーの数にも関連していると主張している。[204] ソニー・インタラクティブエンタテインメントの元CEOショーン・レイデンは、プレイステーションコンソールの各世代のコストはほぼ倍増しており、プレイステーション4のゲームの平均予算は1億ドルで、プレイステーション5のゲームは2億ドルに達する可能性があると予測している。[205]
2000年代初頭のAAAゲームの予算コストの上昇により、出版社はリスクを回避するようになり、コストを回収するために最も売れそうなタイトルに固執するようになりました。このリスク回避の結果、2000年代半ばのAAAゲームの選択はむしろ似通ったものになり、より実験的でユニークなゲームプレイコンセプトを提供するインディーゲームがその頃に拡大する機会を与えました。[206]
AAAゲームの開発コストはその後20年間にわたって上昇し続けた。英国の競争・市場庁は、2023年にマイクロソフトがアクティビジョン・ブリザード社を買収する計画について報告書を発表している。コストは2000年の100万～400万ドルから2006年には500万ドルを超え、2010年には2000万ドルを超え、2018年には5000万ドルから1億5000万ドル、2023年には2億ドル以上に増加した。いくつかのAAAゲームの制作費は10億ドルを超え、開発費5億～6億ドルとマーケティング費同額だった。[207] The Vergeが確認したアクティビジョン・ブリザード社の合併に関する規制当局の審査の裁判所文書によると、ソニーのファーストパーティゲームであるHorizon Forbidden WestやThe Last of Us Part IIのコストは2億ドルを超えていた。[208]
インディー開発
独立したゲームまたはインディーゲーム[209]は、大規模な開発会社や出版社と提携していない個人や小規模なチームによって制作されています。[209] [210] [211]インディー開発者は一般的にインターネット配信スキームに依存しています。多くの趣味のインディー開発者は、既存のゲームのMODを作成します。インディー開発者は創造的なゲームのアイデアで知られています（たとえば、Darwinia、Weird Worlds、World of Goo）。現在、インディー開発の経済的実行可能性は疑問ですが、近年、Xbox Live ArcadeやSteamなどのインターネット配信プラットフォームにより、インディーゲームの成功が向上しています。[209]実際、Braid、[212] World of Goo、[213] Minecraftなど、一部のインディーゲームは非常に成功しています。[214]近年、人気のインディーゲームマーケットプレイスItch.io、インディーゲームのYouTubeチャンネル、 Steam上の大規模なインディーコミュニティなど、インディーゲームをサポートする多くのコミュニティが登場しています。インディーズゲーム開発者がゲームを無料でリリースし、マイクロトランザクション（ゲーム内取引）、ゲーム内広告、PatreonやKickstarterなどのクラウドファンディングサービスなど、他の手段を通じて収益を上げることは一般的です。[要出典]
ゲーム業界
ビデオゲーム業界（正式にはインタラクティブ エンターテイメントと呼ばれる）は、ビデオゲームの開発、マーケティング、販売に関わる経済部門です。この業界には、いくつかの独自のアプローチがあります。[要出典]
ロケール
アメリカ合衆国
アメリカでは、ビデオゲーム開発の初期の歴史において、ゲーム開発の主要な場所はサンフランシスコからカリフォルニア州シリコンバレーに至る回廊地帯でした。[215]米国の新しい開発者のほとんどは、このような「ホットベッド」の近くで開業します。[15]
現在でも、アクティビジョン・ブリザード、カプコンエンターテインメント、クリスタルダイナミクス、エレクトロニック・アーツ、ナムコバンダイゲームス、セガ・オブ・アメリカ、ソニー・コンピュータエンタテインメント・アメリカなど、多くの大手出版社がそこで事業を展開している。しかし、ゲーム開発の性質上、ビッグフィッシュゲームズ（ワシントン）、マジェスコエンターテインメント（ニュージャージー）、マイクロソフトコーポレーション（ワシントン）、任天堂オブアメリカ（ワシントン）、テイクツーインタラクティブ（ニューヨーク）など、多くの出版社が他の地域に存在している。[216]
教育
多くの大学やデザインスクールでは、ゲーム開発に特化した授業を提供しています。[14]大手ゲーム開発会社と戦略的提携を結んでいるところもあります。[217] [218]これらの提携により、学生は最新の技術にアクセスでき、資格を取得すればゲーム業界で仕事を見つける機会が与えられます。[要出典]インディペンデント・ゲーム・フェスティバル（IGF）やゲーム開発者会議（GDC） などのカンファレンスでは、多くの革新的なアイデアが発表されています。
インディーゲーム開発は、最終プロジェクトや論文のためにゲームを制作する学生のモチベーションとなり、独自のゲーム会社を設立する可能性もあります。[209]
安定性
ビデオゲーム業界の雇用は、テレビや音楽などの他の芸術産業と同様に、かなり不安定です。多数のゲーム開発スタジオが出現し、1つのゲームに取り組んでからすぐに倒産します。[219]これは、ゲーム開発者が地理的に集まる傾向がある理由の1つかもしれません。現在のスタジオが倒産した場合、開発者は隣接するスタジオに集まるか、ゼロから別のスタジオを立ち上げることができます。[要出典]
上位 20% の製品だけが利益を上げる業界では、[220]この変動は容易に理解できます。多数のゲームが開発を開始してキャンセルされたり、完成しても公開されなかったりすることがあります。経験豊富なゲーム開発者は何年も働いても、タイトルを出荷しないことがあります。それがこの業界の本質です。[要出典]
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