リアリズム（芸術）

芸術におけるリアリズムとは、一般的には、人工的なものを排除し、思索的および超自然的な要素を避けて、主題を真実に表現しようとする試みである。この用語はしばしば自然主義と互換的に使用されるが、これらの用語は同義ではない。西洋美術における視覚表現に関する考え方としての自然主義は、対象物をできるだけ歪みなく描写することを目指しており、ルネサンス期のヨーロッパにおける線遠近法やイリュージョニズムの発展と結びついている。 ^{[1]リアリズムは、自然主義的な表現と、以前の}アカデミックな芸術の理想化からの脱却を前提としているが、 1848 年のフランス革命後にフランスで始まった特定の美術史運動を指すことが多い。ギュスターヴ・クールベのような芸術家が日常的、醜悪、または卑劣なものを活用したように、リアリズムは庶民への新たな関心と左翼政治の台頭によって動機づけられた。^[2]リアリストの画家たちは、18 世紀後半に始まりフランス文学と芸術を支配するようになった ロマン主義を拒絶した。

19 世紀のヨーロッパでは、「自然主義」または「自然主義学派」は、リアリズムから離脱したサブムーブメントを表す用語として、いくぶん人為的に作られたものです。このサブムーブメントは、政治や社会問題を避けることで親から区別しようと試みましたが (完全に成功したわけではありません)、当時一般に知られていた生物学の自然史の研究者としての「自然主義者」の意味を利用して、準科学的な基盤を主張することを好みました。

ヴェリズモのオペラ様式、文学的リアリズム、演劇的リアリズム、イタリアのネオリアリズム映画など、他の芸術においてもリアリズムを呼び起こすさまざまな運動がありました。

形容詞として使われる「写実的な」（通常は視覚的外観に関連）は、主題に関する「写実的な」芸術とは区別される。同様に、「幻想的な」という用語は、構成における視覚的外観の正確な表現を指すときに使用されることがある。^{[3] [4]}絵画において、自然主義とは、場面や物体の外観を芸術において正確かつ詳細に正確に表現することである。これは模倣や幻想主義とも呼ばれ、15世紀のロベルト・カンピン、ヤン・ファン・エイク、その他の芸術家による初期フランドル絵画で特にヨーロッパ絵画で顕著になった。19世紀、ギュスターヴ・クールベなどの写実主義芸術運動の画家たちは、視覚的外観を非常に正確かつ注意深く描写することで特に有名ではなかった。クールベの時代には、それはむしろアカデミックな絵画の特徴であり、アカデミックな絵画では、不自然で人工的な場面や想像上の歴史的場面を非常に巧みに注意深く描くことが多かった。

写実主義、あるいは自然主義は、主題の理想化されていないバージョンを描くスタイルであり、典型的または日常的なものを扱うことにこだわることなく、あらゆる種類の主題を描くのに使用できます。古典芸術の一般的な理想主義にもかかわらず、これにも古典的な先例があり、ルネッサンスやバロックでそのような扱いを擁護する際に役立ちました。アロペケのデメトリオスは紀元前4世紀の彫刻家で、その作品（現在はすべて失われている）は理想的な美しさよりも写実性を好んだと言われており、古代ローマ共和国では、政治家は肖像画の真実の描写を好みましたが、初期の皇帝はギリシャの理想主義を好みました。ゴヤのスペイン王室の肖像画は、重要な人々を正直に、お世辞を言わずに描写したものです。

キリスト教美術で繰り返された傾向は「リアリズム」であり、宗教的人物、とりわけキリストとその受難における肉体的苦痛の人間性を強調した。これは宗教文学の傾向に倣って中世後期に発展し、特に一部の彩色木彫は、キリストが傷と血にまみれた姿でグロテスクな表現に踏み込み、キリストが彼らのために受けた苦しみについて観者に思いを巡らすよう促した。これらは特にドイツと中央ヨーロッパで見られた。ルネッサンス期に衰退した後、同様の作品がバロック期、特にスペインの彫刻で再び現れた。

ルネサンス理論家たちは、自然観察から芸術を描くことと、典型的には古典的なモデルや他の芸術家の作品に見られるような理想化された形態から芸術を描くことの正しいバランスについて、数世紀にわたって議論を巻き起こした。自然の重要性を認める者もいたが、多くの人は、美しいものだけを含むように、さまざまな程度に自然を理想化すべきだと信じていた。レオナルド・ダ・ヴィンチは、自然の純粋な研究を擁護し、人間の姿やその他のものの個々の形態のあらゆる範囲を描写しようとした人物の一人だった。^[5] レオン・バッティスタ・アルベルティは、典型的なものを強調した初期の理想主義者だった。^{[6 ]}ミケランジェロなど、最も美しいものを選ぶことを支持した人物もいた。その理由から、彼は肖像画を描くことを拒否した。^[7]

17世紀にも論争は続いた。イタリアでは、論争はカラッチの相対的な「古典的観念論」と、カラヴァッジスト（カラヴァッジョの追随者）の「自然主義的」スタイルとの対比に集中した。カラヴァッジョは、当時のイタリアの都市の裏通りを舞台にした宗教的な場面を描き、「自然主義者」を自らの表現として使用した。カラヴァッジョが早世して数十年後に執筆した作品で、カラヴァッジョのスタイルを支持していなかったベッローリは、「自然主義者（ナチュラリスト）の名をほめたたえる人々」について言及している。^[8]

19世紀、自然主義はヨーロッパの芸術において広く定義された運動として発展したが、写実主義の芸術家たちを動機づけた政治的な基盤を欠いていた。この用語の創始者はフランスの美術評論家ジュール＝アントワーヌ・カスタニャリで、1863年に「自然主義派は、芸術はあらゆる段階とレベルにおける生命の表現であり、その唯一の目的は自然を最大限に力強く強烈に表現して自然を再現することであると宣言する。それは科学と調和した真実である」と述べた。^[9] エミール・ゾラは、小説の中で同様の科学的重点を置いてこの用語を採用した。多くの自然主義の絵画は印象派と似たような主題の範囲を扱っていたが、より厳密でより伝統的な筆遣いのスタイルを使用していた。^[9]

この用語は数十年にわたって「さまざまな種類のリアリズムに対して無差別に使用され続け」、印象派やその後のモダニズム運動の範囲外にあり、アカデミックな芸術でもない芸術を包括する用語としてよく使われた。多くの国から学生が集まったフランスのバルビゾン派やデュッセルドルフ派の後期の絵画運動、そして20世紀のアメリカの地域主義は「自然主義」とも呼ばれることが多いが、この用語はイギリスの絵画ではほとんど使われていない。最近の美術史家の中には、クールベか印象派のどちらかがこの名称にふさわしいと主張する者もいる。^[9]

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  ポーランド、下シロンスク地方ルビアニの後期ゴシック様式のピエタ。現在はワルシャワ国立博物館に所蔵されている。
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  アレクセイ・サヴラソフ『カラスの帰還』1871年
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  ジャン＝フランソワ・ラファエリ『パリ郊外』 1880年代
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  ペッカ・ハロネン、フィンランドの博物学者、カレリアの開拓者、1900

物の視覚的外観をより正確に表現する開発には、芸術において長い歴史がある。これには、人間や動物の解剖学的構造の正確な描写、遠近法と距離の影響、光と色の詳細な影響などの要素が含まれる。ヨーロッパの後期旧石器時代の芸術では、驚くほどリアルな動物の描写が達成された。古代エジプトの芸術では、様式化と理想化の両方を含む慣習が発達した。古代ギリシャの芸術は、解剖学的構造の表現において大きな進歩を遂げたことが一般的に認められている。偉大なギリシャの画家による板や壁のオリジナル作品は現存していないが、文学的な記述や現存する派生作品群（ほとんどがモザイクのギリシャ・ローマの作品）から判断すると、絵画では幻想主義が非常に高く評価されていたようである。紀元前5世紀にゼウクシスが描いた、ブドウをついばむ鳥の有名な大プリニウスの物語は、伝説である可能性が高い。

形、光、色の正確さに加え、ローマの絵画は、遠くの物体を近くの物体よりも小さく表現したり、部屋の屋根や壁などの規則的な幾何学的形状を遠近法で表現したりするという、非科学的だが効果的な知識を示している。この錯覚効果の進歩は、決して理想主義の拒絶を意味するものではなく、ギリシャの神々や英雄の彫像は、理想的で美しい形状を正確に表現しようと試みているが、有名な醜いソクラテスの頭部などの他の作品は、これらの理想的な美の基準を満たしていないことが許されていた。ローマの肖像画は、ギリシャの影響をあまり受けていない場合、写実主義と呼ばれる、主題の真実の描写に大きなこだわりを示している。

後期古代の芸術は、表現力を求めるためにイリュージョニズムを拒絶したことで有名だが、キリスト教がエリートの芸術に影響を及ぼし始めた頃には、この変化はすでにかなり進行していた。西洋では、中世後期からルネサンス初期まで、古典的なイリュージョニズムの基準に再び達することはなく、15世紀初頭のオランダで最初に、そして1470年代頃のイタリアでは、複数の絵の具と釉薬の層を使って非常に繊細で精密な光の効果を描くことを可能にする油絵の新しい技法の開発によって助けられた。遠近法を表現する科学的方法は、15世紀初頭にイタリアで開発され、古典芸術の影響を受けて解剖学の正確さが再発見され、徐々にヨーロッパ中に広まった。古典時代と同様、理想主義が標準であり続けた。

絵画における風景の正確な描写は、初期フランドル/初期北方ルネサンスやイタリアルネサンスの絵画でも発展し、17世紀のオランダ黄金時代の絵画で非常に高いレベルにまで達し、さまざまな気象条件や自然光の度合いを描写する非常に繊細な技法が用いられた。初期フランドル絵画のもう一つの発展の後、1600年のヨーロッパの肖像画の主題は、顔立ちを滑らかにしたり、不自然なポーズを与えたりすることで理想化されることが多かった。静物画や他の作品の静物要素は、幻想的な絵画の発展に重要な役割を果たしたが、フランドルの花の絵画の伝統では、個々の絵から構成を組み立てる習慣からか、意図的な慣習としてか、一般的に四季折々の花が使われたという点で、静物画には長い間「リアリズム」が欠けていた。花瓶に入った大きな花束の展示は17世紀の習慣としては異例で、花は一度に1つずつ展示されていた。

芸術における日常的な題材の描写にも長い歴史があるが、それはしばしば作品の端に押し込められたり、より小さなスケールで表現されたりした。これは芸術が高価で、通常は特定の宗教的、政治的、または個人的な理由で依頼されたため、そのような場面に割くことのできるスペースや労力が比較的少なかったことが一因である。中世の装飾写本の余白の風刺画には日常生活の小さな場面が含まれることがあり、遠近法の発達により、屋外を舞台とする多くの場面で大きな背景領域が作られた。中世および初期ルネサンス美術では、慣例により、非神聖な人物が当時の衣装を着て描かれるのが一般的だった。

初期フランドル絵画では、裕福なフランドル商人のような社会的地位の低い人々の肖像画も描かれるようになり、ヤン・ファン・エイクによる『アルノルフィーニ夫妻の肖像画』 （1434年）や、ロベルト・カンピンとその工房による『メロデの祭壇画』 （1427年頃）などの宗教的な場面に代表される肖像画には、愛情を込めて描かれた品々で満たされた中流階級の室内の非常に詳細な描写が含まれている。しかし、これらの品々が描かれているのは、複雑な意味と象徴の層を帯びているためであり、それ自体のための写実主義へのこだわりを弱めてしまう。中世後期の美術における月毎の労働サイクルは、時祷書に多くの例が残っているが、季節を通じてさまざまな作業に従事する農民に焦点を当てており、豊かな風景を背景にしていることが多く、風景画の発展と労働者階級の日常の人々の描写の両方において重要であった。

16 世紀には、特に食品市場や厨房で働く人々の姿を大きな絵画で描くことが流行し、多くの作品で食品が労働者と同じくらい重要な位置を占めていました。オランダのピーテル・アールツェンと甥のヨアヒム・ビューケラーは基本的にマニエリスム様式で作品を制作し、イタリアでは 1580 年代の若きアンニバレ・カラッチは未完成のスタイルで作品を制作し、バルトロメオ・パッセロッティは両者の中間のスタイルでした。ピーテル・ブリューゲル (父) は農民の生活を描いた大きなパノラマ画の先駆者でした。こうした情景は、17世紀にヨーロッパ全土で出現した風俗画における労働場面の人気の前兆となり、オランダ黄金時代の絵画ではこうした情景のいくつかの異なるサブジャンルが誕生した。イタリアではバンボッチャンティ（主に低地諸国出身）が、スペインではボデゴンのジャンルが誕生し、フセペ・デ・リベーラやベラスケスによる歴史画には理想化されていない農民が登場した。フランスのル・ナン兄弟や、アドリアン・ブラウウェル、ダヴィッド・テニールス（父）とダヴィッド・テニールス（子）など多くのフランドル派の芸術家は農民を描いたが、町民を描くことは稀だった。18世紀には、働く人々を描いた小品絵画が依然として人気があり、そのほとんどはオランダの伝統に倣い、女性を題材にしていた。

一般の人々を描いた芸術作品の多くは、特に版画の形で、喜劇的で道徳的なものであったが、題材となった人々の貧困そのものが道徳的メッセージの一部となることは比較的稀であったようである。19世紀半ば以降、貧しい人々の生活の困難さが強調されるようになった。この傾向は、ヨーロッパのほとんどの地域で田舎から都市への大規模な移住が起こった時期と一致していたが、画家たちは依然として貧しい田舎の人々を描く傾向があった。混雑した街路の風景は、印象派やそれに近い画家たちに人気があり、特にパリを描いた作品が人気であった。

中世の写本装飾画家は、しばしば技術の描写を依頼されたが、ルネサンス後も、海洋画を除いて、そのような画像は本の挿絵や版画で引き続き描かれた。海洋画は、産業革命初期まで美術の世界からほとんど姿を消した。海洋画の場面は、ジョセフ・ライト・オブ・ダービーやフィリップ・ジェームズ・ド・ラウザーバーグなど少数の画家によって描かれた。そのような題材はおそらくあまり売れず、数少ない鉄道の場面を除いて、19世紀後半まで絵画には産業が目立って描かれなかった。19世紀後半になると、通常は実業家や工業都市の機関から依頼され、大規模な作品が多く、時には準英雄的な扱いを受けるようになった。

20 世紀初頭の運動である アメリカのリアリズムは、この意味でリアリズムを使用する多くの現代の運動の 1 つです。

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  ジャン＝バティスト・グルーズ、『洗濯物』、1761
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  ウィリアム・ベル・スコット 鉄と石炭1855–1860
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  サー・ルーク・フィルデス、『寡夫』、1876年
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  アルバート・エーデルフェルト、リュクサンブール公園、1887

リアリズム運動は、ロマン主義や歴史画への反動として19世紀半ばに始まった。リアリズムの画家たちは「現実」の生活を描写することを好み、一般労働者や、日常の環境で現実の活動に従事する普通の人々を作品の題材とした。その主たる代表者としては、ギュスターヴ・クールベ、ジャン＝フランソワ・ミレー、オノレ・ドーミエ、ジャン＝バティスト＝カミーユ・コローなどがあげられる。^{[10] [11] [12]}メトロポリタン美術館の元ヨーロッパ絵画部門のロス・フィノッキオによると、リアリストたちは、当時のエミール・ゾラ、オノレ・ド・バルザック、ギュスターヴ・フローベールらの自然主義文学と時を同じくして、現代の普通の生活の存在を、飾り立てない細部で描写したという。^[13]

フランスの写実主義運動は、他の西欧諸国にも、やや遅れて発展した同様の運動があった。特に、1860年代に結成され、1871年から展覧会を企画したロシアの移動派グループには、イリヤ・レーピン、ワシリー・ペロフ、イヴァン・シーシキンなど多くの写実主義者が参加し、ロシア美術に大きな影響を与えた。イギリスでは、フーベルト・フォン・ヘルコマーやルーク・フィルデスなどの芸術家が、社会問題を扱った写実主義の絵画で大きな成功を収めた。

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  ワシリー・ペロフ『溺死者』1867年
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  イリヤ・レーピン『クルスク州の宗教行列』1880-1883年
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  アレクサンドル・ギェリムスキ 『トランペットの饗宴』、1884年
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  ヒューバート・フォン・ヘルコマー、困難な時代、1885

広く「現実の忠実な表現」と定義される^[14]文学運動としてのリアリズムは、「客観的現実」に基づいています。主に中流階級や下層階級の社会における日常の活動や生活を、ロマンチックな理想化や脚色なしに描くことに焦点を当てています。^[15]コルネリエ・クヴァスによれば、「現実の現実的な形象化と再形象化は、自然科学、心理学、社会科学の 3 つの法則の原則に違反することなく、現実の通常の概念に似た論理的構成を形成します」。^{[16]これは、装飾や解釈なしに、そして「世俗的な}経験的ルールに従って」第三者の客観的現実に存在すると考えられる主題を描写する一般的な試みと見なすことができます。^[17]そのため、このアプローチは、そのような現実は人類の概念体系、言語的慣習、信念から存在論的に独立しており、したがって芸術家が知ることができ、芸術家がこの「現実」を忠実に表現できるという信念を本質的に含意しています。イアン・ワットが述べているように、近代リアリズムは「真実は感覚を通して個人によって発見できるという立場から始まる」ため、「デカルトとロックに起源を持ち、18世紀半ばにトーマス・リードによって初めて完全に定式化された」 ^{[18] 。}

先行するロマン主義の時代も産業革命の価値観に対する反動であったが、リアリズムはロマン主義に対する反動であり、このため、一般的には「伝統的なブルジョアリアリズム」とも軽蔑的に呼ばれる。^[19]ビクトリア朝文学の作家の中にはリアリズムの作品を書いた者もいる。^[20]「ブルジョアリアリズム」の硬直性、慣習、その他の限界は、今度は後にモダニズムと呼ばれる反乱を引き起こした。1900年頃から、モダニズム文学の原動力は19世紀のブルジョア社会秩序と世界観に対する批判であり、それは反合理主義、反リアリスト、反ブルジョアの綱領で対抗された。^{[19] [21] [22]}

演劇的リアリズムは、19世紀に産業革命と科学の時代の派生としてヨーロッパの演劇に初めて現れたと言われています。 ^{[23] [24]}また、写真の発明をリアリズム演劇の基礎として具体的に挙げる人もいます^{[25] [26]}一方、リアリズムと演劇の関係は、現実に非常に近い物理的世界の表現などの演劇形式の原則によって示されるように、はるかに古いものだと考える人もいます。^[27]

演劇におけるリアリズムの功績は、日常生活の社会的、心理的問題に注意を向けることだった。リアリズムのドラマでは、人々は自分よりも大きな力の犠牲者として、急速に加速する世界に立ち向かう個人として登場する。^[28]これらの先駆的な劇作家は、登場人物を平凡で無力で、苦境に対する答えにたどり着くことができない人物として描く。この種の芸術は、人間の目で見るものを表現する。たとえば、アントン・チェーホフは、カメラワークを使用して、変化のない人生の一片を再現した。^[29]トーマス・ポスルウェイトなどの学者は、19世紀から20世紀にかけて、メロドラマ的要素がリアリズム的要素に存在し、その逆もあることから、メロドラマ的要素とリアリズム的要素が結合する例が数多くあったと指摘した。^[30]

アメリカでは、演劇におけるリアリズムはフィクションにおけるリアリズムより約20年先行しており、演劇史家は1870年代後半から1880年代前半にリアリズムへの最初の推進力が生まれたと特定している。^[31]その発展は、リアリズムの代弁者であり、その美的原理の表現者として機能したウィリアム・ディーン・ハウエルズとヘンリー・ジェイムズにも起因している。 ^[31]

演劇に対する現実的なアプローチは、第二次世界大戦後に虚無主義と不条理へと崩壊した。 ^[23]

イタリアのネオリアリズムは、第二次世界大戦後のイタリアで発展したリアリズムの要素を取り入れた映画運動であった。著名なネオリアリストには、ヴィットリオ・デ・シーカ、ルキノ・ヴィスコンティ、ロベルト・ロッセリーニなどがいた。リアリズム映画は一般的に社会問題に焦点を当てている。^[32]映画のリアリズムには、シームレスリアリズムと美的リアリズムの2種類がある。シームレスリアリズムは、物語の構造と映画技術を使用して「現実感」を作り出し、その信憑性を維持しようとする。^[32] 1930年代にフランスの映画製作者によって最初に提唱され、 1950年代にアンドレ・バザンによって推進された美的リアリズムは、複数のリアリズムがあるため、「映画はそれが示すものを意味するように固定することはできない」ことを認めている。そのため、これらの映画製作者は、ロケ撮影、自然光、非プロの俳優を使用して、視聴者が「好みの解釈」に操作されるのではなく、映画に基づいて独自の選択を行えるようにしている。^[32] ジークフリート・クラカウアーは、リアリズムが映画の最も重要な機能であると主張したことでも有名である。^[33]

美学的にリアリズム的な映画製作者は、ロングショット、ディープフォーカス、目線の高さの90度のショットを使用して、視聴者の視界の操作を減らします。^[32]第二次世界大戦後のイタリアのネオリアリズムの映画製作者は、1960年代に登場したフランスとイタリアの既存のリアリズム映画のアプローチを取り入れ、それを使用して政治志向の映画を制作しました。フランスの映画製作者は、1960年代にジャン・ルーシュのシネマ・ヴェリテやドキュメンタリー映画など、いくつかの政治志向のリアリズム映画を制作しました^[32 ]。一方、1950年代と1960年代には、英国、フランス、ドイツの新しい映画製作の波が「日常生活の断片」映画（英国のキッチンシンクドラマなど）を制作しました。 ^[32]

ヴェリズモは、ピエトロ・マスカーニ、ルッジェーロ・レオンカヴァッロ、ウンベルト・ジョルダーノ、フランチェスコ・チレア、ジャコモ・プッチーニなどのイタリアの作曲家と関係のある、ロマン派後期のオペラの伝統である。彼らは、エミール・ゾラ、ギュスターヴ・フローベール、ヘンリック・イプセンなど、19世紀後半の影響力のある作家の自然主義をオペラに持ち込もうとした。この新しいスタイルは、粗野で欠点のある下層階級の主人公を登場させる、現実に即したドラマを提示したが^[34]、現実的な出来事の高度な描写であると説明する者もいた。^[35]ある報告では、ジュゼッペ・ヴェルディの『ルイザ・ミラー』と『椿姫』がヴェリズモの最初の兆しであるとされているが^{[36] 、}マスカーニの『カヴァレリア・ルスティカーナ』の初演で1890年に始まり、1900年代初頭にピークに達したと主張する者もいる。^[37]続いてレオンカヴァッロの『道化師』が上演され、不貞、復讐、暴力といったテーマが扱われた。^[34]

ヴェリズモはイギリスにも伝わり、その先駆者としてヴィクトリア朝時代の劇作家W・S・ギルバートと作曲家アーサー・サリヴァン（1842-1900）の演劇パートナーシップが挙げられます。^[35]特に、彼らの戯曲『アイオランテ』は幻想的な要素を含んでいたにもかかわらず、貴族階級を現実的に表現した作品とみなされています。

• ブラント・アンソニー『イタリアの芸術理論、1450-1600』、1940年（1985年版参照）、OUP、ISBN 0-19-881050-4 
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• ダールハウス、カール (1989)。『19世紀の音楽』。J. ブラッドフォード ロビンソン訳。バークレー、ロサンゼルス、ロンドン: カリフォルニア大学出版局。ISBN 978-0-520-07644-0。
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• 文学運動サイトにおけるアメリカ文学リアリズムに関する記事
• アート用語: リアリズム (tate.org.uk)