ボーフォード・デラニー

ボーフォード・デラニー
ボーフォード・デラニー
	ビューフォード・デラニー、カール・ヴァン・ヴェクテン撮影、1953年
生まれる	1901年12月30日; ノックスビル、テネシー州、米国
死亡	1979年3月26日（享年77歳）; パリ、フランス
休憩所	ティエ墓地; パリ、フランス
知られている	絵画
動き	ハーレム・ルネッサンス

ボーフォード・デラニー（1901年12月30日 - 1979年3月26日）は、アメリカのモダニズム画家である。1930年代から1940年代のハーレム・ルネッサンス時代の作品や、 1950年代にパリに移ってからの抽象表現主義の後期の作品で知られている。ボーフォードの弟のジョセフも著名な画家であった。^[1]

バイオグラフィー

若いころ

ボーフォード・デラニーは、1901年12月30日、テネシー州ノックスビルで生まれました。デラニーの両親はノックスビルの黒人コミュニティの著名人で尊敬されていました。父サミュエルは理髪師であり、メソジスト教会の牧師でもありました。母デリアも教会で著名な人物で、裕福な白人家庭の洗濯や家の掃除をして生計を立てていました。奴隷として生まれ、読み書きができなかったデリアは、子供たちに尊厳と自尊心を教え、人種差別の不当性と教育の価値を説きました。ボーフォードは10人兄弟の8番目で、成人したのはそのうち4人だけでした。彼は1961年の日記の中で、その理由を次のようにまとめている。「多くの病気は、住むのに適さない場所から来ている。学校まで歩くのに長い距離があり、暖房が不十分である。家での仕事が多すぎる。貧しい人々によく見られる自然条件は、明るい花を自然界のひどい寒さのように枯らしてしまう。」^[2]

ボーフォードと弟のジョセフは幼い頃から芸術に惹かれていた。彼らの初期の絵の中には日曜学校のカードや家族の聖書の絵を模写したものもあった。「ボーフォードと私が一緒に楽しんだ幼少期が、私たちの芸術家としての人生の方向性を決定づけたに違いありません。私たちは常に手を使って何かをしていました。真っ赤なテネシーの粘土で形を作ったり、絵を模写したり。ボーフォードと私の明らかな違いは、多才さでした。ボーフォードはいつもウクレレをかき鳴らし、狂ったように歌い、最高の物まねができました。ボーフォードと私は正反対で、私は内向的でボーフォードは外向的でした。」^[3]デラニー一家はノックスビルのオースティン高校に通い、ボーフォードの初期の作品にはオースティン高校の校長チャールズ・キャンスラーの肖像画がありました。^[4]

10代の頃、彼はポストサイン社で「ヘルパー」として働き始めた。しかし、彼と弟のジョセフは自分たちで看板を描いていた。その後、彼の作品のいくつかが、高齢のアメリカ人印象派画家でノックスビルで最も有名な芸術家であるロイド・ブランソンの目に留まった。1920年代初頭までに、デラニーはブランソンの弟子になった。 ^[5]ブランソンの励ましで、23歳のデラニーは芸術を学ぶためにボストンに移住した。粘り強く努力し、マサチューセッツ師範学校、サウスボストン美術学校、コプリー協会での非公式な勉強を含め、望んでいた芸術教育を成し遂げた。彼は、彼が「古典技法の本質」と呼ぶものを学んだ。また、ボストンにいる間に、デラニーはパブリックガーデンで若い男性と初めて「親密な経験」をした。ノックスビルからの紹介状を通じて、彼はまた、ボストンで過ごした数年間、作家、外交官、権利活動家であったジェームズ・ウェルドン・ジョンソン、全米平等権連盟の創設者であるウィリアム・モンロー・トロッター、全米黒人地位向上協会の理事であるバトラー・ウィルソンなど、当時の最も洗練され急進的なアフリカ系アメリカ人と社交的に交流し、黒人活動家の政治と思想に関する「短期集中講座」を受けた。1929年までに、芸術教育の基本を終えたボーフォードは、ボストンを離れ、ニューヨークに向かうことを決意した。

ニューヨーク市、米国

ハーレム・ルネッサンスの時代にニューヨークに到着したことは、とても刺激的だった。当時、ハーレムは米国の黒人文化の中心地だった。しかし、それは大恐慌の時代でもあり、ボーフォードが到着時に直面したのはまさにこの状況だった。「1929年にボストンからたった一人で、わずかなお金も持たずにニューヨークに渡った。当時は大恐慌の時代で、私はすぐに、そこにいる人々のほとんどが失業中で、私と同じように、ただ座って食べ物と寝る場所のために何をすべきか考えている人々だということに気づいた。」^[6]

デラニーは、ほとんど何も持たずに生き延びながら、公園やカフェで毎晩を過ごす、この「あらゆる人種の群衆」にすぐに親近感を覚えた。彼らの勇気と共通の友情に触発されて、彼は「もしもっと強い意志の力があれば、この巨大な都市の恐怖と不安を乗り越え、可能な限り冷静さと決意を持ってすべてを受け入れる勇気を見つけることができれば、どうにかして何とかできることがある」と感じた。

この権利を奪われたコミュニティのメンバーは、デラニーのニューヨーク時代の傑作の多くに描かれています。ニューヨークでは、「彼は都市の風景を捉えた色彩豊かで魅力的なキャンバスを描きました...その時代の作品は、アメリカのモダニズムの精神で、都市の特徴だけでなく、すべての人々の平等、愛、尊敬という彼の個人的なビジョンも表現しています。」^[7] この時期のデラニーの作品の 1 つであるCan Fire in the Park (キャンバスに油彩、1946 年) は、暖を取り、仲間と過ごすために焚き火を囲む一群の男性を描いた作品で、スミソニアン美術館はこれを「1929 年以降の大恐慌の時代だけでなく、社会の追放者として描かれた黒人アメリカ人の長年の権利剥奪にも関連する貧困の遺産を伝える、不穏なほど現代的な小品」と評しています。… 地味な主題にもかかわらず、この場面はエネルギーに満ちており、デラニーの鮮明な純粋な色彩、厚く塗られた絵の具、緊張感のある図式的パターンが最高潮に達しています。デラニーは、初期のアカデミック教育による正確なリアリズムを放棄し、音楽のリズムへの愛と即興的な色彩の使用に基づいた叙情的な表現スタイルを発展させました。Can Fire in the Parkなどの作品は、「1940 年代に進化したスタイルである具象と抽象の間を漂っている」

デラニーは「大恐慌の世の中で、自分の作品を受け入れてくれるかもしれない小さな場所」を見つけた。^[8]彼はホイットニー美術館で警備員、電話交換手、ギャラリー係として働き、スタジオと住む場所を獲得した。

称賛に値することに、デラニーは当時の芸術界のボヘミアニズムの著名な一員としての地位を確立した。彼の友人には、当時の「桂冠詩人」カウンティー・カレン、芸術家のジョージア・オキーフ、作家のヘンリー・ミラーなど、他にも多数がいた。彼は若い作家ジェイムズ・ボールドウィンの「精神的父」となった。

この時期の友情や成功にもかかわらず、デラニーはむしろ孤立した人物であり続けた。デイビッド・リーミングは 1998 年の伝記『アメイジング・グレイス: ビューフォード・デラニーの生涯』の中で、デラニーはニューヨークで非常に「区分化された」人生を送ったと述べている。

彼のスタジオがあったグリニッチ・ヴィレッジでは、デラニーは主に白人の友人たちからなるゲイのボヘミアン・サークルの一員となったが、彼は人目を忍び、自分のセクシュアリティにほとんど満足していなかった。

デラニーはアフリカ系アメリカ人の友人や同僚を訪ねてハーレムを訪れた際、グリニッチビレッジでの彼の他の社交生活について彼らにあまり知られないように努めた。彼はハーレムの友人の多くが彼の同性愛に不快感や嫌悪感を抱くのではないかと恐れていた。

彼は、ヨーロッパとアメリカのモダニズムの美学と発展に関する問題を中心に据えた「第三の人生」を送り、主に友人である写真家のアルフレッド・スティーグリッツやキュビズム芸術家のスチュアート・デイヴィス（画家）の思想、そしてヨーロッパのモダニストやその先駆者であるセザンヌ、マティス、ピカソ、ゴッホなどの絵画に影響を受けた。

「人種差別と同性愛嫌悪の社会で黒人でゲイであること」というプレッシャーだけでも十分大変だっただろうが、デラニー自身のキリスト教の教育と同性愛に対する「反対」、ニューヨークのアートシーンに家族（アーティストの兄ジョセフ）がいること、そして「マンハッタン南部のアートシーンに台頭してきたマッチョな抽象表現主義者たち」がこのプレッシャーを増幅させた。そのため「彼は芸術界の大きな騒動の中心で活動しながらも、アーティストとしてはむしろ孤立したままだった…非常に内向的でプライベートな性格だったデラニーは、長続きする恋愛関係を築かなかった」^[9]

ボーフォードは、ジャズの「ニグロ」表現など、アフリカ系アメリカ人の影響を自身の作品に取り入れようと努めていたが、「 306グループ」やハーレム芸術家ギルドで行われていた真剣な社会政治的議論や「ニグロ芸術」の問題に参加するよりも、ハーレムにいるときはクラブを訪れることを好んだ。自分をニグロ芸術家と考えることに抵抗があったが、ボーフォードは黒人の功績に大きな誇りを持っていた。また、ジェイコブ・ローレンス、ロマーレ・ベアデン、ヘイル・ウッドラフ、セルマ・バーク、リッチモンド・バルテ、ノーマン・ルイス、そして弟のジョセフ・デラニーといった仲間の芸術家とともに、数多くの黒人芸術家の展覧会に参加することを喜んだ。

スミソニアン・アメリカ美術館は、「若いころの成功も、寛大な精神も、デラニーを無名と貧困から救うことはできなかった」と記している。その無名と貧困は、彼の成人期のほとんどを苦しめた。ブルックス・アトキンソンは、 1951年の著書『Once Around the Sun』の中で、「ボーフォードがどのような生活をしていたかを正確に知る者はいない。ほとんどの人が理解も評価もしない絵画スタイルにこだわりながら、彼は肉体的にも精神的にも自分を鍛え、不毛な世界である種の個性的な魅力を持って生きてきた」と書いている。

デラニーの絵画は、「私は苦しんでいるかもしれないが、これはなんと素晴らしい経験なのだろう」と言っているようだ。デラニーの作品は「ボーフォードはしばしば落ち込んでいたが、決して憂鬱なものではない。人生が彼を尻に蹴りつけているという事実にもかかわらず、彼は人生にイエスと言うことができたのだ。」^[10]

パリ

1953年、52歳で、芸術界の中心がニューヨークに移りつつあった頃、デラニーはニューヨークを離れパリに向かった。ヨーロッパには、より大きな自由を見出していた多くのアフリカ系アメリカ人の芸術家や作家がすでに集まっていた。作家のリチャード・ライト、ジェイムズ・ボールドウィン、チェスター・ハイムズ、ラルフ・エリソン、ウィリアム・ガードナー・スミス、リチャード・ギブソン、芸術家のハロルド・カズンズ、ハーバート・ジェントリー、エド・クラーク^[11]は、彼より先にヨーロッパに旅していた。リチャード・ライトは日記の中で、パリを「自分の魂を主張できる場所」と表現している。

ヨーロッパはデラニーの残りの人生の故郷となった。ボーフォードは、新しい生活と可能性について、「できる限り信念と信頼を持ち続けること。謙虚さを愛し、悲しみや孤独や限界を引き起こすほのめかしを気にしないこと。自立することを学び、神の声を聞くことも学ぶ。そして、折れるのではなく、優しく屈服する方法も学ぶ。愛することを学ぶことは、深く静かに苦しむことを学ぶことである」と自らに懇願した。^[12]

パリで過ごした数年間は、彼の「ニューヨーク生活の具象的な構成から色と光の抽象表現主義の研究」への劇的な作風の変化をもたらした。^[7]

「デラニーと抽象表現主義の関係は、悪名高い抽象表現主義運動に先立って始まり、20世紀アメリカ美術における最も重要な思想的、様式的発展の先駆者として彼を位置づけた。彼はその運動に自分を同一視しなかったが、1940年代後半に抽象表現主義が悪名を馳せ始めると、デラニーの抽象作品はますます注目を集めるようになった。」^[13]

この時期は抽象表現主義の作品が主流だったが、デラニーは具象的な作品も制作していた。アメリカ国立肖像画美術館は、ジェイムズ・ボールドウィンの肖像画（1963年、パステル画、紙）を「熱く、対決的で、荒々しく塗られた厳しい色彩」と評し、「パリに移った後にこの画家が頻繁に使用した、ゴッホ風の鮮やかな黄色」が輝いているとしている。この肖像画は「記憶に基づく肖像画であると同時に、光の研究でもある」。

デラニーは絵を描き続けたいという意欲から、キャンバスがなくなったときにはレインコートを使うようになった。「無題、1954年」はレインコートの断片に油絵を描いたものである。^[14]

精神の衰弱

1961年までに、デラニーは多量の飲酒により、しばしば脆弱な精神と肉体の健康を損ない始めた。^[15]正気の期間は、数日、時には数週間の狂気によって中断された。^[16]このパターンは、彼の残りの人生を通じて続いた。

貧困、飢餓、アルコール中毒が続き、彼の容態は悪化した。ジェームズ・ボールドウィンはデラニーについて次のように語った。

彼は生涯ずっと飢えと労働に苦しんできた。テネシー州、ボストン、ニューヨーク、そして今はパリで。彼は私が知る他の誰よりも、社会的環境や、生き残るために強いられた感情的、心理的策略によって脅かされてきた。そして、私が知る他の誰よりも、内なる闇と外なる闇の両方を超越してきた。^[17]

彼は1969年に精神疾患に悩まされていた家族に会うために短期間アメリカに戻った。彼は悪意のある人々が夜中に彼のところに来て「不快で下品な言葉を話し、悪意のある扱いをすると脅し…私の健康と緊急の仕事…絶え間ない継続的な創造を妨害する」と信じていた。^[18]

1970年1月にパリに戻ってから間もなく、ボーフォードはアルツハイマー病の初期症状を示し始めた。1970年代初頭までに、ボーフォードの病気と経済的不安定さが相まって、もはや日常生活に耐えられないことが明らかになった。^[19] 1973年秋、友人のチャールズ・ゴードン（チャーリー）・ボッグスはジェイムズ・ボールドウィンに「私たちの祝福されたボーフォードは急速に精神をコントロールできなくなっています」と書いた。友人たちは彼の世話をしようとしたが、1975年に彼は入院し、その後セント・アンズ精神病院に収容された。ボーフォード・デラニーは1979年3月26日、セント・アンズ病院にいる間にパリで亡くなった。^[20] チャールズ・ボッグスはデラニーの遺言書を扱った。それは紙切れに書かれており、デラニーは彼をポッターズ・フィールドに埋葬してほしいと望んでいた。^[21]

1964 年 12 月 4 日にギャラリーランバートで開幕したボーフォードデラニー展の序文 で、ジェイムズボールドウィンは次のように書いています。

何年も前、テネシー州でボーフォードが旅を始めたときの暗闇は、まさに暗黒の真夜中であり、不透明で悲しみに満ちていた。そして、彼がこれほど粘り強く素晴らしい旅を続けることができたのは、どのような強さがあったからなのか、私にはわからないし、私たちの誰も知ることはないだろう。

遺産

デラニーの死後、彼は偉大でありながら忘れ去られた画家として称賛されたが、いくつかの注目すべき例外を除いて、無視され続けた。

死去の1年前にハーレムのスタジオ美術館で回顧展が開催されたが、作品への関心が再び高まることはなかった。ニューヨークでデラニーの作品が再び展示されたのは、フィリップ・ブリエ・ギャラリーでフランスの美術商フィリップ・ブリエが企画した1988年の展覧会「ボーフォード・デラニー：テネシーからパリへ」で、その後同ギャラリーで1991年に「ボーフォード・デラニー：回顧展 [50年間の光]」、1994年に 「ボーフォード・デラニー：ニューヨーク時代 [1929–1953]」という2つの回顧展が開催された。

エレノア・ハートニーによる「ボーフォード・デラニーに何が起こったのか？」という記事は、 1994 年の展覧会への回答としてArt in Americaに掲載され、かつては高く評価されていた「芸術家の芸術家」がなぜ今やアメリカの芸術界にほとんど知られていないのかを問うものでした。「何が起こったのか？これは、過大評価されていた評判が本来のレベルに戻ったもう一つの例なのか？それとも、流行の変化によってデラニーは没落し、彼の作品は後世の人々に受け入れられなくなったのか？なぜボーフォード・デラニーはアメリカの芸術史から完全に姿を消したのか？」著者は、デラニーがニューヨークの芸術界の意識から消えたのは、「ニューヨークが世界の文化の中心地としての地位を固める決定的な時期に彼がパリに移り、当時批評家によって書かれていたアメリカ芸術史に彼の作品が無関係だったこと」に関係していると考えました。記事は「今日（1994年）、それらの歴史が解き明かされ、より多様で色彩豊かな織り方をした物語に置き換えられるにつれて、デラニーのような芸術家は新たな光の中で見られるようになる」と結論づけている。^[15]

1985年、ジェイムズ・ボールドウィンは、デラニーが彼の人生に与えた影響について次のように述べている。「私にとって、黒人が芸術家になれるという最初の生きた証拠でした。もっと温暖な時代、冒涜の少ない場所であれば、彼は私の師匠として、私は彼の弟子として認められていたでしょう。私にとって、彼は勇気と誠実さ、謙虚さと情熱の模範となりました。絶対的な誠実さ。私は彼が何度も動揺するのを見てきましたし、彼が打ちのめされるのも見てきましたが、彼が屈するのを見たことはありません。」^[22]ボールドウィンは、人生の大半を暗闇に囲まれていたにもかかわらず、作品の中でそのような光を模倣するデラニーの能力に驚嘆した。デラニーの過去に関するこの洞察こそが、デラニーが勝ち取った真の勝利の証拠であるとボールドウィンは信じている。ボールドウィンは、彼の「内面と外面の目を、直接的かつ容赦なく、現実との新たな対決へと導く」鋭い能力を賞賛した。さらに彼は、「おそらく、私が信じていること、つまり彼が偉大な画家であり、最も偉大な画家の一人であると、はっきりと言うべきではないだろう。しかし、偉大な芸術は愛からしか生まれず、彼ほど偉大な愛者はかつていなかったことを私は知っている」と書いている。^[23]

デラニーの作品は、フィラデルフィア美術館、クリーブランド美術館、ハーバード大学美術館、シカゴ美術館、ノックスビル美術館、ミネアポリス美術館、ニューアーク美術館、ハーレム・スタジオ博物館、スミソニアン・アメリカン・アート・ミュージアムなどで展示されている。また、ニューヨーク市のアニタ・シャポルスキー・ギャラリーやマイケル・ローゼンフェルド・ギャラリーなど、数多くのギャラリーでも展示されている。^[24]^[25]

ショータイムのテレビシリーズ「フラットブッシュ軽犯罪」では、主人公の一人がブルックリンのフラットブッシュを舞台にした架空の公立学校、ボーフォード・デラニー高校で教師を務めるというストーリーでデラニーに敬意を表している。^[26]