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| フィリピンの漫画 | |
|---|---|
| 初期の出版物 | 1920年代 |
| 出版物 | クラフ・ オグ・ ダルナ D. I. トレセ |
| クリエイター | トニー・ベラスケス トニー・デズニガ ネストル・レドンド マーズ ・ラベロ アレックス ・ニーニョ |
| 言語 | |
フィリピン漫画（フィリピノ語：Komiks ）は、1920年代から現在まで全国で人気を博している。漫画学者のジョン・A・レントは、フィリピンの漫画の伝統は、日本と香港に次いでアジアで「最も強い観客の支持、最も有名な漫画家の天才、そして最も多様な漫画コンテンツ」を持っていると主張した。[1]
フィリピンの漫画の起源は20世紀初頭に遡り、漫画本は第二次世界大戦後に広く読まれるようになりました。[2]これらの初期の漫画は西洋のスタイルと形式に深く根ざしていましたが、[3]子供から大人まで楽しめるメロドラマとして独特の性格を持っていました。 [4]太い線で描かれた華やかでバロック調のイラストが特徴のフィリピンの漫画は、[4] [5] 1980年代に国民的娯楽として人気がピークに達しました。また、映画の素材や政府の取り組みを促進するためのものとしても使われました。[6]しかし、20世紀末までに一般の関心は薄れ始め、テレビやインターネットなどの代替娯楽が優先され、全国的に配布される漫画本の衰退につながりました。その後、自費出版や独立系出版社が繁栄し、コンベンションを通じて漫画コミュニティが形成されました。ウェブコミックの出現は、作品を出版するための新しい手段を提供しました。
歴史
起源: 19世紀～第二次世界大戦
フィリピンの先住民族の漫画の起源は独立運動家ホセ・リサールに遡ると考える人もいる。リサールは個人的にいくつかの絵物語を創作したが、その中の1つは1885年にフィリピンの民話『亀と猿』をイラストで表現したもので、現代の漫画に似た言葉と絵の組み合わせが特徴的だった。[7]
多くの国と同様、フィリピンにおける商業漫画は、風刺雑誌に掲載された一コマ漫画から始まった。[8]スペイン植民地時代の『テ・コン・レチェ』や『エル・ティオ・ベルダデス』、それに続くアメリカ統治下の『リパン・カラバウ』や『フィリピン・フリー・プレス』などの雑誌や新聞は、漫画を通じて植民地勢力と地方政府の両方を徹底的に批判した。[8] [9]初期の政治漫画では、フィリピン国民を「フィリピン人」、つまりアンクル・サムに求愛される純朴な乙女として擬人化したが、後にホルヘ・ピネダがインディペンデント紙で紹介したスリッパを履いた庶民のフアン・デラ・クルスに置き換えられた。[10]フェルナンド・アモルソロやボトン・フランシスコなど、この時代を代表する画家たちも漫画で知られた。[11]
フィリピン初の文芸雑誌である週刊『リウェイウェイ』は、 1929年に最初の漫画を連載しました。 [8] [12] [13] 「Mga Kabalbalan ni Kenkoy （ケンコイの災難）」と題されたこの漫画は、アメリカ人の真似をしようとするフィリピン人ケンコイを中心に描かれています。 [13] [14] [15]この著名なキャラクターは、作家のロムアルド・ラモスと、当時18歳だったイラストレーターのトニー・ベラスケスによって、出版社のラモン・ロセスの依頼で生み出されました。[14]この短編漫画はすぐにフルカラーのページを占めるまでに拡大し、[8]その後、雑誌のさまざまな言語版に進出しました。[16]「ケンコイ」というあだ名は「陽気に陽気で、面白くて、愉快な人」を意味する言葉としてフィリピン語に根付いており、 [17]このキャラクターは21世紀に入っても漫画やビジュアルメディアに登場し続けた。[14]ベラスケスは、後年出版者として多くのクリエイターに作品を発表する場を提供したこともあり、「フィリピン漫画の父」と呼ばれるようになった。[18]
1930年代、フィリピンの漫画はアメリカの漫画をかなり模倣していた。[19] ホセ・サバラ・サントスはポパイにインスパイアされた作品であるルーカス・マラカスとポポイで有名だった。[20] [21]最初の冒険漫画であるフランシスコ・レイエスのクラフは、スペイン統治以前の時代のルソン島のジャングルを舞台にしたターザン風のヒーローを描いていた。[19] [22] [23]西洋化の圧力の中で、このような疑似歴史冒険はフィリピンの観客を魅了し続けた。[24]
太平洋戦争中の1942年1月、マニラは日本軍の占領下に入った。 [25]日本軍当局は地元新聞の発行を禁止し、ロセス家が所有するリウェイウェイやトリビューンなどの出版物を宣伝に利用した。[26]トリビューンで連載されていた『ローン・レンジャー』や『フリッツィ・リッツ』などのアメリカンコミックは、日本の漫画家嶋田啓三の『フィリピン少年』やトニー・ベラスケスの『カリバピ一家』に置き換えられた。 [27]これらの作品は、日本の宣伝隊による検閲を受け、日本語教育などの同化プログラムを推進し、物資不足の解決方法を提案していた。[28]
黄金時代: 1940年代～1950年代
第二次世界大戦後、フィリピンの出版社は、アメリカ兵の駐屯地に漫画が豊富にあったことに影響を受けて、アメリカの漫画本の形式を採用し始めました。 [2] [20] [29]米国で一般的な一話完結の形式とは異なり、これらのフィリピンの定期刊行物は典型的には36ページから45ページのアンソロジーでした。[4]この傾向を先導したのは、トニー・ベラスケスが1946年に創刊した短命の週刊誌、ハラカク・コミックでした。 [16]その後、1947年にラモン・ロセスがエース・パブリケスを設立し、ベラスケスを編集長に任命しました。[30]エースはピリピノ・コミックを創刊し、他にタガログ・クラシックス、ヒワガ・コミック、エスプクシャル・コミックなどいくつかの雑誌を創刊しました。[16]これらの隔週刊誌が人気を博すにつれて、週刊誌、さらに隔週刊誌へと進化していきました。当初の発行部数は1万部から始まり、最終的には10万部を超えた。[31] 1950年までに他の出版社も業界に参入し、一般誌が漫画特集号を組むようになった。さらに、翻訳された米国の漫画がますます一般的になった。[31]これらの出版社の多くがさまざまな課題や業界の変動に直面したが、ロセスと彼の家族は数十年にわたって漫画業界の支配的な人物であり続けた。[32]
フィリピンの漫画は1950年代に黄金時代を迎えた。[31]手頃な価格の漫画本が街頭の新聞売店や雑貨店（サリサリ・ストア）で広く入手できるようになり、徐々に文芸雑誌に取って代わっていった。[2] [33]スーパーマーケットや書店で販売されている『スーパーマン』、 『アーチー』、『MAD』などのアメリカの漫画が主に中流階級によって消費されていたのに対し、[34]フィリピン産の漫画は庶民に受け入れられた。[35]作者の大半も知識階級出身ではない。[36]作家が共通していたため、フィリピンの漫画は大衆文学から教訓的なメロドラマの特徴を受け継いでいる。[37]当初は現実逃避の手段として機能していた漫画は、時とともに進化し、1980年代にはストーリーがより洗練され、多様なジャンルが登場した。[38]
漫画は誕生当初から、低俗な内容とみなされていたため、保守派や宗教団体から批判を受けていた。[39] [40] 1954年、米国の漫画業界で漫画規約が制定されたのに続き、 [41]エースが先頭に立って、フィリピン漫画雑誌出版社編集者協会 (APEPCOM) が結成された。APEPCOM はカトリック教会と協力し、露骨な性行為、ホラー、犯罪行為など「道徳に有害な汚物」を作品から排除することを目的とした自主規制規約を実施した。[42]その結果、フィリピンの漫画は21世紀まで不快または下品なユーモアを避け続け、主に単純なユーモアと政治風刺に焦点を当てることになった。[43]
この時代には、フィリピンの漫画史を形作る多くの芸術家が登場した。[42] 第二次世界大戦のゲリラ戦士、フランシスコ・コーチン[22]は、ダイナミックで精巧な絵でフィリピン漫画の独自のスタイルを確立した。[2]「フィリピン漫画の学長」の異名を持つコーチンは、死後、国家芸術家賞を受賞した。[44] ラリー・アルカラは、56年間のキャリアで永続的な遺産を残したが、特に、フィリピンの日常生活をセリフなしで描いた1コマ漫画シリーズ「スライス・オブ・ライフ」を通じてそうである。 [45]アルカラは国家芸術家の称号も授与された。[46] マーズ・ラベロは、象徴的なフィリピンのスーパーヒーロー、ダルナを紹介した。[2] [47]ラヴェロの他の作品、例えばキャプテン・バーベル、ラスティクマン、[a]人魚のディゼベル、ユーモラスなキャラクターのボンディン[2]などは21世紀にリメイクされ、新しい世代の読者を魅了しています。[49]その他の著名な人物には、アルフレド・アルカラ、クロドゥアルド・デル・ムンド、ネストル・レドンド、アレックス・ニーニョ、パブロ・S・ゴメス、ジェシー・サントスなどがいます。[42]
独裁政権下の規制、米国への人材流出：1960年代～1970年代
1963年にエース出版が印刷所のストライキで倒産すると、同社に貢献していたクリエイターたちは独自のビジネスに乗り出した。[31]ベラスケスはロセスの支援を受けてGASI（Graphic Arts Services Incorporated）を経営した。[50]パブロ・ゴメスとマーズ・ラベロはそれぞれPSG（1964年）とRAR（1970年）という出版社を設立し、週刊誌を数冊発行した。しかし、漫画業界への新規参入者の多くは、フィリピン経済の低迷もあって、不安定な状況に陥ることが多かった。[51]ラリー・アルカラはこの時期を振り返り、過剰生産が品質の低下を招き、黄金時代の終焉を告げたと指摘している。[31]
「ボンバ」と「開発漫画」は、1960年代に登場したフィリピン特有のジャンルである。[31]ボンバ漫画は、一時的な出版社によって出版され、ポルノストーリー、ヌード写真、そして時折政治的なメッセージを特集した。宗教団体やフェミニスト団体からの非難に直面したにもかかわらず、ボンバ雑誌は、1972年以降の戒厳令下での強化された執行措置により地下に追いやられるまで人気を保った。[43] [52]公共機関によって出版された開発漫画は、家族計画についての意識を高めることを目的としており、人口抑制に効果があると報告された。[42]漫画は政府の広報ツールとしても利用された。[36] 1980年代後半のコラソン・アキノ大統領の時代には、漫画は共産主義ゲリラに降伏を促すメッセージを広めるために使用され、恋愛物語に偽装され、全国的に配布された。[36]
1970年代には、ニューヨークを拠点とするフィリピン移民のトニー・デズニガが先駆けとなり、フィリピン人アーティストが米国市場に進出し始めた。1970年にDCコミックスの編集者ジョー・オーランドに採用されたデズニガは、西部劇のヒーロー、ジョナ・ヘックスを生み出し、『コナン・ザ・バーバリアン』や様々なロマンス、ホラー、戦争のタイトルに貢献した。[53] [54] [55] 1971年、デズニガはDCコミックスの出版者カーマイン・インファンティーノに、手頃な料金で新しい才能を発掘するためにフィリピンを訪問するよう勧めた。[54]この取り組みにより、アレックス・ニーニョ、ネスター・レドンド、アルフレド・アルカラなど、フィリピン人アーティストが大量に流出した。[53] [54]描画の熟練度、スピード、多様な芸術的範囲で知られるフィリピン人アーティストは、アメリカのコミックスで大きな存在感を示した。しかし、1980年代に読者の嗜好が変化すると、多くのフィリピン人アーティストはアニメーションなどの別のキャリアパスに移行しました。[54]
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![トニー・デズニガ（2011年撮影）は、アメリカで多作な漫画家として名を馳せています。[53]](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/2/29/Tony_DeZuniga.jpg/500px-Tony_DeZuniga.jpg)
トニー・デズニガ（2011年撮影）は、アメリカで多作な漫画家として名を馳せています。[53] -
![アレックス・ニーニョ（2021年撮影）は2022年にアイズナー賞の殿堂入りを果たした。[56]](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/0/0c/Alex_Ni%C3%B1o_%2851713750221%29.jpg/500px-Alex_Ni%C3%B1o_%2851713750221%29.jpg)
アレックス・ニーニョ（2021年撮影）は2022年にアイズナー賞の殿堂入りを果たした。 [56] -
![アレックス・ニーニョ（2021年撮影）は2022年にアイズナー賞の殿堂入りを果たした。[56]](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/0/0c/Alex_Ni%C3%B1o_(51713750221).jpg/500px-Alex_Ni%C3%B1o_(51713750221).jpg)
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1972年、フェルディナンド・マルコス政権は戒厳令を発令し、すべての出版社に政権支持の姿勢を強制した。[57]政権は漫画が世論に及ぼす大きな影響力を認識し、政策を促進するために漫画を出版し、[57] [58]漫画の内容を規制するためにメディア諮問委員会を設立した。[59]漫画業界はこれに従い、貧困や社会不安を描いた作品は紙面から姿を消した。[57]フィリピンは東南アジア諸国の中で例外的に政治風刺の自由度が高かったが、[10]政府に批判的な政治漫画家は追放され始めた。[60]マルコスの影響下の新聞や雑誌には政治的な論評のないユーモラスな漫画が掲載され、このジャンルの隆盛を促した。[36] [61]ブラックリストに載った ヌノイ・マルセロは、国営メディア機関に加わることで検閲を逃れ、ネズミのキャラクターであるイカボッドを登場させた漫画に微妙な政治風刺を盛り込んだ。[60]最終的にマルコスは1986年に打倒されたが、メディア複合企業がビジネス上の利益に有害とみなされるコンテンツを排除するようになったため、風刺漫画は以前のような注目を集めることはなかった。[62]
1970年代はフィリピンの漫画業界にとって多くの課題を突き付けた。より高額な報酬を得ているアメリカの漫画家に才能を奪われただけでなく、[b]漫画業界は「有害」とみなされる内容に関して政府やカトリック教会から批判に直面し、経済不況も経験した。[64]弱小出版社がこうした圧力に屈する一方で、ラモン・ロセスが所有するGASIやアトラスなどの会社は繁栄を続けた。GASIの発行部数と収益は1975年から1978年の間に4倍になった。[57]
業界の衰退: 1980年代～1990年代
フィリピンの漫画人気は1980年代にピークを迎え、1980年代半ばまでに週刊漫画が47冊出版され、総発行部数は250万～300万部に達した。実際の読者数は、友人や家族の間で漫画本を共有することが慣例となっていたため、これらの数字をはるかに上回り、漫画は新聞を凌ぐ最も広く消費される出版形態となった。[65] 全国的な配給ネットワークを所有するロセスは、引き続き支配的な地位を維持し、[66] 1992年までに市場の71タイトル中62タイトルを所有した。[67]ロセス家が確立した出版モデルは、出版期間が短く、タイトル数が多く、価格が手頃で、小規模な出版社からの挑戦はほとんどなかった。[67]しかし、この寡占によりコンテンツに対する保守的なアプローチが生まれ、革新よりも使い古されたアイデアが好まれることが多かった。[66]制作速度の飽くなき追求は品質の低下を招きました。その一例として、作家のカルロ・カパラスは週に36作品（通常4ページ[68]）を制作していましたが、別のアーティストはペン作業の支援を受けて週に19作品を完成させていました。[66]
1990年代には、経済不安、政情不安、自然災害により家計が圧迫され、漫画本の売上が急激に減少した。[69]同時に、テレビ、ビデオゲーム、インターネット、外国の漫画などの新しい娯楽形態が競争をさらに激化させた。[66]さらに、トップアーティストが他の業界や海外の機会を求めて去ったことと、時代遅れの印刷および製本技術が相まって、業界の苦境に陥った。[70]市場の低迷に対処するために、漫画本の出版社は、日本のアニメやビデオゲームの美学を子供向けタイトルに統合したり、大人のユーモアを取り入れたりするなど、さまざまな戦略を採用した。これらの対策は一時的な休息をもたらしただけだった。[71]世界で最も長く続いているタイトルのいくつか、特に1950年頃にトニー・ベラスケスによって設立された最初の4つのタイトルは、合計で11,500号を集めていたが、この時期に出版を中止した。[70]
1993年に業界の巨人ラモン・ロセスが亡くなったことは、重要な瞬間を告げた。彼の死後、ロセス一族の会社は倒産するか、漫画出版を完全に中止した。[72]多くの人は、この時期にフィリピンの漫画は死んだと主張している。[73]ある評論家は「1990年代後半にロセスの漫画独占が崩壊したとき、すべてが崩壊した」と指摘した。[70]漫画出版は続いたが、ロセスの流通ネットワークの解体により、業界は大幅に縮小し、出版スタイルの転換を余儀なくされた。[74]多くのアーティストが自費出版の道を選んだ。例えば、新聞連載のPugad Baboyをグラフィックノベルとして再版したポル・メディナ・ジュニアなどである。 [75]
ニューウェーブ: 1990年代～2000年代
1990年代には、主にアメリカンスタイルのスーパーヒーロージャンルのミニコミックをコピーして自費出版するアーティストが増え、キャンパスフェスティバルで販売されるようになったという新しいトレンドが生まれました。 [ 70] 1994年に独立したクリエイターが交流するための小さなコンベンションとして設立されたアラマットコミックは、 [70 ]最終的にジェリー・アランギランのWastedなどの作品を正式に出版するまでに拡大しました。[76]マンゴーコミックスやその他の出版社も登場し、漫画出版の世代交代を意味しました。[77]
多くの若いアーティストが、アメリカで成功を収めたフィリピン移民のウィル・ポータシオに触発されてアメリカのコミック業界に参入した。 [78]ポータシオは1990年代初頭に母国を定期的に訪れ、アラマット・グループを含む地元のアーティストと交流し、指導した。ポータシオがマニラに設立したスタジオは、アランギランやレイニル・フランシス・ユーなどの才能を育て、2人は後にマーベル・コミックに貢献した。[79] [80]
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![1968年生まれのジェリー・アランギランは、フィリピンの漫画復興の先駆者となった。[81]](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/1/10/Gerry_Alanguilan.png/500px-Gerry_Alanguilan.png)
1968年生まれのジェリー・アランギランは、フィリピンの漫画復興の先駆者となった。[81] -
![一方、ポルタシオは1992年に米国でイメージ・コミックスを共同設立した。[82]](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/e/ed/10.10.10WhilcePortacioByLuigiNovi2.jpg/500px-10.10.10WhilcePortacioByLuigiNovi2.jpg)
一方、ポルタシオは1992年に米国でイメージ・コミックスを共同設立した。 [82] -
![レイニル・フランシス・ユーは1998年にアメリカの人気漫画『ウルヴァリン』のペンシルワークを担当した。[83]](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/8/80/10.2.10LeinilYuByLuigiNovi.jpg/500px-10.2.10LeinilYuByLuigiNovi.jpg)
2000年代には、漫画の出版スタイルが多様化し、より多くのアーティストが漫画以外の出版社や国際的な出版社の作品を引き受けるようになり、自費出版の傾向も見られました。[84] [85]自費出版により、より幅広い作品の創作が可能になりました。[86] 2000年代後半、アランギランは賢いニワトリを主人公とした社会ドラマ『エルマー』を自費出版し、 [84] [87]権威あるアイズナー賞にノミネートされました。[88]
グラフィックノベルは、伝統的な週刊漫画本の現実的な代替として登場した。[89]アラマットのメンバーであるブジェッテ・タンとカジョ・バルディシモによる『 Trese』、アーノルド・アレによる『The Mythology Class 』と『Trip to Tagaytay』、カルロ・ベルガラによる『One Night in Purgatory』などの著名な作品が、主流の出版社から書籍の形で出版されている。[89] [90] 2002年に創作されたベルガラのクィアのスーパーヒーロー、ザザザ・ザターンナは、幅広い人気を博し、映画化やミュージカル化につながった。[91] [92]
1990年代には、日本の漫画やアニメの影響も急増した。[93]この傾向は、ボルテスVやG-FORCEなどのアニメが中流階級の拡大するテレビ視聴者の間で人気を博した1970年代にまで遡ることができる。しかし、マルコス政権がこれらのシリーズを禁止したため、アニメブームの勢いは妨げられたが、これらの制限の理由は依然として議論されている。[94] [95] [c] 1980年代後半、政権交代に伴い、アニメはドラゴンボールZとセーラームーンの放映で復活を遂げた。[96]しかし、アニメが本当に一般大衆に浸透したのは1990年代後半になってからだった。人気コメディ番組バブルギャングはボルテスVを特集し、軍事政権の記憶を呼び起こし、アニメの幅広い魅力に貢献することで、これに重要な役割を果たした。[94] [96]
日本のサブカルチャーは、伝統的な漫画読者とは異なる若い世代を魅了した。[4] 2000年には、マンガにインスパイアされた高品質の作品を紹介するカルチャークラッシュコミックスがデビューした。 [70] [97]この雑誌は財政難のため長く続かなかったが、[97]その人気により、同じ出版社のマンガホリックスなどのフォロワーの出現に拍車がかかった。[70]他に、クエスターやノーチラスコミックスも登場した。 [98]スーパーヒーロー漫画の出版社マンゴーコミックスは、少女漫画のタイトルマンゴージャムを創刊した。 [70] [85] ファニーコミックスなどの長年の子供向け雑誌でさえ、マンガスタイルのイラストを採用した。[ 4 ] [ 99 ]「ピノイマンガ」と呼ばれるフィリピン人アーティストによるこれらの作品は、「コミックス、コミックス、マンガ」（アメリカ、フィリピン、日本のスタイルの作品）の時代を象徴した。[100] [101]フィリピンの著名なマンガ作品としては、エース・ヴィタンコルの『Love is in the Bag』などがある。 [85]
日本政府は、他のアジア諸国と同様に、フィリピンでもマンガを文化輸出として積極的に推進した。[89]日本のマンガの受容は、他の国々で物議を醸す、反映された議論を引き起こした。[89]アランギランは、フィリピンのプロのマンガ家が日本の文化的アイデンティティと密接に関連するスタイルを採用していることを批判し、彼らを「フィリピン人」と呼んだ。[91] [102]
新たな展開が進むにつれ、伝統的なフィリピンの漫画を復活させる取り組みも進められていた。マンゴー・コミックスは、2003年頃にダルナ、ラスティックマン、キャプテン・バーベルなどの古いスーパーヒーローをリブートした。 [49]高所得者層をターゲットにしたマンゴーは、新聞スタンドではなく漫画本専門店で配布することを選択した。[84] 2007年、同社は映画監督で作家のカルロ・カパラスをスポークスマンに据え、大衆向けの週刊漫画本への進出を試みたが、失敗に終わった。[103]カパラス自身も、新人クリエイター向けの賞の設立や、アーティスト・トレーニング・キャラバンの組織化などを通じてフィリピンの漫画を宣伝し、地元の漫画界を盛り上げた。また、国内の漫画の認知度を高めるため、国立文化芸術委員会の支援を受けて、全国コミック会議とコミック・キャラバンを発足させた。[84] [104]
2010年代～現在
2010年代には、漫画の内容や出版形式がさらに多様化しました。[105] [106] 2005年にコミコンが設立されて以来、[107] 漫画、アニメ、ビデオゲームなどのサブカルチャーのファンのためのコンベンションがフィリピン全土で定期的に開催されるようになりました。これらのコンベンションは、インディーズアーティストが作品を配布するための重要なプラットフォームとして機能します。 [86] [100] [108]オンラインでのファン活動が盛んになり、[100]国際的な影響にさらされやすくなり、出版の新たな手段が生まれています。[109]フィリピン発祥のPenlab、Webkom Alliance、Kudlisなどのいくつかのプラットフォームでは、アマチュアがウェブコミックを出版できます。[86] [110]韓国のウェブトゥーンで認められたアーティストもいます。[86] Pol Medina Jr.などのベテランアーティストは、オンライン出版と収益化に挑戦しています。[74] [111] 2021年にNetflixで公開されたブジェッテ・タンの『Trese』のアニメ化は国際的な注目を集めた。 [86]
漫画文化の進化により、女性クリエイターの急増が促進された。[106]過去には、漫画家は徒弟制度のような力学の中で活動し、女性を排除することが多かった。[112]しかし、セーラームーンやCLAMPなどの西洋のコミックや漫画の影響を受けた新世代の台頭により、女性アーティストによる独立した漫画がより一般的になった。[106] 2020年代の漫画界では男性が優位に立っているが、コミケのようなイベントは女性の創造的な追求を積極的に支援し、サポートしている。[113]
漫画はますます芸術形式として認知されるようになり、ラベロやコーチンのような初期のアーティストを称える回顧展が頻繁に開催されている。 [105] 2010年には、グラフィックノベルのアーカイブプロジェクトに関する法案が提出された。[100]漫画の創作は現在、大学のカリキュラムに組み込まれており、[107]学生グループは新進の漫画家を積極的に育成している。[114]発行部数は以前の最高値には達しないかもしれないが、漫画文化は21世紀に復活を遂げている。[108]フィリピンのクィアコミュニティの実体験に焦点を当てたボーイズラブジャンルの漫画は近年国内で人気が高まっており、クィア漫画フェスティバルはプライド月間ごとに主流となっている。[115] [116] [117]
フォーマット
フィリピンの漫画本の伝統的な形式は、1990年代までにしっかりと確立されました。[118]これらの本は通常、カラーで32〜48ページに及び、17〜20米セントで販売されていました。毎週発行される各号には、それぞれ4ページの長さの短編 ( wakasan ) と連載 ( nobela ) がいくつか掲載されていました。[68] [118] 1970年代には、各雑誌に特徴的な長編連載があり、Aliwan KomiksのAnak ni Zumaは、10年以上にわたって人気を博した代表的な例として際立っていました。[119]さらに、これらの漫画本には、クロスワードパズル、短いギャグ、手紙欄、広告、有名人のゴシップ、伝記、ライフハックなどのトピックを扱う散文欄が含まれていました。[68] [118]漫画のタイトルは、日常的な物、主人公の名前（フィリピンの慣習である「特徴+名前」に従って）、または有名人の名前に基づいた言葉遊びを使用した、単純なものが多かった。[67]
漫画本は新聞スタンドで売られていた。街頭の貸本屋が利用しやすく、家族や近所同士で漫画本を共有する習慣があったため、1冊の漫画本を6人から10人が読んだと推定されている。[34] [36]読者のかなりの割合が成人、特に低所得の女性であり、この点が米国の漫画本との違いであった。[36]
ほとんどの漫画はタガログ語で出版されており[36] 、タガログ語に基づく公用語であるフィリピン語を全国に広めるのに役立った。 [31] 1980年頃、日本からフィリピンへの売春ツアーがピークだった頃には、日本人を主人公にした作品がフィリピン人アーティストによって描かれ、日本語で出版された。[120]
伝統的な漫画本は1990年代に衰退し、その後、内容や装丁を一新した現代版へと進化し、大学生や裕福な都市住民をターゲットにしてきた。[121]現在、読者は主に男性である。[113]ロセス家の独占が解消された後、数多くの独立系出版社が出現した。[122]所有者は、マスメディアや学術界から主な収入を得ていることが多く、自らもクリエイターであることも多い。これらの出版社はファン層と密接な関係を保ち、ニッチなコミュニティを育んでいる。[123]フィリピンの一般書店は主に外国の出版物に焦点を当てているため、国内の漫画本は販売と流通の面で不利な立場にある。その結果、独立系出版社は漫画コンベンションを重要な販売チャネルと見なしている。[124]
グラフィックノベルは、主に西洋の作品と英語で書かれた日本の作品で構成されており、一般書店で広く入手可能である。[125]この比較的新しい出版形式には、アンソロジー、連載作品の再版、新しく創作された漫画など、多様なコンテンツが含まれている。[89]
日本のマンガの影響を受けたフィリピンの漫画であるピノイマンガのほとんどはカラーで印刷されており、幅広いテーマを扱っており、特に8歳から25歳の女性の間で人気を集めています。[4] [89]マンガ出版社は中高生に焦点を当てていますが、この年齢層向けの出版物はこれまで限られていました。[91]
特徴
アートスタイル
伝統的なフィリピンの漫画は、米国の漫画本芸術だけでなく、チャールズ・ダナ・ギブソンのようなペンで描かれた雑誌のイラストからもインスピレーションを得ている。[126]マーズ・ラベロによって生み出された象徴的なキャラクター、ダーナは、ペルーのイラストレーター、アルベルト・バルガスの作品に影響を受けた。[ 48]ビンテージ漫画の復刻と普及に尽力したことで知られる漫画家、ジェリー・アランギランによると、フィリピンの漫画家は、フランクリン・ブース、JC・ライエンデッカー、ノーマン・ロックウェル、フランク・フラゼッタなど、その絶妙なアートワークで知られるアメリカのイラストレーターから大きな影響を受けている。[126]アランギランは、フィリピンの芸術スタイルを「甘美で優雅な筆遣いで描かれた、古典的でロマンチック」と特徴づけている。[77]
フランシスコ・コーチンは、1950年代から同時代の人々に永続的な影響を与えた影響力のある芸術家であり、「フィリピン・コミックス・イラストレーションの長老」というニックネームを得ました。アランギランは彼の「大胆で熱狂的な」筆遣いを称賛し、彼の人物は「静止していても動いているように見える」と述べました。[127]
ジャンル
フィリピンの漫画は1930年代に『ケンコイ』などのユーモラスな作品から始まり、続いて『クラフ』などの歴史上の英雄物語が人気を博した。その後、1940年代と1950年代にフィリピンの大衆小説の伝統を引き継いだメロドラマが台頭し、 [128]フィリピンの漫画の一般的な雰囲気を決定づけた。[129]このジャンルで最も有名な作家の一人であるマース・ラベロは、継母にいじめられる少女を描いた『ロベルタ』を創作した。 [128] 1980年代までには、性、暴力、階級の不平等などのテーマを盛り込んだメロドラマ的な物語が目立つようになった。[65]業界は男性が支配的であったにもかかわらず、このジャンルには多くの女性作家が貢献しており、その中には20年間で350以上の短編漫画と120の連載漫画を制作したエレナ・パトロンや、ネリッサ・カブラル、ジルダ・オルビダードも含まれていた。[65] [130]
アクションとファンタジーもフィリピンの漫画で長い間人気がありました。[131] 1950年代に、ラベロは人間に恋をする人魚のディセベルと、少女スーパーヒーローのダルナを紹介しました。 [68]共通のストーリーラインは、主人公が逆境を克服するために魔法のアイテム（タイプライター、ボールペン、またはふるい分けバスケットなど）を手に入れるというものでした。[132]このジャンルには、半獣の子供、話すイルカ、[67]蛇やネズミを双子の兄弟として持つ女性、3つの頭を持つ少女、そして目と魔法の力を持つ切断された動く手「ザ・ハンズ」など、さまざまな変わったキャラクターが登場しました。[133]これらのキャラクターは、フィリピン、ローマ、ギリシャの神話の折衷的な組み合わせからインスピレーションを得ることが多かったです。[134]このジャンルは1970年代にパブロ・ゴメスやカルロ・カパラスの作品によってピークに達し、1980年までにファンタジーの物語はすべての漫画雑誌の約70％に掲載されました。[134]
ロマンス漫画は1990年代までに主流のジャンルとなり、1992年の調査によると、人気雑誌に掲載されるストーリーの半分以上を占めていた。[67] [68]漫画編集者のエマニュエル・マルティネスは、フィリピン人が特にラブストーリーに惹かれるのは、そのロマンチックで感情的で家族志向の性質によるものだと示唆している。 [66]マルティネスは、読者は明るい結末のストーリーを好むと指摘している。[68]これらの物語では、思いやりのある売春婦、家族のために自分を犠牲にする娘、恋人に騙された女性などのキャラクターがよく描かれ、主人公が最終的に勝利して幸せを見つける。[68] [134]ボーイズラブなどのクィアジャンルは、特に2020年代のクィア映画シリーズの台頭以降、最近人気が高まっている。[135] [136] [137] [138]
これらの主流のジャンルの他に、フィリピンの漫画はニュース、政治、農業、伝記、歴史、[77]スポーツなど、幅広いテーマを扱っていた。読者から寄せられた物語に基づいて、普通の人々を取り巻くドラマを描いた作品もあった。宇宙での冒険、臓器移植、クローン、試験管ベビーなどのSF要素もよく取り上げられた。 [65]さらに、 『ジョーズ』、『タワーリング・インフェルノ』、『ジェームズ・ボンド』などのヒット映画を模倣した作品も珍しくなかった。[139]
性的表現とジェンダー表現
人口の大半がカトリック教徒であるフィリピンでは、ポルノは法律で禁止されており、同性愛もわいせつと見なされる傾向がある。主流メディアで同性愛を肯定的に描写することはまれである。[140]漫画学者のソレダッド・レイエスによると、多くの伝統的な恋愛漫画では、主人公が「年老いた赤ん坊、指しゃぶりの男女、[...]、女々しい男性」から、愛の力によって「自分のセクシュアリティを深く意識した」誇り高く自信に満ちた個人へと一夜にして変身する様子が描かれている。[141]カルロ・ベルガラの「ザザザ・ザターンナ」（2003年）は、ゲイの男性が女性のスーパーヒーローに変身する物語で、漫画におけるLGBTQIA+の表現に大きな進歩をもたらした。[142]この作品は一般大衆と学界の両方から注目を集め、LGBTQIA+アーティストによる自伝的漫画への道を開いた。[142] [143]さらに、日本式のやおいファンダムが存在し、2015年以前はファンベースが小さかったが、[144] [145] 2020年代以降は劇的に成長し、ピノイBLという独自のサブジャンルに変化した。 新世代のクィア漫画家たちは、ほとんどがクィアであり、LGBTQIA+の世界を人々に紹介する本を制作することに焦点を当てており、異性愛者の主流との相違点と類似点の両方をカバーしている。 注目すべき作品には、 Ang Jowa Kong Crosswise、Champion of the Rose、Nang Mainlove Ako sa Isang Sakristan、Sari Sari Storyなどがあり、[146] [147] [148] [149]また、ここ数年でさまざまなクィア漫画アンソロジーが出版されている。[150] [151]
ローカルテーマ
フィリピンの言語、地理、文化は、様々な作品でアメリカや日本の影響と融合することが多かった。[4]アメリカのスーパーヒーローは、超人的な能力が生まれつきの資質から生まれたり、科学的な手段や訓練によって獲得されたりする設定で活動するのが一般的であるが、伝統的なフィリピンのヒーローの力は、信仰から生まれることが多い。ダルナやパンダイなどのキャラクターは、心の純粋さの象徴として魔法のアイテムを手に入れる。[4]アーノルド・アレの1999年の作品「神話クラス」は、フィリピンの神話を広範囲に探求し、アメリカのスーパーヒーローコミックに大きく影響されていたファンタジーのジャンルを活性化させた。[152] 2020年頃までに、商業作品には、民間伝承の生き物を取り入れたノワールやミステリーがますます取り入れられるようになった。[86] [153]
適応
伝統的なフィリピンの漫画は、映画産業と密接な関係を保ってきた。漫画は「下駄を履いた」フィリピン国民の好みや願望に合わせて作られ、映画の原作として適しており、1986年に大手スタジオが公開した映画の約30～40%は漫画の翻案であった。[65]これらの翻案は、メロドラマ、ロマンチックコメディ、冒険など、さまざまなジャンルを網羅していた。映画監督のリノ・ブロッカは、芸術志向のプロジェクトと既存の観客にアピールする漫画に基づくプロジェクトを交互に手がけてきたことを認めている。[65]直接的な翻案のほかに、漫画雑誌に原作を提供し、後に漫画の連載のクライマックスに合わせて、漫画のキャラクターに似た俳優を起用した映画をリリースする映画監督もいた。[65]
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21世紀には、古い古典作品と最近の漫画の両方が映画化され続けています。2000年代にテレビシリーズ化された古典作品には、マース・ラベロの『ダルナ』（2005年）、カルロ・カパラスの『バケカン』（2006年）、フランシスコ・コーチンの『ペドロ・ペンドゥコ』（2006年）、パブロ・ゴメスの『カンパネラン・クバ』（2005年）などがあります。[100] 2016年現在、『ダルナ』は13本の映画、3本のテレビドラマ、アニメテレビシリーズ、[47]、さらにはバレエ公演にもなっています。[100]最近の漫画の映画化には、 『ムラウィン』（2004年）、エンカンタディア（2005年）、アトランティカ（2006年）などがあります。[100]
2004年、フィリピン郵便公社はフィリピンの漫画を記念して一連の切手を発行した。取り上げられた作品には、ギルバート・モンサントによる「ダルナ」 、ネストル・レドンドによる「ダルナ」、フランシスコ・レイエスによる「クラフ」、フランシスコ・コーチンによる「ラプラプ」などがあった。[154]
全米図書賞
全米図書開発委員会が運営する全米図書賞には、1999年からグラフィック文学の部門が設けられています。 [156] [157]以下は、アンソロジーに与えられた賞を除いた、2024年までの受賞アーティストと作品のリストです。
- カルロ・ベルガラ
- ゲイの男性が美しいスーパーヒロインに変身する「ザザ・ザトゥルナ」シリーズ（2002年、2013年）。[159]
- ザック・ヨンゾン、ラン・メディナ
- マース・ラヴェロ監督の『ダルナ』（2003年）は60年の歴史を持つシリーズのリブート作品である。[160]
- フランシス・アルファール、ヴィンセント・シンブラン
- フィリピン現代史のプロファイル；シグロ：自由（2004年）とシグロ：情熱（2005年）。[160]
- バジェット・タンとカジョ・バルディシモ
- トレセシリーズ（2010年、 2012年、2013年）では、主人公が異世界と現実世界をつなぐ超常現象事件を解決します。[161]
- バジェット・タン、ボウ・ゲレーロ、JB タピア
- ダークコロニー（2014年）、悪魔と戦う冒険。[161]
- ボルグ・シナバン
- ピランドコミクス（2014年）は、民間伝承に由来するピランドック（フィリピンネズミジカ）を特集している。 [162]
- メルビン・マロンソ
- 旅ポ（2014年）は、キリスト教以前の時代に人食い悪魔として生まれ変わった男の物語である。[162] [163]
- ジェリー・アランギランとアーノルド・アレ
- ロドスキ・パトツキ：『愛の不時着』 (2014)、世界で最も聡明な少女が恋愛問題と軍事危機に立ち向かう物語。[162]
- マニックス・アブレラ
- 14'（2015年）、先住民の神話上の生き物を題材にした哲学的ユーモアシリーズ、ニュースハードコア！（2016年）、メディア業界を舞台にしたコメディ、[164]、キコマシンコミックス（2020年）、人生の不条理に取り組む漫画シリーズ。[165] [166]
- ロブ・チャム
- ライト（2016年）、暗闇の中での宝探しを色鮮やかに、言葉なしで描いた作品。[167]
- アンドリュー・ドリロン
- カレカレコミックス（2016年）、複数の物語にまたがるメタフィクションの冒険。[167]
- ボン・レディラ
- Meläg（2017年）、幻想的な街を舞台にしたノスタルジックな物語。[167]
- エミリアナ・カンピラン
- 『Dead Balagtas』（2018年）では、フィリピンの創世神話と人間のロマンチックなドラマとの類似点を描いている。[167]
- ケビン・エリック・レイムンド
- Tarantadong Kalbo (2020)、新型コロナウイルス感染症パンデミック下の生活を描いた作品。[168]
- フィリップ・イグナシオとアレックス・ニーニョ
- アランダル（2023年）、18世紀のフィリピンを舞台にした歴史冒険物語。[169] [170]
- RHキランタン
- アン・ムガ・アリタプタップ・ン・プーラン・ブハンギン（2023）。[169]
- マイク・アルカザレン、AJ・ベルナルド 他
- 『Death Be Damned』（2024年）は死者による復讐の物語である。[171]
- ラッセル・L・モリーナ、エース・C・エンリケス
- ジョセフィーナ（2024年）は日本占領時代を舞台とし、超自然的な生き物であるマナナンガルを主人公としている。 [171]
参照
参考文献
注記
- ^これらのスーパーヒーローはアメリカのキャラクターに触発された。ダーナは スーパーマンのフィリピン人女性版として考案され、[48]キャプテン・バーベルはキャプテン・マーベルに基づいており、[4]ラスティックマンはプラスチックマンに触発された。
- ^ トニー・デズニガは、当時フィリピンのアーティストはフィリピンで1ページあたり50セントを受け取っていたが、DCコミックスは12ドルを支払っていたと回想している。[63]
- ^ 漫画学者チェン・チュアによると、マルコスのアニメ禁止についてはさまざまな見方がある。抑圧に対する反乱を描いた『ボルテスV』のストーリーラインが危険だと考えられたという意見もあれば、非国営放送局の取り締まりの一環だったという意見もある。また、暴力描写に反対するカトリックの女性団体からの圧力によるものだという意見もある。[94]
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さらに読む
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- デ・ヴェラ、デニス・アンジェラ; アロン、マリー・ローズ (2019)。「フィリピンのシーケンスを解明する: 現代のフィリピンのコミックを形作った2つの要素」。グラフィックノベルズとコミックジャーナル。10 ( 1): 106–121。doi :10.1080/21504857.2017.1419981。
- フローレス、エミル・フランシス・M（2013）。「空に上って地に足をつけよう：フィリピンのスーパーヒーロー漫画における文化的アイデンティティ」。グラフィックノベルにおける文化的発掘と形式的表現。ブリル。pp. 73–86。ISBN 9781848881990。
- レント、ジョン A. (2009)。フィリピンのコミックと漫画の最初の 100 年。ボボイ・ヨンゾン。ISBN 978-9719455806。
- ロハス、シンシア。アレバロ、ホアキン (1985)。フィリピンおよびその他の国のコミックの歴史。イスラス・フィリピーナス出版社。
- サントス、クリスティン・ミシェル・L.（2019）。「フィリピンにおける日本の大衆文化のローカライズ：日本の文化産業の変革的翻訳」。ボーダークロッシング：日本語文学研究ジャーナル。13 （1）：93–102。doi ：10.22628 / bcjjl.2021.13.1.93。
外部リンク
ウィキメディア・コモンズのフィリピンの漫画に関連するメディア- ホセ・リサール博士が描いたオリジナルの漫画寓話「猿と亀」
- 「Kenkoy キックスタートコミック」の記事
- 「フィリピン コミック」インターネット上で最も包括的なフィリピン コミックのライブラリ。