Om (ジョン・コルトレーンのアルバム)

オム
スタジオアルバム​ ジョン・コルトレーン
リリース	1968年1月[1]
記録済み	1965年10月1日 キャメロットサウンドスタジオ、バラード、ワシントン州シアトル
ジャンル	フリージャズ、アヴァンギャルドジャズ
長さ	29:07​​
ラベル	インパルス！ A-9140
プロデューサー	ボブ・ティール
ジョン・コルトレーンの年表
エクスプレッション （1967） オム （1968） コズミック・ミュージック （1968）

『Om』は、ジョン・コルトレーンが死後に発表したアルバムで、1965年10月1日に録音された。これは『 Live in Seattle』の録音の翌​​日で、 『A Love Supreme: Live in Seattle』に収録されている曲の録音の前日である。コルトレーンのカルテットと3人の追加演奏者をフィーチャーしたこのアルバムは、29分間の単一作品で構成されており、LPで発売された際には2部に分割された。『Om』は1968年にImpulse!から発売され、 1992年にリリースされたコンピレーションCD『 The Major Works of John Coltrane』にも収録されている。

1965年9月14日から26日にかけて、ジョン・コルトレーン・カルテットはサンフランシスコのジャズ・ワークショップで演奏した。^[5]コルトレーンが敬愛し、以前にアセンションでコルトレーンとレコーディングしたサックス奏者のファラオ・サンダースがグループを聴きに行き、参加するよう誘われた。サンダースによると、「彼はその時、違うサウンドを得るためにグループと音楽を変えようと考えていると私に言った。そして私に一緒に演奏するよう誘ってきた」という。^[6]同時に、1961年にコルトレーンのグループでセカンドベーシストとして演奏したマルチ楽器奏者のドナルド・ギャレット^{[7]も参加するよう誘われた。2週間の演奏の終わりに、サンダースとギャレットの両者はバンドへの参加を誘われ、}シアトルのペントハウスで9月27日から10月2日まで行われた次の公演に同行した。^[5]

シアトル滞在中、コルトレーンは新しく拡大したグループを自費で録音することに決め、9月30日の公演のためにレコーディング・エンジニアのジャン・カーティスを雇った。^{[8] [9]この日の音楽は1971年に}『Live in Seattle』でリリースされ、追加のトラックが2011年に『The Unissued Seattle Broadcast』で発表された。翌日、ジョー・ブラジルを加えたバンド全員がリンウッドにある借り家にあるカーティスのスタジオ、キャメロット・サウンド・スタジオへ向かい、 『Om』を録音した。^{[10] [11]}翌日、バンドはシアトル公演をペントハウスでの「至上の愛」のパフォーマンスで締めくくった。この演奏は2021年に『至上の愛: ライヴ・イン・シアトル』としてリリースされた。その後、バンドはロサンゼルスのイット・クラブに11日間滞在し、^{[12] 「クル・セ・ママ（ジュノ・セ・ママ）」と「セルフレスネス」をレコーディングした。この2曲はアルバム}『クル・セ・ママ』のCD版に収録されている。^[13]

コルトレーンはレコーディング中にLSDを使用していたと考えられているが、これには異論がある。 ^[14] ルイス・ポーターは「コルトレーンは『Om』をレコーディングしていたときLSDでトリップしていた可能性がある。彼がこの頃からLSDを使い始めたのは確かだ」と書いている。 ^[8]「4人の信頼できる情報源によると、非公式の発言である」。^[15]しかし、ポーターは慎重に、コルトレーンの演奏は「後期のレコーディングではすべて完璧に首尾一貫しており、実際、信じられないほどだ」と指摘し、「彼はおそらく、LSDが自分が進みたい方向に進むのに役立つと感じていたか、望んでいたのだろう」と付け加えた。^[16]

アルバムのタイトルは、インドの宗教における神聖な音と精神的なシンボルを指している。コルトレーンはオームを「最初の振動、その音、その精神が、他のすべてのものを生み出した。それは、人間が発声できるすべての音を含め、すべての人間とすべてのものの起源である言葉である。それは最初の音節であり、原初の言葉であり、力の言葉である」と表現した。^[17]

録音は静かなパーカッションで始まり、その後ミュージシャンたちはバガヴァッド・ギーター第 9 章の詩を一斉に唱えます。

ヴェーダが定めた儀式、聖典が教える儀式、これらすべてが私であり、父祖の霊に捧げられた供物、治癒と食物のハーブ。マントラ。澄ましバター​​。私、供物、そしてそれが捧げられる炎。私は世界の父であり、この世界の母であり祖父である。私は各人にその行為の果実を与える者であり、私はすべてを清める。私はオームである！^{[18] [19]}

次のセクションに関して、作家のピーター・ベバーガルは次のようにコメントしています。

コルトレーンと仲間たちは、まるで火に焼かれたかのように「オーム」を唱え始める。これは瞑想的なものではなく、サンスクリット語の「叫ぶ」という本来の意味を尊重している。しかし、「オーム」という言葉は振動でもあり、創造前の万物の一体性を反映している。これは、ブラフマン（神）とアートマン（魂）は一体であり、両者の分離は幻想であるというヒンズー教の哲学に不可欠な真実の顕現である。この真実を認めること、あるいはむしろその内部に入り込もうとすることが、コルトレーンがオームで行っていることのようだ。^[20]

（ゲリーノ・マッツォーラとポール・チャーリンは、前日に録音された「Live in Seattle 」のトラック「Evolution」は「トランスのようなうめき声」を特徴としており、 Omの詠唱の直接の先駆けとして聞くことができると示唆した。^[21]）

チャンティングの後は、濃密で大音量のアンサンブルが続き、その後にコルトレーン、サンダース、タイナーのソロが続く。^[22]ソロの後には「ジャズの文化、あるいはあらゆる種類の文明が取り残された」ジャングルサウンドと形容されるものが続く。^[22]このセクションでは、とりわけ、震えるフルート、動物の鳴き声、ヨーデルの声、そして弓で弾くハーモニクスとグリッサンドを演奏する両方のベースが特徴的である。これがコルトレーンとサンダースのデュエットとクライマックスのアンサンブルにつながり、その後「オーム」という言葉が再び聞こえ、バガヴァッド・ギーターの詩の朗読が終わる。^[22]

ライナーノーツでナット・ヘントフはこう書いている。「従来の聴覚の限定された限界を打ち破るには、耳が過去に拒絶した音や音程を聞くように促されなければならないのかもしれない。それは、従来の快適さでは同情が得られないのと同じである。そして、一度聞いて吸収すると、これらの音は聴く能力や感じる能力をさらに拡張することになる... 聴き方について他の人にアドバイスできることがあるなら、まずはそれがどのように構成されているか、どこに向かっているのかを心配しないことから始めることを提案したい。ジャズとはこうでなければならない、音楽とはこうでなければならないというあらかじめ決められた定義なしに、音楽を受け入れなさい。」^[17]

エリック・ニセンソンによると、コルトレーンは「明らかにオムに当惑し、ボブ・シールにリリースしたくないと指示した」とのこと。^{[23]しかし、}インパルス!のディレクター兼プロデューサーであるシールは、コルトレーンの死と当時成長していたサイケデリックロックシーンを利用するために、1968年にリリースしました。リリースされると、「すぐにヘイトアシュベリーのサイケデリックショップのショーウィンドウにコピーが置かれました。」^[23]コルトレーン研究家のアシュリー・カーンは、「タイトルとカバーは、サマー・オブ・ラブを生み出した年の雰囲気にぴったりで、これ以上ないほどタイムリーだった」と書いています。^[24]

Omに関する意見は様々である。ルイス・ポーターによると、「ファンの中には、グループの詠唱に驚いた人もいた...コルトレーンは、レコーディングやパフォーマンスに非公式性と精神主義を取り入れていたが、それを素人っぽいと感じる人もいれば、自由で革命的だと感じる人もいた」とのことである。^[8]デビッド・ネルソン・マッカーシーは、このアルバムを「コルトレーンの唯一のメジャー作品で、質に疑問がある...甲高い演奏とうめくようなボーカルが特徴で、真の信者と歴史的興味のためだけに作られた作品」と評した。^[25] ベン・ラトリフは、このアルバムを「かなり支離滅裂で、興奮した、泥臭い、29分間のカタルシス」と評した。^[18]

オールミュージックのレビューで、ステイシア・プロフロックは次のようにコメントしている。「多くの批評家からジョン・コルトレーンの最低のアルバムだと非難されている『 Om』は、それ以前の素晴らしい作品と比べると劣るだけである... 『Om』は...純粋なエネルギーの解放のように見える...一見混沌としているが、これは非常にスピリチュアルな作品である... 『Om』は情熱と切望に共鳴するが、その強力なスピリチュアルなエネルギーのすべてに心を開くことは恐ろしい経験であったかもしれないことを示唆する狂乱のエッジを持っている... 『Om』は批評家から受けた軽視に値するものではない。これはフリージャズの歴史において重要な作品であり、29分の終わりまでにかなり開き、ジャズの巨匠の心の広大な内容を明らかにする。」^[2]

ゲリーノ・マッツォーラとポール・チャーリンは、「その年（1965年）の他のLPと比べると、『オム』は別世界に住んでいる...この旅は初心者向けではない...ジャズや他の規律ある音楽の発声とは全く関係なく、この演奏を聴くのが公平だろう」と書いている。^[22]オール・アバウト・ジャズの記事で、サイモン・ワイルはこう書いている。「『オーム』は恐ろしい曲だ。特に終盤のユニゾンの部分では、鈍器で頭を殴られているような気分になる瞬間がある。耐えられないほどだ。だが、そのような効果はコルトレーンの意図に沿ったものだと私は信じている。コルトレーンはこの曲で、天地創造の夜明けの神の声を呼び起こそうとしている。だが、天地創造の夜明けの神の声を聞くことは、神の顔と対峙するのとよく似ている。これは素晴らしく圧倒的な体験になるだろう。長くは耐えられない。だが、音楽にも耐え難さがあってしかるべきだと思う。なぜなら、神の顔を真正面から見ることも、神の声を聞くことさえ、多少の恐れを感じずにはいられないからだ。だから『オーム』は『難しい』に違いない。」^[26]

アシュリー・カーンは、Om を「ひとつの螺旋を描く壮大な作品で、Ascensionの自然発生的なエネルギーとA Love Supremeの精神的な共鳴を音楽的に融合させたもの」と評した。^[24] Norman Records の評論家は、Om を「音楽界で最も特異なサイケデリック体験の 1 つであり、すべてを飲み込む万華鏡で、まったく束縛されていないコルトレーンの稀な一面を垣間見ることができる」と呼び、「コルトレーンのディスコグラフィーでカタルシスを求めるなら、Omで見つけられる」と結論付けた。 ^[27]

ピーター・ベバーガルは、ザ・クワイエタス誌のエッセイで、次のように述べている。「コルトレーンの演奏の激しさは、神聖なものを薄い真鍮の管の中に収めることはできないと彼が知っていることを示している。しかし、それが彼のすべてであり、私たち誰もが本当に持っているすべてだ。音楽は私たちを身体に結びつける。音楽を聞く場所であり、音楽を作る場所である。『オーム』では、コルトレーンはしばしば、楽器の束縛から逃れようとしているかのように演奏するが、足は地面から離れようとしない...コルトレーンは私たちに彼の天国を垣間見せようとしているが、彼のサックスのノイズは、神が自らを明らかにする器であるがゆえに、それ自体の神聖さを含んでいる。」彼は次のように結論づけた。「『Om』は聴き手の意識を簡単に変えることはできないかもしれないが、それでもコルトレーンのほとんど絶望的な気分を形作る激しい精神的欲求を明らかにすることに非常に近づいている。しかし、それはまた、非日常的な意識状態の広大なスペクトルを垣間見るものでもある...コルトレーンの突破口を求める切実な思いは、バンドとセッション自体の生命力によって謙虚にされる...ここには奇妙で恐ろしい純粋さがあり、近づきたくないが、敬意を払う必要がある...コルトレーンは絶えず上昇し続け、何度も何度も、ただ神に門を開けて欲しいと願いながら、その間ずっと、門を閉じたままでいてほしいと懇願している。」^[20]

注: 一部の CD 構成では「Om」が 1 つのトラックでしたが、他の構成では元の LP レコードの 2 トラック構成が維持されていました。

• ジョン・コルトレーン-テナーサックスとソプラノ サックス
• ファラオ・サンダース-テナーサックス
• ドナルド・ラファエル・ギャレット-コントラバスとクラリネット
• ジョー・ブラジル-フルート
• マッコイ・タイナー-ピアノ
• ジミー・ギャリソン-ベース
• エルヴィン・ジョーンズ-ドラム